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JOEL MEYEROWITZ – INSIDE | OUTSIDE – PARIS

La galerie Polka présente?Inside | Outside, une plongée inédite dans l’univers du photographe américain Joel Meyerowitz. Pour la première fois, l’artiste revisite son œuvre de façon transversale, en se débarrassant du cadre formel et rigoriste de la série ou de l’œuvre iconique. De ses débuts, dans les rues grouillantes de New York jusqu’au temps de la contemplation et de l’introspection lascive, quelque part en Toscane ou dans les ateliers de Cézanne et Morandi. Jusqu’au 12 janvier 2019.

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JOEL MEYEROWITZ – HACIA LA LUZ (OUT OF THE DARKNESS)

Pionnier de la photographie couleur, le photographe new-yorkais Joel Meyerowitz a parcouru l’Andalousie entre 1966 et 1967 et a pris des centaines de clichés qui constituent un document exceptionnel de l’Espagne des années 1960. Le temps qu’il a passé dans le sud de l’Espagne, à une période charnière pour la péninsule ibérique, a marqué un point d’inflexion créative dans sa carrière, et durant cette étape il travaille à la fois en couleur et en noir et blanc. À partir de 1972, il bascule définitivement vers la couleur. Publié par les éditions madrilènes La Fábrica, Hacia la Luz (Out of the Darkness) contient une centaine d’images de ce voyage initiatique, divisé en quatre sections – Power, Street, From the Car et Flamenco – et comprend des textes de Francesco Zanot et Miguel López-Remiro, ainsi qu’une interview entre le photographe et Nuria Enguita, directrice de Bombas Gens (Valence), où les photographies sont exposées en mars 2018. L’ouvrage est une ode à la lumière, écrasante ou absente. Au fil des pages, Joel Meyerowitz s’éloigne de la street photography pure, pour entrer dans les foyers andalous. Le new-yorkais se balade, s’arrête aux terrasses des cafés de Malaga, observe les petits vieux qui l’observent en retour, traverse les fêtes religieuses, passe par les arrière-cours ou les salles à manger, immortalise des acrobates sous un chapiteau, s’invite dans une démonstration familiale de flamenco, puis retourne à nouveau dans les rues, là où le soleil accable… Le livre de 180 pages ravira les amateurs du travail de Joel Meyerowitz et les passionnés de photographie. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions La Fábrica, ainsi que sur Amazon.com.

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JOEL MEYEROWITZ – WHERE I FIND MYSELF

Né en 1938 dans le Bronx, Joel Meyerowitz est l’archétype du new-yorkais cultivé qui a embrassé son époque avec curiosité et empathie. Par son travail en couleur, il a révolutionné l’histoire de la photographie. A l’instar de William Eggleston ou de Stephen Shore, il a influencé de jeunes générations de photographes et particulièrement l’école allemande de Düsseldorf. Au milieu des années 1960, un long voyage en Europe marque un tournant dans la carrière de Joel Meyerowitz et lui permet d’affirmer son style. Mais ce n’est qu’au début des années 1970, qu’il se consacre exclusivement à la couleur. Publié par les éditions britanniques Laurence King Publishing, Where I Find Myself accompagne une grande rétrospective récemment présentée au C/O Berlin (décembre 2017 – mars 2018). Ce livre constitue la monographie la plus complète à ce jour sur le célèbre photographe américain, et est publié à l’occasion de son 80ème anniversaire. Organisée en chronologie inversée, elle remonte toute la carrière de Meyerowitz, d’aujourd’hui aux débuts. Tous les grands projets du photographe y sont présentés : les ateliers de Morandi et de Cézanne, ses études sur les arbres, Cape Cod, les ruines du World Trade Center, ses voyages sur les traces de Robert Frank à travers les États-Unis, ses expérimentations sur la couleur et le noir & blanc, et bien sûr ses célèbres photos de rue à Paris et New York. Cet imposant ouvrage de 352 pages et 400 images en couleur et noir et blanc rassemble ainsi une sélection des plus beaux clichés du photographe. Célèbres ou plus obscures, étonnantes et dissonantes, ces images révèlent les différentes clés de lecture de l’œuvre de Joel Meyerowitz, et célèbrent la photographie en tant que forme d’expression artistique. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Laurence King Publishing, ainsi que sur Amazon.com.

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COLIN WESTERBECK & JOEL MEYEROWITZ – BYSTANDER

Après le succès de la première édition datant de 1994, les éditions Laurence King publient aujourd’hui une nouvelle version du livre de Colin Westerbeck et Joel Meyerowitz, Bystander : A History of Street Photography. Salué comme un ouvrage de référence dès sa sortie, l’ouvrage est encore à ce jour largement considéré par les photographes de rue comme la «bible» de la photographie de rue. Il retrace l’évolution de cette dernière depuis son apparition au milieu du XIXème siècle, son histoire à la fois sociale et culturelle. « …Il s’agit de tout espace public où le photographe puisse photographier des sujets qu’il ne connaît pas et qui, dans la mesure du possible, ignorent sa présence. En même temps, cette rue, qui devient elle-même sujet, sera traitée presque comme si elle avait sa propre personnalité, imposant son caractère (parfois dans un rapport de séduction) à tout photographe qui voudrait se l’approprier. Les photographes eux-mêmes ont des sensibilités bien différentes, difficile de passer outre l’individualité de chacun. » On y découvre un incroyable éventail de talents, des photographes méconnus de la fin du 19ème siècle aux maîtres reconnus du 20ème, tels qu’Eugène Atget, Alfred Stieglitz, Paul Strand, Henri Cartier-Bresson, Brassaï, André Kertesz, Robert Frank, Diane Arbus, Garry Winogrand et Helen Levitt pour n’en citer que quelques-uns. La nouvelle édition révisée de cet ouvrage culte intègre deux décennies supplémentaires. L’histoire de la photographie de rue est mise à jour avec une réévaluation de certains documents historiques, l’inclusion de photographes plus contemporains et une discussion sur l’essor continu de la photographie numérique. Le livre de 400 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Laurence King, ainsi que sur Amazon.com.

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JOEL MEYEROWITZ – TAKING MY TIME – PARIS

La galerie Polka présente depuis le 5 novembre le premier volet de Taking My Time, un cycle rétrospectif en deux tableaux consacré cet hiver au grand photographe américain Joel Meyerowitz. Autobiographique et méditative, l’exposition plonge dans la mémoire d’un artiste spectateur et comédien qui a traversé les chapitres et les spécialités de l’histoire récente de la photographie. Du snapshot au tableau et de la street photography au paysage en passant par le portrait, Taking My Time raconte cette aventure. La première partie du voyage, présentée jusqu’au 21 décembre, se concentre sur les travaux précurseurs de l’artiste, de l’aube des années 60 au milieu des années 70. Une série d’images fondatrices, en couleur et en noir et blanc, qui déjà présagent de la suite en racontant Meyerowitz avant Meyerowitz. A 25 ans, en 1962, l’américain croise par hasard — alors jeune directeur artistique dans une agence de publicité — un certain Robert Frank sur un shooting. Fasciné par sa danse serpentueuse il dira: « Je ne savais pas qu’on pouvait bouger à ce point et photographier en même temps. »

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CAPE LIGHT – PHOTOGRAPHS BY JOEL MEYEROWITZ

Né en 1938 dans le Bronx, Joel Meyerowitz est l’archétype du new-yorkais cultivé qui a embrassé son époque avec curiosité et empathie. Par son travail en couleur, il a révolutionné l’histoire de la photographie. A l’instar de William Eggleston ou de Stephen Shore, il a influencé de jeunes générations de photographes et particulièrement l’école allemande de Düsseldorf. Au milieu des années 1960, un long voyage en Europe marque un tournant dans la carrière de Joel Meyerowitz et lui permet d’affirmer son style. Mais ce n’est qu’au début des années 1970, qu’il se consacre exclusivement à la couleur. Son premier livre, Cape Light, dans lequel il explore les variations chromatiques au contact de la lumière, est considéré comme un ouvrage classique de la photographie. Cape Code est un lieu de vacances familiales offrant un vaste paysage marin, plat et rempli de dunes, percé par la lumière du soleil et offrant des vues d’une beauté inimaginable. Cette péninsule au Sud-Est de Boston (Massachusetts, États-Unis) est fréquentée durant les années 50 et 60 par la haute-bourgeoisie bostonienne et new-yorkaise. Publié pour la première fois en 1978, l’ouvrage, bénéficiant d’une grande qualité d’impression, est devenu un classique. Portraitiste du détail, Meyerowitz capte des scènes banales transformées par la lumière combinant ciel, mer et terre du Cap et la vision subtile et lumineuse du photographe. Il crée ainsi un sentiment d’altérité que peu de livres savent donner. Depuis les années 1970, Joël Meyerowitz photographie exclusivement en couleurs. Contrarié par le grain du négatif de 35 mm, il utilise souvent une caméra grand format « Deardorf » 8 X 10. Il a contribué au changement de l’attitude du monde de la photographie vis-à-vis du recours à la couleur et à son acceptation devenue presque universelle en tant que forme artistique. Cette nouvelle édition de Cape Light, publiée par Aperture est accompagnée d’une préface du photographe (avril 2015), d’une conversation entre Bruce K. MacDonald et Joel Meyerowitz ainsi que d’une chronologie de sa carrière artistique. Le livre est maintenant disponible sur le site des éditions Aperture ainsi que sur Amazon.com.

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JOEL MEYEROWITZ – RETROSPECTIVE

À l’occasion de sa grande rétrospective au NRW-Forum de Düsseldorf (jusqu’au 11 janvier 2015), Joel Meyerowitz publie un très bel ouvrage intitulé Retrospective. Ce dernier passe en revue les différents projets du photographe new-yorkais des années 60 à nos jours. On y retrouve ses premiers clichés dans les rues de New York, son projet noir et blanc/couleur, sa magnifique série Cape Cod ainsi que des travaux plus récents comme Ground Zero en 2001/2002 (Meyerowitz fut l’un des premiers photographes à être admis sur le site Ground Zero à New York en septembre 2001), les parcs new-yorkais et plus récemment les natures mortes (2013). Publié par les éditions allemandes Walther König, le livre de 200 pages est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.

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HARRY GRUYAERT – ROOTS

Membre de l’agence Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Le photographe belge explique: « La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation. » Avec une vingtaine de nouvelles photographies, cette édition augmentée de Roots (initialement publié en 2012 et rapidement épuisé) – publiée par les Éditions Xavier Barral – nous plonge dans la Belgique des années 1970 à 1980 à travers un regard étrange et familier. Des premières photographies en N&B à la révélation de la couleur, cet ouvrage explore l’univers si particulier, presque expressionniste, du photographe belge. Ayant quitté la Belgique depuis plusieurs années, Harry Gruyaert s’est senti prêt à y revenir en 1973 et à porter un regard neuf, plus distancié, sur sa terre natale. Il commence à travailler en noir et blanc s’intéressant à la fois à des scènes du quotidien et à des sujets plus pittoresques au gré des fêtes, carnavals et autres manifestations locales en évitant les pièges sentimentaux ou documentaires. Puis c’est le basculement à la couleur : « J’ai mis environ deux ans à y voir la couleur qui m’intéressait. Ce fut une révélation. Par ailleurs, j’ai commencé à voyager en photographiant au Maroc, en Inde, toujours en couleur. Mais il y avait la Belgique, avec ce rapport de refus et d’attirance en même temps. Je savais que c’était un endroit visuellement intéressant, dans lequel il se passait des choses incongrues. Ce n’est pas pour rien que le surréalisme y a été si important. » Dans un texte très personnel, accompagnant ses photographies, Harry Gruyaert commente son rapport à la Belgique. Tandis qu’un essai de l’écrivain belge Dimitri Verlhust nous fait véritablement vivre ces photographies de l’intérieur. Le livre de 200 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Xavier Barral. Une édition signée et numérotée de 1 à 30, sous coffret et comprenant un tirage couleur à encres pigmentaires sur papier baryté (26 x 37 cm) est également disponible en ligne, ici.

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HARRY GRUYAERT – EAST / WEST

Membre de l’agence Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Le photographe belge explique: «La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation.» Les Éditions Textuel publie aujourd’hui deux magnifiques livres reliés sous demi-coffret: East / West. Le premier est consacré à Moscou, et le second à Las Vegas et Los Angeles. Alors que le monde était encore divisé en deux blocs étanches, Harry Gruyaert, toujours en quête de lumière et de sensualité, a capté les couleurs de chacun de ces deux univers. Clinquantes et vibrantes à Los Angeles et Las Vegas en 1981, sourdes et étranges à Moscou en 1989, juste avant l’éclatement de l’URSS. Loin de vouloir documenter le réel, Gruyaert livre pourtant ici une étonnante archive?: celle des couleurs de l’Histoire. L’excellente préface de David Campany permet de remettre ces photos dans leur contexte historique, à une époque où la photographie couleur était encore largement ignorée. Pour l’essayiste britannique, «très peu de photographes ont manifesté la capacité d’Harry Gruyaert à produire des images en couleurs remarquables avec n’importe quelle lumière et n’importe quelles couleurs, dans le monde entier.» East / West est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.fr.

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MAGNUM PHOTOS SQUARE PRINT SALE 2017 – GREAT JOURNEYS

À l’occasion du 70ème anniversaire de Magnum et du 65ème anniversaire d’Aperture Foundation, les deux organisations collaborent pour présenter Great Journeys. Inspiré par les nombreux voyages en Afrique du co-fondateur de l’agence Magnum George Rodger, le projet explore et redéfinit le concept de voyage, à travers des photographies classiques et contemporaines, choisies par les photographes eux-mêmes et accompagnées de textes personnels. 76 images de photographes de l’agence Magnum et 40 images de photographes d’Aperture Foundation sont maintenant disponibles en ligne au prix unitaire de 100$ par tirage dédicacé (format 15,2cm x 15,2cm) et ce jusqu’au 3 novembre 2017.

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LEICA PRESENTS EYES WIDE OPEN @ FUNDACION TELEFONICA – MADRID

La Fundación Telefonica de Madrid accueille en ce moment la grande rétrospective photographique itinérante organisée par Leica: Eyes Wide Open: 100 Years of Leica Photography (Con Los Ojos Bien Abiertos). Pour célébrer le centenaire de la célèbre marque allemande, l’exposition retrace l’histoire des appareils Leica depuis 1914, mais souhaite surtout montrer que les photographies reflètent l’évolution de notre regard sur le monde au cours du XXe siècle. Elle rassemble environ 500 clichés de 150 photographes, ainsi que des journaux, magazines, livres, objets et films. On y retrouve en autres des photographies d’Alexander Rodchenko, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Robert Frank, William Klein, René Burri, Bruce Gilden, Jeff Mermelstein, Araki Nobuyoshi, Tom Wood, Mark Cohen, Fred Herzog, Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Bruce Davidson, Christer Strömholm, etc. Jusqu’au 10 septembre 2017.

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PETER LINDBERGH & GARRY WINOGRAND – WOMEN

À l’occasion de l’exposition Women on Street au Kulturzentrum NRW-Forum de Düsseldorf (du 3 février au 30 avril 2017), les éditions allemandes Koenig Books publient l’ouvrage Women, regroupant des clichés de Peter Lindbergh et Garry Winogrand. Ce nouveau catalogue présente plus de soixante œuvres des deux photographes à la renommée internationale et qui sont rassemblés pour la première fois dans un même livre. En plus de la série iconique Women Are Beautiful du new-yorkais Garry Winogrand, qui met en valeur la beauté intérieure de la femme, il dévoile des œuvres partiellement inédites du photographe allemand Peter Lindbergh, inventeur du phénomène des « top modèles », que ce dernier a réalisées dans les rues de New York durant des shootings de mode. L’objectif de Peter Lindbergh s’attache à capturer la personne dans son individualité, au-delà de la beauté superficielle des traits et préserve l’intégrité d’être social des modèles qu’il photographie. L’empathie et le respect pour l’être humain, associés à une sensibilité de photographe de rue sont une constante dans les œuvres de ces deux photographes. Les clichés ainsi présentés offrent un discours substantiel sur la véracité de la photographie de rue: ces dernières sont-elles mises en scène, sont-elles authentiques, réelles? Quelles sont les motivations intellectuelles et artistiques des deux artistes? Deux courts essais de Joel Meyerowitz sur Winogrand et de Ralph Goetz sur Lindbergh reviennent sur l’essence de la photographie de rue et sur les intentions profondes des deux photographes. Ce très beau livre de 148 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Koenig Books ainsi que sur Amazon.com.

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