Search Results for: aie

NIK ROCHE – THE BUDGIE DIED INSTANTLY

Nik Roche est un photographe documentaire installé au Pays de Galles. C’est assez tard qu’il se découvre une passion et un intérêt pour la photographie, après une carrière de paysagiste. Roche documente la vie et la complexité des individus, et s’intéresse particulièrement au changement social et à l’impact des institutions sur le comportement humain. Il et est actuellement en maîtrise de photographie documentaire à la prestigieuse University of South Wales. Avec une approche résolument humaniste, son style de photographie immersif est le résultat d’une démarche très curieuse à l’égard du monde. Il cherche toujours à raconter l’histoire des personnes impliquées dans ses projets de la manière la plus sincère et réaliste possible. “Mon rôle de photographe, explique Roche, consiste à proposer des récits alternatifs et à déjouer les idées préconçues.” Publiée par les éditions britanniques Setanta Books, The Budgie Died Instantly est la première publication de Nik Roche. Le livre combine clichés, notes manuscrites et conversations transcrites pour créer un récit intime, complexe et à plusieurs dimensions. Roche décrit sa série comme un “documentaire totalement immersif de l’expérience humaine… sans jugement moral, dans une tentative de sensibilisation à l’impact et aux effets secondaires de l’internement et de la dépendance”. Le photographe explique: “L’histoire se déroulait sous mes yeux mais, pour la comprendre, j’avais besoin d’en faire partie. J’ai été très impliqué, en m’immergeant avec les personnes que j’ai photographiées. Certaines des histoires et des images n’auraient pas été possibles sans une compréhension et une confiance mutuelles.” L’ouvrage de 128 pages, publié dans une édition limitée à 500 exemplaires signés, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

Continue reading

ALESSANDRA SANGUINETTI – THE ADVENTURES OF GUILLE AND BELINDA AND THE ILLUSION OF AN EVERLASTING SUMMER

La photographe argentine Alessandra Sanguinetti rencontre en 1999 Guille et Belinda, deux cousines de dix et neuf ans qui vivent non loin de la ferme de ses parents. Fascinée par leur relation fusionnelle, leurs jeux et leur univers, elle les suivra pendant cinq ans jusqu’à leur adolescence. Ce livre présente le retour de la photographe dans la campagne argentine pour poursuivre sa collaboration intime avec Belinda et Guillermina, ces deux cousines qui, lorsqu’elles étaient plus jeunes, avaient fait l’objet du premier titre de sa série en cours, The adventures of Guille and Belinda paru en avril 2010. Dans ce deuxième volume, publié par les éditions britanniques Mack, The Illusion of An Everlasting Summer, le lecteur suit les deux filles, de 14 à 24 ans, dans leur parcours entre l’adolescence et le début de l’âge adulte. Toujours entourées des animaux et des paysages ruraux de leur enfance, le livre dépeint la vie quotidienne des deux cousines, qui vivent un amour, une grossesse et une maternité précoce, ce qui, peut-être inévitablement, les rend de plus en plus indépendantes l’une de l’autre et de leur famille. De même, nous pouvons sentir un changement dans la relation de Sanguinetti avec les cousines, ainsi que l’œuvre elle-même : de compagnons d’enfance insulaires à trois femmes dont les vies se ramifient dans des directions différentes. Bien que le passage du temps soit l’une des tensions les plus palpables à l’œuvre dans ces photographies, The Illusion of An Everlasting Summer approfondit l’exploration par Sanguinetti du langage intemporel et universel de l’intimité et de l’amitié féminine. Ce très bel ouvrage est maintenant disponible en version normale et version signée (qui contient une photographie signée par l’artiste et collée à l’intérieur de la quatrième de couverture) sur la boutique en ligne des éditions Mack.

Continue reading

PAUL GRAHAM – A1 – THE GREAT NORTH ROAD

En 1981, Paul Graham achève son premier travail reconnu en photographiant la vie de l’une des artères principales d’Angleterre. Composée de photographies couleur, sa série s’intitule A1- The Great North Road, publiée en 1983, et qui ressort aujourd’hui grâce aux éditions britanniques Mack. Bien que le Royaume-Uni ait alors une scène photographique dynamique, il n’existait cependant qu’une poignée de livres monographiques – Chris Killip et Martin Parr en avaient réalisé un chacun – et aucun éditeur ou distributeur spécialisé. Graham a dû auto-publier A1, mais son premier livre couleur a eu un impact surprenant sur la photographie britannique. Alliant la tradition du documentaire social à l’approche nouvelle de la couleur, l’ouvrage a transformé la photographie au Royaume-Uni et a ouvert la voie à l’émergence d’une nouvelle génération de photographes couleur britanniques, de Nick Waplington à Anna Fox, Richard Billingham à Tom Wood. S’étendant sur toute la longueur de la Grande-Bretagne et jusqu’à Édimbourg, Graham a voyagé à plusieurs reprises le long de la «Great North Road» avec un appareil photo grand format, pour immortaliser les gens, les bâtiments et les paysages de la Grande-Bretagne du début des années 1980. Le livre, qui fête aujourd’hui ses 40 ans, est autant une œuvre artistique qu’un document historique sur les années du gouvernement de Margaret Thatcher et sur le déclin de la société industrielle du Royaume-Uni. L’ouvrage de 96 pages est maintenant disponible en version normale et version signée par le photographe sur la boutique en ligne des éditions Mack.

Continue reading

MARGARET DUROW – 002

L’ouvrage 002 de la jeune photographe américaine Margaret Durow est la deuxième édition d’une collaboration en cours entre les éditions britanniques Setanta Books et la galerie Open Doors, qui publie les travaux de photographes émergents du monde entier. Durow, qui nous livre ici sa vision contemplative du monde, revient sur ce nouveau projet: “La plupart de mes travaux ont été photographiés dans le Wisconsin, où j’ai vécu toute ma vie. Lorsque j’avais cinq ans, une tumeur bénigne a été découverte dans ma colonne lombaire, ce qui a progressivement fait courber ma colonne au fil du temps. En 2007, j’ai connu de graves complications à la suite de l’opération qui a permis de redresser et de souder ma colonne vertébrale en place. Onze ans plus tard, j’ai subi d’autres opérations de reconstruction de la colonne vertébrale qui ont échoué et ont entraîné des déficiences supplémentaires. La photographie me permet d’exprimer ce que je ressens, et de transformer la douleur et l’isolement de mon corps déformé et handicapé en beauté et en force. J’essaie de refléter ce que je ressens à l’intérieur lorsque je capture les changements subtils de lumière, d’humeur et de paysages qui m’entourent. Je prends des photos pour me souvenir de ce que je ressens.” En explorant la nature transitoire de la mémoire, Durow utilise la photographie comme un outil pour préserver un sentiment. Elle donne ainsi à son travail une qualité intime et pertinente alors qu’elle documente le monde qui l’entoure. Le livre de 48 pages, enveloppé dans une pochette cartonnée et produit dans une édition limitée à 250 exemplaires (dont 30 exemplaires accompagnés d’un tirage 150mm x 200mm signé et numéroté), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books, ainsi que sur le site de la galerie Open Doors.

Continue reading

MARIA SVARBOVA – FUTURO RETRO

Bien qu’elle n’ait jamais consciemment fait l’expérience du socialisme soviétique, le nouveau livre de l’artiste slovaque Maria Svarbova (née en 1988), Futuro Retro (publié par les éditions suédoises The New Heroes and Pioneers), s’appuie sur les codes esthétiques – couleurs, formes, vêtements, architecture, conception spatiale – de l’époque socialiste. Dans la lignée de son livre à succès Swimming Pool sorti en 2017, cette nouvelle monographie, composée de douze séries, crée une vision d’un futur inspiré du passé. Travaillant avec des lieux réels ainsi qu’avec des décors créés artificiellement, les images de Svarbova jouent sur un sentiment de “fausse nostalgie” en imaginant des scènes chez le médecin ou le boucher, de la vie conjugale et d’autres situations sociales ou privées telles qu’elles auraient pu se produire dans une réalité alternative. Elle considère les restes d’architecture et d’ambiance communistes comme des trésors d’enfance et elle aime explorer la nostalgie de ces designs, notamment à travers un travail sur les piscines de son pays, fascinée qu’elle est par leur beauté géométrique. Malgré un certain recours à l’esthétique du passé, les photographies de Svarbova parviennent à présenter des créations visuelles très créatives qui évitent la romantisation. Cadre rétro, futurisme, atmosphères de rêve, nostalgie, immobilité et isolement de la vie contemporaine sont les maitre-mots des photographies de Maria Svarbova. Avec ce superbe ouvrage, le lecteur ressent toute la solitude de la scène à travers des images presque cinématographiques et un style visuel minimaliste unique en son genre. Futuro Retro est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The New Heroes and Pioneers ainsi que sur Amazon.com.

Continue reading

YUSUKE YATAMANI – DOORS

Publié en auto-édition (Gallery Yatamani), l’ouvrage Doors est un témoignage éclectique de la tournée de Yusuke Yamatani en 2019 à travers six pays européens. Dans ses performances solo en direct qui combinent musique, danse, installation et photographie, Yamatani joue de la batterie devant le public, des capteurs détectant les vibrations de chaque coup, déclenchant des lumières stroboscopiques et capturant Yamatani dans une fureur semblable à celle de la transe. Les images (y compris les clichés du public et de la salle) sont ensuite traitées et imprimées pendant la représentation. En utilisant une sélection des 3563 images produites de cette manière et en ajoutant des photographies de ses voyages de pays en pays – des instantanés de la route, des factures, des repas, des gens qu’il a rencontrés et des endroits qu’il a appréciés – le livre Doors constitue un document des spectacles de Yamatani et de ses expériences personnelles, et se présente comme une réponse éditée aux expressions photographiques non éditées qui sont à l’origine de ses performances. Des flyers de ses performances, cartes postales de différentes villes, photogrammes enregistrant les perceptions sur les tambours et photos reçues plus tard du public sont également des éléments importants du livre. Celui-ci comprend également une interview de Yamatani, qui présente son point de vue sur la photographie après avoir consacré les deux dernières années à cette œuvre. Doors a été initialement diffusé en édition limitée à 181 exemplaires aux supporters du projet de crowdfunding qui a financé sa tournée européenne. Mais en raison de l’escalade du COVID-19, de l’accélération de la fragmentation sociale, et du souhait de Yamatani que “plus de gens voient ce livre photo qui est à la fois un documentaire et un road movie, sur un asiatique à moitié nu se produisant et circulant librement en Europe, et aient l’occasion de réfléchir à un passé nostalgique ou à l’avenir incertain”, le livre de 400 pages est à nouveau disponible sur la boutique en ligne des éditions Gallery Yatamani, avec l’accord des supporters du crowdfunding.

Continue reading

RICK MCCLOSKEY – VAN NUYS BLVD 1972

Les éditions suisses Sturm & Drang publient aujourd’hui Van Nuys Bld 1972, la nouvelle monographie du photographe américain Rick McCloskey. À l’été 1972, celui-ci a immortalisé l’ambiance de Van Nuys Boulevard en noir et blanc. Dans la chaleureuse vallée de San Fernando, une banlieue de Los Angeles, le mercredi soir était la “Cruise Night”, un rassemblement de jeunes et de leurs voitures entre Ventura Boulevard au sud et Sherman Way au nord, un amalgame de styles et modes de vie, d’automobiles – d’occasion et neuves – et de “looks” très différents. Il y avait des “tribus” d’enfants de vans – surtout des surfeurs – des lowriders, des muscle cars, des voitures de courses, des propriétaires de Volkswagen, et bien sûr des milliers de jeunes. L’idée du “rétro” était également arrivée, certains jeunes imitant le look et le style des années 50. C’était un endroit formidable pour voir et être vu, et aussi pour montrer son véhicule. Les photos de McCloskey offrent une représentation fascinante de la jeunesse qui venait d’aussi loin que Santa Barbara, du comté d’Orange ou du sud de la Californie, mais aussi de la culture américaine typique de l’époque. En réalisant ces images, le photographe s’est attaché à représenter les jeunes, leurs voitures et les décors iconiques en arrière-plan. McCloskey explique: “Aujourd’hui, les jeunes n’ont plus rien de semblable à ces anciens endroits, où tant de gens pouvaient profiter du moment présent, ensemble. Comme la lumière des étoiles qui s’échappent encore d’un monde aujourd’hui disparu, ces images sont tout ce qu’il nous reste”. Au début des années 1980, la “Cruise Night” avait pratiquement disparu sur Van Nuys Boulevard, en raison des nuisances qu’elle engendrait, marquant la fin d’une époque unique. Le livre de 132 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

Continue reading

WITOLD KRASSOWSKI – SACKCLOTH AND ASHES

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Sackcloth and Ashes est le fruit du travail de toute une vie du photographe polonais Witold Krassowski. Bien qu’il ait photographié des événements historiques et politiques majeurs qui ont contribué à façonner les sociétés à travers le monde, il a toujours été attiré par la photographie de vies ordinaires – ses images les plus connues sont celles qu’il a prises lors de la transformation de sa Pologne natale après la fin du communisme en 1989. Les lieux et les sujets disparates de l’œuvre de Krassowski sont unifiés par son choix de se concentrer sur la vie des citoyens ordinaires plutôt que sur l’élite ou les entités politiques. Afghanistan, Italie, Russie, Pologne, Bolivie… Malgré les différences de latitude et de culture, l’artiste a l’art de faire ressortir l’universalité des anonymes qu’il photographie. Les ouvriers des chantiers navals de Gdansk, les clients de petites gargotes embuées ou encore des hommes ivres dans les rues de Rostov-sur-le-Don. Le Polonais s’attache particulièrement à ceux qui n’attirent pas le regard. La plupart des clichés en noir et blanc ont été pris au tournant de l’ère communiste, entre 1985 et 1995. Ils dépeignent sans affectation ni misérabilisme un quotidien souvent marqué par la pauvreté, qui n’exclut cependant pas les moments de joie (noce arrosée d’un district rom de Sofia, dancings de la Pologne rurale, jeux d’enfants). Krassowski explique: “Les travaux, dont ces images sont issues, sont couverts de poussière dans quelques bibliothèques de référence. Ils sont morts, et devraient le rester, car leur intérêt survit à peine aux circonstances qui les ont engendrés. Dans ce livre, j’espère cependant maintenir un peu plus longtemps en vie ce qui les unit : mon approche personnelle, un sentiment d’unité profonde au-delà des cultures. Il est important pour moi que l’impact de ces événements politiques puisse être compris du point de vue des gens ordinaires dans leur vie ordinaire. Pour beaucoup de mes sujets, leurs histoires seraient oubliées depuis longtemps”. Le livre de 208 pages, véritable concentré d’humanité, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books.

Continue reading

LORENA LOHR – TONIGHT LOUNGE

Publiée par les éditions britanniques The Cob Gallery, Tonight Lounge est la première étude complète de la photographie de nature morte contemporaine de Lorena Lohr, qui documente ses voyages à travers l’Amérique au cours de la dernière décennie. Cette publication rassemble tous les chapitres de sa série Ocean Sands. Depuis près d’une décennie, la photographe canadienne-britannique parcourt le sud-ouest américain en bus et en train, documentant les paysages éphémères et le caractère singulier de l’environnement urbain de la région. Rien n’est épargné par Lohr: des motels et des bars aux parkings et aux terrains vagues, ses clichés capturent les aspects inattendus et souvent étranges de la banalité des lieux qu’elle visite. Sans détachement ni commentaire ironique, la photographe relève la beauté et l’originalité dans des espaces négligés ou abandonnés et qui, autrement, passeraient inaperçus. Bien qu’elle ne se limite pas à un sujet particulier, l’ensemble de l’œuvre de Lorena Lohr se caractérise par des motifs récurrents : les fils électriques, les boissons colorées et les détails de la carrosserie des voitures ne sont que quelques-unes des caractéristiques qui traversent ses séries et ses livres. Le langage, tel qu’il est entrevu dans la signalétique commerciale, est un autre leitmotiv de ses photographies : les phrases génériques qui évoquent un exotisme en rupture avec leur environnement sont très présentes, contribuant à la fois à la richesse visuelle de ses compositions et faisant allusion à l’espoir, au désir et à l’isolement. L’ouvrage de 164 pages, avec des essais de Kirk Lake et Louise Benson, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The Cob Gallery.

Continue reading

JOAKIM KOCJANCIC – EUROPEA

Joakim Kocjancic est né à Milan en 1975. Après des études artistiques en Italie, des études de peinture à l’Académie des beaux-arts et une maîtrise en photojournalisme à Londres, il a vécu et travaillé dans plusieurs villes européennes. En 2006, il est revenu s’installer à Stockholm. Depuis lors, il a exposé à plusieurs reprises dans la capitale suédoise, la dernière à la Galleri Kontrast avec la série Paradise Stockholm, en septembre 2012. L’exposition a également été présentée au FORMA, à Milan, en mai 2013. Le photographe présente aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Europea, publié par les éditions suédoises Max Ström. Conçue entre 1999 et 2016, cette série est une intrigante représentation photographique d’une Europe ouverte, un continent où les frontières sont créées par les hommes et non par la nature. Joakim Kocjancic y dépeint les citadins sur fond de paysage urbain. La foule, l’architecture, le chaos, la circulation et les conditions de vie des gens sont au centre de son œuvre. Avec ses images en noir et blanc, il essaie d’arranger et de créer un équilibre dans la vie urbaine trépidante et, en même temps, de créer une réalité intérieure à la frontière entre le rêve et la réalité. Il constitue avec ses images une nouvelle ville européenne où les frontières n’existent plus et où la condition humaine prédomine. « Mes photographies sont électriques, gorgées d’espoir et de désespoir, elles sont le résultat visuel de ma recherche d’identité, d’une possible identité européenne », précise-t-il. Le livre de 224 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Max Ström.

Continue reading

JASON FULFORD – PICTURE SUMMER ON KODAK FILM

Photographe, designer, éditeur (J&L Books), Jason Fulford adopte avec talent le livre de photographie comme principal mode d’expression, dans lequel ses photos construisent plusieurs niveaux d’expression à travers leur séquence et leur agencement. L’artiste américain présente aujourd’hui Picture Summer on Kodak Film, publié par les éditions britanniques Mack. Les photographies qui composent ce nouvel ouvrage ont toutes été prises sur une pellicule Kodak et présentent des motifs récurrents : le temps, les bandes de test, la lumière réfractée et la couleur arc-en-ciel, la déformation par les ombres. Les personnages et les lieux sont répétés dans des compositions kaléidoscopiques tout au long de cette séquence vivante. Bien qu’elles aient été prises un peu partout dans le monde (notamment au Canada, en Italie, au Japon, en Lituanie, au Mexique, au Népal, en Thaïlande, aux États-Unis et au Vietnam), ces photographies se rassemblent pour créer un langage visuel unique : un lieu lumineux, intemporel et fictif. Outre le flux d’images, le rythme est également donné par un poème écrit par deux sœurs de Toronto, ponctué de phrases coïncidentes imprimées sur un papier noir plus fin, et qui ne sont pas sans rappeler le haïku moderne. Fulford explique: “Lorsque je compose un livre, je veux un mélange riche d’éléments qui se dynamisent mutuellement. Je ne veux pas que tout soit parfaitement planifié, comme “c’est ce que ça veut dire”, “c’est ce que vous devriez comprendre. Quand vous le lisez, j’aime qu’il soit ouvert, sans contrainte. Et en général, je préfère quand le texte et l’image se jouent l’un de l’autre. Ainsi, l’un rend l’autre plus agréable et vice versa. Ce n’est pas comme si l’un illustrait l’autre ou expliquait l’autre, mais ils fonctionnent en quelque sorte en parallèle. (…) Je veux que ce livre soit vraiment amusant pour quelqu’un en tant que lecteur, et je veux qu’il soit capable de danser à travers lui. Je pense beaucoup à la musique quand je réalise un livre, et je veux que le texte soit un élément de cette musique.” Picture Summer on Kodak Film présente un univers imprégné de beauté, d’humour et de sens inattendus. Ce très bel ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

Continue reading