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DRAW EXPOSITION CHEZ FUSE GALLERY (NY)

Voici une expositition dont on devrait entendre parler les prochains jours! La liste des participants est prestigieuse avec plus de 200 artistes dont Kaws, Barry McGee, Ron English, Tim Biskup, Mark Gonzales, Tristan Eaton, Mark Bode, Doze Green, Tara Mcpherson, Neck Face, Moby, Jeff Soto, Mars-1, Nathan Cabrera et plein d’autres.

Du 28 octobre au 2 décembre chez Fuse Gallery à New York. Le thème: le Dessin. On espère avoir des photos le plus vite possible!

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HARRY GRUYAERT – INDIA

Durant plus de trente ans Harry Gruyaert a sillonné la péninsule indienne. Publié par les éditions britanniques Thames & Hudson, l’ouvrage India rassemble environ 150 photographies, pour la plupart inédites, qui racontent une Inde à la fois intemporelle et moderne. Ces images témoignent de la singularité du photographe : de son intérêt pour le récit, l’espace public et les scènes inattendues. Gruyaert dit avoir besoin de voyager pour ressentir le monde et l’exprimer en images. Du Gujarat au Kerala, il a saisi une certaine quintessence de ce pays aux multiples légendes. Rues grouillantes d’activités de New Delhi ou de Calcutta, modestes villages du Tamil Nadu ou du Rajasthan, ghats des grandes cités religieuses de Bénarès ou de Varanasi… Des femmes en sari safran et pourpre battent le grain, des teinturiers s’activent dans des cuves fumantes, un campement de bergers nomades s’organise dans la lumière crépusculaire… L’air est saturé de couleurs, de lumière, de bruits, parfois de silence aussi. “La couleur doit être primordiale”, précise Gruyaert, elle restitue une perception émotive, donne une vision graphique du monde. Les atmosphères aux subtiles variations chromatiques dressent un tableau contrasté et à rebours de tout exotisme. Loin des stéréotypes, ces images donnent à voir la pluralité de l’Inde au fil des années et des événements politiques du pays. “Faire une photo, c’est à la fois chercher un contact et le refuser, être en même temps le plus là et le moins là”, dit le photographe. Il s’agit de faire surgir l’émerveillement, de saisir ce qui caractérise le lieu. La recherche de densité dans le cadre fait de la photographie une expérience physique. En restituant l’expérience multi sensorielle qu’il a perçue au fil des ans face aux mystères de ce pays, le photographe belge dresse un tableau contrasté à rebours de tout exotisme. Harry Gruyaert raconte, en introduction, sa découverte et fascination pour l’Inde. Tandis que différents extraits du Dictionnaire amoureux de l’Inde de Jean-Claude Carrière viennent ponctuer cette exploration visuelle de la péninsule indienne. Le livre de 224 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

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HAYAL & HAKIKAT – A HANDBOOK OF FORGIVENESS & A HANDBOOK OF PUNISHMENT

Hayal & Hakikat [Rêve & fait] – A Handbook of Forgiveness & A Handbook of Punishment est la reparution par les éditions GOST Books et FiLBooks d’un livre de l’artiste turque Cemre Yesil Gönenli précédemment auto-publié – une intervention percutante dans une série de portraits de prisonniers datant de la fin du XIXe siècle trouvée dans les archives du sultan ottoman Abdul Hamid II. Le livre est relié de manière très originale par un dos en trois charnières, ce qui permet au lecteur de découvrir et de comparer les différents ensembles d’images présentés. Chaque cahier est fixé par le haut aux plats intérieurs avant et arrière de l’ouvrage et présente le détail de mains de prisonniers, d’un côté ceux qui sont enchaînés et de l’autre, ceux qui ne le sont pas. Les visages sont croppés ; l’accent est mis sur les mains, faisant écho à une théorie selon laquelle le sultan avait commandé ces photographies pour établir la culpabilité d’un prisonnier, partant du principe qu’elle pouvait être déterminée par la longueur des articulations du pouce. “Centrer le travail sur ce moyen arbitraire et singulier de déterminer le sort d’un détenu fait écho à l’état actuel incertain de l’individu dans la politique turque”, suggère l’auteur. “C’est aussi un exemple poétique de la façon dont les archives peuvent être réinterprétées et réinfusées à la fois par les faits et la fiction.” Ce triple livre (160 pages + 64 pages + 16 pages) a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2020 organisés par Paris Photo et Aperture. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

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MID-CENTURY MODERN DESIGN: A COMPLETE SOURCEBOOK

Publié par les éditions Thames & Hudson, Mid-Century Modern Design: A Complete Sourcebook est un magnifique ouvrage richement illustré traitant des années cinquante et soixante, qui sont, sans hésitation, parmi les plus marquantes et les plus créatives de l’histoire du design. Dans cet après-guerre consumériste, la nouveauté est portée aux nues et s’invite dans tous les secteurs de la conception. De la Vespa à l’Instamatic, des meubles Knoll aux caractères Helvetica, studios, ateliers et usines, inventent et diffusent les formes d’un monde nouveau. Tour d’horizon complet du style années cinquante, ce recueil, riche de mille photographies et d’articles signés par les plus grands spécialistes du domaine, est une aubaine aussi bien pour l’antiquaire et le collectionneur que pour le simple amateur d’objets aux lignes incomparables. Le mobilier, les textiles, le verre et la céramique, mais également le design industriel et graphique, les créateurs et fabricants marquants de l’époque et cerise sur le gâteau… les maisons et les intérieurs qui ont grandement participé à rendre cette période phénoménale. Cet élégant volume représentant des modèles classiques et des raretés peu connues, ainsi que des articles sur près d’une centaine de designers majeurs, tels que Dieter Rams, Robin Day, Isamu Noguchi, Lucie Rie, Charles et Ray Eames, Alvar Aalto et Oscar Niemeyer. Un dictionnaire illustré présente des centaines de créateurs, fabricants, organisations, écoles et mouvements parmi les plus influents du milieu du siècle. Cet imposant livre de 544 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

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YUSUKE YATAMANI – DOORS

Publié en auto-édition (Gallery Yatamani), l’ouvrage Doors est un témoignage éclectique de la tournée de Yusuke Yamatani en 2019 à travers six pays européens. Dans ses performances solo en direct qui combinent musique, danse, installation et photographie, Yamatani joue de la batterie devant le public, des capteurs détectant les vibrations de chaque coup, déclenchant des lumières stroboscopiques et capturant Yamatani dans une fureur semblable à celle de la transe. Les images (y compris les clichés du public et de la salle) sont ensuite traitées et imprimées pendant la représentation. En utilisant une sélection des 3563 images produites de cette manière et en ajoutant des photographies de ses voyages de pays en pays – des instantanés de la route, des factures, des repas, des gens qu’il a rencontrés et des endroits qu’il a appréciés – le livre Doors constitue un document des spectacles de Yamatani et de ses expériences personnelles, et se présente comme une réponse éditée aux expressions photographiques non éditées qui sont à l’origine de ses performances. Des flyers de ses performances, cartes postales de différentes villes, photogrammes enregistrant les perceptions sur les tambours et photos reçues plus tard du public sont également des éléments importants du livre. Celui-ci comprend également une interview de Yamatani, qui présente son point de vue sur la photographie après avoir consacré les deux dernières années à cette œuvre. Doors a été initialement diffusé en édition limitée à 181 exemplaires aux supporters du projet de crowdfunding qui a financé sa tournée européenne. Mais en raison de l’escalade du COVID-19, de l’accélération de la fragmentation sociale, et du souhait de Yamatani que “plus de gens voient ce livre photo qui est à la fois un documentaire et un road movie, sur un asiatique à moitié nu se produisant et circulant librement en Europe, et aient l’occasion de réfléchir à un passé nostalgique ou à l’avenir incertain”, le livre de 400 pages est à nouveau disponible sur la boutique en ligne des éditions Gallery Yatamani, avec l’accord des supporters du crowdfunding.

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YINGGUANG GUO – THE BLISS OF CONFORMITY

Yingguang Guo est la première lauréate en 2017 du prix Jimei x Arles-Madame Figaro Women Photographers Award, le premier prix dédié aux femmes photographes en Chine, lancé par le magazine Madame Figaro China et le festival de photographie Jimei x Arles. La jeune photographe se focalise sur des préoccupations sociales de la Chine contemporaine, en s’axant spécifiquement sur la condition des femmes à travers la pratique du mariage arrangé. Publié par les éditions La Maison de Z, The Bliss of Conformity, saisit le Jardin du Peuple à Shanghai, dans lequel des espaces entiers deviennent des lieux de marchandisation où les parents diffusent des annonces et se lancent à la recherche d’un conjoint pour leurs enfants. Yingguang Guo explique qu’en Chine, la question du mariage est un aspect central de la vie quotidienne. C’est lors de ses études au London College of Communication qu’elle a commencé à s’intéresser au « poids de ce conformisme » qui pèse particulièrement sur les jeunes femmes chinoises. Alors confrontée à la culture européenne, elle s’est interrogée sur la valeur assignée aux femmes dans sa culture d’origine. Tout au long du livre, un fil rouge traverse les photos. La photographe explique: “En travaillant sur cette série, je me suis rendu compte que le fil rouge était un élément très présent. Les parents disposent les feuilles A4 (sur lesquelles figurent les petites annonces) de différentes façons, certains utilisent de la ficelle rouge pour les accrocher aux arbres ou à des ombrelles. En prêtant attention aux éléments du parc où se rencontrent les parents pour tenter de marier leurs enfants, j’ai fait une liste des annonces accrochées dans le parc, celles qui étaient « clippées » et celles attachées par une ficelle rouge. En regardant tous ces éléments pour essayer d’en faire quelque chose, j’ai remarqué ce fil rouge qui parcourait les images et j’ai décidé de l’utiliser dans mon travail. Par ailleurs, le fil rouge a une signification symbolique dans les mariages chinois. Donc je l’ai utilisé dans le livre et dans les œuvres sur papier. Il n’y a pas simplement le fil rouge « physique », mais aussi le rouge utilisé dans les annonces disposées par les parents. Les informations importantes, comme l’âge et le genre de leur enfant, sont écrites en rouge. D’une certaine manière, le fil rouge métaphorique fait écho au vrai fil rouge. (…) Je pensais que les mariages arrangés appartenaient au passé, mais en travaillant sur ce projet j’ai réalisé à quel point ce phénomène était à nouveau devenu populaire, un peu comme une vogue rétro. J’ai été choquée de constater que, en dépit du développement de la société chinoise, il existait encore des lieux où s’orchestrent des mariages arrangés. Un immense fossé culturel s’était ouvert devant moi.” Le livre, avec sa très belle couverture en velours, inclut trois pochettes dont on peut extraire une double page contenant deux photographies. Édité à 800 exemplaires, il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions La Maison de Z.

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BORIS MIKHAILOV – SUZI ET CETERA ( PART 2)

Boris Mikhaïlov est l’un des principaux photographes des pays qui constituaient autrefois l’Union soviétique. Depuis presque 50 ans, Mikhaïlov explore la position de l’individu au sein des mécanismes de l’idéologie publique, abordant des sujets tels que l’Ukraine sous le régime soviétique, les conditions de vie en Europe orientale postcommuniste et les idéaux déchus de l’URSS. Bien que profondément enracinée dans un contexte historique, son œuvre incorpore des récits fortement engagés et personnels d’humour, de luxure, de vulnérabilité, de vieillissement et de mort. Quel que soit le système politique, Mikhaïlov refuse d’être un observateur passif et continue à observer activement le monde qui l’entoure. Publié à l’origine en 2007 par les éditions allemandes Koenig Books, Suzi et Cetera présentait une série d’images du photographe ukrainien Boris Mikhailov prises dans sa ville natale de Charkow dans les années 80. Aujourd’hui, les éditions italiennes 89books publient la seconde partie de ce grand projet de Mikhailov. Suzi et Cetera (Part 2) se compose d’une sélection de clichés réalisés par le photographe dans les années 60 et 70. Celles-ci sont souvent présentées lors d’expositions (notamment Primrose: Early Colour Photography in Russia), mais n’ont pas été incluses dans le premier livre. Cette série est souvent décrite comme le point de transition de Mikhailov de la photographie amateur à la photographie professionnelle. L’auteur lui-même dit que cette série est comme une capsule contenant l’embryon de toutes ses œuvres et explorations suivantes. Il y documente la vie quotidienne dans la société soviétique, tout en offrant une critique sociale incisive de son système répressif (les clichés de sa femme nue avaient notamment été découverts par le KGB, ce qui lui fit perdre son poste d’ingénieur). Ce projet est l’un des plus intimistes du photographe, où son choix de thèmes et de modes de représentation, y compris la nudité, les plaisirs désinvoltes et la perspective à grand angle, projettent une image contraire à l’esthétique officielle prescrite à l’époque. L’ouvrage de 204 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions 89books.

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PIOTR UKLANSKI – PORNALIKES

Piotr Uklanski (né en 1968 à Varsovie) a émergé sur la scène artistique new-yorkaise au milieu des années 90 grâce à une œuvre emblématique, The Dance Floor, qui intègre simultanément le legs du minimalisme et le flou de l’art et du divertissement qui caractérise l’époque actuelle. Tantôt à New York, tantôt à Varsovie ou à Paris, Uklanski a fabriqué un corpus de travaux éclectiques qui exploite plusieurs types de supports (sculpture, photographie, collage, performance et vidéo) tout en intégrant confusément des références culturelles. Les éditions suisses Edition Patrick Frey publient aujourd’hui son nouvel ouvrage, Pornalikes, qui présente une série de portraits d’acteurs et actrices pornographiques ressemblant à ou imitant des célébrités et des personnages publics. De 2002 à 2018, l’artiste polonais a constitué une archive photographique à partir de versions numériques et papier de magazines de charme comme Hustler et Loaded, ainsi que d’images issues de mèmes publiés sur internet. À une époque où la dichotomie entre le signifiant et le signifié s’est depuis longtemps effondrée, Uklanski, dans une combinaison risquée de critique et d’exploitation médiatique, subvertit les attentes originales des topos traditionnels du portrait dans l’histoire de l’art. Dans cette forme extrême et extrêmement absurde de portrait, Pornalikes s’attache à remettre en question la morale conventionnelle et les limites du soi-disant bon goût. L’ouvrage nous projette au hasard dans une galerie des glaces postmoderne composée d’images trash, sur fond de culture de la célébrité, instrumentalisation néolibérale et marchandisation du corps humain. L’artiste explore ici les tensions pop-culturelles entre l’identité sexuelle et l’exploitation, l’homme et la femme, la fiction et la réalité, la biographie réelle et l’histoire reprise par les médias. Plongeant dans ces dichotomies, Pornalikes reprend là où la série culte The Nazis et Real Nazis (voir ici) s’est arrêtée. Le livre de 400 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey, ainsi que sur Amazon.com.

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BAUHAUS AND AMERICA – EXPERIMENTS IN LIGHT AND MOVEMENT

Cent ans après la fondation du Bauhaus en 1919, Bauhaus and America se penche sur les multiples influences de l’école allemande d’art, de design et d’architecture sur l’art et la culture des États-Unis, après la Seconde Guerre mondiale. Publié par les éditions Kerber Verlag, le livre explore une thématique en particulier: la scène du Bauhaus, qui a fonctionné comme un laboratoire interdisciplinaire pour diverses expériences artistiques avec la lumière et le mouvement, allant des jeux de lumière et de l’art cinétique au cinéma expérimental, en passant par la danse et la performance. Lorsque la montée du national-socialisme allemand force le Bauhaus à fermer ses portes en 1933, ses membres se dispersent, emportant avec eux leur esprit expérimental en quittant l’Allemagne (beaucoup d’entre eux se sont rendus aux États-Unis). Ainsi l’exploration de la lumière et du mouvement qui commença sur la scène du Bauhaus a continué à se diffuser. L’ouvrage rassemble des œuvres explorant ces thèmes, notamment de Josef Albers, Oskar Fischinger, László Moholy-Nagy, Wassily Kandinsky, Xanti Schawinsky, Oskar Schlemmer et Andor Weininger, ainsi que des images de ces nombreux artistes américains touchés par l’héritage du courant Bauhaus, tels que Merce Cunningham, Robert Rauschenberg, Sol LeWitt et Barbara Kasten. Il contient des essais de Kristin Bartels, Hermann Arnhold Torsten Blume, Ulrike Gärtner, Andreas Hapkemeyer, Julie Jones, Gail Kirkpatrick, Marijke Lukowicz, Márton Orosz, Tanja Pirsig-Marshall, Jeannette Redensek et Eline Van Dijk. Ce très beau volume de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kerber Verlag, ainsi que sur Amazon.com.

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PARTY! PARTY!! PARTY!!! PHOTOGRAPHS FROM WEIMAR GERMANY

Avec plus d’une centaines de clichés inédits, parmi lesquelles quelques photographies jamais diffusées de certains des clubs berlinois les plus célèbres des années 1920, Party! Party!! Party!!!  (publié par les éditions britanniques Archive of Modern Conflict) dépeint la République de Weimar à travers les fêtards de l’époque et les divers lieux berlinois où ils font la fête: salons, chambres, clubs souterrains bondés de touristes, salles de musique, etc. La défaite de l’Empire allemand lors de la Première Guerre mondiale signifie que la nouvelle République de Weimar est pratiquement ruinée, confrontée à des dettes inimaginables et victime d’une révolution violente de gauche comme de droite. Les plus pauvres sont particulièrement vulnérables. Chaque nouvelle journée peut être synonyme de maladie, de chômage ou de criminalité. Cette précarité de l’existence a donné lieu, chez certains, à un désir frénétique de vivre dans le moment présent, de faire la fête ou d’échapper à la réalité. Cette soif de décadence, de sexualité et de vanité accompagne alors une ignorance des conséquences du fascisme ou du communisme. La vie, pour beaucoup, est ainsi devenue une sorte de fête dans cette période particulièrement tourmentée, alors que l’Allemagne en crise des années 1920 mène parallèlement une expérience à la fois glorieuse et futile dans l’art de faire la fête. Party! Party!! Party!!! est un émouvant témoignage de cet esprit de fête. Le livre de 144 pages, édité par Ed Jones et Christopher Nesbit, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Archive of Modern Conflict, ainsi que sur Amazon.com.

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