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DR. PAUL WOLFF & TRITSCHLER – LIGHT AND SHADOW

Publié par les éditions Kehrer, Light and Shadow marque la redécouverte de deux des photographes allemands les plus célèbres des années 1930: Paul Wolff (1887-1951) et Alfred Tritschler (1905-1970). Les deux photographes sont aujourd’hui encore reconnus comme des pionniers de l’utilisation du Leica, précurseurs d’un style toujours plus vivant dans la photographie d’illustration et le reportage. En outre, leur œuvre, estimée à 700 000 clichés, reflète plusieurs chapitres de l’histoire allemande : du réveil culturel pendant les années de la République de Weimar, en passant par le Troisième Reich, jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle d’importantes parties des archives Wolff furent également détruites. En termes d’esthétique formelle, Wolff & Tritschler ont fait preuve d’un équilibre entre le conventionnel et le mouvement artistique de la Nouvelle Objectivité, entre le style traditionnel germanique et le courant photographique de la Nouvelle Vision qui adopte des angles inédits (plongée, contre-plongée, vision latérale). Il n’existe pratiquement aucun sujet que Wolff & Tritschler n’aient pas réussi à couvrir. Leur œuvre photographique façonne notre conception de l’ancien ou du “Nouveau Francfort” tout autant qu’il suscite notre nostalgie des lieux lointains, comme en témoignent leurs clichés de voyages en voiture, en bateau ou à bord d’un Zeppelin. En résumé, ce ne sont pas les contradictions qui manquent dans le travail de Wolff & Tritschler depuis trois décennies. Mais c’est précisément ce qui fait de leur œuvre, qui oscille entre prestation de services et aspiration artistique, entre avant-garde et adaptation, un témoin essentiel de leur époque, en amont d’une véritable révolution photographique. Cet imposant ouvrage de 464 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE – VALENCIA

Le Bombas Gens, centre d’Art de Valence accueille du 22 février 2019 au 2 février 2020 la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) – Japanese Photography in the Context of Provoke. On y découvre une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon. L’exposition présente plusieurs centaines d’images qui retracent l’histoire de la photographie japonaise à partir de 1950, en accordant une attention particulière aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. On peut ainsi y découvrir le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya.

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CHRISTOPHER ANDERSON – COP

Christopher Anderson, membre de la prestigieuse agence Magnum Photos, fait partie des photographes contemporains les plus influents. Son œuvre visuelle défie toute catégorisation puisqu’elle se situe entre les mondes du documentaire, de l’art, de la photographie commerciale et de la photographie de mode. Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, COP est le dernier ouvrage en date du photographe canadien, qui fait suite à Approximate Joy (voir ici), superbe série de portraits de la Chine contemporaine. Anderson commence à photographier les policiers de New-York en 2001, peu de temps après l’attaque du 11 septembre. Le paysage urbain commence déjà à changer à l’époque, avec des officiers plus lourdement armés, l’installation de barricades anti-émeute et une augmentation généralisée de la sécurité dans les rues de la ville. Même si celle-ci est en partie installée pour rassurer les New-yorkais, un premier sentiment d’instabilité s’installe. Anderson reprend la série après le mouvement Occupy Wall Street, la mort d’Eric Garner et l’élection de Trump, sous la forme d’une protestation plus large et inconsciente de l’autorité en place. Dans ce nouvel ouvrage, le photographe présente les images certes comme une critique du pouvoir en place mais aussi avec un nouveau regard, accompagné d’une quasi sentimentalité nostalgique pour un New-York qui n’existe plus. Il explique: «J’ai vu le portrait d’une classe ouvrière immigrée en Amérique. L’uniforme ne servait que de lien pour accrocher un échantillon de section transversale. Les photographies ressemblaient davantage à une lettre d’amour à New York ». Le livre de 88 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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GIULIO DI STURCO – GANGA MA

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Ganga Ma est le résultat d’un voyage photographique de dix ans le long du Gange par Giulio Di Sturco. Le photographe italien documente les effets de la pollution, de l’industrialisation et du changement climatique. Le projet suit le fleuve sur plus de 4000 km, de sa source dans l’Himalaya en Inde jusqu’à son delta dans la baie du Bengale au Bangladesh. Di Sturco explique: « Le personnage principal de mon histoire est une entité non humaine : une rivière. J’ai décidé de la traiter comme un être humain et de créer un flux qui documenterait la rivière comme si je documentais la vie d’une personne. J’ai pensé qu’il était significatif qu’en 2017, Mère Ganga ait été reconnue comme une entité vivante par la Haute Cour de l’Etat d’Uttarakhand. » Lorsque que le photographe commence à documenter le Gange en 2007, le fleuve est au bord d’une crise humanitaire et d’un désastre écologique, devenant ainsi une métaphore de l’approche conflictuelle de l’homme face à la nature, à la fois vénérée et profanée. L’utilisation du moyen format lui a permis de ralentir les choses, de se rapprocher de ses sujets et d’obtenir un haut niveau de détail et de précision des couleurs. Les clichés du livre combinent une réponse esthétique et picturale au teint et à l’atmosphère du Gange avec des éléments du détachement observationnel de la photographie documentaire. Les perspectives des vues panoramiques du livre montrent les structures construites par l’homme telles que les ponts ou l’architecture illégale d’extraction de sable, et font écho à la tradition de la peinture épique de paysage. Ces images sont combinées à des photographies prises sur les rives du fleuve, illustrant les effets de l’industrialisation à l’échelle humaine. Le livre de 136 pages comprend des textes de l’auteure et militante écologiste, le Dr Vandana Shiva, et du conservateur Eimear Martin. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books, ainsi que sur Amazon.com.

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LEE FRIEDLANDER – THE MIND AND THE HAND

Dans les années 1960 et 1970, Lee Friedlander (né en 1934) a développé son approche originale pour documenter le « paysage social » américain, à savoir des photographies en noir et blanc d’apparence complexe, de tout ce qui passait devant son objectif. Mais alors qu’il se faisait un nom dans le monde de la photographie documentaire, capturant l’aspect et la sensation de la vie américaine moderne, il photographiait aussi ses amis les plus proches, une pratique qu’il a poursuivi tout au long de sa longue carrière. Publié par les éditions américaines Eakins Press Foundation dans un très beau coffret comprenant six livres, The Mind and the Hand présente les portraits intimes de six de ses meilleurs amis pris au cours des cinq dernières décennies. Les sujets, présentés chacun dans leur propre volume, font partie des photographes les plus influents de l’une des périodes les plus fertiles du média en Amérique : Richard Benson, William Christenberry, William Eggleston, Walker Evans, John Szarkowski et Garry Winogrand. Ce sont eux qui, des décennies durant, étaient cachés derrière l’appareil photo, mais aujourd’hui, ces clichés intimes en noir et blanc de Friedlander, dont la majorité n’ont encore jamais été dévoilés au public, nous révèlent ces géants de la photographie comme on ne les a jamais vu auparavant : tenant leur bébé, à la plage, à table, jouant du piano, fumant des cigarettes ou prenant un verre de vin ou deux. Chaque volume commence par une citation pertinente de son sujet. Le coffret, contenant un total de 240 pages, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE

À l’occasion de la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) -Japanese Photography in the Context of Provoke présentée au Bombas Gens, centre d’Art de Valence, Espagne (du 22 février 2019 au 2 février 2020), qui présente une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon, les éditions La Fábrica publient un magnifique catalogue de l’exposition. L’ouvrage compte 200 images qui retracent l’art japonais à partir de 1950, en accordant une attention particulière à la photographie et aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. La revue Provoke ne publia que trois numéros, mais elle changea à jamais la photographie japonaise. La manière expérimentale dont les images ont été montrées, conséquence d’une époque marquée par des événements politiques importants, est devenue un phénomène et une tendance adoptée par de nombreux autres photographes japonais. Ce livre présente le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya. Il comprend également des essais de la commissaire Nuria Enguita et d’experts tels que Miryam Sas et Akihito Yasumi. Le livre de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions espagnoles La Fábrica, ainsi que sur Amazon.com.

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HENRY WESSEL – A DARK THREAD – PARIS

La Maison Européenne de la Photographie (Paris) accueille depuis la semaine dernière A Dark Thread, la première grande exposition en France du photographe américain Henry Wessel, dont la carrière s’écrit sur près de cinquante ans. Wessel aimait passer en revue ses archives de planches-contacts et mettre en perspective des photographies prises à des décennies d’écart. Pour ce grand amateur de films noirs, ces rapprochements formels constituaient les débuts possibles d’un scenario d’intrigues. L’exposition met en lumière trois séries. À l’instar d’un story-board, Incidents suit l’ordre précis constitué par Henry Wessel, selon un procédé de correspondances visuelles qui lui était cher. Sunset Park rassemble des prises de vue nocturnes, invitant à une plongée dans l’ambiance mystérieuse des nuits californiennes. Enfin, toujours en suivant un jeu de rapprochements visuels, Henry Wessel avait commencé, avant son décès en septembre 2018, à reconstituer avec les équipes de la MEP la troisième série de l’exposition : A Dark Thread, présentée sous cette forme pour la première fois. Son univers unique et mystérieux se retrouve dans l’ensemble des ses images, comme un « fil noir » les liant les unes aux autres. L’exposition est également l’occasion de redonner sa place à l’un des artistes de la grande exposition de 1975 New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape. Jusqu’au 25 août 2019.

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JASON VAUGHN AND BRAD ZELLAR – DRIFTLESS

Les éditions TBW Books viennent de publier le nouvel ouvrage de Jason Vaughn, Driftless. Les images de ce projet ont été prises par le photographe américain Jason Vaughn au cours d’une période de sa vie qui l’a vu errer pendant un an dans une région du Wisconsin connue familièrement sous le nom de Driftless Area, du nom du terrain accidenté formé par un manque d’écoulement glaciaire continental (drift). Cette résidence temporaire de Vaughn dans cette petite ville appelée La Crosse semble décrire le paysage autant que ses habitants. Alors qu’il vivait dans un appartement loué au bord du Mississippi, dans l’attente de la naissance de son deuxième enfant, et au début d’un deuxième chapitre de sa vie à la suite d’un cancer, le photographe a tenté de créer une communauté malgré son statut de visiteur de passage. Au cours de cette période de transition, ses promenades quotidiennes n’ont pas seulement nourri sa pratique artistique, mais lui ont également permis d’avoir des moments de clarté et d’appartenance pour se fondre dans le décor. Poursuivant dans cet esprit d’expérience partagée mais éphémère, le montage final de l’œuvre a été confié à l’auteur et journaliste Brad Zellar, qui a prêté ses propres méandres verbaux aux images, intégrant une narration contrastée mais complémentaire au livre. Parmi ses mots, à la fois désinvoltes mais aussi fatigués du monde, on retrouve un sentiment de légèreté sophistiquée, exacerbant des sentiments d’espoir plutôt que de désespoir. Tout en créant les images de Driftless, Vaughn laisse entendre que vivre au bord de la rivière lui a permis de contempler l’expérience humaine d’une nouvelle façon et de méditer sur ” le processus par lequel les gens peuvent dériver dans un espace, se loger, devenir permanents, se libérer et se déplacer vers un nouvel endroit “. Le photographe explique: ” L’un des thèmes principaux est la façon dont les gens dérivent, s’emmêlent quelque part souvent par pure coïncidence, et parfois, mais pas toujours, s’échappent. Les débris et la glace qui flottaient sur la rivière en étaient une représentation visuelle très pertinente pour moi lorsque j’étais là-bas. Plusieurs des photos du projet montrent ces éléments flottants ou suggèrent l’activité et les changements constants qui se produisent sur la rivière. J’ai eu beaucoup de chance de vivre là-bas, car c’est une muse très inspirante “. En duo, Vaughn et Zellar s’aident mutuellement à tisser un récit jusqu’à ce que leurs voix semblent s’unir. Chaque moment fugace ajoute une couche de sens, transformant, au fil du temps, une conversation en une histoire partagée. Ce très bel ouvrage de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions TBW Books.

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MARK POWER – GOOD MORNING, AMERICA (VOLUME ONE)

Au cours de ces six dernières années, le photographe Mark Power – membre de la célèbre agence Magnum depuis 2007, a parcouru les États-Unis pour créer le récit visuel complexe d’un pays en pleine mutation. Publié par les excellentes éditions britanniques Gost Books, ce nouveau livre, Good Morning, America (Volume One), représente une exploration personnelle et pertinente du paysage naturel et culturel américain, et de la divergence entre la réalité et le mythe. L’ouvrage est le premier d’une série de cinq livres du photographe britannique qui seront produits au cours des cinq prochaines années, projet s’étalant sur près de dix ans, alors qu’il parcourt le vaste pays en se perdant dans les villes et les villages qu’il rencontre. Power explique: « J’ai toujours voulu explorer l’Amérique, une ambition nourrie par la pléthore d’émissions de télé qui ont traversé l’Atlantique dans les années 60. Jeune enfant impressionnable, j’ai dévoré Des Agents très spéciaux et Le fugitif, mais ce sont les westerns, évoquant un paysage complètement éloigné des banlieues anglaises bouillonnantes qui m’entouraient, que j’aimais le plus: BonanzaHigh ChaparralThe Virginian, Casey Jones… J’ai commencé – sans m’en rendre compte à l’époque – à chercher inconsciemment l’Amérique qui avait vécu dans mon imagination, celle qui avait vu le jour durant mon enfance, celle qui n’a probablement jamais existé du tout. » Publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books. Une édition spéciale limitée à 50 exemplaires signés par l’artiste et contenant un cliché numéroté et signé par le photographe est également disponible ici.

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GARY BRIECHLE – MAINE

Les éditions américaines Twin Palms viennent de publier le second ouvrage du photographe américain Gary Briechle, Maine. Briechle a noué des relations fortes avec les gens qu’il photographie depuis qu’il a emménagé dans le Maine, il y a près de 20 ans. Cela confère à son œuvre une intimité particulière, comme si les clichés avaient été prises par un membre de la famille. Reconnu internationalement pour son authenticité, le photographe marche à l’instinct et photographie en toute modestie sa famille, ses amis ou les étrangers qu’il rencontre chez lui, dans les environs de Rockland, dans le Maine. Il est un explorateur du quotidien, d’un moment « dans les mystères de notre monde ». Vivant et travaillant dans cet État de l’extrême nord-est des États-Unis, il n’éprouve pas le besoin de voyager pour faire des photos. “Tout ce qui m’inspire se trouve à quelques kilomètres de chez moi. Parfois, je pense que le Maine est comme ma famille d’accueil ; je ne suis pas vraiment à l’aise et je ne me sentirai probablement jamais complètement installé, mais le Maine continue de me nourrir.” Les thèmes récurrents sont la naissance et la mort, mais aussi la décadence humaine et les blessures profondes liées à nos tentatives infructueuses pour changer le monde. Ses photographies ont été publiées à plusieurs reprises dans le New York Times Magazine et il a reçu en 2015 le prix Guggenheim Fellowship in Photography. Publié dans une éditions tirée à 1500 exemplaires, ce très beau livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Twin Palms, ainsi que sur Amazon.com.

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