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MIKE OSBORNE – FEDERAL TRIANGLE

Mike Osborne est un photographe dont l’œuvre aborde divers thèmes, tels que l’architecture, le paysage, l’histoire, ou encore la technologie. Intitulé d’après un complexe gouvernemental coincé entre le Capitole et la Maison-Blanche, son nouvel ouvrage publié par les éditions Gnomic Book Federal Triangle décrit Washington DC comme une sorte de triangle des Bermudes bureaucratique, un lieu impénétrable de mystère, de danger et de désorientation. Commencé en 2016, le projet consiste en une série de brèves rencontres avec les artifices du pouvoir, qui ont conduit à une cascade de questions. Que font ces hommes munis d’écouteurs qui se réunissent dans des recoins près de voitures portant des plaques diplomatiques? Pourquoi des véhicules entièrement noirs passent au ralenti dans les ruelles derrière les villas de Georgetown. Où vont ces jardiniers qui font l’objet de fouille avant de pouvoir entrer dans des enceintes murées? Si le photographe américain était enclin aux projections paranoïaques, quels types de rencontres pourraient activer ses peurs et ses fantasmes conspirationnistes les plus sombres ? Quelles scènes et situations évoqueraient le sentiment paradoxal d’être proche des leviers du pouvoir tout en étant loin de ceux-ci? Osborne explique: “Mes images ne font pas directement allusion à des complots ou des conspirations spécifiques, mais elles se focalisent parfois sur des scènes et des situations qui renvoient à un sentiment généralisé de malaise, d’anxiété et d’absurdité qui caractérise ce moment.” Federal Triangle soulève ce genre de questions de manière imagée. Les photographies sont profondément ambiguës : les scènes du quotidien sont teintées de la possibilité de violence et de conspiration. En retenant plus qu’elles ne révèlent, les images de Mike Osborne invitent à des projections qui parlent de la peur, du doute, du dysfonctionnement et de l’absurdité de notre moment présent. Le livre de 144 pages, publié dans une édition limitée à 750 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gnomic Book.

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EDWARD GRAZDA – ON THE BOWERY

Dans les années 70, lorsqu’une sévère austérité est imposée par les banques new-yorkaises pour faire face à la banqueroute du gouvernement, les industries traditionnelles quittent New York, laissant les ouvriers dans les rues et une nouvelle génération d’artistes s’installer dans les bâtiments industriels. C’est dans ce contexte qu’Edward Grazda commence sa carrière de photographe. Jusqu’à la fin du XXe siècle, le Bowery était un quartier réputé pour ses hôtels et bars bon marché – le fameux “Skid Row” de New York – où les habitants de la ville se rencontraient et faisaient de leur mieux pour survivre. Inspiré du film classique On the Bowery de Lionel Rogosin sorti en 1956, l’ouvrage On the Bowery d’Edward Grazda, publié par les éditions powerHouse Books, dépeint la vie et l’époque qu’il a vécues sur le Bowery en 1971. C’est dans ce que beaucoup considèrent comme la zone la plus dure de la ville de ces années-là que le photographe américain a capturé toute la douleur, les difficultés et la malchance qui règnent sur le visage de ceux qui ont élu domicile sur le Bowery. La rue, sans limite et sans filtre, est l’endroit où Grazda a toujours été le plus à l’aise pour ses prises de vue, et cette série, à la fois brute, sincère et bienveillante, démontre une fois plus l’esprit intrépide et audacieux du photographe. Capturé avant que la gentrification et l’embourgeoisement ne transforment définitivement le quartier environnant en une destination touristique avec ses musées, ses boutiques haut de gamme, ses clubs et ses restaurants de luxe, Grazda rappelle à tous qu’il y a seulement quelques décennies, le Bowery était un paysage bien différent – et que New York ne cesse d’évoluer. Le livre de 68 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions powerHouse Books, ainsi que sur Amazon.com.

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MASAHISA FUKASE – FAMILY

Publié par les éditions Mack, Family (Kazoku) est le dernier ouvrage du photographe japonais Masahisa Fukase (1934-2012), publié à l’origine en 1991. Les Fukase, durant trois générations, étaient une famille de photographes et possédaient un studio de photographie à Bifuka, une petite ville de la province d’Hokkaido au nord du Japon. Pendant près d’une vingtaine d’années, de 1971 à 1989, Masahisa Fukase réalise des “tableaux de famille”, photographiés d’année en année à chaque retour à Hokkaido: son père, sa mère, ses frères et sœurs et leurs enfants, sans oublier sa femme Yoko. Tous pris, à chaque fois, de face, souriants, puis de dos, cohabitant jovialement. Fidèle à son style, Fukase a souvent introduit des modèles tiers et des éléments humoristiques pour juxtaposer la réalité inéluctable du temps qui passe et du groupe familial qui s’amenuise. Au bout d’un certain temps s’ajoutent, dans les bras de quelques membres vivants de la tribu, de grands portraits photographiques encadrés perpétuant la mémoire d’un enfant ou d’un adulte absent ou défunt. Puis l’écart des pauses s’accentue, l’étau des années resserre cruellement sa pince muette: les parents prennent, d’une photo à l’autre, un terrible coup de vieux, le père s’amenuise, disparaît… Ensuite, plus rien. Le photographe a poursuivi la série jusqu’à la mort de son père en 1987, jusqu’à la fermeture du studio Fukase pour cause de faillite en 1989, et la dispersion de la famille qui s’en suivit. « Toute ma famille, dont je vois l’image inversée sur le verre dépoli, mourra un jour, résume Fukase. Cette chambre qui reflète et fixe leur silhouette est en fait un appareil à archiver la mort. » Ce magnifique ouvrage de 96 pages, qui comporte l’introduction originale sous forme autobiographique du photographe, ainsi qu’un essai du fondateur et directeur des archives Masahisa Fukase Tomo Kosuga, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une édition spéciale du livre dans un coffret accompagné d’un tirage en phototypie, édité à 150 exemplaires, est également disponible ici.

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BORIS MIKHAILOV – SUZI ET CETERA ( PART 2)

Boris Mikhaïlov est l’un des principaux photographes des pays qui constituaient autrefois l’Union soviétique. Depuis presque 50 ans, Mikhaïlov explore la position de l’individu au sein des mécanismes de l’idéologie publique, abordant des sujets tels que l’Ukraine sous le régime soviétique, les conditions de vie en Europe orientale postcommuniste et les idéaux déchus de l’URSS. Bien que profondément enracinée dans un contexte historique, son œuvre incorpore des récits fortement engagés et personnels d’humour, de luxure, de vulnérabilité, de vieillissement et de mort. Quel que soit le système politique, Mikhaïlov refuse d’être un observateur passif et continue à observer activement le monde qui l’entoure. Publié à l’origine en 2007 par les éditions allemandes Koenig Books, Suzi et Cetera présentait une série d’images du photographe ukrainien Boris Mikhailov prises dans sa ville natale de Charkow dans les années 80. Aujourd’hui, les éditions italiennes 89books publient la seconde partie de ce grand projet de Mikhailov. Suzi et Cetera (Part 2) se compose d’une sélection de clichés réalisés par le photographe dans les années 60 et 70. Celles-ci sont souvent présentées lors d’expositions (notamment Primrose: Early Colour Photography in Russia), mais n’ont pas été incluses dans le premier livre. Cette série est souvent décrite comme le point de transition de Mikhailov de la photographie amateur à la photographie professionnelle. L’auteur lui-même dit que cette série est comme une capsule contenant l’embryon de toutes ses œuvres et explorations suivantes. Il y documente la vie quotidienne dans la société soviétique, tout en offrant une critique sociale incisive de son système répressif (les clichés de sa femme nue avaient notamment été découverts par le KGB, ce qui lui fit perdre son poste d’ingénieur). Ce projet est l’un des plus intimistes du photographe, où son choix de thèmes et de modes de représentation, y compris la nudité, les plaisirs désinvoltes et la perspective à grand angle, projettent une image contraire à l’esthétique officielle prescrite à l’époque. L’ouvrage de 204 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions 89books.

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DR. PAUL WOLFF & TRITSCHLER – LIGHT AND SHADOW

Publié par les éditions Kehrer, Light and Shadow marque la redécouverte de deux des photographes allemands les plus célèbres des années 1930: Paul Wolff (1887-1951) et Alfred Tritschler (1905-1970). Les deux photographes sont aujourd’hui encore reconnus comme des pionniers de l’utilisation du Leica, précurseurs d’un style toujours plus vivant dans la photographie d’illustration et le reportage. En outre, leur œuvre, estimée à 700 000 clichés, reflète plusieurs chapitres de l’histoire allemande : du réveil culturel pendant les années de la République de Weimar, en passant par le Troisième Reich, jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle d’importantes parties des archives Wolff furent également détruites. En termes d’esthétique formelle, Wolff & Tritschler ont fait preuve d’un équilibre entre le conventionnel et le mouvement artistique de la Nouvelle Objectivité, entre le style traditionnel germanique et le courant photographique de la Nouvelle Vision qui adopte des angles inédits (plongée, contre-plongée, vision latérale). Il n’existe pratiquement aucun sujet que Wolff & Tritschler n’aient pas réussi à couvrir. Leur œuvre photographique façonne notre conception de l’ancien ou du “Nouveau Francfort” tout autant qu’il suscite notre nostalgie des lieux lointains, comme en témoignent leurs clichés de voyages en voiture, en bateau ou à bord d’un Zeppelin. En résumé, ce ne sont pas les contradictions qui manquent dans le travail de Wolff & Tritschler depuis trois décennies. Mais c’est précisément ce qui fait de leur œuvre, qui oscille entre prestation de services et aspiration artistique, entre avant-garde et adaptation, un témoin essentiel de leur époque, en amont d’une véritable révolution photographique. Cet imposant ouvrage de 464 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE – VALENCIA

Le Bombas Gens, centre d’Art de Valence accueille du 22 février 2019 au 2 février 2020 la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) – Japanese Photography in the Context of Provoke. On y découvre une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon. L’exposition présente plusieurs centaines d’images qui retracent l’histoire de la photographie japonaise à partir de 1950, en accordant une attention particulière aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. On peut ainsi y découvrir le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya.

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CHRISTOPHER ANDERSON – COP

Christopher Anderson, membre de la prestigieuse agence Magnum Photos, fait partie des photographes contemporains les plus influents. Son œuvre visuelle défie toute catégorisation puisqu’elle se situe entre les mondes du documentaire, de l’art, de la photographie commerciale et de la photographie de mode. Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, COP est le dernier ouvrage en date du photographe canadien, qui fait suite à Approximate Joy (voir ici), superbe série de portraits de la Chine contemporaine. Anderson commence à photographier les policiers de New-York en 2001, peu de temps après l’attaque du 11 septembre. Le paysage urbain commence déjà à changer à l’époque, avec des officiers plus lourdement armés, l’installation de barricades anti-émeute et une augmentation généralisée de la sécurité dans les rues de la ville. Même si celle-ci est en partie installée pour rassurer les New-yorkais, un premier sentiment d’instabilité s’installe. Anderson reprend la série après le mouvement Occupy Wall Street, la mort d’Eric Garner et l’élection de Trump, sous la forme d’une protestation plus large et inconsciente de l’autorité en place. Dans ce nouvel ouvrage, le photographe présente les images certes comme une critique du pouvoir en place mais aussi avec un nouveau regard, accompagné d’une quasi sentimentalité nostalgique pour un New-York qui n’existe plus. Il explique: «J’ai vu le portrait d’une classe ouvrière immigrée en Amérique. L’uniforme ne servait que de lien pour accrocher un échantillon de section transversale. Les photographies ressemblaient davantage à une lettre d’amour à New York ». Le livre de 88 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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GIULIO DI STURCO – GANGA MA

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Ganga Ma est le résultat d’un voyage photographique de dix ans le long du Gange par Giulio Di Sturco. Le photographe italien documente les effets de la pollution, de l’industrialisation et du changement climatique. Le projet suit le fleuve sur plus de 4000 km, de sa source dans l’Himalaya en Inde jusqu’à son delta dans la baie du Bengale au Bangladesh. Di Sturco explique: « Le personnage principal de mon histoire est une entité non humaine : une rivière. J’ai décidé de la traiter comme un être humain et de créer un flux qui documenterait la rivière comme si je documentais la vie d’une personne. J’ai pensé qu’il était significatif qu’en 2017, Mère Ganga ait été reconnue comme une entité vivante par la Haute Cour de l’Etat d’Uttarakhand. » Lorsque que le photographe commence à documenter le Gange en 2007, le fleuve est au bord d’une crise humanitaire et d’un désastre écologique, devenant ainsi une métaphore de l’approche conflictuelle de l’homme face à la nature, à la fois vénérée et profanée. L’utilisation du moyen format lui a permis de ralentir les choses, de se rapprocher de ses sujets et d’obtenir un haut niveau de détail et de précision des couleurs. Les clichés du livre combinent une réponse esthétique et picturale au teint et à l’atmosphère du Gange avec des éléments du détachement observationnel de la photographie documentaire. Les perspectives des vues panoramiques du livre montrent les structures construites par l’homme telles que les ponts ou l’architecture illégale d’extraction de sable, et font écho à la tradition de la peinture épique de paysage. Ces images sont combinées à des photographies prises sur les rives du fleuve, illustrant les effets de l’industrialisation à l’échelle humaine. Le livre de 136 pages comprend des textes de l’auteure et militante écologiste, le Dr Vandana Shiva, et du conservateur Eimear Martin. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books, ainsi que sur Amazon.com.

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LEE FRIEDLANDER – THE MIND AND THE HAND

Dans les années 1960 et 1970, Lee Friedlander (né en 1934) a développé son approche originale pour documenter le « paysage social » américain, à savoir des photographies en noir et blanc d’apparence complexe, de tout ce qui passait devant son objectif. Mais alors qu’il se faisait un nom dans le monde de la photographie documentaire, capturant l’aspect et la sensation de la vie américaine moderne, il photographiait aussi ses amis les plus proches, une pratique qu’il a poursuivi tout au long de sa longue carrière. Publié par les éditions américaines Eakins Press Foundation dans un très beau coffret comprenant six livres, The Mind and the Hand présente les portraits intimes de six de ses meilleurs amis pris au cours des cinq dernières décennies. Les sujets, présentés chacun dans leur propre volume, font partie des photographes les plus influents de l’une des périodes les plus fertiles du média en Amérique : Richard Benson, William Christenberry, William Eggleston, Walker Evans, John Szarkowski et Garry Winogrand. Ce sont eux qui, des décennies durant, étaient cachés derrière l’appareil photo, mais aujourd’hui, ces clichés intimes en noir et blanc de Friedlander, dont la majorité n’ont encore jamais été dévoilés au public, nous révèlent ces géants de la photographie comme on ne les a jamais vu auparavant : tenant leur bébé, à la plage, à table, jouant du piano, fumant des cigarettes ou prenant un verre de vin ou deux. Chaque volume commence par une citation pertinente de son sujet. Le coffret, contenant un total de 240 pages, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE

À l’occasion de la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) -Japanese Photography in the Context of Provoke présentée au Bombas Gens, centre d’Art de Valence, Espagne (du 22 février 2019 au 2 février 2020), qui présente une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon, les éditions La Fábrica publient un magnifique catalogue de l’exposition. L’ouvrage compte 200 images qui retracent l’art japonais à partir de 1950, en accordant une attention particulière à la photographie et aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. La revue Provoke ne publia que trois numéros, mais elle changea à jamais la photographie japonaise. La manière expérimentale dont les images ont été montrées, conséquence d’une époque marquée par des événements politiques importants, est devenue un phénomène et une tendance adoptée par de nombreux autres photographes japonais. Ce livre présente le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya. Il comprend également des essais de la commissaire Nuria Enguita et d’experts tels que Miryam Sas et Akihito Yasumi. Le livre de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions espagnoles La Fábrica, ainsi que sur Amazon.com.

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HENRY WESSEL – A DARK THREAD – PARIS

La Maison Européenne de la Photographie (Paris) accueille depuis la semaine dernière A Dark Thread, la première grande exposition en France du photographe américain Henry Wessel, dont la carrière s’écrit sur près de cinquante ans. Wessel aimait passer en revue ses archives de planches-contacts et mettre en perspective des photographies prises à des décennies d’écart. Pour ce grand amateur de films noirs, ces rapprochements formels constituaient les débuts possibles d’un scenario d’intrigues. L’exposition met en lumière trois séries. À l’instar d’un story-board, Incidents suit l’ordre précis constitué par Henry Wessel, selon un procédé de correspondances visuelles qui lui était cher. Sunset Park rassemble des prises de vue nocturnes, invitant à une plongée dans l’ambiance mystérieuse des nuits californiennes. Enfin, toujours en suivant un jeu de rapprochements visuels, Henry Wessel avait commencé, avant son décès en septembre 2018, à reconstituer avec les équipes de la MEP la troisième série de l’exposition : A Dark Thread, présentée sous cette forme pour la première fois. Son univers unique et mystérieux se retrouve dans l’ensemble des ses images, comme un « fil noir » les liant les unes aux autres. L’exposition est également l’occasion de redonner sa place à l’un des artistes de la grande exposition de 1975 New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape. Jusqu’au 25 août 2019.

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