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LEE FRIEDLANDER – THE MIND AND THE HAND

Dans les années 1960 et 1970, Lee Friedlander (né en 1934) a développé son approche originale pour documenter le « paysage social » américain, à savoir des photographies en noir et blanc d’apparence complexe, de tout ce qui passait devant son objectif. Mais alors qu’il se faisait un nom dans le monde de la photographie documentaire, capturant l’aspect et la sensation de la vie américaine moderne, il photographiait aussi ses amis les plus proches, une pratique qu’il a poursuivi tout au long de sa longue carrière. Publié par les éditions américaines Eakins Press Foundation dans un très beau coffret comprenant six livres, The Mind and the Hand présente les portraits intimes de six de ses meilleurs amis pris au cours des cinq dernières décennies. Les sujets, présentés chacun dans leur propre volume, font partie des photographes les plus influents de l’une des périodes les plus fertiles du média en Amérique : Richard Benson, William Christenberry, William Eggleston, Walker Evans, John Szarkowski et Garry Winogrand. Ce sont eux qui, des décennies durant, étaient cachés derrière l’appareil photo, mais aujourd’hui, ces clichés intimes en noir et blanc de Friedlander, dont la majorité n’ont encore jamais été dévoilés au public, nous révèlent ces géants de la photographie comme on ne les a jamais vu auparavant : tenant leur bébé, à la plage, à table, jouant du piano, fumant des cigarettes ou prenant un verre de vin ou deux. Chaque volume commence par une citation pertinente de son sujet. Le coffret, contenant un total de 240 pages, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE

À l’occasion de la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) -Japanese Photography in the Context of Provoke présentée au Bombas Gens, centre d’Art de Valence, Espagne (du 22 février 2019 au 2 février 2020), qui présente une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon, les éditions La Fábrica publient un magnifique catalogue de l’exposition. L’ouvrage compte 200 images qui retracent l’art japonais à partir de 1950, en accordant une attention particulière à la photographie et aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. La revue Provoke ne publia que trois numéros, mais elle changea à jamais la photographie japonaise. La manière expérimentale dont les images ont été montrées, conséquence d’une époque marquée par des événements politiques importants, est devenue un phénomène et une tendance adoptée par de nombreux autres photographes japonais. Ce livre présente le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya. Il comprend également des essais de la commissaire Nuria Enguita et d’experts tels que Miryam Sas et Akihito Yasumi. Le livre de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions espagnoles La Fábrica, ainsi que sur Amazon.com.

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HENRY WESSEL – A DARK THREAD – PARIS

La Maison Européenne de la Photographie (Paris) accueille depuis la semaine dernière A Dark Thread, la première grande exposition en France du photographe américain Henry Wessel, dont la carrière s’écrit sur près de cinquante ans. Wessel aimait passer en revue ses archives de planches-contacts et mettre en perspective des photographies prises à des décennies d’écart. Pour ce grand amateur de films noirs, ces rapprochements formels constituaient les débuts possibles d’un scenario d’intrigues. L’exposition met en lumière trois séries. À l’instar d’un story-board, Incidents suit l’ordre précis constitué par Henry Wessel, selon un procédé de correspondances visuelles qui lui était cher. Sunset Park rassemble des prises de vue nocturnes, invitant à une plongée dans l’ambiance mystérieuse des nuits californiennes. Enfin, toujours en suivant un jeu de rapprochements visuels, Henry Wessel avait commencé, avant son décès en septembre 2018, à reconstituer avec les équipes de la MEP la troisième série de l’exposition : A Dark Thread, présentée sous cette forme pour la première fois. Son univers unique et mystérieux se retrouve dans l’ensemble des ses images, comme un « fil noir » les liant les unes aux autres. L’exposition est également l’occasion de redonner sa place à l’un des artistes de la grande exposition de 1975 New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape. Jusqu’au 25 août 2019.

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JASON VAUGHN AND BRAD ZELLAR – DRIFTLESS

Les éditions TBW Books viennent de publier le nouvel ouvrage de Jason Vaughn, Driftless. Les images de ce projet ont été prises par le photographe américain Jason Vaughn au cours d’une période de sa vie qui l’a vu errer pendant un an dans une région du Wisconsin connue familièrement sous le nom de Driftless Area, du nom du terrain accidenté formé par un manque d’écoulement glaciaire continental (drift). Cette résidence temporaire de Vaughn dans cette petite ville appelée La Crosse semble décrire le paysage autant que ses habitants. Alors qu’il vivait dans un appartement loué au bord du Mississippi, dans l’attente de la naissance de son deuxième enfant, et au début d’un deuxième chapitre de sa vie à la suite d’un cancer, le photographe a tenté de créer une communauté malgré son statut de visiteur de passage. Au cours de cette période de transition, ses promenades quotidiennes n’ont pas seulement nourri sa pratique artistique, mais lui ont également permis d’avoir des moments de clarté et d’appartenance pour se fondre dans le décor. Poursuivant dans cet esprit d’expérience partagée mais éphémère, le montage final de l’œuvre a été confié à l’auteur et journaliste Brad Zellar, qui a prêté ses propres méandres verbaux aux images, intégrant une narration contrastée mais complémentaire au livre. Parmi ses mots, à la fois désinvoltes mais aussi fatigués du monde, on retrouve un sentiment de légèreté sophistiquée, exacerbant des sentiments d’espoir plutôt que de désespoir. Tout en créant les images de Driftless, Vaughn laisse entendre que vivre au bord de la rivière lui a permis de contempler l’expérience humaine d’une nouvelle façon et de méditer sur ” le processus par lequel les gens peuvent dériver dans un espace, se loger, devenir permanents, se libérer et se déplacer vers un nouvel endroit “. Le photographe explique: ” L’un des thèmes principaux est la façon dont les gens dérivent, s’emmêlent quelque part souvent par pure coïncidence, et parfois, mais pas toujours, s’échappent. Les débris et la glace qui flottaient sur la rivière en étaient une représentation visuelle très pertinente pour moi lorsque j’étais là-bas. Plusieurs des photos du projet montrent ces éléments flottants ou suggèrent l’activité et les changements constants qui se produisent sur la rivière. J’ai eu beaucoup de chance de vivre là-bas, car c’est une muse très inspirante “. En duo, Vaughn et Zellar s’aident mutuellement à tisser un récit jusqu’à ce que leurs voix semblent s’unir. Chaque moment fugace ajoute une couche de sens, transformant, au fil du temps, une conversation en une histoire partagée. Ce très bel ouvrage de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions TBW Books.

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MARK POWER – GOOD MORNING, AMERICA (VOLUME ONE)

Au cours de ces six dernières années, le photographe Mark Power – membre de la célèbre agence Magnum depuis 2007, a parcouru les États-Unis pour créer le récit visuel complexe d’un pays en pleine mutation. Publié par les excellentes éditions britanniques Gost Books, ce nouveau livre, Good Morning, America (Volume One), représente une exploration personnelle et pertinente du paysage naturel et culturel américain, et de la divergence entre la réalité et le mythe. L’ouvrage est le premier d’une série de cinq livres du photographe britannique qui seront produits au cours des cinq prochaines années, projet s’étalant sur près de dix ans, alors qu’il parcourt le vaste pays en se perdant dans les villes et les villages qu’il rencontre. Power explique: « J’ai toujours voulu explorer l’Amérique, une ambition nourrie par la pléthore d’émissions de télé qui ont traversé l’Atlantique dans les années 60. Jeune enfant impressionnable, j’ai dévoré Des Agents très spéciaux et Le fugitif, mais ce sont les westerns, évoquant un paysage complètement éloigné des banlieues anglaises bouillonnantes qui m’entouraient, que j’aimais le plus: BonanzaHigh ChaparralThe Virginian, Casey Jones… J’ai commencé – sans m’en rendre compte à l’époque – à chercher inconsciemment l’Amérique qui avait vécu dans mon imagination, celle qui avait vu le jour durant mon enfance, celle qui n’a probablement jamais existé du tout. » Publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books. Une édition spéciale limitée à 50 exemplaires signés par l’artiste et contenant un cliché numéroté et signé par le photographe est également disponible ici.

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GARY BRIECHLE – MAINE

Les éditions américaines Twin Palms viennent de publier le second ouvrage du photographe américain Gary Briechle, Maine. Briechle a noué des relations fortes avec les gens qu’il photographie depuis qu’il a emménagé dans le Maine, il y a près de 20 ans. Cela confère à son œuvre une intimité particulière, comme si les clichés avaient été prises par un membre de la famille. Reconnu internationalement pour son authenticité, le photographe marche à l’instinct et photographie en toute modestie sa famille, ses amis ou les étrangers qu’il rencontre chez lui, dans les environs de Rockland, dans le Maine. Il est un explorateur du quotidien, d’un moment « dans les mystères de notre monde ». Vivant et travaillant dans cet État de l’extrême nord-est des États-Unis, il n’éprouve pas le besoin de voyager pour faire des photos. “Tout ce qui m’inspire se trouve à quelques kilomètres de chez moi. Parfois, je pense que le Maine est comme ma famille d’accueil ; je ne suis pas vraiment à l’aise et je ne me sentirai probablement jamais complètement installé, mais le Maine continue de me nourrir.” Les thèmes récurrents sont la naissance et la mort, mais aussi la décadence humaine et les blessures profondes liées à nos tentatives infructueuses pour changer le monde. Ses photographies ont été publiées à plusieurs reprises dans le New York Times Magazine et il a reçu en 2015 le prix Guggenheim Fellowship in Photography. Publié dans une éditions tirée à 1500 exemplaires, ce très beau livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Twin Palms, ainsi que sur Amazon.com.

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BOBBY DOHERTY – SEABIRD

Publié par les éditions britanniques Loose Joints, Seabird est un livre de moments du quotidien observés par le photographe américain Bobby Doherty, entre 2014 et 2018. Ancien photographe pour le New York Magazine, Doherty fait des photos qui vont droit au but. Au premier coup d’œil, certains clichés d’oiseaux de mer semblent magnifiquement simplifiées à l’extrême, les objets et les situations se simplifient jusqu’à leurs éléments constitutifs les plus épurés; le verre le plus translucide sur la nappe la plus rouge, la rosée la plus humide sur la feuille la plus tendre… Doherty s’empresse d’embrasser à la fois le sens et l’insignifiance de la vie de tous les jours: des paysages et des portraits bucoliques et émotifs côtoient des déchets urbains, des animaux, des aliments et des fleurs. Ce qui ressort de son œuvre ressemble à un égalitarisme photographique, où le minuscule et l’énorme, le banal et le sublime, coexistent sur les pages. “Je ne remets pas trop souvent en question mes motivations en tant que photographe”, avoue le photographe. “Les rares fois où j’ai tenté de synthétiser ce que j’essaie vraiment de faire avec la photographie n’ont jamais fait que soulever des doutes”, poursuit-il. “Il est difficile pour moi d’expliquer mon style. Je prends juste des photos de choses que j’aime avec le moins d’hésitation possible.” Malgré sa réputation de photographe de natures mortes, Bobby Doherty tient à éviter la catégorisation ou la suranalyse de ses images, se plaçant dans la lignée de ceux qui ont une impérieuse volonté de toujours photographier, de façon constante et extensive, sans souci de cohésion ou de rétrospection. Dans ce contexte, Seabird devient une mosaïque d’images résolument humaine, suggérant le changement d’humeur, ou le basculement des émotions. En un clin d’œil, l’œuvre saute du kitsch des cartes de vœux Hallmark à la juxtaposition sarcastique, du stéréotypé à l’absurde. L’ouvrage de 224 pages est maintenant disponible sur site loosejoints.biz.

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HELEN LEVITT – MONOGRAPH

Helen Levitt (1913-2009) est l’une des figures de proue de la photographie de rue. C’est dans les années 1930 que cet observatrice et chroniqueuse passionnée de la vie dans les rues de New York a commencé à prendre des photos des habitants de quartiers pauvres tels que le Lower East Side, le Bronx et Harlem. Avec un œil pour le surréalisme et l’ironie des détails, elle passera de nombreuses décennies à immortaliser les gens du quotidien dans des compositions dynamiques: des enfants en train de jouer, des passants qui prennent la pose, des couples qui discutent. Le langage pictural non sentimental de Levitt donne lieu à un spectacle humoristique et théâtral, qui se situe au-delà de tout cliché documentaire moral ou social. Son utilisation de la couleur était révolutionnaire: Levitt fait partie de ces photographes qui ont été les pionniers de la couleur comme moyen d’expression artistique. Publié par les éditions allemandes Kehrer à l’occasion de sa grande rétrospective au Musée Albertina de Vienne (du 11/10/2018 au 27/01/2019), cette nouvelle monographie présente près de 130 œuvres iconiques de la photographe américaine. Bon nombre de ces clichés proviennent de la collection personnelle d’Helen Levitt, et ce très bel ouvrage les dévoile pour la première fois au public. On y retrouve notamment ses premières photographies surréalistes de dessins à la craie, sa série de 1941 prise au Mexique, ainsi que ses portraits clandestins de passagers du métro new-yorkais que Walker Evans l’encourage à faire dès 1938. Ce très bel ouvrage de 232 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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MORTEN ANDERSEN – FAST CITIES

Morten Andersen est l’une des figures emblématiques de la photographie en Norvège. À travers la publication d’une vingtaine d’ouvrages de photographie et de nombreuses expositions, il nous fait découvrir sa vision parfois sombre de l’humanité. Le photographe de 52 ans témoigne de son environnement et s’exprime en créant ses propres histoires d’existence quotidienne, de mondes étranges, de nature silencieuse et de personnages inhabituels. Son œuvre occupe un espace unique entre l’objectif et le subjectif, l’illusoire et le réel. En tournant son objectif vers de vrais lieux et de vraies personnes, il soulève aussi des questions culturelles, historiques et politiques. Publié par les éditions suédoises Journal, Fast Cities est le nouveau livre de Morten Andersen. Avec sa grande curiosité, son appareil photo et des bottes de marche, il est parti explorer les rues de Mexico, Le Caire, Mumbai, Kolkata, Dacca, Shanghai, Sao Paulo, Jakarta et Lagos. Toutes des mégalopoles de 10 millions d’habitants ou plus, parfois jusqu’à 20 lorsque l’on y ajoute les banlieues. Des villes de deux à trois, ou quatre fois plus peuplées que sa Norvège natale. À l’inverse de nombreux projets photographiques sur les métropoles mettant en avant les architectures spectaculaires, le photographe norvégien s’est davantage concentré sur l’élément humain et l’énergie de la ville, sur le terrain. À travers les clichés à la teinte bleutée de Mortensen, on découvre comment les gens bougent, regardent, jouent, dansent… des petites tranches de vies issues des grandes villes. L’ouvrage de 304 pages, finaliste pour le prix du Livre des Rencontres d’Arles 2018, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Journal.

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FRED W. MCDARRAH – NEW YORK SCENES

Au cours de ses 50 années de collaboration avec le Village Voice, Fred W. McDarrah (1926-2007) a couvert les différentes scènes de Downtown New York, produisant un témoignage visuel encyclopédique sans égal des personnes, des mouvements et des événements. Le photographe américain fréquentait les bars, les cafés et les galeries où se réunissaient écrivains, artistes et musiciens, et il était toujours le bienvenu dans les appartements et les lofts de l’aristocratie culturelle avant-gardiste de la ville. Il capture ainsi grand nombre de moments décisifs: Jack Kerouac en train de lire de la poésie, Bob Dylan traînant sur Sheridan Square, Andy Warhol en plein tournage dans la Factory, les émeutes de Stonewall… À travers son objectif, on assiste à la naissance mythique d’idées et d’attitudes qui continuent à façonner le caractère et l’attrait du New York d’aujourd’hui. Publié par les éditions Abrams Books, New York Scenes présente près de 300 photos noir et blanc originales allant de la fin des années 1950 au milieu des années 1970: les images les plus emblématiques de McDarrah, ainsi que des œuvres inédites tirées de ses nombreuses archives. Un essai introductif de Sean Wilentz décrit de manière vivante comment le photographe a enregistré la transformation de Greenwich Village, d’une scène bohème locale en un mouvement mondial. «Fred a laissé derrière lui une œuvre sans précédent de l’intérieur de cet espace toujours changeant tel qu’il existait dans le Greenwich Village du milieu du siècle, quand, pendant un certain temps, il a secoué la nation et le monde. Personne n’a jamais été aussi proche pour le dépeindre comme Fred l’a fait, et toute future chronique bohème sera forcément photographiée différemment. Il était au bon endroit au bon moment, et quand la chance est venue pour lui d’en tirer le meilleur parti, il ne s’est pas planté. Donc, tant qu’il y aura des spectateurs attentifs, l’esprit de Fred W. McDarrah, l’esprit de ces images, racontera ses histoires magiques.» Le livre de 248 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books, ainsi que sur Amazon.com.

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