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Artiste Pénétrant. Peintre. Producteur Télé/Films. Toy Designer. Le LA Times définit son art comme “adorablement pervers”. Mr. Baseman a exposé partout à travers le monde… à Rome, Los Angeles, NYC, Taipei, Barcelone, Berlin, il possède une installation au Musée de l’Art de Californie, des peintures et sculptures au MOCA de Shanghaï, et une exposition commune au Laguna Art Museum intituléé Pervasion. Gary Baseman brouille la ligne entre la “toy culture” et le “fine art” avec ses images iconiques fortes, espiègles et sombres, enfantines et adultes, instinctives et provocantes.

Mr. Baseman a été le producteur (créatif et exécutif) de la série trois fois primée aux Emmy awards, “Teacher’s Pet”. Il a réalisé des illustrations pour The New Yorker, Time et Rolling Stone, et designé le jeu de société à succès, “Cranium”. Entertainment Weekly Magazine l’a élu l’une des 100 Personnes les Plus Créatives du Divertissement.

Bonne visite!

Pervasive Artist. Painter. TV/Movie Producer. Toy Designer. The LA Times calls his art “adorably perverse.” Mr. Baseman has exhibited around the world…in Rome, Los Angeles, NYC, Taipei, Barcelona, Berlin, and including an installation at the Pasadena Museum of California Art, paintings and sculptures in MOCA Shanghai, and a two-man show at the Laguna Art Museum titled Pervasion. Gary Baseman blurs the line between toy culture and fine art with his strong iconic images, both playful and dark, childlike and adult, id-driven and thought provoking.

Mr. Baseman‘s previous incarnations include the three-time Emmy award winning creator/executive producer of the animated series and film “Teacher’s Pet”; The New Yorker, Time, and Rolling Stone artist; and designer for the best selling game “Cranium.” Entertainment Weekly Magazine named Baseman as one of the 100 Most Creative People in Entertainment.

Enjoy your visit!

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La semaine dernière, nous vous présentions la collaboration sur le projet “3 the Hard Way, Triple Threat, Patta Reworked” entre la boutique d’Amsterdam, Patta et l’artiste local Parra. Les hollandais viennent de dévoiler le second des trois artistes choisis pour réaliser les trois séries de sweatshirts.

Il s’agit de l’artiste new yorkais Eric Elms, qui signe deux sweatshirts: “Patta Gang” et “Line Stack”.

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Né à Philadelphie mais ayant passé toute sa jeunesse à Fresno, Luke Chueh a rapidement obtenu son diplôme d’Art & Design (spécialité Graphic Design) de la California Polytechnic State University de San Luis Obispo. Designer à succès, il a remporté plusieurs prix et est paru dans la revue annuelle, Communication Arts and Print Magazine.

Après avoir déménagé à Los Angeles en 2003, Luke commenca à tenter sa chance dans une carrière d’artiste studio, débutant dans l’une des plus importantes expositions underground de LA, Cannibal Flower. Depuis, il est rapidement sorti de l’ombre. Il fait maintenant parti des artistes les plus intéressants de la scène “Pop Surréaliste / Low Brow”, et sur qui il faut desormais compter. Avec ses palettes de couleurs minimalistes, ses personnages simples (des animaux) et sa liste infinie de situations néfastes, Luke a trouvé un équilibre stylé entre le cute et le brutal, flirtant avec virtuose entre la comédie et la tragédie.

Bonne visite!

Born in Philadelphia, but tragically raised in Fresno, Luke Chueh (pronounced CHU) attended California Polytechnic State University, San Luis Obipso, where he earned a BS in Art & Design (Graphic Design concentration). An award winning designer, Luke has been featured in the design annuals of Communication Arts and Print Magazine.

After moving to Los Angeles in 2003, Luke started pursuing a career as a studio artist, getting his start through LA’s “premiere underground art show”, Cannibal Flower. Since then he has quickly worked his way up the ranks of the “Pop Surrealist / Low Brow” art scene, establishing himself as an artist not to be ignored. Employing minimal color schemes, simple animal characters, and a seemingly endless list of ill-fated situations, Luke stylistically balances cute with brute, walking the fine line between comedy and tragedy.

Enjoy your visit!

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Can you tell us about your childhood, your youth and how this time of your life influenced you and your work?

When I was adolescent, I wasn’t in the local norm, especially in the place where I grew up: Le Jura, it was more playing rugby, football, drinking, riding motorcycles, wearing Doc Martens, light blue jeans and bomber jackets. I let imagine the life of an overexcited tagger in this context, I wasn’t feeling so confortable. My strong memories are linked to graffiti, that was my youth’s freedom and lightheartedness. I spend so much time on railways, industrial waste lands to find walls to paint on, those places, the equipment, all the details of this discipline and also many feelings left me a very strong memory. I still do graffiti, less often than before, but all this universe doesn’t leave me, today it’s a working topic, I peel my vision, it’s really interesting.

On the professional side, it’s funny but when I think of it, I was customizing my audio tapes, tagging my clothes and my shoes, basically all my stuffs… well now it’s still the same thing today with album artworks, clothe collections etc, it’s just got to an industrial stage.

What was your first job (in relation with art or not)?

First job, I was 16, was selling hot chichis (ndlr: long doughnuts) on the beach for holidays, but it was super-boring, so I was shouting non-sense and after a while I got really successful. No, but more seriously I promised myself I would never waste a summer working at the factory, I started very young with commissioned works, commissioned graffitis for shops, clubs and events, I wasn’t doing that bad.

You come from Jura (countryside in eastern France) but you’ve been living in Paris for many years. How has the capital influenced your work? What do you think of the evolution of Paris those last years concerning street art?

I know little about Paris and it’s difficult to assert a love for a city for which one has only few memories, I live there for only 7 years, but made there some very good friends and the cultural richness is incredible there. I think that my friends and my experiences in Paris also influence my work and my universe here.

Regarding street art, it’s in my opinion a much too global term to describe a phenomenon, rather than a school or a movement, everyone gave it a try with ones personal style, it was a little bit like a trend, like there have been trends of styles in graffiti. I don’t have the feeling that it does challenge the population anymore, maybe something new will come in the streets, tagtonik perhaps?

You share your studio with your friend, artist KRSN. How did you know each other’s and do you still work together?

Krsn is in my top best friends, very very well placed, and he’s also a great artist, always surprising and sincere, I don’t get tired of watching his images, he kills it!

It’s been a few months we haven’t worked together, we’ve both been very busy each one on our side, but we’ll collaborate soon, I can’t wait for that, it’s always very cool to compose together, very instinctive, each time I have the feeling we’re doing telepathic and it works very well!

What are you usually listening in your workshop?

Classical music and I wonder naked in a mauve silk dressing gown. I’m very very classy concerning music.

Music plays an important part in your work. Have any artists or albums influenced some of your artwork?

There always was music in my life, it’s quite a funny thing actually, but when I was small, I could hear people singing by the window, in my mum’s office who is a speech therapist, I now live close to a music academy, I also hear people singing, and my atelier is located right next to a music school… it just never stops. Then I don’t know if music influences my work, maybe it gives oneself an attitude, or it allows you to do more crazy things, but I don’t believe it plays that much on your visual directions.

On the other hand, the artists you meet and their universe make you to evolve, it’s in the effort of adaptation that you discover directions you would have never even considered, but it’s actually not only true with music, all the projects are more or less like that. I think that a similar question would much more interesting: the importance and the influence of the image on a musician.

Could you please describe us your typical day at work?

I never stop working.

Apart from art/graphic design, what are the other things you enjoy doing when you have some free time left?

Spend some time with my wonderful family.

What was the last book you read?

I usually read several books at the same time, there was a monograph of Charlotte Perriand and another one of Tallon, a few repertories of design and I lately started reading again an old book from Tschichold from my library that had irritated me, to check that my vision of typography had evolved a minimum. I’ve also just started a pretty big book about Italian Renaissance, with the same aim.

Who are the French and international artists who currently inspire you?

There will always be the great classic designers and graphic artists; I also find the work of Tobias Rehberger really interesting, even if I’ve been interested in his production for a long time. Swiss artists also make cool things, Fleury, Decrauzat and also a French woman, Delphine Coindet, who makes really beautiful things.

Regarding your new exhibition Hooked which took place in Montreal this summer, could you give us more information about the contents, on what you focused and how comes you choose Canada? Do you have other exhibitions planned from this side of the Atlantic?

“In the mess over there, behind the fence, stuck to the walls, after the carpark, under the bridge, below the road, in the grass, between remains and trashes, metal sheets and cables, right in the middle of the brambles, behind that wall, in the color and the action; it’s there, at age 14, that I got hooked on graffiti. That’s a little bit the key sentence of the exhibition, I try to symbolize the relationship between danger and game in a space, by composing the room with vivid colors and playful forms and an installation made of iron bars equipped with sharp spades. It’s a little bit like a hyper funny solid mass of brambles. Dangerous places are an undeniable component of doing graffiti, it forms part of the ritual, and it’s even what’s exciting for some taggers. Moreover the gallery is called Off The Hook, and that was an inevitable coincidence, just like being called Akroe ; Hooked.

Apart from that, I haven’t planned anything else here, but I have a great desire to return to Montreal, I made great friends.

Did you know Canada already? Apart from the show, what are your plans here?

No, I didn’t know Canada, it’s really cool here, I had so much fun, people are very welcoming and party, party, party all the time!

With your busy schedule between clients and shows, do you still have time to create artwork in the street?

I’m organized…

Which currently takes more of your time: commercial artwork or personal artistic creation? How do you manage to make the balance between both worlds? Do you think one of them influences the other?

Time spent on personal artistic creation still depends a lot on client projects. It’s also thanks to the orders I get that I can sustain my activity of artist. It means lot of efforts on both sides, but I believe I’m not doing that bad with this organization for the moment. And yes, it’s undeniable that my researching work has an influence on my commercial work, more and more, and I’m very happy about that, I think the opposite would be less interesting.

To celebrate the launch of The Simpsons – The Movie, the Parisian store Colette asked some artists, including you, to customize a Bart vinyl toy. What is your opinion about the designer toy world, which is a movement that has been growing extremely fast in France for the last two years? Could you plan to release a 3D creation out of vinyl?

No, no, no, toys are a pain in the arse, I love the idea to create series of cool and crazy things, but I can’t get used to the models, formats and plastics used for the moment. I customized the Bart Qee for Colette because people used to compare me to him when I was younger, with his attitude and his face, I found that funny. I created something respecting the spirit of The Simpsons and giving the totality of the selling price to the Mc Donald’s foundation. But I don’t think I’ll be doing that anytime soon, in general I tend to oversize…

You work with Sixpack France since the very beginning of the brand. Can you tell us the origin of this adventure and the on-going projects that you have with them (new Akroe mini-collection)?

They are friends for life; there will always be many new mini-collections coming!

What are your favorite streetwear brands and the ones that influence you?

Sixpack, Rated Rookies and Freshjive, you know why!

Are you interested in sneakers? Do you own many pairs? What are your last pairs of sneakers you purchased and which are your “jewel” pairs?

Honestly, not really, but still I’m interested in the matter, I like to see the new tendencies, but I’m not an over-excited shopping addict nor am I a collector. For my clothes in general I’m always attracted by traditional, beautiful traditional well made clothes. Concerning shoes, I always enjoyed simple models, black and white. I own several pairs of the same model, all in a different wear conditions, I’m straight, I can’t believe it.

On the other hand, I’m very attentive to the couture and haute couture, especially for women obviously, I am always amazed by the profusion, the creativity and the ease of fashion designers. Obviously I’m more receptive to more graphic collections and then I always admire the quality of the image of luxury brands, the concern and intelligence of the detail. So classy.

What can we expect from Akroe for the next months?

Two books, a second version of the Design&Designer book by Pyramyd and “Deadline” at the Lazy Dog, with a deadline for…

And finally an update of my website, I receive so many emails of people irritated because I don’t do it, it’s insane.


Peux-tu nous parler un peu de ta jeunesse, ton adolescence et comment cette période de ta vie t’a influencé toi et ton travail?

Quand j’étais ado, j’étais pas trop dans la norme locale, surtout dans la région où j’ai grandi : le Jura, c’était plus rugby, foot, beuveries, mobylettes, docs coquées, jeans clair et bombers. Je te laisse imaginer la vie d’un tagger surexcité dans ce contexte, j’étais pas tellement à ma place. Les souvenirs forts sont liés au graffiti, c’était ma liberté d’ado et l’insouciance. J’ai passé énormément de temps à arpenter les voix ferrées, les friches et les recoins industriels pour trouver des murs à peindre, ces lieux, l’équipement, tous les détails de cette discipline et aussi beaucoup de sensations me laisse un souvenir vraiment fort. Je continue encore le graffiti, moins souvent, mais tout cet univers ne me quitte pas, aujourd’hui c’est un thème de travail, je décortique ma vision tout ça, c’est vraiment intéressant.

Pour le coté plus professionnel, c’est marrant mais quand j’y pense je décorais mes cassettes audio, je taggais mes vêtements et mes pompes, et toutes mes affaires… et bien c’est toujours la même chose aujourd’hui avec les pochettes de disques, les collections de fringues etc, c’est juste passé à un stade industriel.

Quel était ton premier job, qu’il soit en relation avec l’art ou non?

Premier job, j’avais 16 ans, je vendais des chichis-chauds sur la plage en vacances, mais c’était super ennuyeux, alors je criais des débilités et au bout d’un moment j’avais un vrai succès, j’avais déjà un sens perfectionné de la communication… Non, mais plus sérieusement, je me suis juré de ne jamais perdre un été, automatisé à l’usine, j’ai commencé très jeune à répondre à des commandes pour des fresques, pour des commerces, des clubs, et des événements, je me débrouillais pas mal.

Tu es originaire du Jura, mais tu t’es installé à Paris depuis plusieurs années. Comment la capitale influence t-elle ton travail? Que penses-tu de l’évolution de Paris ces dernières années en ce qui concerne le street art?

Je connais mal Paris, et c’est difficile de revendiquer un amour pour une ville dont on a peu de souvenirs, j’y vis depuis seulement 7 ans, mais je m’y suis fait de très bons amis et la richesse culturelle y est incroyable. Je pense que c’est ça aussi qui influence mon travail et mon univers ici ; les potes et les expériences.

En ce qui concerne le street art, je trouve que c’est un terme vraiment global pour décrire un phénomène, plutôt qu’une école ou un mouvement, tout le monde s’y est essayé avec son style personnel, c’était un peu comme une mode, comme il y a eu des modes de style dans le graffiti. Là, j’ai l’impression que ça n’interpelle plus trop la population, alors quelque chose de nouveaux va arriver dans les rues, le tagtonik peut-être ?

Tu partages depuis peu ton studio avec ton ami, l’artiste KRSN. Comment vous êtes vous connu et vous arrive t-il encore de travailler ensemble?

Krsn est dans mon top best friends, très très bien placé, et c’est aussi un artiste exceptionnel, toujours surprenant et sincère, je ne me lasse pas de voir ses images, il claque tout.

Ça fait quelques mois qu’on a pas travaillé ensemble, on a été très occupés chacun de notre côté, on va s’y remettre bientôt, j’ai hâte, c’est toujours hyper cool de composer ensemble, très instinctif, à chaque fois j’ai l’impression qu’on est télépathe, ça marche très bien.

Qu’est ce que tu écoutes dans ton atelier?

De la musique classique et je me ballade nu dans un peignoir de soie mauve. Je suis très très classe en musique.

La musique joue un rôle important dans ton travail. Est-ce que des artistes, albums ou chansons influencent certaines de tes oeuvres?

Il y a toujours eu de la musique dans ma vie, c’est un truc assez marrant, mais quand j’étais petit j’entendais par la fenêtre les gens qui chantaient dans le bureau de ma mère, elle est orthophoniste, j’habite à coté d’un conservatoire, j’entends aussi les gens chanter, et mon atelier est collé à une école de musique, et ça y va. Ensuite je ne sais pas si la musique influence mon travail, ça te donne peut-être une attitude, ça t’invite plus à te lâcher peut être, mais je ne crois pas que ça joue fondamentalement sur ton sens visuel.

Par contre ce sont les rencontres avec les artistes et leurs univers qui te font évoluer, c’est dans l’effort d’adaptation que tu découvres des pistes que tu n’aurais pas forcément envisagées, mais ce n’est pas propre à la musique en fait, tous les projets sont plus ou moins comme ça. Je pense que la question dans l’autre sens est beaucoup plus intéressante, sur l’importance et l’influence de l’image sur un musicien.

Pourrais-tu nous décrire ta journée typique quand tu travailles?

Je n’arrête jamais de travailler.

A part l’art/design/graphisme, quelles sont les autres choses que tu aimes faire quand il te reste du temps?

Profiter de ma magnifique famille.

Quel est le dernier livre que tu aies lu?

J’en lis plusieurs en même temps en général, il y avait une monographie de Charlotte Perriand et une autre de Tallon, deux trois répertoires de design et là je reprends un vieux Tschichold de ma bibliothèque qui m’avait énervé, pour vérifier que ma vision de la typo a évolué un minimum, et je viens de commencer un pavé sur la renaissance italienne dans le même but.

Quels sont les artistes français et internationaux qui t’inspirent actuellement?

Il y aura toujours les grands classiques du design et des arts graphiques, et sinon chez les artistes en ce moment je trouve le travail de Tobias Rehberger vraiment intéressant, même si je m’intéresse à sa production depuis longtemps, les suisses aussi font des choses cool, Fleury, Decrauzat et aussi une française Delphine Coindet qui fait vraiment de belles choses.

En ce qui concerne ton exposition, Hooked qui a lieu à Montreal, peux-tu nous en dire un peu plus sur le contenu, sur quoi tu t’es concentré et comment se fait-il que tu exposes au Canada? As-tu d’autres expositions ou projets de prévus de ce coté de l’Atlantique?

«Dans le merdier là-bas au fond, de l’autre coté des barrières, collé aux voies, après le parking, sous le pont, en contrebas de la route, dans les herbes au bout du sillage, entres les débris et les débarras, la tôle et les câbles, au beau milieu des ronces, le long du mur derrière, dans la couleur et l’action ; c’est là, à 14 ans, que je me suis accroché avec le graffiti.» Voilà c’est un peu la phrase clef de l’expo, je tente de symboliser le rapport entre danger et jeu dans un espace, en composant la pièce de couleurs vives et de formes ludiques et d’une installation dangereuse de barres de fer équipées de piques tranchants. C’est un peu comme un massif de ronces hyper fun. Les lieux dangereux sont un composant indéniable de la pratique du graffiti, ça fait partie du rituel, c’est même pour certains taggers ce qui les excite le plus. Voilà, et j’ai fait ça ici car la galerie s’appelle Off the hook, et que c’était une coïncidence inévitable, tout comme celle de s’appeler Akroe ; Hooked.

Sinon rien de prévu ici, mais une grande envie de revenir à Montréal, je me suis fait des amis.

Connaissais-tu déjà le Canada? À part l’exposition, qu’as-tu prévu de faire ici?

Non, je ne connaissais pas, c’est vraiment cool, je me suis vraiment amusé, les gens sont accueillants et font la fête, la fête la fête…

Avec ton travail pour clients et tes expositions, as-tu encore le temps de réaliser des oeuvres dans la rue?

Je suis organisé…

Qu’est ce qui te prend le plus de temps actuellement: création commerciale ou création artistique personnelle? Comment arrives-tu à faire la balance entre ces deux mondes? Penses-tu que l’un influence l’autre?

Le temps de création perso dépend encore pas mal des projets de commande, c’est grâce aussi à la commande que je soutiens mon activité d’artiste, ça représente pas mal d’efforts dans les deux sens, mais je crois bien m’en sortir avec cette organisation pour l’instant. Et puis oui c’est indéniable que mon travail de recherche a une influence sur mon travail de commande, ça s’affirme de plus en plus, et j’en suis très heureux, je pense que l’inverse est moins intéressant.

Pour célébrer la sortie du film des Simpsons, la magasin Colette a fait appel à quelques artistes, dont toi, pour customiser un toy représentant Bart. Quelle est ton opinion concernant l’univers des designer toys, qui est un mouvement qui grandi fortement en France depuis ces deux dernières années? Pourrais-tu envisager de sortir une création en 3D produite en vinyl?

Non, non non, les toys ça me casse la tête, j’adore l’idée de la création en série de choses cools et débiles, mais j’ai vraiment du mal avec les modèles, les formats et les matières qu’on voit pour l’instant. Là j’ai fait un Bart, parce qu’on me comparait à Bart quand j’était plus jeune, avec son attitude et sa pomme, je trouvait ça marrant. J’ai fait un truc dans l’esprit Simpson en cédant la totalité du prix de vente à la fondation Mc Do. Mais je ne pense pas en faire bien souvent, en général j’ai plutôt tendance à sur-dimensionner…

Tu travailles avec Sixpack France depuis les débuts de la marque. Peux-tu nous raconter l’origine de cette aventure et les projets que tu as avec eux (nouvelle mini-collection Akroe)?

Ce sont des amis pour la vie, il y aura toujours pleins de nouvelles mini-collection.

Quelles sont les marques de streetwear que tu préfères et celles qui t’influencent?

Sixpack, Rated Rookies et aussi Freshjive, tu vois pourquoi ?

T’intéresses-tu aux baskets? As-tu beaucoup de paires? Quels sont tes derniers achats en la matière et quels sont tes paires “bijoux”?

Franchement pas vraiment, mais je ne m’en moque pas du tout, j’aime bien voir passer les tendances, mais je ne suis pas un sur-excité du shopping et de la collectionnite. Pour mes habits en général je suis toujours attiré par les classiques, les beaux classiques bien faits. Pour les Shoes, j’ai toujours flashé sur les modèles simples, noir et blanc. J’ai plusieurs fois les même paires dans des états d’usure différents, je suis straight c’est pas possible.

Par contre je suis vraiment attentif à la couture et haute couture, surtout chez la femme évidemment, je suis toujours surpris pas la profusion, la créativité et l’aisance des créateurs. Évidemment je suis plus réceptif aux collections un peu graphiques, et puis j’ai toujours un regard admiratif sur la qualité de l’image des marques de luxe, sur le souci et l’intelligence du détail. Hyper classe.

Que peut-on attendre d’Akroe pour les prochains mois?

2 livres, une V2 du Design&Designer de Pyramyd et un dénommé Deadline chez lazydog, dont la deadline…

Et enfin une réactu de mon site web, je reçois pleins de mails de gens énervés que je ne le fasse pas, c’est fou.


Josh Agle (plus connu sous le nom de Shag, une contraction des deux dernières lettres de son prénom et des deux premières de son nom) est un peintre, illustrateur et designer travaillant en Californie du Sud. Son intention initiale de faire carrière en tant qu’illustrateur commercial fût mise de côté quand ses peintures commencèrent à recueillir l’attention considérable des galeries et des collectionneurs. Depuis sa première exposition solo en galerie en 1997, Shag a présenté ses oeuvres aux Etats-Unis, en Europe, au Japon et en Australie. Ses peintures et sérigraphies peuvent être trouvées dans les collections des célébrités et des collectionneurs d’art partout dans le monde.

Ses toiles célèbrent le consumérisme et la consommation en utilisant des couleurs vives et intenses: les personnages boivent, fument et mangent dans des environnements somptueux et élégants. Mais Agle conçoit les visuels de son travail comme une façade ou une scène de théâtre. Il est davantage concerné par le récit de son art. “La plupart de mes peintures sont placées au milieu d’une histoire ou d’une situation — les personnages agissent les uns sur les autres et réagissent aux évènements extérieurs.” Agle n’offre que peu d’indices quant aux histoires, préférant que le spectateur imagine son propre scénario convenant à la situation.

Aujourd’hui, Shag peint dans un grand studio avec vue panoramique sur une vallée boisée dans les collines au-dessus de L.A., dans une maison moderne de la moitié du siècle qu’il partage avec son épouse et ses deux enfants. Il crée actuellement des peintures pour ses prochaines expositions à New York, Paris et Tokyo.

Bonne visite !

Josh Agle (probably better known as Shag, a contraction of the last two letters of his first name and the first two letters of his last) is a painter, illustrator and designer working in Southern California. His initial intention to establish a career as a commercial illustrator was sidetracked when his original paintings began to garner considerable attention from galleries and collectors. Since his first solo gallery show in 1997, Shag has had successful solo exhibitions in the United States, Europe, Japan and Australia. His original paintings and prints can be found in the collections of celebrities and art collectors worldwide.

The paintings themselves celebrate consumerism and consumption on vividly colored, sharply rendered panels; the characters drink, smoke and eat in lavish, stylish surroundings. But Agle sees the visuals of his work as window-dressing or stage scenery. He’s more concerned with the narrative of the art. “Most of my paintings are set in the middle of a story or situation — characters are interacting and reacting to each other and to outside events.” Agle doesn’t offer too many clues about the stories, preferring that the viewer create his or her own narratives to fit the situations.

Currently Shag paints in a large studio with panoramic view of a wooded valley in the hills above L.A., part of a mid-century modern home which he shares with his wife and two children. He is currently creating paintings for upcoming exhibits in New York, Paris and Tokyo.

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Tara McPherson est née à San Francisco en 1976 et a grandi à Los Angeles. Elle est peintre, poster artist et illustratrice freelance à New York. Elle crée son art en s’inspirant des gens et de leurs drôles de manières, ses personnages semblent répandre une innocence idéalisée avec un peu de sagesse durement gagnée dans les yeux. Se souvenant de beaucoup de sujets de l’enfance et des bonnes vieilles expériences de la vie, elle crée des images à la fois provocantes et séduisantes.

Tara est très polyvalente: bande dessinées, et couvertures pour DC Vertigo, publicités et illustrations éditoriales pour des compagnies telles que Pepsi et Spin Magazine et de nombreuses affiches de concerts pour des groupes de rock comme Beck, Modest House, Mastodon et Death Cab For Cutie. Elle expose ses peintures et sérigraphies dans les galeries d’art du monde entier.

Elle travaille actuellement sur un roman graphique entièrement peint pour DC Vertigo Comics, des peintures pour sa prochaine exposition en galerie, conçoit une nouvelle ligne de toys pour Kidrobot basée sur ses personnages et donne des cours d’Illustration Conceptuelle à Parsons à NY.

Bonne visite !

Tara McPherson was born in San Francisco in 1976 and raised in Los Angeles. She is a painter, poster artist and freelance illustrator based out of New York City. Creating art about people and their odd ways, her characters seem to exude an idealized innocence with a glimpse of hard earned wisdom in their eyes. Recalling many issues from childhood and good old life experience, she creates images that are thought provoking and seductive. People and their relationships are a central theme throughout her work.

Tara‘s array of art includes painted comics and covers for DC Vertigo, advertising and editorial illustrations for companies such as Pepsi and Spin Magazine, and numerous gig posters for rock bands such as Beck, Modest Mouse, Mastodon, and Death Cab For Cutie. She exhibits her paintings and prints in fine art galleries all over the world.

Currently she is working on a painted graphic novel for DC Vertigo Comics, painting for an upcoming gallery exhibition, designing a new line of toys for Kidrobot based on her characters, and teaches a Concept Illustration class at Parsons in NYC.

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Après avoir quitté le Nord de l’Angleterre pour s’installer à Londres il y a quelques années, Eelus découvrit l’univers du street art et l’adora aussitôt. Après plusieurs années passées en retrait à observer le mouvement, il décida d’utiliser son savoir faire en design et illustration pour essayer de créer ses propres oeuvres et ne s’est pas arrêté depuis !

Le succès de son fameux design ‘Shat-at’ l’a rapidement fait connaître et lui a permi de faire partie d’expositions comme Santa’s Ghetto à Londres et Nuart en Norvège. Il a peint et collé dans tout l’East London, Bristol, NYC et en Norvège, mais il admet qu’il a récemment eu beaucoup de commissions et qu’il a donc dû passer plus de temps dans son studio que dans la rue. Il a cependant quitté son job pour pouvoir se concentrer sur sa toute nouvelle carrière artistique où il souhaite apprendre et développer son style en créant constamment de nouvelles oeuvres, dans la rue ou non. Puisant son inspiration de films, comics, morts-vivants, sexe, tartes, il espère continuer à nous faire partager son regard décalé et drôle sur la vie et ce, aussi longtemps que possible.

Dans les prochaines années, Eelus espère mettre un peu de coté sa thématique inspirée de Star Wars et prouver qu’il est capable de créer d’autres oeuvres, avec de nouvelles toiles, nouvelles sérigraphies, sa propre marque de vêtements, un magazine, des customs de vinyl toys et la réalisation de son livre !

Bonne visite !

After moving to London from the north of England several years ago, Eelus first discovered the world of street art and was instantly hooked. After a few years of merely sitting on the sidelines as an observer and fan of the movement, he decided to use his background in design and illustration to try his hand at some of his own pieces and hasn’t looked back since.

The success of the popular ‘Shat-at’ image gained him recognition and has allowed him to take part in shows such as Santa’s Ghetto in London and Nuart in Norway. He’s painted and pasted his way around East London, Bristol, NYC and Norway but admits recently he’s been tied to the studio so much with commission pieces that the street side of his work has been hard to keep up. Recently packing in his ‘day job’ so he can concentrate on his new found career as an artist, he’s looking forward to teaching himself more and developing his style both on and off the street with as much new work as possible. Taking his inspiration from films, comics, the undead, sex, pies, and anything else he fancies at the time, he hopes to continue to show us his twisted and humorous outlook on life for as long as possible.

Over the next year Eelus hopes to finally put the Star Wars themed work behind him and prove he has a little more to offer with new canvas, prints and his own clothing label as well as the possibility of his own Zine, customized vinyl’s and the completion of his own book.

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Alëxone est est un graphiste freelance français, membre du collectif parisien 9th Concept. Il est aussi connu sous le nom d’Oedipe, le tag qu’il utilise pour ses calligraphies abstraites.

Le rendement d’Alëxone est tout bonnement incroyable. Il a réalisé une tonne d’oeuvres, de projets solos mais également travaillé avec énormément d’autres artistes comme Jace, Gomes et le GM Crew. Il a la réputation d’être de nature très joyeuse et drôle, et cela se reflête dans ses personnages. Il décrit son travail comme “simple et funky”, réalisé à partir de lignes pures, et d’applats de couleurs vives, avec un casting totalement fou de personnages. Eléphants, pingouins et autres animaux sont ses sujets favoris de création. A Paris, une ville où la tolérance envers les artistes du graffiti n’existe pas, il a été parmi les premiers à utiliser les posters peints à la main, découpés/collés, qui peuvent être appliqués rapidement mais qui, malheureusement, comme des croissants sortis du four, ont une durée de vie très limitée sur les murs.

Né en 1976 à Paris, Alëxone vit et travaille desormais à Bruxelles.

Bonne visite !

Alëxone is a french graphic artist, working freelance as part of the 9th Concept collective in Paris. He is also known as Oedipe – the tag he uses for his abstract calligraphy.

Alëxone output is prodigious. He has undertaken countless solo missions and many collaborative works with his characters and stylized letters, working with artists like Jace, Gomes, and the GM Crew. He has a reputation as one of the funniest and most amenable guys on the block and this comes across in his characters. He describes his work as simple and funky, executed on clear lines and flat colours with a seriously oddball cast of characters. Elephants, penguins and other animals are some of his favourites. In Paris, a city with a low tolerance of graffiti artists, he has pioneered a technique of hand-painted cut-out posters, which can be applied quickly but tragically, like freshly baked croissants, they have a short shelf-life.

Born in Paris in 1976, Alëxone now lives and works in Brussels, Belgium.

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Directeur artistique de Ed Banger Recods, So Me est un personnage mystérieux qui souhaite rester discret. Créateur de tout le graphisme du label depuis sa création en 2003, il est, avec Pedro Winter, responsable du succès incroyable du label parisien. Véritable touche à tout, il a carte blanche pour tout ses projets et réalise clips, artworks, flyers, t-shirts etc. Il vient de finir la pochette de l’album de Justice qui s’appelle “†” et celle du nouveau maxi de Mr Oizo, “Transexual” (on la voit, en exclusivité, sur son écran). Récemment, il a collaboré avec la marque japonaise de streetwear, Revolver, en créant une bonne partie de leur tees pour l’été 2007.

Ses designs simples et efficaces font de So Me un des artistes français dont on a pas fini d’entendre parler !

Bonne visite !

Creative Director of Ed Banger Recods, So Me is a mysterious person who wishes to remain discreet. Creator of all the graphics of the label since its creation in 2003, he is, with Pedro Winter, responsible of the success of the great parisian label. Always trying new things, he’s been given total control over all his projects and creates videos, artworks, flyers, t-shirts, etc. He just finished the artwork for Justice’s album called “†” and the cover for Mr Oizo’s new single, “Transexual” (you can see it on his computer screen). Recently, he collaborated with the japanese streetwear brand, Revolver, to create part of their tee line for this summer.

His clean and effective designs make So Me one of the french artists we won’t stop hearing about !

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Si vous avez déja remarqué une paire de baskets en bois se balançant au bout d’un câble électrique, il y a fort à parier qu’il s’agisse d’une oeuvre des deux jumeaux du New Jersey, Ad et Droo, aka Skewville!

Les deux artistes créent des éditions limitées de sneakers en contre-plaqué, qu’ils jettent par la suite sur les fils électriques et lignes de téléphone des villes, partout dans le monde! Ces installations de fausses sneakers (ils appellent leur projet et site web When Dogs Fly), date du début de 1999, mais cela fait déja plus de 10 ans que ces artistes new-yorkais laissent des empreintes de sneakers sur les murs, exposent dans des galeries, reconfigurent des sites de construction pour y laisser le message “Fresh” ou “Fame Game”. Bref, ils altèrent le paysage urbain de par l’originalité de leur art (vous pouvez voir toutes leurs photos ici). Skewville nous ouvrent donc les portes de leur studio à New York…

Bonne visite!

If you’ve ever noticed a pair of wood sneakers dangling from power lines, you’ve likely witnessed the work of New Jersey-born identical twins Ad and Droo, aka Skewville.

They create limited edition plywood cutout sneakers that they toss up onto phone lines all over the world! The fake sneaker installations (they call the project and their website When Dogs Fly) dates back to ’99, but for over a decade the New York artists have been leaving sneaker footprints on walls, installing their art in galleries, reconfiguring construction sites to say “Fresh” or “Fame Game,” and otherwise altering spaces with their brand of artful commentary (you can see all their pictures here). Skewville open the doors of their studio in New York for us…

Enjoy your visit!

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