Category Archives: Art

CHRISTIAN WARLICH – TATTOO FLASH BOOK

Christian Warlich (1891 – 1964) était un tatoueur de Hambourg qui a professionnalisé le tatouage en Allemagne. Selon son propre témoignage, Warlich tatouait “tout ce que le corps masculin doit exprimer : politique, érotisme, athlétisme, esthétique, religion, dans toutes les couleurs, à tous les endroits”. En plus de 40 ans de travail comme tatoueur, il comptait plus de 50 000 clients, dont le prince Axel et le prince Viggo de la famille royale danoise. De renommée mondiale, son flash book est l’un des objets les plus convoités dans le monde du tatouage, et est aujourd’hui exposé au Musée de Hambourg. L’ouvrage est maintenant disponible dans cette nouvelle édition très réussie, publiée par Prestel, qui comprend plus de trois cents magnifiques dessins réalisés à la main par Christian Warlich au début des années 1900 et restaurés dans leur état d’origine. On y retrouve des représentations complexes de cow-boys et d’indiens, de dragons chinois et de geishas, de poignards, de serpents et de crânes japonais. Le livre de 66 pages contient également des photographies et d’autres documents d’archives, dont la plupart n’ont jamais été publiés auparavant, ainsi qu’une section écrite en anglais et allemand sur la vie et l’histoire de Warlich, qui permet de mieux comprendre l’importance de l’artiste dans l’histoire du tatouage. Tattoo Flash Book est maintenant disponible sur Amazon.com.

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VIEWPOINTS – PHOTOGRAPHS FROM THE HOWARD GREENBERG COLLECTION

À l’occasion de l’exposition “Viewpoints – Photographs from the Howard Greenberg Collection” (du 10 août au 15 décembre 2019), qui réunit certaines des photographies les plus marquantes et les plus influentes du XXe siècle, explorant le pouvoir transformateur de la photographie et son rôle dans la contribution à la mémoire collective, un catalogue très réussi est publié par le Museum of Fine Arts de Boston. Au cours du XXe siècle, la photographie a évolué en tant que forme d’art tout en servant de témoin oculaire du changement social, culturel et politique. Figure passionnée et avertie dans le domaine artistique, Howard Greenberg est un ancien photographe, un galeriste, un ardent défenseur des artistes et, par-dessus tout, un connaisseur qui a passé des décennies à constituer l’une des plus importantes collections de clichés des photographes les plus remarquables de l’époque. Les photographies vont des chefs-d’œuvre modernistes européens des années 1920 et 1930 à des œuvres socialement conscientes comme des témoignages visuels puissants de l’Amérique de la Dépression, des photographies de rue politiquement engagées, du photojournalisme de guerre et des représentations convaincantes de la vie afro-américaine des années 1930 par le mouvement des droits civils. Si l’exposition présente près de 150 clichés issus de la collection de Howard Greenberg récemment acquis par le MFA de Boston, le livre dévoile quant à lui une sélection de plus de 80 images significatives – dont beaucoup de tirages d’époque uniques – qui ont défini leur époque, et nous invite à jeter un nouveau regard sur les photographies célèbres de maîtres du medium tels que Berenice Abbott, Margaret Bourke-White, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Walker Evans, Robert Frank, Consuelo Kanaga, Dorothea Lange, Gordon Parks, Edward Steichen et Weegee. L’ouvrage de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne du Museum of Fine arts de Boston, ainsi que sur Amazon.com.

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SOPHY RICKETT – THE CURIOUS MOANING OF KENFIG BURROWS

Sophy Rickett est une artiste plasticienne originaire de Londres, travaillant avec la photographie et l’installation vidéo / sonore. The Curious Moaning of Kenfig Burrows, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Gost Books, s’inspire de la vie et de l’œuvre de Thereza Dillwyn Llewelyn, une artiste et astronome galloise peu connue, qui a exercé à la fin du XIXe siècle. À travers la photographie et le texte, Rickett retrace son cheminement vers la compréhension des archives tentaculaires et complexes de la famille Dillwyn Llewelyn. L’histoire de Thereza a été le point de départ du projet. Toutefois, dès le début, l’objectivité de son étude est corrompue par une approche idiosyncrasique, où les résultats des recherches originales menées à la British Library se mélangent avec des rencontres fortuites, des associations subjectives et des malentendus. Rickett tente d’établir des liens entre l’ancien monde victorien de Dillwyn Llewelyn et ses privilège, son utilisation de la photographie et sa propre expérience de la vie, du travail et de la photographie en Grande-Bretagne au 21e siècle. Le projet consiste en 41 œuvres photographiques, combinant des images prises à des endroits de la péninsule de Gower associés à la vie de Thereza Dillwyn Llewelyn, des œuvres en studio et d’autres images trouvées. Différentes histoires de Thereza Dillwyn Llewelyn, une pionnière de la photographie, émergent, ainsi que les structures à travers lesquelles elle a développé sa pratique. Dans ce livre, Rickett développe son intérêt pour les pratiques archivistiques et le fonctionnement de l’industrie du patrimoine, en mettant en scène certains repères par lesquels le passé est rendu visible. Le livre de 80 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books. Une édition spéciale limitée à 25 exemplaires signés par l’artiste et contenant un cliché numéroté et signé par le photographe est également disponible ici.

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PETER SAUL – POP FUNK BAD PAINTING AND MORE

À l’occasion de la grande rétrospective de l’œuvre de Peter Saul aux Abattoirs de Toulouse (du 20 septembre au 26 janvier 2020), la première consacrée à l’artiste pop en France depuis 1999, un très beau catalogue bilingue anglais/français a été édité par les éditions allemandes Hatje Cantz. L’artiste californien de 85 ans mélange avec humour Pop Art, Surréalisme, Expressionnisme Abstrait, culture funk de San Francisco et univers du cartoon. Ses toiles aux couleurs criardes, au dessin trash, portent un regard caustique sur la société de consommation et ses valeurs, sur les idoles planétaires (Superman), sur l’impérialisme américain (la guerre du Vietnam, la geôle d’Abu Ghraib), les inégalités sociales et la violence urbaine. Influencé par la bande dessinée et les graffitis, Saul développe une thématique violente, pornographique, scatologique et drôle dans un style qu’on dit (à tort) bâclé. Son œuvre est une fête de l’esprit et des sens que Dali lui-même appréciait. Cette figure majeure de l’underground américain, maître de la peinture de la satire et du sacrilège, met en lumière la face sombre du rêve américain. Le catalogue Pop, Funk, Bad Painting, and More couvre ainsi toute la carrière de Peter Saul depuis la fin des années 1950 jusqu’à aujourd’hui et rassemble avec une ampleur inédite près de quatre-vingt œuvres (peintures, arts graphiques, etc.), pour certaines inédites, ainsi qu’un ensemble d’archives. Le livre de 224 pages, comprenant des textes de John Yau, Annebelle Ténèze et de l’artiste lui-même, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hatje Cantz, ainsi que sur Amazon.com.

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MIKE KELLEY – TIMELESS PAINTING – NEW YORK

Au cours de ses quatre décennies de carrière, Mike Kelley (1954-2012) a produit une œuvre particulièrement hétéroclite dans toute une gamme de médias, mêlant ce qu’on appelle la haute culture et la basse culture, critiquant les conventions esthétiques dominantes et combinant les notions traditionnelles du sacré et du profane. Cette exposition intitulée Timeless Painting, organisée par la galerie new-yorkaise Hauser & Wirth en collaboration avec la Fondation Mike Kelley pour les arts, présente des peintures de différentes séries créées sur une période de 15 ans, entre 1994 et 2009, mettant en lumière l’ampleur de l’engagement de l’artiste dans le domaine de la peinture. Organisée par la conservatrice Jenelle Porter, l’exposition tire son titre et son point de départ conceptuel de la série qui a donné naissance à de nombreuses œuvres exposées, et dont “l’approche compositionnelle”, a déclaré Kelley, “doit être lue en dehors de l’influence du développement esthétique historique”. Rassemblant une douzaine d’œuvres dont The Thirteen Seasons, Cult Paintings et Missing Time Color Exercises, cette exposition met en lumière la remarquable exploration de la peinture en couleur de Kelley. Jusqu’au 25 janvier 2020 à la galerie Hauser & Wirth.

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TONY RAY-JONES

Tony Ray-Jones (1941-1972) a marqué l’histoire de la photographie indépendante britannique. Plaçant sa vision artistique au-dessus de toutes considérations commerciales, il a documenté son époque à la recherche de sujets décalés et saugrenus. Dans cette nouvelle monographie publiée conjointement par les éditions britanniques RRB Photobooks et la Fondation Martin Parr, son œuvre est replacée dans son contexte et l’évolution de la photographie dans les années 1960 est également abordée. Le livre se concentre sur des photographies prises entre 1966 et 1969, alors que Ray-Jones, motivé par sa curiosité, parcourait le pays pour documenter les coutumes sociales anglaises et ce qu’il considérait comme un mode de vie en voie de disparition. Ce corpus de photographies, petit mais distinct, s’inscrivait dans l’évolution de la photographie britannique, plaçant la vision artistique au-dessus du succès commercial. Au cours de cette courte période, Ray-Jones a réussi à établir un style personnel individuel. Il a construit des images complexes sur un fond typiquement anglais, où les espaces entre les composants de l’image étaient aussi importants que le sujet principal lui-même. Le photographe explique: « J’ai essayé de montrer la tristesse et l’humour dans la folie douce qui règne chez les gens. Les situations sont parfois ambiguës et irréelles, et les juxtapositions d’éléments apparemment sans rapport, et pourtant les personnes sont réelles. J’espère que cela contribue à créer un sentiment de fantaisie. La photographie peut être un miroir et refléter la vie telle qu’elle est, mais je pense aussi qu’il est peut-être possible de passer, comme Alice, à travers le miroir et de trouver un autre monde avec la caméra. » Les talents de Ray-Jones ont été mis à profit par une génération de photographes de rue qu’il a rencontrés alors qu’il vivait à New York au milieu des années 1960. Parmi ces photographes figuraient Garry Winogrand, Joel Meyerowitz et d’autres personnes associées au cercle du légendaire directeur artistique de Harpers Bazaar, Alexey Brodovitch. Leurs images définissaient l’époque car ils utilisaient la rue comme cadre. Ray-Jones a appliqué cette nouvelle façon de voir à son Angleterre natale et a photographié ses observations comme elles ne l’avaient jamais été auparavant. En 2012, Martin Parr, aux côtés du conservateur Greg Hobson, a revisité les planches contact de Ray-Jones de cette période et retrouvé des images inédites. Parr explique: « Tony Ray-Jones a été l’une de mes premières inspirations. Ses images m’ont montré comment il était possible de photographier mon propre pays. » Ces nouvelles découvertes sont publiées avec des images anciennes emblématiques, notamment des tirages d’époque de la collection de la Fondation Martin Parr. L’ouvrage de 128 pages, qui comprend un essai de Liz Jobey et une introduction de Martin Parr, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks.

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MICHAEL KENNA – BEYOND ARCHITECTURE

Les photographies du britannique Michael Kenna, exclusivement en noir et blanc, sont des tirages de petit format d’une grande finesse, dont les virages subtils leur confèrent une poésie singulière. Quel que soit le continent qu’il parcourt, l’artiste s’attache essentiellement aux paysages sauvages et aux représentations urbaines vides de toute présence humaine. Les éditions britanniques Prestel publient aujourd’hui Beyond Architecture, une superbe sélection de clichés pris par le photographe au cours des quarante-cinq dernières années. Michael Kenna est considéré comme l’un des photographes les plus accomplis travaillant aujourd’hui. Ce livre retrace son œuvre dans le domaine de la photographie architecturale, en montrant comment son approche de l’environnement bâti oriente son style, qu’il s’agisse de capturer des structures naturelles ou humaines. Page après page, le livre crée des dialogues entre les images pour montrer comment Kenna applique la lumière, l’ombre, la composition et la perspective à des effets similaires dans différents contextes. L’approche curative astucieuse d’Yvonne Meyer-Lohr nous aide à comprendre comment le photographe se déplace habilement entre les techniques, s’il capte le réseau de câbles sur un pont suspendu, les bijoux scintillants d’un paysage urbain nocturne, ou la silhouette hantée d’une tour d’usine. Avec ces travaux s’affermit aussi le principe de la construction par projets, de la série travaillée sur le long terme dans la profusion des prises de vue. « La première fois, je commence par l’extérieur et je fais les photos les plus évidentes ; la seconde fois, j’y regarde d’un peu plus près. Les images deviennent plus intéressantes ; la troisième fois, le défi est plus important, et à chaque occasion successive les images gagnent en force, bien qu’elles soient de plus en plus difficiles à obtenir. » Kenna nous montre le paysage comme un moment d’un lieu, où s’exercent des forces esthétiques. Pour un artiste enclin à la solitude et au silence, photographier New York et les grandes mégapoles en cours d’édification peut confiner au masochisme. Mais Kenna veut nous montrer, dans l’urbain, le justement nommé tissu : chaîne, trame, matière, moires, éclats, lignes, franges, motifs, sutures, trous… Sensuel et tactile, organique. Accompagné d’essais éclairants signés Yvonne Meyer-Lohr, cet imposant volume offre un regard complet sur un photographe brillant dont le dévouement à l’art et la technique le distingue de ses contemporains. Le livre de 384 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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BRUCE GILDEN – LOST AND FOUND

Le photographe new-yorkais Bruce Gilden (voir notre interview de 2016 ici), membre de l’agence Magnum depuis 1998, présente ce mois-ci Lost and Found, un nouvel ouvrage publié par les Éditions Xavier Barral. À la suite d’un déménagement, Gilden découvre dans ses archives personnelles des centaines de pellicules et de négatifs d’un travail réalisé à New York, sa ville natale, entre 1978 et 1984. Parmi ces milliers d’images inédites qu’il n’avait pour la plupart jamais vu lui-même, Gilden en a sélectionné une centaine. Émanant du désir de revisiter son œuvre de jeunesse, cette archive historique, qui refait surface quarante ans plus tard telle la Valise Mexicaine, constitue un trésor inestimable. Il s’y dessine le portrait d’un New York, sa ville natale, hors du temps et dévoile par ailleurs un pan inconnu du travail de Gilden. Dans le plein élan de la trentaine, il s’était alors lancé sans flash (avant de devenir célèbre pour son usage quasi systématique) à l’assaut des New Yorkais, dans une ambiance visiblement tendue qui ne l’empêchait pas de bondir à un rythme frénétique sur ce que cette scène, à la fois familière et exotique, avait à lui offrir. Dans cette extraordinaire galerie de portraits, les compositions, la plupart horizontales, bouillonnent d’énergie et débordent de personnages les plus divers, comme si le photographe entendait inclure dans le cadre tout ce qui attirait son oeil. Dans Lost & Found, on perçoit déjà le fil conducteur du travail qui rendra Bruce Gilden célèbre : un mouvement et une tension continus, une fougue sans pareil, une affection instinctive et irrévérencieuse pour ses sujets – en parfaite connivence avec sa ville. L’entretien qui accompagne les photographies, réalisé par son épouse Sophie Darmaillacq, explore la construction du photographe à travers son histoire personnelle mais aussi ses influences et son rapport aux autres. Ce magnifique livre de 176 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Xavier Barral. À l’occasion de la sortie de cette nouvelle monographie, une édition de tête comprenant l’ouvrage signé sous coffret et un tirage argentique, numéroté de 1 à 30 et signé par l’artiste, est également disponible ici.

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TAKASHI MURAKAMI – BAKA – PARIS

Takashi Murakami revient à la galerie Perrotin de Paris trois ans après son exposition Learning The Magic Of Painting (voir les photos ici). Cette exposition, intitulée Baka, présente une vingtaine d’œuvres dans la salle de bal de la galerie, au 60 rue de Turenne. La grande salle est consacrée à Mr. DOB, le personnage iconique crée par l’artiste en 1993. Pour cette exposition, l’artiste a créé six nouveaux portraits de Mr. DOB en shaped canvas, des toiles dont les châssis épousent la forme du personnage. Au centre de la pièce, une sculpture centrale de 1,5 m de haut représente le même personnage en pied. Accompagnant Murakami dans ses questionnements existentiels, le personnage de DOB a développé une psychologie complexe jusqu’à devenir un avatar de l’artiste. En contrepoint des portraits de Mr. DOB, l’artiste a également réalisé deux autoportraits en shaped canvas se représentant avec humour sous les traits de sa propre caricature. Dans la pièce attenante à la salle de bal, l’artiste présente pour la première fois la sculpture Devil Ko2, qui s’inscrit dans la suite de ses sculptures manga hyper-sexualisées réalisées à taille humaine. A côté de la sculpture est présentée une photographie de Takashi Murakami réalisée aussi en 2004 montrant une jeune femme sous le costume de Devil Ko2. Il mettra plus de 10 ans pour finaliser l’œuvre définitive présentée dans l’exposition. Au niveau inférieur, le visiteur découvre un autre aspect de son travail inspiré de la peinture traditionnelle japonaise. Deux grandes peintures de près de 10 mètres de long et trois tondo représentent sobrement, dans des tons bleus monochromatiques sur fond clair, des poissons dans un univers aquatique. Montrée pour la première fois en France, cette récente série des Fish Paintings, s’inspire d’un motif original peint sur un vase datant de la dynastie chinoise Yuan (vers 1206-1368). Dans ces œuvres l’iconographie ancienne se mêle aux souvenirs d’enfance de l’artiste : des promenades en bord de rivière avec son père et la contemplation des pécheurs de carpes. Jusqu’au 21 décembre 2019.

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GAO SHAN – THE EIGHTH DAY

Gao Shan est un photographe chinois qui a été adopté huit jours après sa naissance. Le projet The Eighth Day, dont le livre est aujourd’hui publié par les éditions Imageless, est né de son désir de se rapprocher de sa mère adoptive. Bien qu’ils partagent un appartement d’environ soixante-dix mètres carrés, le photographe reconnaît que sa relation avec sa mère a été étonnamment distante. Celle-ci se caractérise par la froideur et l’indifférence, selon l’épilogue du photographe. Sa mère s’acquitte des tâches et des devoirs fondamentaux d’un parent, mais sans expression émotionnelle. Ce n’est que récemment qu’il a commencé à la considérer comme plus qu’une simple présence dans sa vie. Gao documente ainsi de façon obsessionnelle les détails quotidiens de la vie de sa mère et l’espace qu’ils partagent, se concentrant sur des détails comme une grenade à moitié mangée, une bouilloire qui bout, et le dos large de sa mère. Dans sa série, il utilise l’appareil photo non pas pour l’observation à froid, mais comme un outil actif dans leur relation. Les images qui en résultent sont des fragments visuels étranges, mais intimes, d’une relation qui sont inexplicablement émouvants. Ce document photographique intime et émotionnel, qui fait appel à la fois au cœur et à l’esprit du spectateur, s’est imposé il y a quelques jours comme lauréat du Prix du premier livre photo de l’année 2019 décerné par Paris Photo – Aperture Foundation. Il fait également désormais parti de la collection Fondation Cartier pour l’art contemporain. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, l’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions chinoises Imageless.

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RAYMOND PETTIBON – FRENCHETTE @ DAVID ZWIRNER PARIS

La galerie David Zwirner inaugure sa nouvelle adresse à Paris avec une exposition personnelle de Raymond Pettibon intitulée Frenchette. Pour sa première grande rétrospective parisienne, l’artiste américain dévoile un vaste ensemble de dessins et de toiles qui embrassent plusieurs des thèmes qui lui sont chers: joueurs de baseball, surfers, Gumby, scènes de films noirs, etc. Les fragments de textes manuscrits de l’artiste permettent divers degrés d’interprétation des œuvres: politique, humoristique, ironique… Jusqu’au 23 novembre 2019.

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MARK POWER – GOOD MORNING, AMERICA (VOLUME TWO)

Au cours de ces six dernières années, le photographe Mark Power – membre de la célèbre agence Magnum depuis 2007, a parcouru les États-Unis pour créer le récit visuel complexe d’un pays en pleine mutation. Publié par les excellentes éditions britanniques Gost Books, ce nouveau livre, Good Morning, America (Volume Two), poursuit l’exploration personnelle et pertinente du paysage naturel et culturel américain, et de la divergence entre la réalité et le mythe. Depuis l’achèvement du premier livre (voir ici), Power s’est rendu dans des régions rurales où l’agriculture est l’industrie dominante, des grandes plaines du Dakota et du Montana aux territoires enneigés du Pacifique Nord-Ouest. Il s’est également rendu à la frontière californienne avec le Mexique et est retourné dans la Rust Belt – cette région plus complexe sur le plan politique. Alors que les livres sont publiés au fur et à mesure du développement du projet, et que l’artiste réalise fréquemment de nouveaux voyages, les photographies de cette série ne sont organisées ni géographiquement, ni par sujet. Au lieu de cela, Good Morning, America (Volume Two) continue l’exploitation d’images réalisées au tout début du projet en 2012, en même temps qu’il contient des images plus récentes de ces derniers mois. Le photographe britannique explique: “J’ai l’impression profonde d’assembler un grand puzzle compliqué, sans avoir la moindre idée de ce que sera la photo finale. Néanmoins, les États-Unis continuent de me fasciner et de me frustrer dans une égale mesure… au fil des décennies, j’ai appris que séparer un projet – en l’occurrence ici, l’Amérique – en ” microsujets ” uniques ne me convenait pas. Au lieu de cela, je continue de réaliser des clichés sur de nombreux sujets qui me semblent être interconnectés. Je dirais que c’est la partie la plus facile ; il est plus compliqué de donner un sens à ce que je fais, en transformant un ensemble déjà écrasant d’œuvres en séquences qui commencent à parler de ce que j’ai vu”. Publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books. Une édition spéciale limitée à 100 exemplaires signés par l’artiste et contenant un cliché numéroté et signé par le photographe est également disponible ici.

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