Category Archives: Art

BILL CUNNINGHAM – ON THE STREET

Les éditions britanniques Clarkson Potter (Penguin Random House) publient On The Street, le premier ouvrage entièrement consacré aux clichés de l’icône du street style Bill Cunningham, réunissant ses célèbres photos publiées dans le New York Times et des travaux inédits des années 70, jusqu’à sa mort en 2016. Les photographies de Bill Cunningham ont capturé l’évolution du style, des tendances et du quotidien, tant à New York qu’à Paris. Mais son travail montre aussi que le style de rue n’est pas seulement une question de mode, mais aussi de personnes et de culture en évolution. On retrouve notamment dans le livre sa chronique singulière de la grève des transports en commun des années 80, la montée des casual fridays dans les années 90, la tristesse qui s’est abattue sur la ville de New York après le 11 septembre, le Jour d’Investiture de 2009, le début des selfies et de nombreux autres moments marquants de ces dernières décennies. L’ouvrage est complété par une série d’essais qui dressent un portrait éclairant de Cunningham et de quelques-unes de ses nombreuses fascinations et influences, signés Cathy Horyn, Tiina Loite, Vanessa Friedman, Ruth La Ferla, Guy Trebay, Penelope Green, Jacob Bernstein et Anna Wintour. Dans son texte, la critique de mode Cathy Horyn écrit : “Si Bill appréciait l’histoire de la mode et ses personnalités légendaires, il n’a jamais autorisé la nostalgie à s’insérer dans ses images. Jusqu’à la fin de sa vie, il est resté vigoureusement, joyeusement en accord avec son temps. ‘Petit’, disait-il a une personne de quarante ans, ‘la mode c’est le présent’. Ce livre représente une vie passée à mettre cette croyance en action.” On the Street est avant tout une représentation intemporelle de l’engagement de Cunningham à capturer le moment présent. Le livre de 384 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Clarkson Potter (Penguin Random House), ainsi que sur Amazon.com.

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EAMONN DOYLE @ FUNDACION MAPFRE MADRID – OPENING

La Fundación MAPFRE de Madrid accueille depuis jeudi dernier la grande rétrospective du photographe irlandais Eamonn Doyle. On y retrouve une sélection de clichés issus de sa célèbre trilogie de Dublin (i, ON et End – voir l’ouvrage ici), ainsi que son œuvre plus récente intitulée K. Considérées dans leur ensemble, chacune de ces séries révèle sa dynamique et ses préoccupations interconnectées, du monde flottant de Dublin au monde spectral de K. L’exposition comprend également l’œuvre vidéo Made in Dublin et certains de ses premiers tirages réalisés dans la chambre noire, ainsi que des œuvres plus récentes issues de collaborations avec d’autres artistes. Jusqu’au 26 janvier 2020, à la Sala Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza à Madrid.

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ANDERS PETERSEN – STOCKHOLM

À l’occasion de l’exposition qui a été consacrée à Anders Petersen à la galerie Liljevalchs de Stockholm (du 17 mai au 1er septembre 2019), les éditions Max Ström publient un très beau catalogue du photographe suédois intitulé Stockholm. Petersen, élève de Christer Strömholm, partage avec lui son approche du monde et sa pratique, celle d’une photographie en noir et blanc, vibrante, dynamique, percutante, proche du snapshot. Ni brutalité, ni voyeurisme, ni complaisance ne viennent entacher la qualité des rencontres, l’absolue sincérité du photographe dans sa relation à autrui. C’est un surgissement de la chair des êtres et des animaux rencontrés au fil des voyages, une émergence des objets du monde, de ses beautés et de ses singularités. Ces scènes saisies dans la rue, portraits, détails du quotidien extravagant ou banal prennent leur relief grâce à une pratique presque hérétique du cadrage. Le photographe a passé quatre ans à documenter les habitants et les espaces urbains de Stockholm. S’il s’inscrit dans la lignée des photographes de la capitale suédoise, c’est cependant la première fois qu’Anders Petersen chronique sa propre ville. Par le passé, le photographe a documenté le Café Lehmitz à Hambourg (voir ici), Gröna Lund à Stockholm, Rome, les hôpitaux psychiatriques, les cirques ou encore l’univers carcéral. Ces clichés présentés pleine pages représentent la vie à Stockholm entre 2015 et 2018. Ce sont des images d’une ville en pleine expansion, de sa vie quotidienne et de ses fêtes, des jeunes et des moins jeunes, de la neige qui tombe sur Katarinavägen, d’un défilé de teckels à Gärdet, d’une salle d’opération à Danderyd, des fêtes du Nouvel An à Skeppsbron et du sapin géant dressé à cette occasion… “Anders Petersen est à son meilleur lorsqu’il fige un moment discret”, écrit Mårten Castenfors, directeur de Liljevalchs, dans le catalogue de l’exposition. “Une rue enneigée et désolée en hiver, un soupçon d’émerveillement. Des images qui révèlent son incroyable sensibilité – sa présence et son amour de ce qu’il voit, que ce soit une personne ou un objet, et qui nous conduisent à des associations inattendues.” L’ouvrage de 368 pages, préfacé par Marten Castenfors, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suédoises Max Ström, ainsi que sur Amazon.com.

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XIA BOQIAN – CUPBOARD MEMORIES

La jeune photographe de 27 ans Xia Boqian, originaire de Neijiang dans la province chinoise de Sichuan, signe son premier ouvrage, Cupboard Memories, aux éditions Bromide Books. Ce dernier se penche sur les secrets inavouables, les désirs inassouvis et les opportunités irrésolues. Le livre fusionne deux séries de Boqian: Out of the Closet qui dépeint des personnes souffrant, dans leur intimité, de traumatismes ou de chocs émotionnels dû à certains épisodes douloureux dans leur vie. Des personnes qui souffrent de ce qu’elles sont, mais qui ne peuvent pas changer: lesbiennes/gays, personnes en surpoids, suicidaires, harcelées, intimidées, etc. La deuxième série se compose quant à elle de clichés dévoilant des secrets plus légers, des émotions et des sentiments cachés, des malaises quotidiens, des histoires d’amour fantasmées, et ainsi de suite. Loin des standards professionnels (cadrage, éclairage), les photographies de Xia Boqian ont recours à l’improvisation et à l’intimité pour mettre en scène de courts moments poétiques de liberté, où ses sujets partagent, l’espace d’un instant, leurs secrets les plus inavouables. Le découpage du livre a été fait en utilisant l’idée des besoins mutuels : fleurs, eaux et connexions humaines se répondant les unes aux autres. La photographe explique: “En tant que photographe, je n’aime pas mettre des étiquettes ou des descriptions sur mes œuvres. Bien que mes sentiments s’expriment à travers mes photos, différentes personnes peuvent avoir une compréhension divergente quand elles voient les photos. J’aimerais laisser de la place aux gens pour qu’ils réfléchissent, qu’ils ressentent.” Ce magnifique ouvrage de 112 pages, proposé dans une édition limitée et numérotée de 500 exemplaires, avec une préface signée Keiko Nomura, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions de Hong Kong Bromide Books.

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SHERON RUPP – TAKEN FROM MEMORY

Publié par les éditions allemandes Kehrer, Taken From Memory est le fruit d’un projet s’étalant sur plus de 25 ans de la photographe américaine Sheron Rupp (1943 à Mansfield, Ohio). À la recherche de liens avec son propre passé biographique, Rupp a pris ces photos dans une Amérique rurale afin de trouver un morceau de la vie de quelqu’un d’autre qui lui redonnerait un sentiment d’appartenance. La photographe explique: “Je me souviens de cet été en Arkansas comme d’un véritable poème. Cela a résonné avec ce que j’ai choisi de photographier des années plus tard et m’a fait me demander pourquoi je me sentais «chez moi» avec certains des gens dans mes photos.” Par leur caractère intime, ces photographies nous conduisent dans la réalité la plus nette du quotidien des ruraux Américains, et offrent un aperçu saisissant de la vie dans les zones rurales et les petites villes communément ignorées, entre les métropoles animées de la côte est et de la côte ouest. “Photographier ces lieux ruraux, pour la plupart inconnus, a donné un sens à ma propre vie; rien n’était perdu. Pour moi, ces clichés ont ajouté une affirmation ou, au mieux, une description, à la vie de ces personnes si cachées du reste du monde.” Sans prétention ni ironie, sans affirmation ni jugement, les impressions du passé de Sheron Rupp constituent également un commentaire poignant sur la société américaine actuelle. Ce très bel ouvrage de 108 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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DR. PAUL WOLFF & TRITSCHLER – LIGHT AND SHADOW

Publié par les éditions Kehrer, Light and Shadow marque la redécouverte de deux des photographes allemands les plus célèbres des années 1930: Paul Wolff (1887-1951) et Alfred Tritschler (1905-1970). Les deux photographes sont aujourd’hui encore reconnus comme des pionniers de l’utilisation du Leica, précurseurs d’un style toujours plus vivant dans la photographie d’illustration et le reportage. En outre, leur œuvre, estimée à 700 000 clichés, reflète plusieurs chapitres de l’histoire allemande : du réveil culturel pendant les années de la République de Weimar, en passant par le Troisième Reich, jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle d’importantes parties des archives Wolff furent également détruites. En termes d’esthétique formelle, Wolff & Tritschler ont fait preuve d’un équilibre entre le conventionnel et le mouvement artistique de la Nouvelle Objectivité, entre le style traditionnel germanique et le courant photographique de la Nouvelle Vision qui adopte des angles inédits (plongée, contre-plongée, vision latérale). Il n’existe pratiquement aucun sujet que Wolff & Tritschler n’aient pas réussi à couvrir. Leur œuvre photographique façonne notre conception de l’ancien ou du “Nouveau Francfort” tout autant qu’il suscite notre nostalgie des lieux lointains, comme en témoignent leurs clichés de voyages en voiture, en bateau ou à bord d’un Zeppelin. En résumé, ce ne sont pas les contradictions qui manquent dans le travail de Wolff & Tritschler depuis trois décennies. Mais c’est précisément ce qui fait de leur œuvre, qui oscille entre prestation de services et aspiration artistique, entre avant-garde et adaptation, un témoin essentiel de leur époque, en amont d’une véritable révolution photographique. Cet imposant ouvrage de 464 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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THE GAZE OF THINGS – JAPANESE PHOTOGRAPHY IN THE CONTEXT OF PROVOKE – VALENCIA

Le Bombas Gens, centre d’Art de Valence accueille du 22 février 2019 au 2 février 2020 la grande rétrospective La Mirada de las Cosas (The Gaze of Things) – Japanese Photography in the Context of Provoke. On y découvre une sélection d’œuvres de la collection Per Amor a lÁrt, la plus importante collection privée de photographies japonaises de cette période hors du Japon. L’exposition présente plusieurs centaines d’images qui retracent l’histoire de la photographie japonaise à partir de 1950, en accordant une attention particulière aux artistes qui faisaient partie du groupe Vivo (1957 – 1961) et du collectif responsable de la publication mythique Provoke. Entre 1957 et 1972, une transformation radicale du langage photographique a lieu au Japon, avec un groupe de photographes qui commence à développer leur œuvre dans l’après-guerre. Un renouveau qui se déroule parallèlement aux grands changements économiques, culturels et psychosociaux de cette période. On peut ainsi y découvrir le travail d’éminents artistes tels que Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yutaka Takanashi et Daido Moriyama, ainsi que Nabuyoshi Araki, Koji Enkoura, Tamiko Nishimura et Hiroshi Hamaya.

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CHRISTOPHER ANDERSON – COP

Christopher Anderson, membre de la prestigieuse agence Magnum Photos, fait partie des photographes contemporains les plus influents. Son œuvre visuelle défie toute catégorisation puisqu’elle se situe entre les mondes du documentaire, de l’art, de la photographie commerciale et de la photographie de mode. Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, COP est le dernier ouvrage en date du photographe canadien, qui fait suite à Approximate Joy (voir ici), superbe série de portraits de la Chine contemporaine. Anderson commence à photographier les policiers de New-York en 2001, peu de temps après l’attaque du 11 septembre. Le paysage urbain commence déjà à changer à l’époque, avec des officiers plus lourdement armés, l’installation de barricades anti-émeute et une augmentation généralisée de la sécurité dans les rues de la ville. Même si celle-ci est en partie installée pour rassurer les New-yorkais, un premier sentiment d’instabilité s’installe. Anderson reprend la série après le mouvement Occupy Wall Street, la mort d’Eric Garner et l’élection de Trump, sous la forme d’une protestation plus large et inconsciente de l’autorité en place. Dans ce nouvel ouvrage, le photographe présente les images certes comme une critique du pouvoir en place mais aussi avec un nouveau regard, accompagné d’une quasi sentimentalité nostalgique pour un New-York qui n’existe plus. Il explique: «J’ai vu le portrait d’une classe ouvrière immigrée en Amérique. L’uniforme ne servait que de lien pour accrocher un échantillon de section transversale. Les photographies ressemblaient davantage à une lettre d’amour à New York ». Le livre de 88 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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KATRIEN DE BLAUWER – WHY I HATE CARS

À l’occasion de sa récente exposition personnelle Love Me Tender à la galerie parisienne Les Filles du Calvaire au printemps dernier (voir ici), les éditions suédoises Libraryman publient le nouvel ouvrage de l’artiste belge Katrien De Blauwer (née en 1969), intitulé Why I Hate Cars. Après son précédent livre When I Was a Boy, De Blauwer continue d’explorer son médium, «la photographie sans appareil photo», dans cette monographie. Après des études en peinture et en mode, elle commence à s’engager dans une pratique artistique décalée en rassemblant des images d’anciens magazines et journaux – en guise d’auto-investigation thérapeutique, dont elle est devenue le fondement. En créant ses propres collages, l’artiste révèle un royaume intérieur en initiant des narrations anonymes et cinématiques. Dans ce travail particulier, elle a commencé à expérimenter avec de la peinture et des crayons de couleur, apportant une couche de couleurs supplémentaire aux histoires qu’elle raconte. Le coup de pinceau est alors aussi sec et précis que le coup de ciseaux. Derrière ce « cut » intransigeant, pareil à la technique du montage, il y a la volonté de reconstruire l’image, d’en faire naitre un récit, et de redonner à cette matière première toute son « glamour » passé. Ses collages se nourrissent de ces photographies oubliées qu’elle recycle taille et relie entre elles. Ils naissent ainsi d’une connexion inattendue entre plusieurs figures, entre les motifs et les couleurs. Le livre de 72 pages, édité à 1000 exemplaires, contient un extrait écrit par Katrien De Blauwer, tiré d’un de ses cahiers. Il est disponible dès maintenant sur la boutique en ligne des éditions Libraryman.

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JOACHIM BROHM & ALEC SOTH – TWO RIVERS

À l’occasion de l’exposition Two Rivers des photographes Joachim Brohm et Alec Soth au NRW-Forum Düsseldorf (du 29 mars au 7 juillet 2019), les éditions Koenig Books publient un très beau catalogue. Ce dernier se concentre sur la série Sleeping by the Missisippi (2000-2004) d’Alec Soth et la série Ruhr (1980-1983) de Joachim Brohm, qui présentent toutes deux des personnes en bordure de rivière. Brohm, qui a étudié à la Folkwang Hochschule, est un artiste visuel qui s’exprime à travers la photographie. Soth est quant à lui un photographe documentaire lyrique dans la tradition de Robert Frank, Stephen Shore et Joel Sternfeld. Une vision documentaire-artistique unit les deux photographes, et les distingue comme des documentaristes sensibles de leur environnement social. Une sélection d’œuvres issues d’autres séries est également présentée dans le catalogue, comme Ohio, Culatra et des extraits du nouveau projet de Brohm, Dessau Files, ainsi que Songbook et Niagara d’Alec Soth, et permettent d’avoir une vue plus large des œuvres des deux photographes. La série de portraits Flash Ohio de Brohm, publiée pour la première fois exactement 35 ans après sa création, occupe également une place particulière dans le livre. L’ouvrage de 176 pages, accompagné d’essais signés Ralph Goertz, Vince Leo et Wolfgang Ullrich est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Koenig Books, ainsi que sur Amazon.com.

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GIULIO DI STURCO – GANGA MA

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Ganga Ma est le résultat d’un voyage photographique de dix ans le long du Gange par Giulio Di Sturco. Le photographe italien documente les effets de la pollution, de l’industrialisation et du changement climatique. Le projet suit le fleuve sur plus de 4000 km, de sa source dans l’Himalaya en Inde jusqu’à son delta dans la baie du Bengale au Bangladesh. Di Sturco explique: « Le personnage principal de mon histoire est une entité non humaine : une rivière. J’ai décidé de la traiter comme un être humain et de créer un flux qui documenterait la rivière comme si je documentais la vie d’une personne. J’ai pensé qu’il était significatif qu’en 2017, Mère Ganga ait été reconnue comme une entité vivante par la Haute Cour de l’Etat d’Uttarakhand. » Lorsque que le photographe commence à documenter le Gange en 2007, le fleuve est au bord d’une crise humanitaire et d’un désastre écologique, devenant ainsi une métaphore de l’approche conflictuelle de l’homme face à la nature, à la fois vénérée et profanée. L’utilisation du moyen format lui a permis de ralentir les choses, de se rapprocher de ses sujets et d’obtenir un haut niveau de détail et de précision des couleurs. Les clichés du livre combinent une réponse esthétique et picturale au teint et à l’atmosphère du Gange avec des éléments du détachement observationnel de la photographie documentaire. Les perspectives des vues panoramiques du livre montrent les structures construites par l’homme telles que les ponts ou l’architecture illégale d’extraction de sable, et font écho à la tradition de la peinture épique de paysage. Ces images sont combinées à des photographies prises sur les rives du fleuve, illustrant les effets de l’industrialisation à l’échelle humaine. Le livre de 136 pages comprend des textes de l’auteure et militante écologiste, le Dr Vandana Shiva, et du conservateur Eimear Martin. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books, ainsi que sur Amazon.com.

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IAN WELDON – I AM NOT A WEDDING PHOTOGRAPHER

À l’occasion de l’exposition I Am Not A Wedding Photographer de Ian Weldon à la Martin Parr Foundation de Bristol (du 26 juin au 10 août 2019), les éditions RRB Photoboooks publient un catalogue présentant une sélection des meilleurs clichés de mariage du photographe britannique. Weldon débute sa carrière photographique dans les mariages, ce qu’il considère à l’époque comme le bas de l’échelle des métiers de la photographie. Il était loin de se douter que, plus tard, il tournerait son objectif sur la cérémonie du mariage d’une manière complètement nouvelle et sincère. Rompre avec les conventions et se concentrer sur le concept même du mariage est devenu le défi du photographe. Les cérémonies sont ainsi devenu son propre projet artistique. « Voilà un photographe qui documente les mariages tels qu’ils sont : c’est-à-dire des réunions de famille plutôt comiques, où l’alcool coule à flots et les gens se lâchent » explique Martin Parr. Son travail souligne l’absurdité et le chaos des journées de mariage. « De manière générale, la vie est absurde et très chaotique. Les mariages amplifient cet aspect puisqu’ils forcent tout un groupe à passer du temps ensemble, imposent à tous de s’amuser et de faire bonne impression. En fait, c’est l’effervescence que j’aime bien. Ça donne de belles images » commente le photographe. Le livre de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks.

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