Category Archives: Art

RALPH GIBSON – SELF-EXPOSURE

Ralph Gibson (né en 1939 à Los Angeles) est l’une des figures de proue de la photographie américaine. D’abord assistant de Dorothea Lange, puis de Robert Frank, il délaisse très vite le reportage pour développer une stylistique photographique très personnelle, participant à l’éclosion de la fine art photography américaine: des tirages superbes aux valeurs contrastées, une charge graphique très forte, ouvrant sur des échappées oniriques, sensuelles et mystérieuses. Son style à part mélange le réalisme avec le surréalisme, la géométrie et les courbes charnelles, les cadrages ultra-serrés et les plans énigmatiques. Publiée par les éditions britanniques Heni Publishing, Self-Exposure est l’autobiographie du célèbre photographe. Avec son 80e anniversaire à l’horizon en janvier 2019 et une carrière de plus de 50 ans, Gibson est à un moment de réflexion dans sa vie et dans son travail, et il fait ici un bilan de sa longue carrière. Le résultat est un ensemble de photographies et d’anecdotes égrenant au fil du temps et des thématiques, les lieux qu’il a visité et ses rencontres avec les personnalités (Robert Frank, Dorothea Lange, Marguerite Duras, Eikoh Hosoe, William Eggleston, Annie Leibovitz…). Ses réflexions sur sa vie témoignent d’une compréhension profonde et réfléchie et d’une conscience de soi qui font de ce livre une lecture fascinante et un compagnon éclairant de son œuvre. Conçu et produit en étroite collaboration avec Gibson, Self-Exposure est le livre le plus personnel du photographe à ce jour. L’ouvrage de 396 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Heni Publishing, ainsi que sur Amazon.com.

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DANNY FOX – A CUT ABOVE THE EYE

Danny Fox est un artiste autodidacte né dans la ville portuaire de St.Ives dans les Cornouailles (Angleterre). Bien qu’ayant quitté la ville il y a plusieurs années pour s’installer à Los Angeles, les origines cornouaillaises de Fox restent présentes dans son travail. La représentation de ses personnages est influencée par une variété de sources allant des publicités de whisky écossais d’époque à la peinture post-impressionniste en passant par la portraiture de la British East India Company. Dans sa peinture, l’artiste explore les profondeurs de la figuration, distillant ses personnages et son iconographie à travers un processus de création rigoureux. Chaque composition devient une histoire en soi à travers une pratique picturale qui enfouit les premières étapes de la surface de la toile et l’imagerie qui en résulte sous les couches d’acrylique. Par sa technique picturale et sa dialectique de symboles et d’icônes chargés, Fox développe ses personnages et leurs histoires pour illustrer ses critiques et ses célébrations des différents moments qui les ont marqués. Fox s’appuie sur un style de peinture brut et non-filtré qui attire l’attention sur l’acte même de création. Dans différentes œuvres le peintre se tourne vers les icônes victoriennes — à savoir David Livingstone et les lithographies du fils prodigue des frères Kellogg, célèbres lithographes américains du XIXe siècle — créées au travers d’instantanés de son environnement immédiat. Ces histoires célèbres de voyageurs sont reprises dans le présent, de manière à la fois métaphorique et figurative, Fox les peignant à travers des portraits bruts et courageux qui sont sa signature. « Ce sont des thèmes classiques, explique Danny Fox. Le classique est intemporel, toujours pertinent, il représente toujours ce que signifie vraiment être humain. La boxe est utilisée comme une métaphore dans la peinture et l’écriture. Il en va de même pour les chevaux, les femmes, ou même les fleurs. Les vieux thèmes n’ont de cesse de me ramener dans le passé – l’Empire, la guerre, le Nil, les pieds de David Livingstone… » Publiée par V1 Gallery, cette nouvelle monographie intitulée A Cut Above the Eye documente le travail de Danny Fox de 2011 à 2018. L’écrivain William Pym y propose un texte explorant le sens du vide dans les œuvres de Fox, tandis que les artistes Henry Taylor et Rose Wylie entament un dialogue avec le peintre sur son approche de l’art et de la vie. Édité à 1000 exemplaires, ce très beau livre de 280 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de V1 Gallery. (Credit: Studio Claus Due)

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TEXTILES OF JAPAN

De tout temps, les textiles ont constitué une forme d’expression culturelle éloquente et ont revêtu une grande importance dans la vie quotidienne d’un peuple, ainsi que dans ses rituels et cérémonies. Les vêtements et les tissus traditionnels présentés dans le livre Textiles of Japan, publié par les éditions britanniques Prestel, ont été fabriqués et utilisés dans les îles de l’archipel japonais entre la fin du XVIIIe et le milieu du XXe siècle. La collection de Thomas Murray (marchand d’art asiatique et tribal) présentée dans ce magnifique ouvrage comprend des vêtements du quotidien, des vêtements de travail et des vêtements de cérémonie, et fait écho à la philosophie des Arts et Métiers du mouvement Mingei, qui prônait que la modernisation laisse de côté les formes d’art traditionnelles comme les textiles faits main utilisés par les paysans, les agriculteurs et les pêcheurs. Le livre présente des étoffes de coton aux motifs subtils, souvent teints à l’indigo, provenant des principales îles de Honshu et Kyushu, ainsi que des vêtements des îles plus éloignées: le tissu d’écorce graphique, la fibre d’ortie et les robes en laine de poisson des aborigènes Aïnous d’Hokkaido et de l’île Sakhaline plus au nord, sans oublier les célèbres kimonos en coton aux couleurs éclatantes d’Okinawa, à l’extrême sud du pays. De nombreux exemplaires de ces tissus, photographiés dans les moindres détails, offrent un aperçu de l’histoire complexe et passionnante du textile au Japon, et inspirent les designers et les artistes contemporains. Ce volume explore l’étendue et l’art de la tradition des arts textiles du pays et constitue une ressource essentielle pour quiconque est captivé par l’esthétique japonaise. L’imposant recueil de 520 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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MATT EICH – SIN & SALVATION IN BAPTIST TOWN

Dans ses travaux, Matt Eich étudie la condition américaine et se concentre sur le poids de la mémoire collective des Américains. Avec son projet Sin & Salvation in Baptist Town, le photographe américain documente la vie à Baptist Town, l’un des plus anciens quartiers afro-américains de Greenwood, dans le Mississippi, où l’héritage du racisme continue à avoir un impact économique et culturel sur la population. Publié par les éditions suisses Sturm & Drang, le livre est l’aboutissement de sept années de travail photographique et de dialogue avec les résidents du quartier de Baptist Town. Composé à la fois de portraits documentaires et de paysages, Eich raconte l’histoire longue, tordue et complexe de Baptist Town dans un contexte contemporain. Comme dans les autres travaux du photographe, cette série est une réflexion sur ce que signifie être un Américain aujourd’hui. C’est l’histoire d’une communauté, l’une parmi tant d’autres, au sein de la nation américaine. « Cet endroit est un microcosme d’une histoire qui se déroule dans tous les coins de l’Amérique, explique le photographe. L’histoire se répète. Notre mémoire collective favorise la facilité de l’amnésie plutôt que la reconnaissance des dommages que nous continuons de nous infliger les uns aux autres. Nous sommes tous pécheurs et saints. » Sin & Salvation, deuxième volume de la série en quatre parties Invisible Yolk de Matt Eich, constitue un témoignage précieux sur la face sombre de certains quartiers des États-Unis et sur les laissés pour compte du Rêve Américain, et révèle un malaise existentiel profondément enraciné. Édité à 800 exemplaires, le livre de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

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ANDREW MOISEY – THE AMERICAN FRATERNITY

Andrew Moisey, photographe et professeur en histoire de l’art et en études visuelles à l’université Cornell, publie aujourd’hui The American Fraternity, aux éditions Daylight Books. Il y expose l’univers sombre et bicentenaire des fraternités sur les campus des grandes universités américaines. Pendant près de sept ans, Moisey a obtenu un laissez-passer afin de photographier la vie à l’intérieur d’une importante fraternité dont son frère était membre. Un jour, le photographe est tombé sur un manuel rituel vieux de soixante ans, taché de cire et abandonné par terre. L’idée d’un “manuel illustré” était née. Moisey a scanné les pages du manuel, puis a inséré numériquement ses propres images contemporaines afin qu’elles apparaissent à côté d’images et textes anciens. Ses photographies opposent la constitution élevée de la fraternité à sa réalité souvent sous-jacente violente et misogyne. Ce livre apporte un éclairage nouveau sur les particularités des ordres fraternels qui comptent parmi leurs membres soixante-quinze pour cent des présidents, sénateurs, juges et dirigeants américains. Ces mystérieuses organisations de campus sont pleines de serments et de cérémonies occultes et The American Fraternity tente de capturer dans ses pages une partie de ce pouvoir obscur. L’ouvrage de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Daylight Books, ainsi que sur Amazon.com.

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JOEL MEYEROWITZ – INSIDE | OUTSIDE – PARIS

La galerie Polka présente?Inside | Outside, une plongée inédite dans l’univers du photographe américain Joel Meyerowitz. Pour la première fois, l’artiste revisite son œuvre de façon transversale, en se débarrassant du cadre formel et rigoriste de la série ou de l’œuvre iconique. De ses débuts, dans les rues grouillantes de New York jusqu’au temps de la contemplation et de l’introspection lascive, quelque part en Toscane ou dans les ateliers de Cézanne et Morandi. Jusqu’au 12 janvier 2019.

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DENIM BRANDED – JEANSWEAR’S EVOLVING DESIGN DETAILS

Nick Williams, auteur de Denim Branded – Jeanswear’s Evolving Design Details, publié par les éditions américaines Schiffer Publishing, nous présente dans ce nouvel ouvrage l’histoire fascinante et parfois surprenante du branding du denim, des années 1870 à nos jours. Grand collectionneur de jeans, sa passion pour la toile bleue (en particulier pour son branding) est née de son parcours entant que graphiste (puis, par la suite, responsable du graphisme) pour Levi’s® Europe. Très vite, il se spécialise dans la reproduction de pièces anciennes, en étudiant les étiquettes et les détails d’époque, et en plongeant au cœur des archives de Levi Strauss & Co. à San Francisco. Ses recherches sur les pièces originales lui permirent notamment de créer de magnifiques reproductions pour la collection LVC (Levi’s® Vintage Clothing). Cette attention au détail est la prémisse du livre. L’auteur y décompose chacun des éléments composant le jean, pièce par pièce, avec un riche contenu photographique et des anecdotes fascinantes sur leur existence et leur évolution. Ces éléments sont l’identité d’un jean, son code source, un marqueur à partir duquel on peut découvrir la provenance d’une paire de jeans. Les sources principales de ce livre proviennent des départements d’archives historiques de Levi Strauss & Co, Lee Jeans, Wrangler, Carhartt, et Cone Mills, ainsi que certaines des meilleures marques de denim contemporaines, telles que Denham the Jeanmaker, Rogue Territory, Dawson Denim, Kings of Indigo, Endrime, Evisu, East Dust, Butcher of Blue, Telleson, W. H. Ranch, Son of a Stag, Carhartt, Sugar Cane, Left Field et Iron Heart. Le livre de 272 pages, véritable must-have pour les passionnés de denim, inspirera les amateurs de jeans ainsi que les professionnels de la mode. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Schiffer Publishing, ainsi que sur Amazon.com.

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ANNE COLLIER – WOMEN WITH CAMERAS (SELF PORTRAIT)

Après le succès de son premier ouvrage sorti l’année dernière, les éditions Karma présentent aujourd’hui le nouveau livre de l’artiste américaine Anne Collier: Women with Cameras ( Self Portrait). Cet ouvrage contient une séquence de 80 images de photographies d’amateurs trouvées par l’artiste, datant des années 1970 au début des années 2000, et représentant chacune un sujet féminin tenant un appareil photo ou se prenant en photo. Dans sa série Woman with Cameras, commencée il y a des années mais qu’elle continue à étoffer, la photographe reprend en photo des instantanés amateurs de femmes photographiées avec des caméras avant l’avènement du «selfie» et de l’omniprésence des réseaux sociaux. Ces artefacts de l’ère pré-numérique ont été rassemblés par Collier durant de nombreuses années dans des marchés aux puces, des friperies ou même en ligne. Chacune de ces images a, dans un passé pas si lointain, été jetée par son propriétaire original. Le concept d'”abandon” des images photographiques et des histoires personnelles qu’elles représentent est au cœur de Women with Cameras. Le projet de Collier est une fois de plus imprégné d’un profond sentiment de solitude, illustrant la relation conflictuelle de la photographie avec la mémoire, la perte et la représentation de soi. Son œuvre oscille entre le personnel et l’universel, accessibles pour le spectateur tout en maintenant une certaine tension ou ambivalence. Le livre de 168 pages, édité à 1500 exemplaires, reprend le même format que le premier ouvrage, et est dès maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Karma, ainsi que sur Amazon.com.

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LEON LEVINSTEIN – PHOTOGRAPHS 1950 – 1970S – PARIS

Léon Levinstein est « un photographe cannibale », selon la belle formule d’Armelle Godeluck. Un animal rare, très rare, au talent fou, au cadrage carnassier ; un caractère de chien sauvage ne faisant rien pour se rendre domesticable, un peine-à-jouir absolu refusant tout assouplissement, et freinant, de ce fait, la reconnaissance de son travail unique. Il faudra qu’il meurt pour que, sans le poids torturé de sa présence à l’autre, son œuvre immense, si singulièrement avant-gardiste, à la fois si proche et si distancée de son objet/sujet, commence à être reconnue pour ce qu’elle est : celle d’un photographe majeur du XXème siècle. Issues de la collection Harry Lunn et de la Howard Greenberg Gallery, les photographies exposées à la Galerie Mandarine (75006 Paris), datées et signées, sont aussi rares que le talent de leur auteur. Jusqu’au samedi 24 novembre 2018.

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FRED W. MCDARRAH – NEW YORK SCENES

Au cours de ses 50 années de collaboration avec le Village Voice, Fred W. McDarrah (1926-2007) a couvert les différentes scènes de Downtown New York, produisant un témoignage visuel encyclopédique sans égal des personnes, des mouvements et des événements. Le photographe américain fréquentait les bars, les cafés et les galeries où se réunissaient écrivains, artistes et musiciens, et il était toujours le bienvenu dans les appartements et les lofts de l’aristocratie culturelle avant-gardiste de la ville. Il capture ainsi grand nombre de moments décisifs: Jack Kerouac en train de lire de la poésie, Bob Dylan traînant sur Sheridan Square, Andy Warhol en plein tournage dans la Factory, les émeutes de Stonewall… À travers son objectif, on assiste à la naissance mythique d’idées et d’attitudes qui continuent à façonner le caractère et l’attrait du New York d’aujourd’hui. Publié par les éditions Abrams Books, New York Scenes présente près de 300 photos noir et blanc originales allant de la fin des années 1950 au milieu des années 1970: les images les plus emblématiques de McDarrah, ainsi que des œuvres inédites tirées de ses nombreuses archives. Un essai introductif de Sean Wilentz décrit de manière vivante comment le photographe a enregistré la transformation de Greenwich Village, d’une scène bohème locale en un mouvement mondial. «Fred a laissé derrière lui une œuvre sans précédent de l’intérieur de cet espace toujours changeant tel qu’il existait dans le Greenwich Village du milieu du siècle, quand, pendant un certain temps, il a secoué la nation et le monde. Personne n’a jamais été aussi proche pour le dépeindre comme Fred l’a fait, et toute future chronique bohème sera forcément photographiée différemment. Il était au bon endroit au bon moment, et quand la chance est venue pour lui d’en tirer le meilleur parti, il ne s’est pas planté. Donc, tant qu’il y aura des spectateurs attentifs, l’esprit de Fred W. McDarrah, l’esprit de ces images, racontera ses histoires magiques.» Le livre de 248 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books, ainsi que sur Amazon.com.

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BOOK OF DENIM – VOLUME TWO

Après le succès du premier volume sorti au printemps 2016, les éditions Amsterdam Publishing Int. publient aujourd’hui Book of Denim Volume Two. L’ouvrage de 184 pages se penche tout particulièrement sur “le monde du denim”, et étudie les développements culturels principalement dans les villes (tendances) et les ateliers de confection. Au-delà des marques, les fabricants, les usines, les créateurs de tissus, les rêveurs, les innovateurs et tous ceux qui réinventent le denim au quotidien sont à l’honneur dans ce second numéro. Il ne s’agit pas d’une énième exploration de l’industrie du jean, mais plutôt une redécouverte de l’art et des histoires personnelles qui définissent le tissu bleu indigo le plus populaire au monde. À la recherche de l’esprit authentique du denim, Book of Denim Volume Two explore ses créateurs et ses adeptes au Maroc, en Chine, au Japon, en Italie, en Grèce, à New York et ailleurs, à travers des récits de première main et des histoires personnelles, comme celle de l’expert colombien en teinture Juan Manuel Gomez, du créateur de vêtements pour hommes Nicholas Daley, ou encore d’Hitoshi Tsujimoto, fondateur de la marque japonaise The Real McCoy’s et passionné de mode vintage. On y retrouve également des articles sur Daniel Harris (London Cloth Company), le photographe Brendan Pattengale, Prosperity Textile, le designer Kozaburo Akasaka, Lennaert Nijgh (Benzak Denim Developers), etc. Offrant une perspective directionnelle, professionnelle, et en même temps personnelle de l’univers de ce tissu fascinant, le livre contient de pertinents essais, articles et interviews, accompagnés d’images emblématiques qui raviront les amateurs de denim et les passionnés de mode. Ce très bel ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne Book of Denim.

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CORINNE DAY – DIARY – PARIS

Corinne Day est décédée en 2010 à l’âge de 48 ans. Ancien mannequin, cette photographe autodidacte britannique s’est fait connaître en 1990 avec son éditorial dans le magazine FACE intitulé “3rd Summer of Love”, qui présente pour la première fois Kate Moss, alors très jeune. Elle lui offrira également sa première couverture dans Vogue UK, en 1993. Après avoir révolutionné le monde de la mode avec un style photographique qualifié de grunge, elle s’en éloigne pour se consacrer à des recherches plus personnelles. Présentée pour la première fois en France à la Galerie Gimpel & Müller (75006 Paris), l’exposition Diary tirée du livre éponyme publié en 2000, retrace 10 années d’une grande sincérité autour de sa vie, ses amis et les excès. Ses clichés choquants et tristes, moroses et tendres, ne sont pas sans rappeler Larry Clark ou Nan Goldin par leur honnêteté et leurs sujets percutants. Jusqu’au 8 décembre 2018.

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