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LEICA PRESENTS EYES WIDE OPEN @ FUNDACION TELEFONICA – MADRID

La Fundación Telefonica de Madrid accueille en ce moment la grande rétrospective photographique itinérante organisée par Leica: Eyes Wide Open: 100 Years of Leica Photography (Con Los Ojos Bien Abiertos). Pour célébrer le centenaire de la célèbre marque allemande, l’exposition retrace l’histoire des appareils Leica depuis 1914, mais souhaite surtout montrer que les photographies reflètent l’évolution de notre regard sur le monde au cours du XXe siècle. Elle rassemble environ 500 clichés de 150 photographes, ainsi que des journaux, magazines, livres, objets et films. On y retrouve en autres des photographies d’Alexander Rodchenko, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Robert Frank, William Klein, René Burri, Bruce Gilden, Jeff Mermelstein, Araki Nobuyoshi, Tom Wood, Mark Cohen, Fred Herzog, Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Bruce Davidson, Christer Strömholm, etc. Jusqu’au 10 septembre 2017.

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PETER LINDBERGH & GARRY WINOGRAND – WOMEN

À l’occasion de l’exposition Women on Street au Kulturzentrum NRW-Forum de Düsseldorf (du 3 février au 30 avril 2017), les éditions allemandes Koenig Books publient l’ouvrage Women, regroupant des clichés de Peter Lindbergh et Garry Winogrand. Ce nouveau catalogue présente plus de soixante œuvres des deux photographes à la renommée internationale et qui sont rassemblés pour la première fois dans un même livre. En plus de la série iconique Women Are Beautiful du new-yorkais Garry Winogrand, qui met en valeur la beauté intérieure de la femme, il dévoile des œuvres partiellement inédites du photographe allemand Peter Lindbergh, inventeur du phénomène des « top modèles », que ce dernier a réalisées dans les rues de New York durant des shootings de mode. L’objectif de Peter Lindbergh s’attache à capturer la personne dans son individualité, au-delà de la beauté superficielle des traits et préserve l’intégrité d’être social des modèles qu’il photographie. L’empathie et le respect pour l’être humain, associés à une sensibilité de photographe de rue sont une constante dans les œuvres de ces deux photographes. Les clichés ainsi présentés offrent un discours substantiel sur la véracité de la photographie de rue: ces dernières sont-elles mises en scène, sont-elles authentiques, réelles? Quelles sont les motivations intellectuelles et artistiques des deux artistes? Deux courts essais de Joel Meyerowitz sur Winogrand et de Ralph Goetz sur Lindbergh reviennent sur l’essence de la photographie de rue et sur les intentions profondes des deux photographes. Ce très beau livre de 148 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Koenig Books ainsi que sur Amazon.com.

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ERNST HAAS – COLOR CORRECTION

Longtemps considéré par ses pairs comme trop commercial, le travail du photographe autrichien Ernst Haas est souvent réduit à ses photographies en noir et blanc et à ses nombreux travaux publicitaires (il est notamment célèbre pour avoir photographié les premières campagnes Marlboro Man). Il présida pourtant l’agence Magnum en 1959 et fut surtout le premier à bénéficier d’une exposition personnelle pour ses travaux en couleur au MoMA, en 1962. Color Correction, publié par Steidl pour la première fois en 2011 et vite épuisé, nous fait redécouvrir les photographies couleur de Haas, longtemps oubliées au profit des travaux des grands photographes de la « New Colour » des années 70. Ce livre a pour but de corriger l’image un peu floue de la photographie en couleur d’Ernst Haas qui, en raison de son extraordinaire dynamisme, était très demandée par la presse illustrée de son époque. Le travail en couleur de Haas, publié dans les magazines les plus influents et dans de nombreux livres en Europe et aux États-Unis, lui a valu une renommée mondiale, mais son œuvre a souvent été ridiculisée par les critiques et les commissaires, la jugeant trop facilement accessible et pas assez sérieuse. Sa réputation a souffert en comparaison avec une jeune génération de photographes en couleur, notamment William Eggleston, Stephen Shore ou encore Joel Meyerowitz. Cependant, une telle critique ne mentionne généralement pas la sensibilité étonnante de l’œuvre personnelle en couleur d’Ernst Haas, qui accompagnait constamment – mais presque de façon invisible – son travail freelance, qui était beaucoup plus radicale et ambiguë. Malgré leur inventivité et leur complexité saisissantes, le photographe n’a jamais imprimé ces images de sa vie, et encore moins exposé. Souhaitant rendre justice à son travail, William Ewing s’est donc plongé dans les milliers de diapositives de l’œuvre du photographe afin d’en extraire une sélection intense et radicale, et de nous montrer une nouvelle approche, plus avant-gardiste de l’œuvre de ce grand coloriste. Les éditions allemandes Steidl publient donc en cette fin d’année une seconde édition inchangée de Color Correction. Le livre de 232 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes ainsi que sur Amazon.com.

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WILLY SPILLER – HELL ON WHEELS

La jeune maison d’édition suisse Sturm & Drang vient de rééditer Hell On Wheels de Willy Spiller. À l’instar des États-Unis entant que melting-pot, le métro, protagoniste incontestable de cette série, peut se définir comme un “boiling-pot” : un vivier cosmopolite bouillonnant mêlant hommes d’affaires, dealers, femmes au foyer, policiers et chefs de gang. Publiées pour la première fois en 1984, les scènes du photographe suisse dans le métro new-yorkais, reconnu comme l’un des métros les plus dangereux au monde, racontent rétrospectivement une histoire différente: celle du glamour et de la couleur, de la curiosité et du divertissement. On apprécie aujourd’hui ces images d’une façon plus objective, sans le sensationnalisme, le danger et le voyeurisme proclamés par les médias à l’époque, mais plutôt avec la fascination de ce jeune européen fraichement débarqué à New York pour son peuple, ses néons, son agitation et son énergie implacable. Saisie sur pellicules de diapositives couleur Kodachrome, la vision de Spiller du système de transport souterrain sordide de la ville s’inscrit dans la lignée de celle d’autres pionniers qui ont documenté New York en couleur (on pense notamment à Bruce Davidson avec son projet Subway ou encore à l’œuvre de Joel Meyerowitz). Pris entre 1977 et 1984, les clichés de Willy Spiller nous font revivre avec une certaine nostalgie le New York d’il y a quelques décennies, avec l’émergence du rap et du graffiti, une ville en effervescence culturelle et au dynamisme créatif hors-norme. Ses images chargées d’émotion sont autant un document visuel incomparable du quotidien des new-yorkais dans le métro, qu’une ode colorée à la ville de New York et à ses habitants. L’ouvrage de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang, ainsi que sur Amazon.com.

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HARRY GRUYAERT MONOGRAPH

À l’occasion de la rétrospective qui lui était consacrée à la Maison Européenne de la Photographie au printemps 2015, Thames & Hudson/Textuel publient la première monographie dédiée à l’œuvre d’Harry Gruyaert. Ce livre offre une magistrale incursion dans l’œuvre d’un des photographes les plus talentueux de l’agence Magnum et révèle un cheminement personnel à travers la couleur. Les images qui le composent proposent un autre territoire pour la photographie : une perception émotive, non narrative et radicalement graphique du monde. Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. “La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation.” Harry Gruyaert. Qu’il s’agisse de la Belgique, du Maroc, des États-Unis, de Paris ou de Moscou, aucun sujet ne compte en tant que tel. Tous constituent des réservoirs d’inspiration et d’impressions rétiniennes. À Anvers, alors qu’il joue au foot en culotte courte, Harry Gruyaert va chercher le ballon dans les hautes herbes qui lui caressent les cuisses. La lumière est belle, son esprit s’échappe du terrain. Le photographe décrit ce moment comme une libération des sens, comme le point de départ de sa quête de sensation. Le livre propose une sélection de 80 photographies à travers 144 pages. La préface de l’ouvrage est quant à elle écrite par François Hébel, qui fait le récit du parcours du photographe. Disponible dès maintenant sur Amazon.fr et Amazon.com.

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EYES WIDE OPEN! 100 YEARS OF LEICA PHOTOGRAPHY

Pour accompagner les cent ans de Leica et les expositions célébrant l’évènement, un livre, édité par Hans-Michael Koetzle et publié par Kehrer Verlag, vient de sortir, intitulé Eyes Wide Open! 100 Years of Leica Photography. Ce dernier propose de nombreux textes critiques sur l’influence du Leica sur le photo-journalisme et son importance pour de nombreux courants d’avant-garde en photographie. Une vingtaine de chapitres sont consacrés aux changements radicaux et la révolution visuelle dans le monde de la photographie, déclenchés par l’apparition de cet appareil photo innovant, compact, léger et extrêmement mobile (Leitz Camera). À travers ses 566 pages, l’imposant ouvrage met en lumière différents aspects de la photographie réalisée au format 35 mm de ses débuts à nos jours – des stratégies journalistiques et de l’approche documentaire aux exemples à l’image artistique d’auteur. Plus de 500 photographies accompagnées d’archives, de journaux, de magazines, de pubs, de prototypes d’appareils et de négatifs, ainsi que des publications dénichées dans les archives Leica offrent une exploration inédite de la révolution visuelle provoquée par l’innovation technologique du Leica, dont le premier modèle ne vit le jour qu’en 1925, soit dix ans après sa création, du fait de la guerre. On y retrouve une sélection de clichés des plus grands photographes ayant utilisé un appareil de la marque, parmi lesquels: Michael Ackerman, Jane Evelyn Atwood, Ilse Bing, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Mark Cohen, Bruce Davidson, Michel Vanden Eeckhoudt, William Eggleston, Robert Frank, Lee Friedlander, Alberto Garcia Alix, Gianni Berengo Gardin, Ralph Gibson, Bruce Gilden, René Groebli, George Grosz, Ara Güler, Elisabeth Hase, Fred Herzog, Frank Horvat, Thomas Hoepker, Barbara Klemm, William Klein, Robert Lebeck, Saul Leiter, Ulrich Mack, Ramón Masats, Susan Meiselas, Jeff Mermelstein, Joel Meyerowitz, Will McBride, László Moholy-Nagy, Alexander Rodtschenko, Paolo Roversi, Erich Salomon, Jeanloup Sieff, Klavdij Sluban, Louis Stettner, Christer Strömholm, Sabine Weiss, Kai Wiedenhöfer, Tom Wood, etc. Cette véritable bible pour tous les amateurs de Leica et pour tous les passionnés de photo est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.

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THE WORLD ATLAS OF STREET PHOTOGRAPHY

Dans son nouvel ouvrage The World Atlas of Street Photography, Jackie Higgins présente le travaille de cent photographes urbains à travers une cinquantaine de villes, ainsi que l’originalité de leur démarche artistique. Le livre de 400 pages reflète l’abondance de photos prises dans la rue à l’échelle internationale: on y découvre un florilège de photos urbaines classiques, portraits de passants, subtiles mises en scène, photos de paysages, etc. Animé et instructif, ce très beau livre compile les différentes expressions d’un genre dynamique et propose pour la première fois un panorama international de la photographie de rue: de New York à New Delhi, de Pékin à Brighton, de La Havane à Hambourg et de Sydney à Séoul. Dans ce guide exhaustif, la photographie de rue est présentée comme un langage global. Le livre présente notamment les projets de Daido Moriyama dans les allées sombres de Tokyo, Joel Meyerowitz et son travail à Ground Zero quelques jours après le 11 septembre 2001, Alexey Titarenko et ses ombres à Saint-Pétersbourg, les scènes de plages de Julio Bittencourt à Rio, les portraits de Katy Grannan sur Hollywood Boulevard, la culture hip-hop vue par Nikki S. Lee et bien d’autres encore. Publié par les éditions Thames & Hudson et Yale University Press, cet ouvrage indispensable à tous les amateurs de photographie urbaine est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.

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ROAD TRIPS (THE OPEN ROAD)

Premier livre consacré au road trip photographique, abordé comme un genre esthétique, Road Trips (The Open Road dans la version américaine) rassemble 18 photographes d’exception. Bandes d’asphalte et de béton, déserts de rocaille, station service, motels devinrent dans les années 1950 les nouveaux éléments d’une grammaire visuelle qui façonna notre perception de la culture américaine. L’œuvre mythique de Walker Evans (American Photographs, 1938), considérée comme fondatrice, a ouvert la voie à de nombreux photographes comme en témoigne l’éditing époustouflant de ce livre. Il dresse un panorama des représentations de l’espace américain, multipliant les approches en convoquant aussi le regard de photographes européens ou asiatiques: Bernard Plossu, Todd Hido, Alec Soth, Robert Frank, Ed Rusha, Inge Morath, Garry Winogrand, William Friedlander, Joel Meyerowitz, Jacob Holdt, Stephen Shore, Victor Burgin, Joel Sternfeld, Shinya Fujiwara, Ryan McGinley, Justine Kurland, Taiyo Onorato et Nico Krebs. Les 18 portfolios qui composent le livre sont brillamment introduits par l’essai de David Campany qui analyse la construction de ce genre photographique et la variété de ses formes. L’ouvrage de 350 pages est publié par les éditions Textuel et Aperture et est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.

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