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BARRY MCGEE – THE HARSH REALITY

Art // janvier 11th, 2023

À l’occasion du salon Paris Photo 2022, la galerie V1 Gallery de Copenhague a publié un nouvel ouvrage de l’artiste californien Barry McGee: The Harsh Reality. Les oeuvres de McGee sont un mélange d’observation de la société moderne et d’activisme. Son engagement en faveur des communautés marginalisées reste inchangé depuis ses débuts en tant que “Twist” (son surnom d’artiste graffiti). Qu’il s’agisse du consumérisme ou de la stratification sociale, McGee exprime ses préoccupations en prenant différentes personnalités telles que Ray Fong, Lydia Fong, P.Kin, Ray Virgil et Bernon Vernon. Son motif caractéristique, une caricature masculine aux yeux tombants, fait référence à l’empathie de l’artiste envers ceux qui considèrent la rue comme leur maison. McGee a créé un langage visuel unique, composé de motifs géométriques, de symboles récurrents et de l’utilisation de la “méthode des communautés”, tout en expérimentant divers médias non conventionnels, notamment des bouteilles en verre et autres objets trouvés. Ses peintures murales à grande échelle et ses archives méticuleuses de peintures et dessins questionnent la notion d’espace public confronté à l’espace privé ainsi que l’accessibilité de l’art. Ce nouveau livre présente un véritable collage visuel des œuvres récentes de l’artiste. On y retrouve des reproductions de dessins et de toiles aux fonds abstraits composés de motifs et de formes géométriques aux couleurs vives et criardes, inspirés des muralistes mexicains, ses fameux visages empruntés à l’univers du cartoon, ainsi que de nombreuses photographies prises par McGee et ses amis. Cet ouvrage met en lumière la vitalité de l’œuvre de Barry McGee qui continue de critiquer la publicité, le mode de vie américain et la société de consommation en général. Tout comme le récent livre Reproduction publié il y a quelques semaines par les éditions Aperture (voir ici), The Harsh Reality offre un aperçu unique de la démarche d’un artiste américain majeur et témoigne de l’immense quantité d’informations visuelles que McGee a absorbées pour constituer l’un des héritages artistiques les plus éclectiques et les plus novateurs de notre époque. Imprimé sur un tres beau papier brut Munken Lynx (540 gr) dans une édition limitée à 1000 exemplaires, le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie V1 Gallery.

BARRY MCGEE – REPRODUCTION

Art // janvier 2nd, 2023

Les éditions Aperture publient Reproduction, l’une des toutes premières monographies rassemblant les photographies de l’artiste multimédia de renommée internationale Barry McGee. Bien qu’il soit surtout connu pour la sensibilité graphique inventive de ses peintures, dessins et installations, l’utilisation de la photographie par McGee est une composante essentielle de sa vision artistique. Capturées à toute heure et dans le monde entier avec n’importe quel appareil photo à portée de main, les images de McGee sont à la fois immédiates, désinvoltes, intimes et anarchiques. Son œuvre photographique fait un usage audacieux de formes géométriques, de groupes de dessins et de peintures encadrés, de personnages atypiques et d’objets trouvés tels que des bouteilles vides, des planches de surf et des véhicules accidentés. Qu’elles soient intégrées à ses compositions multi-éléments emblématiques ou imprimées dans les innombrables fanzines et livres d’artiste qui accompagnent souvent ses expositions, les photographies sont omniprésentes dans la pratique de McGee. Au fil des 224 pages et des textes de ses amis photographes Ari Marcopoulos et Sandy Kim, ainsi que d’un essai de l’écrivain et commissaire d’exposition Sandra S. Phillips, le livre explore la spontanéité et l’énergie qui se dégagent des moments banals de la vie. Comme le note Sandra S. Phillips, “les photographies témoignent d’une énergie conspiratrice et d’actes audacieux : tagger un camion, grimper les uns sur les autres pour marquer un mur, travailler sur une peinture murale dans un espace isolé. Il y a une délicatesse dans ces échanges, et une bravoure qui est passionnante et importante pour McGee.” Reproduction offre un aperçu unique de la démarche d’un artiste américain majeur et témoigne de l’immense quantité d’informations visuelles que McGee a absorbées pour constituer l’un des héritages artistiques les plus éclectiques et les plus novateurs de notre époque. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

TOM SANDBERG – PHOTOGRAPHS

Art // novembre 18th, 2022

Le photographe norvégien Tom Sandberg (1953 – 2014) a, tout au long de sa carrière artistique, poursuivi une oeuvre photographique intemporelle et méditative, exclusivement en noir et blanc. Ses photographies sont rares, car l’homme prennait son temps pour photographier un paysage dans la brume, les courbes d’un corps féminin , les nuages , ou des avions en vol. En regardant ses photographies, un parfum de mystère persiste. Tom Sandberg a ainsi passé des décennies à représenter le monde selon une vision exigeante, en exerçant son regard sur les formes du quotidien – abstractions sombres d’asphalte et de mer, contours sévères d’une automobile, tunnels aux courbes inquiétantes, silhouettes anonymes projetant une ombre – pour sonder la nature de la vision photographique. Ses images sont subtiles mais transformatrices, des études de l’immobilité qui interrogent. Perfectionniste dans la chambre noire, Sandberg était extrêmement sensible au riche spectre du noir et blanc, et ses tirages faits à la main, parfois imprimés sur de l’aluminium et de la toile, projettent une puissante présence physique. Bien que Sandberg soit estimé dans sa Norvège natale et dans toute la Scandinavie et l’Europe, son œuvre est moins connue aux États-Unis et dans d’autres parties du monde. Photographs, cette nouvelle monographie publiée par les éditions Aperture et réalisée en étroite collaboration avec la Tom Sandberg Foundation d’Oslo, est une célébration très attendue de ce remarquable artiste. L’ouvrage de 224 pages, avec des essais signés Pico Iyer et Bob Nickas est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture.

AMERICAN SILENCE – THE PHOTOGRAPHS OF ROBERT ADAMS

Art // février 11th, 2022

Depuis cinquante ans, Robert Adams réalise des photographies fascinantes, provocantes et très influentes qui nous montrent l’émerveillement et la fragilité du paysage américain, sa beauté inhérente et l’inadéquation de notre réponse à celui-ci. Publié par les éditions américaines Aperture, American Silence : The Photographs of Robert Adams examine l’acte révérencieux d’Adams consistant à regarder le monde qui l’entoure et le silence presque palpable de ses photographies. Il comprend des œuvres qui capturent le sentiment de paix et d’harmonie que la beauté de la nature peut nous inspirer, créé par ce qu’Adams appelle “le silence de la lumière” de l’Ouest américain (tel qu’il est vu dans la prairie, dans les bois et au bord de l’océan), ainsi que des images qui remettent en question notre silence moral face à la profanation de cette beauté par le consumérisme, l’industrialisation et le manque de gestion de l’environnement. Le livre présente quelque 175 œuvres issues des projets les plus importants d’Adams et comprend des photos de l’extension des banlieues, de centres commerciaux, d’autoroutes, de maisons et de magasins, ainsi que de rivières et de ciels, de prairies et d’océans. Si les photographies d’Adams déplorent les ravages infligés à la terre, elles rendent également hommage à ce qui reste. Ce superbe livre de 304 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

RINKO KAWAUCHI – ILLUMINANCE (TENTH ANNIVERSARY EDITION)

Art // janvier 28th, 2022

Aussi dérangeantes que belles, les images de la photographe tokyoïte Rinko Kawauchi oscillent de l’enfantin à l’étrange. L’artiste revisite constamment les questions du quotidien, de la vie et de la mort. Ses photographies sont traversées de spiritualité et de poésie. Surexposée ou contrastée, naturelle ou technologique, la lumière y est essentielle. Dix ans après la publication d’Illuminance en 2011, Aperture réédite ce livre culte, en conservant la séquence originale de l’artiste et son mélange caractéristique de gestes observés avec acuité, de détails quotidiens et d’une palette finement affinée. Illuminance, longue méditation sur les qualités miraculeuses de la lumière et sur son pouvoir de révélation, est un des livres les plus personnels de Kawauchi. Ces photos sont issues de quinze ans de travail et reflètent directement sa vie et son expérience pendant cette période. Comme toujours, les associations visuelles de l’artiste nous embarquent vers un voyage fascinant mais elliptique. “Je préfère écouter les petites voix de notre monde, celles qui murmurent. J’ai la sensation d’être sauvée en permanence par ces murmures, mon regard se portent naturellement sur les petites choses”, déclare la photographe. Lors de la sortie du livre, Alec Soth a déclaré qu’Illuminance était “une monographie exquise [qui] devrait faire de Rinko un nom connu de tous”. Cette édition enrichie de textes supplémentaires du conservateur David Chandler, du philosophe Masatake Shinohara et de la directrice de la création d’Aperture, Lesley A. Martin, apporte un nouveau contexte et une nouvelle perspective à l’œuvre influente de Kawauchi. Extraordinairement poétique, débordant d’imagination et de sensibilité, et bénéficiant d’une reconnaissance internationale, cette exquise édition du dixième anniversaire séduira à nouveau les amateurs de photographie. Ce magnifique ouvrage de 384 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

ALEJANDRO CARTAGENA – SUBURBAN BUS

Art // janvier 17th, 2022

Le photographe mexicain Alejandro Cartagena vit et travaille à Monterrey, au Mexique. Ses projets utilisent le paysage et le portrait comme un moyen d’examiner les questions sociales, urbaines et environnementales. Après le succès de Carpoolers (voir ici), Cartagena publie Suburban Bus aux éditions The Velvet Cell. Entre 1993 et 2004, Alejandro Cartagena faisait presque quotidiennement l’aller-retour en bus de banlieue entre Monterrey et la ville de Juarez. Travaillant dans le restaurant de sa famille, il observait les changements progressifs qui se produisaient à Juarez. Entre 2000 et 2005, la ville est passée d’une population de 66 000 à 144 000 habitants. Il a vu Juarez se faire engloutir, tout cela à travers la fenêtre du bus. Au cours de ces voyages, Cartagena lisait, s’endormait, rêvait de posséder une voiture et se lamentait d’être coincé dans cette créature de métal sous la chaleur de 40 degrés du nord du Mexique. Douze ans plus tard, devenu photographe, il décide de prendre à nouveau le bus pour capturer l’expérience que vivent chaque jour des milliers de banlieusards. Ce qu’il voit l’amène à redécouvrir les anxiétés mentales et physiques involontaires produites par le développement urbain non planifié. Ce livre raconte l’histoire de gens qui veulent une vie meilleure dans une ville caractérisée par le manque ; le manque de routes correctes, le manque de bus, le manque de sécurité dans les bus. En outre, 91,6 % des femmes ont subi une agression sexuelle au moins une fois alors qu’elles voyageaient dans les transports publics de la région de Monterrey. Dans son essai sur l’ouvrage, Ximena Peredo explique: « La situation précaire des transports en commun, et de la mobilité en général, reste ultra-sous-représentée dans le débat public, comme un sujet condamné à croupir sur de nombreuses listes de choses à faire. Le travail d’Alejandro Cartagena prend une importance politique particulière en rendant visible les coûts de cette inaction sur la qualité de vie des personnes vivant dans la zone métropolitaine de Monterrey. » Le livre de 352 pages a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2021 organisés par Paris Photo et Aperture. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, Suburban Bus est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The Velvet Cell.

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2021 – ON THE HORIZON

Art // octobre 18th, 2021

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘On the Horizon’, en partenariat avec Aperture, se déroule du lundi 18 octobre au dimanche 24 octobre 2021. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $100 sur le site magnumphotos.com/shop/.

HAYAL & HAKIKAT – A HANDBOOK OF FORGIVENESS & A HANDBOOK OF PUNISHMENT

Art // janvier 28th, 2021

Hayal & Hakikat [Rêve & fait] – A Handbook of Forgiveness & A Handbook of Punishment est la reparution par les éditions GOST Books et FiLBooks d’un livre de l’artiste turque Cemre Yesil Gönenli précédemment auto-publié – une intervention percutante dans une série de portraits de prisonniers datant de la fin du XIXe siècle trouvée dans les archives du sultan ottoman Abdul Hamid II. Le livre est relié de manière très originale par un dos en trois charnières, ce qui permet au lecteur de découvrir et de comparer les différents ensembles d’images présentés. Chaque cahier est fixé par le haut aux plats intérieurs avant et arrière de l’ouvrage et présente le détail de mains de prisonniers, d’un côté ceux qui sont enchaînés et de l’autre, ceux qui ne le sont pas. Les visages sont croppés ; l’accent est mis sur les mains, faisant écho à une théorie selon laquelle le sultan avait commandé ces photographies pour établir la culpabilité d’un prisonnier, partant du principe qu’elle pouvait être déterminée par la longueur des articulations du pouce. “Centrer le travail sur ce moyen arbitraire et singulier de déterminer le sort d’un détenu fait écho à l’état actuel incertain de l’individu dans la politique turque”, suggère l’auteur. “C’est aussi un exemple poétique de la façon dont les archives peuvent être réinterprétées et réinfusées à la fois par les faits et la fiction.” Ce triple livre (160 pages + 64 pages + 16 pages) a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2020 organisés par Paris Photo et Aperture. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2020 – WORKS OF IMAGINATION

Art // octobre 19th, 2020

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Works of Imaginagion’, en partenariat avec Aperture, se déroule du lundi 19 octobre au dimanche 25 octobre 2020. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $100 sur le site magnumphotos.com/shop/.

ANDRES GONZALES – AMERICAN ORIGAMI

Art // décembre 30th, 2019

Publié par les éditions néerlandaises Fw:Books, American Origami est le résultat de six années de recherche photographique par le californien Andres Gonzalez. Le projet examine de près l’épidémie de fusillades de masse dans les écoles américaines, entremêlant interviews à la première personne, documents médico-légaux, documents de presse et photographies originales. On y retrouve également des lettres écrites après la tragédie du lycée de Columbine, le 20 avril à Littleton dans le Colorado ou encore des extraits du journal de Dylan Klebold, l’un des deux tueurs. Le livre emmène le lecteur à travers un voyage visuel de deuil partagé et d’expiation pour illuminer des moments de beauté et poser des questions morales ancrées dans des actes de guérison collective. Reliés de façon unique, les divers éléments se répètent et se replient les uns les autres, créant un monde parallèle de passé et de présent, et montrant le paysage réduit au silence avec les artefacts personnels créés par ceux qui ont perdu la vie dans ces évènements tragiques. “Les gens essaient simplement d’établir un lien avec ces tragédies qu’ils ne comprennent pas “, explique Gonzalez, “Je voulais m’engager dans ce deuil, l’étreindre et le préserver.” De Columbine à Sandy Hook en passant par Roseburg et Red Lake, American Origami compile les traces laissées, dans l’espace comme dans les corps, par ces fusillades de masse perpétrées dans les écoles et interroge le rapport des États-Unis à la violence. Le livre de 384 pages a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2019 organisés par Paris Photo et Aperture, et a récemment été sélectionné par le magazine Time comme l’un des meilleurs livres photographiques de l’année. Édité à 800 exemplaires, il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Fw:Books.

MAISIE COUSINS – RUBBISH, DIPPING SAUCE, GRASS PEONIE BUM

Art // décembre 16th, 2019

Maisie Cousinsm est une photographe londonienne de 27 ans. Dans un monde obsédé par la perfection, la jeune artiste expose des photos provocantes et inattendues. Elle capture la beauté crue et nue de la femme, mélangée à la nature. Elle est l’auteure d’un art hédoniste, axé sur la puissance, le féminisme, la nature, la technologie, mais également sur le corps et l’indulgence. Les éditions britanniques Trolley Books publient aujourd’hui la première monographie de la photographe intitulée Rubbish, Dipping Sauce, Grass Peonie Bum, et qui présente des images grand format de ses trois premières grandes séries. Son travail cru met l’accent sur le brut et l’humain, où sont mis en avant principalement des fleurs, des fruits, des fesses, des insectes. Cousins joue avec les textures, les couleurs, les corps, la nature. Elle montre que le corps, les animaux, les plantes peuvent être beau et en même temps repoussant : « la nature est toujours belle mais aussi dégoûtante. Même les personnes les plus belles pissent, saignent et chient ». Sur ses clichés apparaissent poils, imperfections physiques… Elle joue avec nos sentiments, la contradiction est à la base de son travail : le beau et le laid, l’attirant et le repoussant, l’envie et le dégoût. L’artiste explique: « Les images imitent ce que j’ai essayé d’exprimer au cours des dernières années, ce que je n’arrive pas à bien exprimer avec des mots. Je pense qu’une grande partie du travail est liée à l’expression sexuelle et aux frustrations. La photo la plus ancienne date de 2013, donc je pense que je regarderai ce travail quand je serai plus vieille et que je m’en souviendrai comme la découverte de ma sexualité au début de la vingtaine. » L’ouvrage de 56 pages, sélectionné dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2019 organisés par Paris Photo et Aperture, contient une introduction signée Simon Baker (Directeur du MEP, Paris). Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Trolley Books.

GAO SHAN – THE EIGHTH DAY

Art // novembre 18th, 2019

Gao Shan est un photographe chinois qui a été adopté huit jours après sa naissance. Le projet The Eighth Day, dont le livre est aujourd’hui publié par les éditions Imageless, est né de son désir de se rapprocher de sa mère adoptive. Bien qu’ils partagent un appartement d’environ soixante-dix mètres carrés, le photographe reconnaît que sa relation avec sa mère a été étonnamment distante. Celle-ci se caractérise par la froideur et l’indifférence, selon l’épilogue du photographe. Sa mère s’acquitte des tâches et des devoirs fondamentaux d’un parent, mais sans expression émotionnelle. Ce n’est que récemment qu’il a commencé à la considérer comme plus qu’une simple présence dans sa vie. Gao documente ainsi de façon obsessionnelle les détails quotidiens de la vie de sa mère et l’espace qu’ils partagent, se concentrant sur des détails comme une grenade à moitié mangée, une bouilloire qui bout, et le dos large de sa mère. Dans sa série, il utilise l’appareil photo non pas pour l’observation à froid, mais comme un outil actif dans leur relation. Les images qui en résultent sont des fragments visuels étranges, mais intimes, d’une relation qui sont inexplicablement émouvants. Ce document photographique intime et émotionnel, qui fait appel à la fois au cœur et à l’esprit du spectateur, s’est imposé il y a quelques jours comme lauréat du Prix du premier livre photo de l’année 2019 décerné par Paris Photo – Aperture Foundation. Il fait également désormais parti de la collection Fondation Cartier pour l’art contemporain. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, l’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions chinoises Imageless.