Pour la première fois en neuf ans d’existence de la Magnum Square Print Sale, les photographes de Magnum ont invité un groupe hétéroclite d' »amis », d’artistes, de cinéastes et de collègues photographes à participer au dernier volet du triptyque Then. Now. Next. La vente des clichés se déroule du lundi 17 avril au dimanche 23 avril 2023. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $110 sur le site magnumphotos.com/shop/.
Architecte de formation, Guido Guidi adopte la photographie comme langage dans les années 60, attiré par le travail de Walker Evans, de Lee Friedlander, le cinéma néoréaliste italien et l’art conceptuel. Considéré comme l’une des figures incontournables de la photographie italienne, Guido Guidi n’a cessé d’explorer les paysages du Nord de l’Italie. Publié par les éditions britanniques MACK, Di sguincio – qui signifie de biais, de côté ou vu du coin de l’œil – rassemble plus d’une centaine de photographies en noir et blanc réalisées par l’artiste avec des appareils photo de petit format entre 1969 et 1981. Ces images témoignent des premiers dialogues expérimentaux entre Guidi et son appareil photo : réalisées sans regarder dans le viseur et éclairées par un flash lumineux, elles capturent des personnes, des corps, des gestes, des événements mineurs et des fragments d’espace dans des moments de rencontre soudaine, voire insidieuse. Bien que formellement austères et même à la limite de l’abstraction, elles documentent des personnes et des lieux proches – sa maison familiale à Cesena, les amis avec lesquels il partageait un appartement à Trévise, les collègues de l’Institut d’architecture de l’Université de Venise – formant des œuvres personnelles affectueuses qui explorent la tension performative au cœur de l’image. Ce livre reproduit les tirages de Guidi de l’époque, avec leur contraste élevé, leur flou et leur définition inhabituels, et leurs annotations manuscrites obliques, parfois indiscernables. Évoquant les joies de l’invention et de la collaboration au début d’une carrière artistique, ces fragments reflètent également l’agitation psychologique, sociale et politique de l’Italie à une époque de crise et de contestation des valeurs sociales, mêlant les influences du néoréalisme et du postmodernisme à la recherche de nouvelles formes. Le thème photographique fondamental du temps – tel qu’il est enregistré, vécu et manipulé – est leur constante insaisissable. Avec Di sguincio, nous découvrons un ensemble d’anti-documents ou de documents anachroniques – tamponnés, annotés et parfois artificiellement vieillis – qui commentent avec ironie les prétentions de la photographie à la vérité et révèlent les fondements d’un engagement de toute une vie avec les possibilités du médium. L’ouvrage de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.
Le photographe japonais Ryuichi Tashiro publie en auto-édition son nouvel ouvrage intitulé Tangled Up in Blue. Ryuichi Tashiro est né à Kameido, Tokyo en 1948, et est diplômé du Tokyo College of Photography. Dans la seconde moitié des années 1970, il publie des photographies dans la célèbre revue mensuelle japonaise Camera Mainichi, mais disparaît du monde de la photographie après le numéro de janvier 1980 de la publication intitulé Good Day Departure. En 2022, après un long silence, Tangled Up in Blue est le tout premier livre de photographies de Ryuichi Tashiro. Le titre de l’ouvrage est tiré de la célèbre chanson de Bob Dylan du même nom. Dylan a dit un jour avec humour que cette chanson avait était « écrite sur deux ans de sa vie durant près de dix ans », et ce livre photo de Tashiro est lui aussi un chef-d’œuvre qui résume le travail de sa vie depuis les années 70. Dans les années 1970, alors que des photographes de premier plan tels que Daido Moriyama, Takuma Nakahira et Kazunari Suda prenaient des photos de rue en noir et blanc, Tashiro commence très tôt à prendre des photos de rue en couleur. Les clichés « sans fioritures » de Tashiro laissent de côté les sentiments personnels des sujets photographiés, mais maintiennent une certaine distance et ne les repoussent pas, capturant de manière vivante les expressions parfois humoristiques et cocasses des gens ordinaires. Les photographies de cette série, prises avec la perspective décontractée de Tashiro, donnent au lecteur l’impression d’aller et venir entre le quotidien et l’extraordinaire, et entre les époques. Le livre de 160 pages, présenté dans un étui en carton, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions japonaises Pressman Books.
Les éditions suisses Edition Patrick Frey viennent de publier le livre Heads Together – Weed and the Underground Press Syndicate 1965-1973. Le soulèvement de la jeunesse, aujourd’hui simplement appelé « les années 60 », a été alimenté par l’un des plus grands booms de l’histoire de l’édition. L’Underground Press Syndicate (UPS) a commencé comme une confédération de cinq journaux en 1966, et en quelques années, il a fédéré plus de 500 titres à travers le monde, touchant des millions de lecteurs. Ils se sont « répandus comme de la mauvaise herbe », a déclaré Tom Forcade, directeur de l’UPS, marchand de mauvaises herbes et futur fondateur de la revue High Times. La métaphore était appropriée : l’UPS a impulsé le mouvement de légalisation, et l’herbe est devenue son totem. L’herbe était si répandue qu’elle est devenue un prétexte utile pour les agences gouvernementales pour sévir contre l’UPS. La weed est devenue l’emblème des groupes d’activistes, et a ajouté une touche de style aux titres de l’UPS. Elle a envahi les pages de l’UPS, les trous dans le texte étant remplis d’illustrations ponctuelles inspirées par la marijuana. Heads Together rassemble ces dessins, mettant en lumière des noms moins connus dans le canon de l’art du stoner, et beaucoup de ceux qui n’étaient pas des noms du tout, car aucune signature n’était attachée. Il compile également des guides de culture de l’herbe de l’époque, qui étaient traités comme de la contrebande par la CIA. Les papiers à rouler psychédéliques à vocation militante sont également présentés. Alors que la légalisation de la marijuana progresse rapidement aux États-Unis et ailleurs, son statut autrefois sulfureux prend un relief étrange. Les profiteurs du marché de l’herbe d’aujourd’hui ne reflètent pas ceux qui se sont battus pour la légalisation, ni les populations noires et latinos qui ont été stratégiquement criminalisées pour l’herbe bien avant que les hippies ne soient pris pour cible, et bien après. La production graphique rassemblée dans ce livre témoigne d’une époque où le joint était fumé avec optimisme, comme quelque chose de potentiellement bon pour la société et les gens, capable d’activer une transformation profonde face à des forces corrompues et puissantes. L’ouvrage de 566 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey.
Reconnu sur la scène internationale pour ses clichés de paysages américains, Stephen Shore s’est servi du drone pour actualiser ses obsessions. Depuis le ciel, il immortalise un territoire artificiel qui l’a emporté sur l’espace rural naturel. Publié par les éditions britanniques MACK, Topographies: Aerial Surveys of the American Landscape est un nouveau volet de son travail sur la transformation du paysage américain. Cette série de photographies prises par drone à partir de 2020, révèle avec des détails saisissants l’interaction entre les paysages naturels et artificiels du Montana, de la Caroline du Nord, de New York et d’ailleurs. Dans ce nouveau corpus d’œuvres, Shore revisite les ambitions initiales de la célèbre exposition de 1975 New Topographics, en utilisant un nouveau point de vue aérien pour reconsidérer les préoccupations du mouvement – l’objectif, le lieu commun et la relation entre le naturel et l’artificiel dans le paysage américain – en réfléchissant à la manière dont elles peuvent s’appliquer au XXIe siècle. Les images de Shore dévoilent des forêts, des lacs, des parkings, des usines et des rues… Des paysages tantôt ruraux, tantôt urbains, mais qui montrent comment les deux s’imbriquent et dévoilent ainsi l’empreinte de l’homme sur le milieu naturel. Tout en explorant les possibilités formelles de la photographie aérienne, Topographies fait également preuve d’un grand sens du détail et de la surprise, dans lequel le moindre coude d’une rivière ou la moindre ombre révèle les textures et les couleurs des paysages urbains et suburbains de l’Amérique, le tout étudié avec la rigueur caractéristique de Shore. Le photographe explique: « Quand je suis dans la rue avec un appareil photo, je peux voir toutes les possibilités. Je sais à quoi ça va ressembler, comment la photo va changer si je fais un pas en avant ou si je regarde à ma gauche. J’ai déjà un modèle en tête, comme n’importe qui marchant dans la rue. Avec un drone, si je le tourne vers la gauche ou la droite, je ne sais pas ce que je vais trouver. Si je le déplace de 30 mètres en avant, je ne sais pas ce que je vais trouver. C’est vraiment comme de l’exploration ». Le livre de 208 pages, qui s’inscrit dans la ligne des deux chefs-d’oeuvres que sont American Surfaces et Uncommon Places, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.
À l’ocassion de la grande rétrospective consacrée au photographe américain William Eggleston au musée C/O Berlin (du 28 janvier au 4 mai 2023), les éditions Steidl publient Mystery of the Ordinary, un magnifique catalogue de l’exposition. Au cours d’une carrière qui s’étend sur plus de cinq décennies, William Eggleston a été reconnu pour avoir, presque à lui seul, élevé la photographie couleur au rang d’œuvre d’art. Avec Stephen Shore et Evelyn Hofer, Eggleston a été l’un des premiers photographes à reconnaître le pouvoir distinctif de la couleur et sa capacité unique à créer des images qui remettent continuellement en question le quotidien. Un bouquet bleu sur la porte d’une maison, une façade colorée, un plafond peint en rouge sang éclatant : l’intensité de la couleur et la sensibilité constante d’Eggleston à son égard constituaient à elles seules une provocation formelle et analytique. Eggleston reconnaissait la beauté et le mystère dans le quotidien et imprégnait ses images d’un élément de mystère, rendu particulièrement visible par la relation unique de la couleur avec la perception. Sa fascination pour la visualité poétique du Sud américain l’a poussé à étudier son environnement immédiat, même si, au cours de sa carrière, il s’est aventuré à travers les États-Unis et le monde entier, toujours muni de son appareil photo et appliquant le même discernement à tout ce qu’il photographiait. Sa réputation de pionnier de la photographie couleur s’est ainsi répandue dans le monde entier. Mystery of the Ordinary présente l’ensemble de l’évolution et de l’héritage d’Eggleston : de ses premiers travaux en noir et blanc de la fin des années 1950, dans lesquels nous assistons à la découverte et à l’exploration de thèmes et de cadrages non conventionnels, jusqu’à certaines de ses images couleur les plus emblématiques. Le livre de 208 pages vient juste de sortir et est dès maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Steidl.
Tokyo Conversations est une sélection de clichés du photographe italien Giovanni Piliarvu et du photographe britannique Lee Chapman. Tous deux ont un faible pour les vieux quartiers de la ville, mais ils aiment avant tout documenter les aspects incroyablement variés de la vie tokyoïte. Parfois ensemble, mais la plupart du temps séparément, ils réalisent tous les deux des photos à Tokyo depuis des années. « Nos intérêts se recoupent à bien des égards, mais les images que nous finissons par prendre sont toujours différentes. Si l’on ajoute à cela les possibilités presque infinies qu’offre la capitale japonaise, nous avons pensé qu’il serait intéressant d’avoir une conversation sur la ville que nous avons tous les deux fini par considérer comme notre maison. » Giovanni, qui vit à Tokyo depuis 2006, connaît bien la riche beauté naturelle du Japon, mais il est également attiré par les zones situées au cœur de la ville. Ces paysages ne sont peut-être pas beaux au sens religieux du terme, mais le mélange constant de mouvement frénétique, de modernité et de paysages tranquilles qui s’estompent lentement, qui constitue la majeure partie de la ville, le captive. Ces moments semblent très japonais et d’une certaine manière harmonieux. Lee, lui aussi, a quitté le cadre délavé de son Angleterre natale et s’est trouvé attiré par les rues désertes de Tokyo et par le Japon lui-même. La situation et l’aspect de la ville sont universels et pourtant typiquement japonais. C’est donc cet aspect du Japon que Lee photographie principalement et qu’il recherche activement aujourd’hui, bien des années après son arrivée au Japon. Le passé japonais, qui se perd peu à peu, existe toujours et est désespérément nécessaire. L’ouvrage comprend 40 pages en couleur et 40 pages en noir et blanc. Restaurants de yakitori traditionels, tavernes surveillées, ivrognes dormant sur des bancs, rues de Kabukicho et d’Ameyoko, vieilles dames regardant à travers les volets… ces moments capturés par les deux photographes étrangers sont aussi nostalgiques qu’attachants. Ce très beau livre de 80 pages, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Pressman Books.
Les éditions Empreintes & Digitales ont récemment publié l’ouvrage La Neige Rend Aveugle, avec un thème imaginé et porté par le photographe Jean-Yves Camus : la neige. Celle-ci figure aussi bien un enjeu politique et économique que poétique et esthétique. Six artistes visuels et un critique d’art philosophe proposent d’observer la neige sous divers angles qui, une fois rassemblés, font de cette édition un surprenant kaléidoscope. Parfois les images portent le regard vers la haute montagne, d’autres se concentrent sur une tache de neige en train de fondre, tandis que d’autres encore tentent de percer la pénombre pour susciter d’étranges émotions. La Neige rend aveugle est à la fois une plongée dans un état de la matière, une invitation à considérer ce qui nous entoure avec plus d’attention et une pensée poétique qui oscille entre territoires imaginaires et concrets. L’ouvrage de 172 pages présente ainsi des oeuvres d’Émilie Salquebre, Sébastien Lacroix, Sandy Avignon, Joël Van Audenhaege et Jean-Yves Camus. Dans son très bel essai sur le thème de la neige, le critique d’art philosophe Antonio Guzman écrit: « Il y a des dénivelés dans ce projet. Du milieu marin à l’alpin, des rives boréales chez Joël Van Audenhaege aux ascensions septentrionales chez Jean-Yves Camus. Des déclivités de pentes et de techniques. Sur le terrain, en chemin, Émilie Salquèbre en randonneuse solitaire déambule à la rencontre photographique et à la recherche des passages du visible à l’invisible. D’un lyrisme post-apocalyptique chez Sandy Avignon, les étoffes font cortège, portant un deuil d’avance et des signes auspicieux d’un futur antérieur en attente. Des substrats chez Sébastien Lacroix, d’interférences et d’intervalles intermittents d’autres rayonnements, d’autres accords et d’autres mesures, liens et réseaux, d’autres fréquences et d’autres ondes. La Neige rend aveugle est un projet elliptique, en déplacement, du tangible à l’intangible et retour. La nuit de quel oubli. À venir la nostalgie déjà de quel avenir. » Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Empreintes & Digitales.
Ingénieur de profession, Josef Koudelka, qui commence sa carrière de photographe vers le milieu des années soixante, est l’un des auteurs les plus influents de sa génération. Son œuvre, à mi-chemin entre la photographie artistique et le reportage, fait aujourd’hui de Koudelka une légende vivante. Parmi les récompenses prestigieuses qu’il a reçues en reconnaissance de son travail, mentionnons le Grand Prix national de la photographie (1989), le Grand Prix Henri Cartier-Bresson (1991), et l’International Award in Photography de la Hasselblad Foundation (1992). Ikonar (le « faiseur d’icônes ») est le surnom donné à Josef Koudelka par un groupe de Roms qu’il a longuement fréquenté. Et en effet, les tirages qu’il leur avait offerts étaient utilisés comme des images quasi religieuses dans leur lieu de prière. Mais Koudelka n’est pas seulement un « créateur de photographies » mondialement reconnu, il est aussi un prolifique « collectionneur d’images », un artiste du livre, un concepteur d’expositions, un archiviste passionné, un documentaliste de sa propre existence… En plus de cinq somptueux portfolios regroupant les oeuvres majeures de Koudelka, Ikonar – Archival Constellations – publié par les éditions Spector Books rend accessible un grand nombre de documents inédits datant des années 1960 à 2012. Il s’agit en particulier de planches contacts, choisies parmi les plus de 30 000 réalisées par le photographe, et qui, mises en regard de l’oeuvre proprement dite, offrent un aperçu absolument inédit des processus de création de Josef Koudelka. Le livre de 264 pages, publié à l’occasion de l’exposition éponyme au musée Photo Élysée, à Lausanne, du 4 novembre 2022 au 31 janvier 2023, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Spector Books.
Né en 1980 à Tallinn, en Estonie, Alexander Gronsky vit actuellement à Riga en Lettonie. Son œuvre photographique se concentre sur les paysages et les grands espaces russes. Abandonnés, silencieux, ils offrent à l’artiste la possibilité de mener une réflexion sur les effets de l’environnement sur les populations locales. Le travail de Gronsky a la mystérieuse capacité de toujours raconter une histoire, celle de vies isolées et silencieuses, sans évoquer le drame. Ses jeux sur la perspective, son sens de la composition et sa maîtrise de la lumière rappellent les procédés traditionnels de la peinture contemplative. Dans cet univers statique, chaque objet, chaque sujet constitue un élément d’un paysage presque déshumanisé. Les éditions françaises Empreintes & Digitales Éditions publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe: [02-24-2022]. Il y partage les premières vues d’une nouvelle série, toujours en cours, la chronique visuelle inachevée d’un long périple à travers un calendrier, les saisons et les quartiers périphériques d’une ville que l’on peut ne pas connaître. Les photographies sont autant d’étapes dans cette flânerie suburbaine et, sous guise de documentaire sociologique, Alexander Gronsky élabore dans le non-dit une puissante allégorie circonstanciée. La date du 24-02-2022 est le contexte et le titre de cette rare publication de l’artiste. L’étalement de la ville qui est cette ville est invasif. Publié à seulement 450 exemplaires, ce nouvel ouvrage de 80 pages au format à l’italienne est acompagné d’un éssai d’Antonio Guzmán, et est dès maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Empreintes & Digitales Éditions. 50 exemplaires collector numérotés et offerts avec un tirage d’Alexander Gronsky sont également disponibles. Tous les bénéfices de la vente seront versés à une œuvre caritative pour l’Ukraine.
À l’occasion de l’exposition personnelle Ready to Articulate de Mark Gonzales, présentée à la galerie de Los Angeles HVW8 l’année dernière, les éditions Nieves sortent aujourd’hui un très beau catalogue qui présente une sélection des oeuvres créées par l’artiste. Ready to Articulate est une exploration de l’expérimentation de l’artiste avec la théorie des couleurs et l’humeur inspirée par le portrait classique. Les peintures de cet ensemble d’œuvres ont été créées pendant une période d’enfermement prolongé avec sa famille, et montrent une évolution continue de nouvelles techniques avec des éléments familiers de jeu et des thèmes indicatifs de la pratique artistique de l’artiste depuis plusieurs décennies. Les toiles de Gonzales sont remplies d’une technique picturale aiguisée par des années de dessin et de peinture, mais elles présentent aussi une qualité désordonnée ; les œuvres sont à la fois précises et imprécises. Ce corps particulier est inspiré par la déception qu’il a ressentie lorsque son associé s’est « vendu » au début des années 1990. Les visages sont pleins d’amertume. Ce sont de faux sourires, joyeux face à la misère et à l’embarras. Des années plus tard, cependant, le dur cynisme s’est adouci, et la force des sourires semble avoir fissuré le regret. En effet, Gonzales semble dire que les fleurs, cultivées même dans les conditions les plus difficiles, peuvent avoir un pouvoir de guérison immuable. Les différents sujets et icônes se mélangent pour créer un espace propre à l’univers mental de l’artiste. Ready to Articulate suggère un espace, peut-être après une longue période de méditation, où le besoin d’exprimer et de partager des idées devient vital et nécessaire. Le livre de 24 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suisses Nieves.
Cet ouvrage collectif raconte l’aventure humaine et artistique initiée par Mohamed El Khatib et Valérie Mréjen en 2020, et témoigne de cette expérience unique de transformer l’Ehpad Les Blés d’or (LBO), situé près de Chambéry, en centre d’art pluridisciplinaire. Ensemble, ils invitent des artistes à tisser un dialogue avec les résidents et les soignants. Alors que les Ehpad ont la réputation d’être des lieux d’isolement, le projet entend modifier notre regard sur ces établissements de fin de vie, en faisant apparaître l’art là où on ne l’imaginerait pas. De cette rencontre entre le geste artistique et le quotidien des résidents est née une collection permanente, témoignage de cette expérience unique. « En arpentant les couloirs de l’Ehpad, on mesure la façon dont un geste artistique peut faire office de rituel collectif puissant, créant par-delà la beauté, du réconfort et de la liberté. À travers la collection de l’Ehpad, nous avons souhaité privilégier un art de la rencontre », annonce El Khatib. Introduit par un texte de l’historien Patrick Boucheron – qui célèbre le grand âge pour sa souveraine liberté d’oublier ce qui l’arrange, et restaure une dignité qui elle ne s’oublie pas –, cet ouvrage publié par l’Atelier EXB présente les œuvres créées au sein de l’Ehpad Les Blés d’or, à travers l’échange qui s’est instauré avec les résidents. La parole est également donnée au personnel soignant, au fil de verbatim qui racontent des instants tendres, parfois drôles mais toujours attentionnés. Le livre de 72 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de l’Atelier EXB.
