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MASAO YAMAMOTO – SASANAMI

L’œuvre de Masao Yamamoto est inspirée par la philosophie du Zen Japonais, où la méditation et la recherche de la beauté tiennent une place essentielle dans l’épanouissement de l’être humain. “Une vie idéale doit être faite d’harmonie et de contentement”, dit-il. Sasanami est le résultat d’un dialogue entre le photographe japonais et le musicien Akira Uchida (un code digital pour télécharger l’album est inclut dans le livre), initié par les éditions françaises I I K K I, entre octobre 2019 et août 2020. Depuis sa plus tendre enfance dans la campagne japonaise, Yamamoto a toujours aimé scruter le ciel et les nuages portés par le vent. Les clichés publiés dans ce nouvel ouvrage capturent des vues et des événements du monde naturel – des fleurs rétro-éclairées, un seul nuage dans le ciel, la mer la nuit, un arbre la nuit contre les étoiles, trois canards endormis, la forme à peine visible d’une montagne derrière le brouillard – avec une émerveillement, une poésie et un œil pour la beauté sans pareil. Alors que la simplicité de ses compositions invite le lecteur à se perdre dans des images isolées, lorsqu’elles sont vues en séquence, les photographies s’orientent vers une vision plus globale, vers une conscience accrue de la richesse du monde. Tous les clichés présentés dans ce nouveau livre de 80 pages ont été tirés à la main par le photographe, dans de petits formats, et couvrent l’ensemble de sa carrière. L’artiste les travaille avec du thé et d’autres techniques pour les user et donner l’impression qu’ils ont subi la patine du temps. « Pour moi, les photographies sont avant tout des objets que l’on doit pouvoir toucher et manipuler. J’aime l’idée que mes images donnent la sensation de photos anonymes trouvées aux puces, qu’elles aient ce charme et ce mystère… et que chacun se les approprie, les découvre et invente sa propre histoire », explique Yamamoto. Publié dans une édition limitée à 1200 exemplaires numérotés et tamponnés à la main, imprimé sur papier Munken Lynx, le livre est désormais épuisé sur la boutique en ligne des éditions I I K K I.

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ADAM STECH – MODERN ARCHITECTURE AND INTERIORS

Adam Stech est l’un des principaux théoriciens tchèques du design. Il contribue régulièrement à Vogue, Domus, Wallpaper, Form, Mark, Frame, Modernism, Cool Hunting, et bien d’autres publications. Il enseigne l’histoire du design à Scholastika à Prague. En 2006, il s’est lancé dans un projet photographique pour documenter la meilleure architecture moderniste du monde. Vingt-cinq pays et plus d’une décennie plus tard, les fruits de ce projet monumental sont réunis dans cette impressionnante collection couvrant près d’un siècle d’histoire architecturale, Modern Architecture and Interiors, publiée par les éditions britanniques Prestel. Poussé par la passion de redécouvrir les trésors architecturaux oubliés ou moins connus du modernisme, Stech a pris des milliers de photographies diverses d’extérieurs et d’intérieurs. Cette enquête présente souvent des détails négligés que la technologie aide à mettre en lumière. Des exemples de sièges, de rangement, de tables, de mains courantes, d’éclairage, de portes, de fenêtres, de cheminées et d’autres éléments décoratifs ou fonctionnels illustrent comment les architectes imprégnaient entièrement le bâtiment avec les idéaux modernistes. “Mon livre reprend les travaux de plus de 800 architectes. Je voulais montrer qu’il n’y a pas que les grands noms du modernisme”, explique-t-il. “C’est pourquoi je me suis rendu dans des lieux moins évidents, comme l’Argentine, l’Uruguay ou l’Australie.” Les brefs commentaires personnels de Stech révèlent des aspects de sa photographie tels que l’utilisation audacieuse des couleurs primaires par Le Corbusier, l’ambiance californienne d’une maison d’Albert Frey ou l’élégance débridée du Grand Prince Hotel de Togo Murano. Vaste et passionnant, ce livre est destiné à devenir le guide définitif du modernisme du XXe siècle. L’ouvrage de 880 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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NIK ROCHE – THE BUDGIE DIED INSTANTLY

Nik Roche est un photographe documentaire installé au Pays de Galles. C’est assez tard qu’il se découvre une passion et un intérêt pour la photographie, après une carrière de paysagiste. Roche documente la vie et la complexité des individus, et s’intéresse particulièrement au changement social et à l’impact des institutions sur le comportement humain. Il et est actuellement en maîtrise de photographie documentaire à la prestigieuse University of South Wales. Avec une approche résolument humaniste, son style de photographie immersif est le résultat d’une démarche très curieuse à l’égard du monde. Il cherche toujours à raconter l’histoire des personnes impliquées dans ses projets de la manière la plus sincère et réaliste possible. “Mon rôle de photographe, explique Roche, consiste à proposer des récits alternatifs et à déjouer les idées préconçues.” Publiée par les éditions britanniques Setanta Books, The Budgie Died Instantly est la première publication de Nik Roche. Le livre combine clichés, notes manuscrites et conversations transcrites pour créer un récit intime, complexe et à plusieurs dimensions. Roche décrit sa série comme un “documentaire totalement immersif de l’expérience humaine… sans jugement moral, dans une tentative de sensibilisation à l’impact et aux effets secondaires de l’internement et de la dépendance”. Le photographe explique: “L’histoire se déroulait sous mes yeux mais, pour la comprendre, j’avais besoin d’en faire partie. J’ai été très impliqué, en m’immergeant avec les personnes que j’ai photographiées. Certaines des histoires et des images n’auraient pas été possibles sans une compréhension et une confiance mutuelles.” L’ouvrage de 128 pages, publié dans une édition limitée à 500 exemplaires signés, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

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ALESSANDRA SANGUINETTI – THE ADVENTURES OF GUILLE AND BELINDA AND THE ILLUSION OF AN EVERLASTING SUMMER

La photographe argentine Alessandra Sanguinetti rencontre en 1999 Guille et Belinda, deux cousines de dix et neuf ans qui vivent non loin de la ferme de ses parents. Fascinée par leur relation fusionnelle, leurs jeux et leur univers, elle les suivra pendant cinq ans jusqu’à leur adolescence. Ce livre présente le retour de la photographe dans la campagne argentine pour poursuivre sa collaboration intime avec Belinda et Guillermina, ces deux cousines qui, lorsqu’elles étaient plus jeunes, avaient fait l’objet du premier titre de sa série en cours, The adventures of Guille and Belinda paru en avril 2010. Dans ce deuxième volume, publié par les éditions britanniques Mack, The Illusion of An Everlasting Summer, le lecteur suit les deux filles, de 14 à 24 ans, dans leur parcours entre l’adolescence et le début de l’âge adulte. Toujours entourées des animaux et des paysages ruraux de leur enfance, le livre dépeint la vie quotidienne des deux cousines, qui vivent un amour, une grossesse et une maternité précoce, ce qui, peut-être inévitablement, les rend de plus en plus indépendantes l’une de l’autre et de leur famille. De même, nous pouvons sentir un changement dans la relation de Sanguinetti avec les cousines, ainsi que l’œuvre elle-même : de compagnons d’enfance insulaires à trois femmes dont les vies se ramifient dans des directions différentes. Bien que le passage du temps soit l’une des tensions les plus palpables à l’œuvre dans ces photographies, The Illusion of An Everlasting Summer approfondit l’exploration par Sanguinetti du langage intemporel et universel de l’intimité et de l’amitié féminine. Ce très bel ouvrage est maintenant disponible en version normale et version signée (qui contient une photographie signée par l’artiste et collée à l’intérieur de la quatrième de couverture) sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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PAUL GRAHAM – A1 – THE GREAT NORTH ROAD

En 1981, Paul Graham achève son premier travail reconnu en photographiant la vie de l’une des artères principales d’Angleterre. Composée de photographies couleur, sa série s’intitule A1- The Great North Road, publiée en 1983, et qui ressort aujourd’hui grâce aux éditions britanniques Mack. Bien que le Royaume-Uni ait alors une scène photographique dynamique, il n’existait cependant qu’une poignée de livres monographiques – Chris Killip et Martin Parr en avaient réalisé un chacun – et aucun éditeur ou distributeur spécialisé. Graham a dû auto-publier A1, mais son premier livre couleur a eu un impact surprenant sur la photographie britannique. Alliant la tradition du documentaire social à l’approche nouvelle de la couleur, l’ouvrage a transformé la photographie au Royaume-Uni et a ouvert la voie à l’émergence d’une nouvelle génération de photographes couleur britanniques, de Nick Waplington à Anna Fox, Richard Billingham à Tom Wood. S’étendant sur toute la longueur de la Grande-Bretagne et jusqu’à Édimbourg, Graham a voyagé à plusieurs reprises le long de la «Great North Road» avec un appareil photo grand format, pour immortaliser les gens, les bâtiments et les paysages de la Grande-Bretagne du début des années 1980. Le livre, qui fête aujourd’hui ses 40 ans, est autant une œuvre artistique qu’un document historique sur les années du gouvernement de Margaret Thatcher et sur le déclin de la société industrielle du Royaume-Uni. L’ouvrage de 96 pages est maintenant disponible en version normale et version signée par le photographe sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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MARGARET DUROW – 002

L’ouvrage 002 de la jeune photographe américaine Margaret Durow est la deuxième édition d’une collaboration en cours entre les éditions britanniques Setanta Books et la galerie Open Doors, qui publie les travaux de photographes émergents du monde entier. Durow, qui nous livre ici sa vision contemplative du monde, revient sur ce nouveau projet: “La plupart de mes travaux ont été photographiés dans le Wisconsin, où j’ai vécu toute ma vie. Lorsque j’avais cinq ans, une tumeur bénigne a été découverte dans ma colonne lombaire, ce qui a progressivement fait courber ma colonne au fil du temps. En 2007, j’ai connu de graves complications à la suite de l’opération qui a permis de redresser et de souder ma colonne vertébrale en place. Onze ans plus tard, j’ai subi d’autres opérations de reconstruction de la colonne vertébrale qui ont échoué et ont entraîné des déficiences supplémentaires. La photographie me permet d’exprimer ce que je ressens, et de transformer la douleur et l’isolement de mon corps déformé et handicapé en beauté et en force. J’essaie de refléter ce que je ressens à l’intérieur lorsque je capture les changements subtils de lumière, d’humeur et de paysages qui m’entourent. Je prends des photos pour me souvenir de ce que je ressens.” En explorant la nature transitoire de la mémoire, Durow utilise la photographie comme un outil pour préserver un sentiment. Elle donne ainsi à son travail une qualité intime et pertinente alors qu’elle documente le monde qui l’entoure. Le livre de 48 pages, enveloppé dans une pochette cartonnée et produit dans une édition limitée à 250 exemplaires (dont 30 exemplaires accompagnés d’un tirage 150mm x 200mm signé et numéroté), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books, ainsi que sur le site de la galerie Open Doors.

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MARIA SVARBOVA – FUTURO RETRO

Bien qu’elle n’ait jamais consciemment fait l’expérience du socialisme soviétique, le nouveau livre de l’artiste slovaque Maria Svarbova (née en 1988), Futuro Retro (publié par les éditions suédoises The New Heroes and Pioneers), s’appuie sur les codes esthétiques – couleurs, formes, vêtements, architecture, conception spatiale – de l’époque socialiste. Dans la lignée de son livre à succès Swimming Pool sorti en 2017, cette nouvelle monographie, composée de douze séries, crée une vision d’un futur inspiré du passé. Travaillant avec des lieux réels ainsi qu’avec des décors créés artificiellement, les images de Svarbova jouent sur un sentiment de “fausse nostalgie” en imaginant des scènes chez le médecin ou le boucher, de la vie conjugale et d’autres situations sociales ou privées telles qu’elles auraient pu se produire dans une réalité alternative. Elle considère les restes d’architecture et d’ambiance communistes comme des trésors d’enfance et elle aime explorer la nostalgie de ces designs, notamment à travers un travail sur les piscines de son pays, fascinée qu’elle est par leur beauté géométrique. Malgré un certain recours à l’esthétique du passé, les photographies de Svarbova parviennent à présenter des créations visuelles très créatives qui évitent la romantisation. Cadre rétro, futurisme, atmosphères de rêve, nostalgie, immobilité et isolement de la vie contemporaine sont les maitre-mots des photographies de Maria Svarbova. Avec ce superbe ouvrage, le lecteur ressent toute la solitude de la scène à travers des images presque cinématographiques et un style visuel minimaliste unique en son genre. Futuro Retro est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The New Heroes and Pioneers ainsi que sur Amazon.com.

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YUSUKE YATAMANI – DOORS

Publié en auto-édition (Gallery Yatamani), l’ouvrage Doors est un témoignage éclectique de la tournée de Yusuke Yamatani en 2019 à travers six pays européens. Dans ses performances solo en direct qui combinent musique, danse, installation et photographie, Yamatani joue de la batterie devant le public, des capteurs détectant les vibrations de chaque coup, déclenchant des lumières stroboscopiques et capturant Yamatani dans une fureur semblable à celle de la transe. Les images (y compris les clichés du public et de la salle) sont ensuite traitées et imprimées pendant la représentation. En utilisant une sélection des 3563 images produites de cette manière et en ajoutant des photographies de ses voyages de pays en pays – des instantanés de la route, des factures, des repas, des gens qu’il a rencontrés et des endroits qu’il a appréciés – le livre Doors constitue un document des spectacles de Yamatani et de ses expériences personnelles, et se présente comme une réponse éditée aux expressions photographiques non éditées qui sont à l’origine de ses performances. Des flyers de ses performances, cartes postales de différentes villes, photogrammes enregistrant les perceptions sur les tambours et photos reçues plus tard du public sont également des éléments importants du livre. Celui-ci comprend également une interview de Yamatani, qui présente son point de vue sur la photographie après avoir consacré les deux dernières années à cette œuvre. Doors a été initialement diffusé en édition limitée à 181 exemplaires aux supporters du projet de crowdfunding qui a financé sa tournée européenne. Mais en raison de l’escalade du COVID-19, de l’accélération de la fragmentation sociale, et du souhait de Yamatani que “plus de gens voient ce livre photo qui est à la fois un documentaire et un road movie, sur un asiatique à moitié nu se produisant et circulant librement en Europe, et aient l’occasion de réfléchir à un passé nostalgique ou à l’avenir incertain”, le livre de 400 pages est à nouveau disponible sur la boutique en ligne des éditions Gallery Yatamani, avec l’accord des supporters du crowdfunding.

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RICK MCCLOSKEY – VAN NUYS BLVD 1972

Les éditions suisses Sturm & Drang publient aujourd’hui Van Nuys Bld 1972, la nouvelle monographie du photographe américain Rick McCloskey. À l’été 1972, celui-ci a immortalisé l’ambiance de Van Nuys Boulevard en noir et blanc. Dans la chaleureuse vallée de San Fernando, une banlieue de Los Angeles, le mercredi soir était la “Cruise Night”, un rassemblement de jeunes et de leurs voitures entre Ventura Boulevard au sud et Sherman Way au nord, un amalgame de styles et modes de vie, d’automobiles – d’occasion et neuves – et de “looks” très différents. Il y avait des “tribus” d’enfants de vans – surtout des surfeurs – des lowriders, des muscle cars, des voitures de courses, des propriétaires de Volkswagen, et bien sûr des milliers de jeunes. L’idée du “rétro” était également arrivée, certains jeunes imitant le look et le style des années 50. C’était un endroit formidable pour voir et être vu, et aussi pour montrer son véhicule. Les photos de McCloskey offrent une représentation fascinante de la jeunesse qui venait d’aussi loin que Santa Barbara, du comté d’Orange ou du sud de la Californie, mais aussi de la culture américaine typique de l’époque. En réalisant ces images, le photographe s’est attaché à représenter les jeunes, leurs voitures et les décors iconiques en arrière-plan. McCloskey explique: “Aujourd’hui, les jeunes n’ont plus rien de semblable à ces anciens endroits, où tant de gens pouvaient profiter du moment présent, ensemble. Comme la lumière des étoiles qui s’échappent encore d’un monde aujourd’hui disparu, ces images sont tout ce qu’il nous reste”. Au début des années 1980, la “Cruise Night” avait pratiquement disparu sur Van Nuys Boulevard, en raison des nuisances qu’elle engendrait, marquant la fin d’une époque unique. Le livre de 132 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

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WITOLD KRASSOWSKI – SACKCLOTH AND ASHES

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Sackcloth and Ashes est le fruit du travail de toute une vie du photographe polonais Witold Krassowski. Bien qu’il ait photographié des événements historiques et politiques majeurs qui ont contribué à façonner les sociétés à travers le monde, il a toujours été attiré par la photographie de vies ordinaires – ses images les plus connues sont celles qu’il a prises lors de la transformation de sa Pologne natale après la fin du communisme en 1989. Les lieux et les sujets disparates de l’œuvre de Krassowski sont unifiés par son choix de se concentrer sur la vie des citoyens ordinaires plutôt que sur l’élite ou les entités politiques. Afghanistan, Italie, Russie, Pologne, Bolivie… Malgré les différences de latitude et de culture, l’artiste a l’art de faire ressortir l’universalité des anonymes qu’il photographie. Les ouvriers des chantiers navals de Gdansk, les clients de petites gargotes embuées ou encore des hommes ivres dans les rues de Rostov-sur-le-Don. Le Polonais s’attache particulièrement à ceux qui n’attirent pas le regard. La plupart des clichés en noir et blanc ont été pris au tournant de l’ère communiste, entre 1985 et 1995. Ils dépeignent sans affectation ni misérabilisme un quotidien souvent marqué par la pauvreté, qui n’exclut cependant pas les moments de joie (noce arrosée d’un district rom de Sofia, dancings de la Pologne rurale, jeux d’enfants). Krassowski explique: “Les travaux, dont ces images sont issues, sont couverts de poussière dans quelques bibliothèques de référence. Ils sont morts, et devraient le rester, car leur intérêt survit à peine aux circonstances qui les ont engendrés. Dans ce livre, j’espère cependant maintenir un peu plus longtemps en vie ce qui les unit : mon approche personnelle, un sentiment d’unité profonde au-delà des cultures. Il est important pour moi que l’impact de ces événements politiques puisse être compris du point de vue des gens ordinaires dans leur vie ordinaire. Pour beaucoup de mes sujets, leurs histoires seraient oubliées depuis longtemps”. Le livre de 208 pages, véritable concentré d’humanité, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books.

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