Category Archives: Art

HOLLIE FERNANDO – 004

Hollie Fernando est une jeune photographe britannique installée dans la ville balnéaire de Brighton. Ayant appris les bases de la photographie alors qu’elle était au lycée, elle a continué à se former tout en occupant des emplois commerciaux après avoir quitté l’école. Son oeuvre s’inspire de la peinture classique et continue à être imprégné par les palettes de couleurs, les styles d’éclairage et les figures symboliques. Qu’elle photographie des musiciens et des acteurs célèbres ou ses frères et sœurs et des amis, elle utilise toujours la même approche décontractée. Hollie Fernando a fait le choix de la pellicule analogique et imprime à la main la plupart de ses œuvres en chambre noire, en utilisant certaines références de couleur. Elle prend ensuite ces tirages et les numérise en utilisant une deuxième couche de références de couleur issue de certaines de ses oeuvres plus anciennes. La photographe déploie ainsi de grands efforts pour créer un style unique et une identité visuelle particulièrement originale. Publié par les éditions britanniques Setanta Books dans une édition limitée à 300 exemplaires, 004 est son tout premier ouvrage et constitue le quatrième opus d’une collaboration en cours avec la galerie Open Doors qui publie les travaux de photographes émergents. Le livre de 48 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books. Une version exclusive du livre vendue avec une photographie signée est également disponible ici.

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TRENT PARKE – CRIMSON LINE

Trent Parke, photographe Australien qui photographie des scènes de rue en jouant avec la lumière, les ombres et les gens pour créer des images au contraste saisissant, présente aujourd’hui Crimson Line, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Stanley/Barker. Né dans la ville sidérurgique australienne de Newcastle, l’un des rares souvenirs de son enfance est d’accompagner sa mère pour aller chercher son père au travail, en traversant un paysage dominé par les chantiers navals, les cheminées et les usines BHP. Tout au long de sa carrière, Parke s’est toujours passionné pour les effets de transformation de la lumière, mais ce sont les changements de couleurs éphémères de l’aube et du crépuscule, la myriade de différentes teintes de rouge qui ont aiguisé sa curiosité quant à la couleur cramoisie (crimson). Il découvre par la suite que cette couleur utilisée dans certains produits commerciaux est récoltée sur les corps broyés et bouillis de la cochenille femelle. Un minuscule insecte qui se loge dans les pelotes des figues de Barbarie et qui est cultivé pour sa couleur cramoisie. Une teinture aujourd’hui utilisée principalement dans les cosmétiques et les colorants alimentaires. Écarlate, magenta, orange et cramoisi sont les colorants produits par la cochenille et semblent également figurer de façon spectaculaire dans les couleurs de la création, comme on l’a vu dans la nébuleuse de l’Aigle lors de la naissance d’une nouvelle étoile et enregistré par le télescope spatial Hubble. Ces couleurs de naissance et de sang, le photographe s’en souvient également pour l’eau du bain, le cordon ombilical et le placenta, à la naissance de ses fils. Photographié dans le paysage industriel qui entoure la banlieue balnéaire d’Adélaïde où habite Parke, son appareil photo est souvent braqué sur les émanations de vapeur qui émanent des cheminées d’usine. Baignées par les rouges et les roses intenses du soleil matinal, elles paraissent à la fois inquiétantes et étrangères. Le livre de 132 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley/Barker. Une édition d’Artiste limitée à 30 exemplaires et contenant une photographie 171x233mm signée par Trent Parke, est quant à elle disponible ici.

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BASTIAAN WOUDT – PEAK

Dans Peak, le nouvel ouvrage de Bastiaan Woudt publié par les éditions 1605 Publishers, le jeune photographe néerlandais parcourt les montagnes du Népal pendant un mois. Une expédition de 26 jours l’amène dans les zones souvent inhabitées autour du mont Annapurna, où il grimpe jusqu’à près de 6000 mètres. Il en résulte un document qui montre non seulement les paysages et les natures mortes, mais aussi les fiers Népalais qu’il rencontre en cours de route. Dans un récent entretien, Woudt explique : “Tout a commencé en 2015 lorsque j’ai escaladé le Mont Kilimandjaro en Tanzanie. Nous l’avons fait pour Warchild, une organisation caritative néerlandaise, afin de collecter des fonds pour les enfants des zones de guerre. Je suis tombé instantanément amoureux de la montagne. Le défi physique que représente l’escalade, la marche pendant des jours et les bonnes conversations qui en découlent. À mon retour, j’ai commencé à gagner de plus en plus d’argent dans l’Himalaya, et je crois que j’ai regardé tous les documentaires sur les hommes qui risquent leur vie pour réaliser leur rêve : escalader les plus hauts sommets du monde. Comme j’ai une femme et quatre enfants à la maison, je savais que ce ne serait pas pour moi, mais je voulais y aller et tout vivre, ressentir à nouveau ce défi physique et, cette fois, concevoir un beau projet en même temps. Les gens, mais surtout les paysages.” Peak présente ainsi de somptueux clichés en clair-obscur de paysages de montagne et de portraits réalisés dans son style unique et fascinant. Publié dans une édition limitée à 1250 exemplaires signés par le photographe, le livre de 264 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions 1605 Publishers : https://www.1605publishers.com/product-peak-signed.

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ELIN BERGE – AWAKENING

Publié par les éditions Max Ström, Awakening est une représentation intime et poétique d’un mouvement d’éveil suédois, vaguement organisé, composé librement, de femmes qui croient au retour d’un pouvoir féminin divin. La photographe originaire de Stockholm Elin Berge a participé à différents types de cercles spirituels de femmes, afin de mieux comprendre les rituels de ce pays et les personnes qui y participent. Les femmes qu’elle photographie croient au retour de “la Déesse originelle”, une essence féminine divine qui appelle les femmes de l’intérieur de leur propre corps. Ce mouvement mondial croit que le féminin divin éveillé va faire s’élever les femmes du monde entier pour conduire l’humanité vers un nouveau paradigme avec un avenir durable et un monde pacifique et équilibré. Les clichés de cette série montrent des femmes qui s’abandonnent à leur spiritualité dans des cérémonies, qui cherchent à se réconforter les unes les autres dans la fraternité et qui désirent s’approprier leur corps et leur sexualité. L’œuvre de Berge ouvre un dialogue sur la religion et les croyances dans la Suède laïque et sur notre approche spécifique de l’individualisme et de l’indépendance. Awakening aborde également la question de l’égalité des sexes et la sororité qui se développe actuellement dans le monde entier, et plus récemment du mouvement #metoo sur les médias sociaux. Le livre de 166 pages, avec des essais de l’artiste/écrivain Annika Norlin et l’historienne de la religion Manon Hedenborg White, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suédoises Max Ström, ainsi que sur Amazon.com.

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MARK KLETT – SEEING TIME

Avec plus de trois cents images, dont certaines sont présentées pour la première fois, Seeing Time – publiée par les éditions University of Texas Press – est la première rétrospective de la carrière de Mark Klett, considéré comme l’un des plus importants photographes de paysage de ces quarante dernières années. Artiste d’une originalité et d’une vision singulières, Klett a conçu une oeuvre profonde et dynamique qui capture l’espace et l’histoire de l’Ouest américain, tout en évoquant les notions de temps, de perception et de mémoire culturelle. Sa démarche est ancrée à la fois dans la recherche artistique et l’évolution des technologies photographiques, reflétant une myriade d’idées qui mêlent science et poésie. Au cours d’une carrière de plus de quatre décennies, Klett a fait progresser une nouvelle notion de la photographie de paysage qui redéfinit notre sens de la signification des images de la terre. Seeing Time présente une sélection de photographies issues de treize projets différents, dont certains n’ont jamais été publiés auparavant. Le livre rassemble des travaux issus de projets individuels et collaboratifs ainsi que des textes de conservateurs de renom qui examinent les idées qui se cachent derrière la pratique du photographe, son contexte historique et ses méthodes de collaboration. De ses études rephotographiques, qui associent l’art conceptuel à des questions sur la façon dont les paysages changent sous l’effet de l’intervention humaine, à la série de portraits de sa fille aînée à l’occasion de leur anniversaire commun, les images présentées ici se combinent pour former un ensemble d’œuvres à la fois vaste et profondément personnel. L’imposant ouvrage de 480 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions University of Texas Press ainsi que sur Amazon.com.

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DESIGN COMMUNE

Les décorateurs de l’agence de design californienne Commune s’associent aux éditions Abrams Books pour publier Design Commune, un magnifique ouvrage retraçant leurs travaux les plus emblématiques. Fondée en 2004 à Los Angeles par quatre amis (Roman Alonso, Steven Johanknecht, Pamela Shamshiri et Ramin Shamshiri) partageant la même vision du design, l’agence souhaite améliorer la vie quotidienne à travers l’architecture et le design, en brouillant les lignes entre les disciplines, les époques et les styles. La Californie est le lieu idéal pour les anticonformistes et les esprits libres. Commune reflète parfaitement cet esprit et incarne un style californien novateur qui mêle librement l’ancien et le neuf, avec des intérieurs très personnels qui embrassent la couleur, les motifs et la texture. Ce livre est la seconde monographie de l’œuvre de Commune, et met en lumière toutes les disciplines dans lesquelles le studio s’engage : projets d’aménagement intérieur, créations pour résidences privées, hôtels, espaces commerciaux et restaurants, ainsi que les nombreuses œuvres commissionnées auprès d’artisans californien pour leurs divers projets. On y découvre également des projets divers comme la conception de produits, de packaging et de diverses commandes graphiques. Ses projets ont de nombreux points communs, comme l’influence des matériaux artisanaux, mais chacun reste profondément personnel et unique. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books ainsi que sur Amazon.com.

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PETER SAUL – PROFESSIONAL ARTIST CORRESPONDENCE 1945-1976

Les éditions américaines Bad Dimension Press publient Peter Saul – Professional Artist Correspondence 1945-1976. L’artiste californien de 86 ans mélange avec humour Pop Art, Surréalisme, Expressionnisme Abstrait, culture funk de San Francisco et univers du cartoon. Ses toiles aux couleurs criardes, au dessin trash, portent un regard caustique sur la société de consommation et ses valeurs, sur les idoles planétaires (Superman), sur l’impérialisme américain (la guerre du Vietnam, la geôle d’Abu Ghraib), les inégalités sociales et la violence urbaine. Influencé par la bande dessinée et les graffitis, Saul développe une thématique violente, pornographique, scatologique et drôle dans un style qu’on dit (à tort) bâclé. Son œuvre est une fête de l’esprit et des sens que Dali lui-même appréciait. Cette figure majeure de l’underground américain, maître de la peinture de la satire et du sacrilège, met en lumière la face sombre du rêve américain. Saul est né et a grandi en Californie du Nord, a fréquenté l’université de Washington, a vécu en Europe de 1956 à 1964, puis s’est installé dans le comté de Marin de 1964 à 1976, où il a trouvé une communauté et commencé à se faire connaître. L’histoire du développement de Saul au cours des années cruciales de sa carrière artistique est racontée par l’artiste lui-même dans ce très bel ouvrage. Les lettres présentées dans ce volume, d’abord aux parents de Saul, puis à son galeriste, Allan Frumkin, sont intimes et de nature diverse, pleines du même genre d’observations qui rendent l’œuvre de Saul si fascinante. Tout au long de cette période, Saul s’est préoccupé non seulement de concevoir son oeuvre, mais aussi de mener sa vie d’artiste. Le livre est donc en grande partie l’histoire d’un artiste qui trouve sa voix et qui tente ensuite de comprendre et de participer au “monde de l’art”, car Saul a d’abord travaillé par le biais de la pop, puis du “funk”, et a ensuite essentiellement créé sa propre catégorie. Réunies pour la première fois, les lettres de ce livre forment non seulement une autobiographie de l’artiste, mais aussi un mémoire de l’histoire de l’art américain à un moment critique. Édité par Dan Nadel dans un tirage limité à 1000 exemplaires, le livre de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Bad Dimension Press.

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CYPRIEN CLEMENT-DELMAS & LINDOKUHLE SOBEKWA – DALESIDE

Les éditions britanniques GOST Books publient Daleside, le résultat d’une commande photographique de Rubis Mécénat aux photographes français Cyprien Clément-Delmas et sud-africain Lindokuhle Sobekwa, membre du projet Of Soul and Joy et associé de Magnum Photos. Initiée en 2015, celle-ci documente Daleside, une banlieue afrikaner située au sud-est de Johannesbourg en Afrique du Sud. En l’espace d’une décennie, celle-ci est devenue un lieu d’isolement, une ville fantôme. Ensemble, les deux photographes ont dressé un portrait de Daleside, abordé les lieux et les habitants, en majorité des mineurs ou petits paysans, réveillant leurs rêves ou dévoilant leur désarroi. Devant l’objectif de Clément-Delmas, les personnages offrent une digne présence nourrie d’un rêve déconnecté de la réalité. Dans les portraits en paysage de Sobekwa, pas de dérobade à la réalité qui, au-delà de l’implacable binarité noir-blanc, saisissent la même pauvreté pour les blancs ou les noirs, oubliés de nos sociétés, perdus dans l’impasse d’un non-avenir. Ce portrait en miroir de Daleside constitue un consistant corpus dont la lecture saisissante s’accomplit par paires d’images ou isolément. Sobekwa explique : “Nous avons commencé à faire de longues promenades en essayant de nous connecter à l’endroit et cela a créé une dualité intéressante. En se nourrissant de l’énergie de l’autre pour faire avancer le projet et nous avons eu différentes approches intéressantes sur le portrait de Daleside. Le livre en est une traduction magnifique.” Le format original du livre privilégie la double lecture des photographies, en un dialogue où se répondent les perceptions sensibles et pertinentes des deux photographes, en écho à notre monde contemporain. Daleside, composé de deux livres de 64 pages en reliure Suisse (couture au fil apparent), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

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MID-CENTURY MODERN DESIGN: A COMPLETE SOURCEBOOK

Publié par les éditions Thames & Hudson, Mid-Century Modern Design: A Complete Sourcebook est un magnifique ouvrage richement illustré traitant des années cinquante et soixante, qui sont, sans hésitation, parmi les plus marquantes et les plus créatives de l’histoire du design. Dans cet après-guerre consumériste, la nouveauté est portée aux nues et s’invite dans tous les secteurs de la conception. De la Vespa à l’Instamatic, des meubles Knoll aux caractères Helvetica, studios, ateliers et usines, inventent et diffusent les formes d’un monde nouveau. Tour d’horizon complet du style années cinquante, ce recueil, riche de mille photographies et d’articles signés par les plus grands spécialistes du domaine, est une aubaine aussi bien pour l’antiquaire et le collectionneur que pour le simple amateur d’objets aux lignes incomparables. Le mobilier, les textiles, le verre et la céramique, mais également le design industriel et graphique, les créateurs et fabricants marquants de l’époque et cerise sur le gâteau… les maisons et les intérieurs qui ont grandement participé à rendre cette période phénoménale. Cet élégant volume représentant des modèles classiques et des raretés peu connues, ainsi que des articles sur près d’une centaine de designers majeurs, tels que Dieter Rams, Robin Day, Isamu Noguchi, Lucie Rie, Charles et Ray Eames, Alvar Aalto et Oscar Niemeyer. Un dictionnaire illustré présente des centaines de créateurs, fabricants, organisations, écoles et mouvements parmi les plus influents du milieu du siècle. Cet imposant livre de 544 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

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JOSHUA K. JACKSON – SLEEPLESS IN SOHO

Joshua K. Jackson (né en 1984) est un photographe britannique basé à Londres. Son oeuvre se concentre sur la vie urbaine; il explore notamment la relation entre les gens et les lieux, exprimée à travers un riche langage visuel de couleur et d’abstraction. De Chinatown à Soho, en passant par Tooting et Piccadilly Circus, ses images adoptent un ton séduisant et cinématographique. Publiée par les éditions britanniques Setanta Books, Sleepless in Soho est sa toute première monographie. Pendant trois ans, Jackson a parcouru les rues éclairées par les lampadaires et les néons de Soho, utilisant la photographie pour échapper aux frustrations de l’insomnie. Le travail de Jackson de cette période révèle l’atmosphère complexe et intense de l’incontournable quartier vibrant et animé de Londres, en observant la juxtaposition entre le Soho d’aujourd’hui et le charme désuet de son passé. Les photographies ont été réalisées entre janvier 2017 et décembre 2019. Le photographe explique : “J’étais devenu complètement insomniaque et j’essayais alors de faire quelque chose de productif avec mon temps. Il s’agissait de photographier l’atmosphère que je ressentais pendant cette période et d’essayer de projeter une vision plus personnelle de ce que je voyais et ressentais à ce moment-là : obscurité, solitude, angoisse, mais aussi des moments de bonheur. C’était toutes sortes de choses. Et j’espère qu’avec ces photos, le lecteur sera emmené dans une sorte de voyage à travers ces émotions.” Le livre de 72 pages, qui contient 48 images ainsi qu’un poème de Sarah Tucker, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

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MATTHEW BECK – EVENT

Les éditions américaines J&L Books publient Event, la première monographie du photographe Matthew Beck. “Peering into Light’s Graveyard: The First Image of the Black Hole”, indiquait l’article de couverture du New York Times du 11 avril 2019. Le titre, comme beaucoup d’autres ce jour-là, était accompagné d’une image d’un anneau céleste brillant encadré par une noirceur infinie: la première image d’un trou noir. Dans Event, le photographe new-yorkais se concentre sur le dévoilement de cette image jusqu’alors invisible en la suivant dans les profondeurs du métro de New York. Le livre suggère l’idée que le cosmos n’est pas quelque chose à observer simplement de notre point de vue en tant qu’humains, mais plutôt un système dont nous faisons intrinsèquement partie; et la vraie nature du trou noir semble aussi insaisissable que la réponse à la question la plus pressante de l’humanité: “pourquoi”. “Ce livre est une manière de partager une certaine conscience cosmique, d’encourager la remise en question de ce que nous voyons. Nous, humains, passons la majorité de notre existence dans un état d’illusion. La seule chose que nous savons, c’est que la grande majorité des êtres vivants de cette planète est préoccupée par deux choses : survivre et se reproduire. Pourquoi ? Nous l’ignorons. Par conséquent notre vision du bonheur, de la stabilité, n’a peut-être rien à voir avec la véritable nature des choses. Nous existons béatement, sans réaliser que nous sommes forcés de déconstruire notre connaissance de l’univers”, déclare Matthew Beck. Conçu par Matthew Beck et Jason Fulford dans une édition limitée à 1000 exemplaires, cet intriguant ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions J & L Books.

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SHUNICHI ODA – NIGHT ORDER

Shunichi Oda (né en 1990) est un jeune photographe reconnu au Japon pour ses clichés de mode. Il a notamment participé à des campagnes pour Cartier, Hublot, Jaeger-LeCoultre et son travail est paru dans des magazines tels que Essential Homme, WWD japan ou encore GQ japan. Auto-édité par le photographe, son nouvel ouvrage intitulé Night Order capture les rues calmes et désertes de Tokyo sous l’état d’urgence déclaré à la suite de la pandémie de coronavirus. Impressionné par la vue de restaurants et de bars, généralement toujours très animés, acceptant de fermer leurs portes – malgré les difficultés financières et la concurrence mutuelle – afin d’aider à prévenir la propagation du coronavirus, Oda a commencé à photographier les rues tranquilles et les bars vides de Tokyo, la nuit. Se concentrant sur deux styles différents – la documentation et l’expression – le photographe enregistre la situation depuis une position qui documente objectivement la mégalopole étrangement déserte, tout en capturant la chaleur, la douceur et la jouissance issues de ces nouvelles circonstances. Ses photographies colorées, vibrantes, presque tridimensionnelles, ont été prises dans les centres de vie nocturne de Tokyo, de Omoide Yokocho et Kabukicho à Shinjuku jusqu’aux ruelles et aux bars de Shibuya, tous étrangement, fascinamment abandonnés. “Contrairement à l’apparence désolée de la capitale, la décision courageuse des propriétaires de bars et restaurants s’affiche dans la ville, la nuit. Je sentais étonnamment que c’était là que je devais prendre des photos, plutôt que de capturer le Tokyo habituel. Ce spectacle est un espoir pour l’avenir, pour amener cette situation à une conclusion rapide”, explique Shunichi Oda. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires numérotés et signés par le photographe, Night Order (128 pages) est maintenant disponible sur la boutique en ligne créé pour l’occasion : night-order.com.

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