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RAYMOND MEEKS – CIPRIAN HONEY CATHEDRAL

Raymond Meeks, photographe américain né en 1963, puise son inspiration dans son environnement proche. La famille, la maison, l’habitat de l’homme, comment ce dernier apprivoise la nature et inversement sont ses sujets de prédilection. Meeks est réputé pour son usage de la photographie et du livre de photos pour distiller poétiquement les jonctions liminales de la vision, de la conscience et de la compréhension. Ciprian Honey Cathedral, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Mack, se concentre davantage sur le foyer, sondant délicatement la lisibilité de notre environnement matériel et des personnes les plus proches de nous. Le photographe est depuis longtemps fasciné par la façon dont nous construisons le monde qui nous entoure; comment nous transportons nos biens, ces conforts accumulés, ces héritages, marqueurs de succès matériel; comment nous ornons les maisons d’arbres et d’arbustes, une pendule pour compter les heures. Trébucher sur une maison abandonnée ou une pelouse négligée devient une recherche d’indices communs à de minuscules transgressions cachées. Cette question de connaissance et de compréhension est peut-être la plus drastique dans notre réalité solipsiste. Meeks a également photographié sa compagne, Adrianna Ault, tôt le matin avant son réveil, au moment où la vie domestique quotidienne converge avec l’état de sommeil le plus profond. Cet état critique de transe inerte est un lieu de répit sous la surface de la conscience, libéré du chaos et de l’incertitude du monde sensible, et fait allusion à la menace voilée que, en fin de compte, nous sommes totalement inconnus les uns des autres. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une édition spéciale limitée à 150 exemplaires et comprenant le livre numéroté et signé, un exemplaire du livre errata, un tirage et un autoportrait d’Adrianna Ault [10×8″], numéroté et signé par Ault & Meeks, est également disponible ici.

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MATT EICH – THE SEVEN CITIES

Dans ses travaux, Matt Eich étudie la condition américaine et se concentre sur le poids de la mémoire collective des Américains. Conçu comme une série de quatre livres, The Seven Cities – publié par les éditions suisses Sturm & Drang – est le troisième volume de The Invisible Yoke, qui pose un regard sans concession sur les gens et les lieux que l’Amérique semble avoir oubliés. Après l’Ohio (vol. 1) et le Mississippi (vol. 2), Eich se penche sur l’État où il réside : la Virginie. Ces images sont le fruit de sa documentation obsessionnelle sur la famille et la communauté sur une période de quatorze ans. Que restera-t-il de tout cela dans 20 ans, dans 50 ans ? Il semble probable que des exemplaires de ce livre puissent survivre à de nombreuses maisons qui y sont représentées. En effet, de nombreux quartiers du littoral sont régulièrement inondés et personne ne peut malheureusement rien y faire. Avec l’œil d’un observateur expérimenté et sa connaissance de la composition régionale et des coutumes locales, Matt Eich documente la lutte de sa région et de sa communauté avec dévouement et tendresse. Le livre contient un livret de 16 pages avec un essai de Seth Feman, conservateur de la photographie au Chrysler Museum of Art, ainsi que des poèmes signés Tim Seibles et Stevie Smith. Publié dans une édition limitée à 800 exemplaires seulement, l’ouvrage de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

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DAIDO MORIYAMA – A DIARY (HASSELBLAD AWARD 2019)

A Diary est le nom du nouveau catalogue de Daido Moriyama publié par les éditions Koenig Books, à l’occasion du Prix Hasselblad 2019 et de l’exposition qui l’accompagne, au Centre Hasselblad de Göteborg, du 14 octobre 2019 au 9 février 2020. Membre de l’avant-garde artistique japonaise d’après-guerre, Moriyama commence son œuvre au milieu des années 1960. Auteur de plus de 200 livres mêlant photographies, textes théoriques et techniques d’impression diverses mais aussi performances et dispositifs d’installations, il exploite toutes les formes du medium photographique et contribue à redéfinir la pratique de la photographie de rue. Membre du mouvement Provoke qu’il rejoint en 1968 pour la deuxième édition de la revue éponyme, Daido Moriyama produit une œuvre riche, dense et protéiforme. Ses photographies –souvent décrites comme brutes, floues et troubles (l’esthétique du “are, bure, boke”), ont donné naissance à une nouvelle pratique de la photographie de rue où l’artiste, qui rôde sur la route, est en prise avec l’espace public. Le travail de Daido Moriyama embrasse aussi la technique de la sérigraphie, qu’il utilise dès les années 70, tant pour produire des livres que des œuvres à exposer. Avec son rythme d’images intense, l’ouvrage rend hommage au photographe japonais (né en 1938), lauréat du prix Hasselblad 2019, et à son approche très influente, radicale et authentique de la photographie. Le livre évoque les expéditions photographiques quotidiennes et continues de Daido Moriyama qui donnent vie à une œuvre chargée de fragments, de répétitions, de hasard et de chaos. Afin d’illustrer l’impact à long terme et à grande échelle de sa photographie, cette publication présente non seulement un aperçu et une analyse de son travail par Sandra Phillips, mais elle comprend également des notes personnelles plus courtes de personnes ayant rencontré et travaillé avec lui au fil des années: Simon Baker, Mark Holborn, Hervé Chandès, Nick Rhodes et Ishiuchi Miyako. Le livre de 250 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Koenig Books, ainsi que sur Amazon.com.

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MIKE KELLEY – TIMELESS PAINTING

Au cours de ses quatre décennies de carrière, Mike Kelley (1954-2012) a produit une œuvre particulièrement hétéroclite dans toute une gamme de médias, mêlant ce qu’on appelle la haute culture et la basse culture, critiquant les conventions esthétiques dominantes et combinant les notions traditionnelles du sacré et du profane. À l’occasion de sa récente exposition Timeless Painting, organisée par la galerie new-yorkaise Hauser & Wirth en collaboration avec la Fondation Mike Kelley pour les arts, les éditions Hauser & Wirth Publishers publient un catalogue qui présente les peintures de différentes séries créées sur une période de 15 ans, entre 1994 et 2009, mettant en lumière l’ampleur de l’engagement de l’artiste dans le domaine de la peinture. Organisée par la conservatrice Jenelle Porter, l’exposition tire son titre et son point de départ conceptuel de la série qui a donné naissance à de nombreuses œuvres exposées, et dont “l’approche compositionnelle”, a déclaré Kelley, “doit être lue en dehors de l’influence du développement esthétique historique”. On retrouve dans l’ouvrage des œuvres telles que The Thirteen Seasons (Heavy on the Winter), une série de peintures de forme ovale sur bois ; Timeless Painting, qui a marqué le retour de l’artiste à la peinture en couleur, et qu’il a décrit comme “des décollages maniéristes de la théorie compositionnelle de Hans Hofmann du “pousser et tirer”” ; la série Horizontal Tracking Shots, ainsi que des œuvres réalisées dans le cadre de ses ambitieuses et vastes Extracurricular Activity Projective Reconstructions, une série liée à l’œuvre Educational Complex. L’installation multimédia Profondeurs Vertes de Kelley, son ode aux peintures influentes de la collection du Detroit Institute of Arts qui l’ont captivé dans sa jeunesse, est également présentée. La publication comprend des textes de divers artistes visuels contemporains qui réagissent à l’œuvre de Kelley : Edgar Arceneaux, Carroll Dunham, Daniel Guzmán, Richard Hawkins, Jay Heikes, Jamian Juliano-Villani, Mary Reid Kelley, Christina Quarles et enfin Laurie Simmons. Le livre de 200 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hauser & Wirth Publishers, ainsi que sur Amazon.com.

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MIKE KELLEY – TIMELESS PAINTING – NEW YORK

Au cours de ses quatre décennies de carrière, Mike Kelley (1954-2012) a produit une œuvre particulièrement hétéroclite dans toute une gamme de médias, mêlant ce qu’on appelle la haute culture et la basse culture, critiquant les conventions esthétiques dominantes et combinant les notions traditionnelles du sacré et du profane. Cette exposition intitulée Timeless Painting, organisée par la galerie new-yorkaise Hauser & Wirth en collaboration avec la Fondation Mike Kelley pour les arts, présente des peintures de différentes séries créées sur une période de 15 ans, entre 1994 et 2009, mettant en lumière l’ampleur de l’engagement de l’artiste dans le domaine de la peinture. Organisée par la conservatrice Jenelle Porter, l’exposition tire son titre et son point de départ conceptuel de la série qui a donné naissance à de nombreuses œuvres exposées, et dont “l’approche compositionnelle”, a déclaré Kelley, “doit être lue en dehors de l’influence du développement esthétique historique”. Rassemblant une douzaine d’œuvres dont The Thirteen Seasons, Cult Paintings et Missing Time Color Exercises, cette exposition met en lumière la remarquable exploration de la peinture en couleur de Kelley. Jusqu’au 25 janvier 2020 à la galerie Hauser & Wirth.

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GAO SHAN – THE EIGHTH DAY

Gao Shan est un photographe chinois qui a été adopté huit jours après sa naissance. Le projet The Eighth Day, dont le livre est aujourd’hui publié par les éditions Imageless, est né de son désir de se rapprocher de sa mère adoptive. Bien qu’ils partagent un appartement d’environ soixante-dix mètres carrés, le photographe reconnaît que sa relation avec sa mère a été étonnamment distante. Celle-ci se caractérise par la froideur et l’indifférence, selon l’épilogue du photographe. Sa mère s’acquitte des tâches et des devoirs fondamentaux d’un parent, mais sans expression émotionnelle. Ce n’est que récemment qu’il a commencé à la considérer comme plus qu’une simple présence dans sa vie. Gao documente ainsi de façon obsessionnelle les détails quotidiens de la vie de sa mère et l’espace qu’ils partagent, se concentrant sur des détails comme une grenade à moitié mangée, une bouilloire qui bout, et le dos large de sa mère. Dans sa série, il utilise l’appareil photo non pas pour l’observation à froid, mais comme un outil actif dans leur relation. Les images qui en résultent sont des fragments visuels étranges, mais intimes, d’une relation qui sont inexplicablement émouvants. Ce document photographique intime et émotionnel, qui fait appel à la fois au cœur et à l’esprit du spectateur, s’est imposé il y a quelques jours comme lauréat du Prix du premier livre photo de l’année 2019 décerné par Paris Photo – Aperture Foundation. Il fait également désormais parti de la collection Fondation Cartier pour l’art contemporain. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, l’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions chinoises Imageless.

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CHARLES FREGER – CIMARRON

Publié par les éditions espagnoles Editorial RM, Cimarron est le troisième volet d’une série photographique entamée en 2013 par Charles Fréger consacrée aux mascarades. Après Wilder Mann (depuis 2010), dédié au continent européen, et Yokainoshima (2013-2015), localisé sur l’archipel nippon, Cimarron (2014-2018) s’ancre dans les territoires des Amériques. Dans un espace géographique s’étendant du sud des États-Unis au Brésil et comprenant quatorze pays, Charles Fréger dresse cette fois un inventaire, non exhaustif, des mascarades pratiquées principalement par les descendants d’esclaves africains, célébrant la mémoire de leurs pairs et leurs cultures singulières. « Cimarron » : le terme revêtu par la série désigne initialement dans le monde colonial hispanique l’esclave fugitif ; puis il donne naissance au terme « marron », évoquant après 1848, date de l’abolition de l’esclavage, la figure héroïque de l’homme résistant à l’oppression. Derrière la multitude de traditions masquées présentées, se meuvent les fantômes d’hommes et de femmes aspirant à la liberté. Au travers de ce corpus se déploient des mascarades dans lesquelles, entre masques, maquillages, costumes, parures et accessoires, s’entremêlent les cultures africaines, indigènes et coloniales, prises dans le vertige d’un mouvement syncrétique pluriséculaire. La mascarade est plus que jamais ici territoire de mise en regard d’une communauté par une autre, espace où l’on rejoue, où l’on réinvente le rapport à l’oppresseur soit pour le mimer, soit pour l’inverser, toujours pour le subvertir. Ce très bel ouvrage de 320 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Editorial RM, ainsi que sur Amazon.fr.

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JASON VAUGHN AND BRAD ZELLAR – DRIFTLESS

Les éditions TBW Books viennent de publier le nouvel ouvrage de Jason Vaughn, Driftless. Les images de ce projet ont été prises par le photographe américain Jason Vaughn au cours d’une période de sa vie qui l’a vu errer pendant un an dans une région du Wisconsin connue familièrement sous le nom de Driftless Area, du nom du terrain accidenté formé par un manque d’écoulement glaciaire continental (drift). Cette résidence temporaire de Vaughn dans cette petite ville appelée La Crosse semble décrire le paysage autant que ses habitants. Alors qu’il vivait dans un appartement loué au bord du Mississippi, dans l’attente de la naissance de son deuxième enfant, et au début d’un deuxième chapitre de sa vie à la suite d’un cancer, le photographe a tenté de créer une communauté malgré son statut de visiteur de passage. Au cours de cette période de transition, ses promenades quotidiennes n’ont pas seulement nourri sa pratique artistique, mais lui ont également permis d’avoir des moments de clarté et d’appartenance pour se fondre dans le décor. Poursuivant dans cet esprit d’expérience partagée mais éphémère, le montage final de l’œuvre a été confié à l’auteur et journaliste Brad Zellar, qui a prêté ses propres méandres verbaux aux images, intégrant une narration contrastée mais complémentaire au livre. Parmi ses mots, à la fois désinvoltes mais aussi fatigués du monde, on retrouve un sentiment de légèreté sophistiquée, exacerbant des sentiments d’espoir plutôt que de désespoir. Tout en créant les images de Driftless, Vaughn laisse entendre que vivre au bord de la rivière lui a permis de contempler l’expérience humaine d’une nouvelle façon et de méditer sur ” le processus par lequel les gens peuvent dériver dans un espace, se loger, devenir permanents, se libérer et se déplacer vers un nouvel endroit “. Le photographe explique: ” L’un des thèmes principaux est la façon dont les gens dérivent, s’emmêlent quelque part souvent par pure coïncidence, et parfois, mais pas toujours, s’échappent. Les débris et la glace qui flottaient sur la rivière en étaient une représentation visuelle très pertinente pour moi lorsque j’étais là-bas. Plusieurs des photos du projet montrent ces éléments flottants ou suggèrent l’activité et les changements constants qui se produisent sur la rivière. J’ai eu beaucoup de chance de vivre là-bas, car c’est une muse très inspirante “. En duo, Vaughn et Zellar s’aident mutuellement à tisser un récit jusqu’à ce que leurs voix semblent s’unir. Chaque moment fugace ajoute une couche de sens, transformant, au fil du temps, une conversation en une histoire partagée. Ce très bel ouvrage de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions TBW Books.

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GARY BRIECHLE – MAINE

Les éditions américaines Twin Palms viennent de publier le second ouvrage du photographe américain Gary Briechle, Maine. Briechle a noué des relations fortes avec les gens qu’il photographie depuis qu’il a emménagé dans le Maine, il y a près de 20 ans. Cela confère à son œuvre une intimité particulière, comme si les clichés avaient été prises par un membre de la famille. Reconnu internationalement pour son authenticité, le photographe marche à l’instinct et photographie en toute modestie sa famille, ses amis ou les étrangers qu’il rencontre chez lui, dans les environs de Rockland, dans le Maine. Il est un explorateur du quotidien, d’un moment « dans les mystères de notre monde ». Vivant et travaillant dans cet État de l’extrême nord-est des États-Unis, il n’éprouve pas le besoin de voyager pour faire des photos. “Tout ce qui m’inspire se trouve à quelques kilomètres de chez moi. Parfois, je pense que le Maine est comme ma famille d’accueil ; je ne suis pas vraiment à l’aise et je ne me sentirai probablement jamais complètement installé, mais le Maine continue de me nourrir.” Les thèmes récurrents sont la naissance et la mort, mais aussi la décadence humaine et les blessures profondes liées à nos tentatives infructueuses pour changer le monde. Ses photographies ont été publiées à plusieurs reprises dans le New York Times Magazine et il a reçu en 2015 le prix Guggenheim Fellowship in Photography. Publié dans une éditions tirée à 1500 exemplaires, ce très beau livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Twin Palms, ainsi que sur Amazon.com.

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THE WATCH BOOK COMPENDIUM

Après leur succès individuel, les best-sellers The Watch Book I et The Watch Book II sont enfin disponibles regroupés dans un sublime volume publié par les éditions allemandes teNeues et intitulé The Watch Book Compendium. Peu d’objets combinent la fonction, l’élégance et le statut comme la montre-bracelet. Un mélange de mécanique précise, de savoir-faire, de matériaux nobles et d’innovation distinguent les exemples les plus remarquables. Les montres dites intelligentes jouant un rôle de plus en plus important, le monde de l’horlogerie est en pleine mutation. Toutefois, les montres classiques à mouvement mécanique ne disparaîtront pas des poignets, car le tic-tac d’une montre mécanique a été et continuera à faire battre le cœur de la culture humaine. Les connaissances étendues de Gisbert L. Brunner, historien horloger de renom, agrémentées de près de 1000 photographies couleur de haute qualité, présentent ainsi les dernières innovations et les plus importants chronomètres haut de gamme. Les lecteurs pourront se délecter d’une sélection somptueusement illustrée et documentée des plus belles montres de collection au monde. On y retrouve des portraits de plus de quarante marques horlogères, du haut de gamme tels que Patek Philippe, Rolex et Cartier, aux montres du segment “luxe abordable”, en passant par les montres de la crème de la crème chronométrique. Le livre explore leurs caractéristiques et leurs particularités uniques et analyse les percées remarquables et les développements techniques exclusifs qui ont contribué à l’histoire de chacune des montres présentées. Ce volume comprend également un glossaire utile des termes importants, ce qui en fait un indispensable absolu pour les experts en horlogerie et les collectionneurs, ainsi que pour ceux qui découvrent le monde de l’art horloger. Ce superbe ouvrage de 504 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions teNeues, ainsi que sur Amazon.com.

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