Category Archives: Art

CHLOE SELLS – FLAMINGO

À l’occasion de sa première exposition de l’artiste américaine Chloe Sells à Paris (The Form that Strength has Left à la galerie Next Level), qui réunit un ensemble inédit de ses nouvelles œuvres photographiques, les éditions GOST Books publient Flamingo, sa seconde monographie. La ligne d’horizon, qui scande chaque photographie, symbolise ici le cycle de la vie et son éternel recommencement: naître et mourir. Toutefois loin d’être vertueux, ce cycle peut parfois les faire coïncider et c’est d’après son intime expérience que Chloe Sells nous en livre cette nouvelle série d’images. Si l’approche méditative n’en est que plus forte, l’expérience physique pour le regardeur est d’autant plus prégnante; ses manipulations à la chambre noire apportant indubitablement une nouvelle perspective aux paysages qu’elle photographie. L’artiste nous livre ainsi une interprétation colorée et émotionnelle de chaque paysage photographié. Sells dit que ses photographies interprètent les lieux comme un souvenir ou comme l’évocation d’un sentiment « Je peux les sentir et les ressentir. Sentir l’air, ressentir la lumière. » Chloe Sells partage son temps entre le Botswana, où elle photographie à la chambre grand format, et Londres, où elle développe et traite elle-même ses images. Chaque photographie est unique de par ses nombreuses manipulations et expérimentations en chambre noire: la superposition de la lumière, d’écrans, de formes, de tissus à maille ajourées et mouvements du papier sont délicatement combinés par l’artiste au moment de l’impression, apportant rythme, mystère et enchantement à ses images. En parallèle, elle intervient parfois à la main et redessine sur certaines de ses images ses propres recherches en chambre noire. Les œuvres de Chloe Sells sont indéniablement picturales et immédiates. Ce nouveau corpus d’œuvres confirme l’attachement de l’artiste à un territoire, les marais salants de Makgadikgadi au Botswana, et relate un nouveau récit, à la fois profond, contemplatif et autobiographique. Sells apporte à ses images ce que l’appareil photo ne peut capter par ses manipulations à la chambre noire. Son attachement au processus analogique nous rappelle que même les méthodes les plus traditionnelles peuvent repousser les limites du médium photographique. Les découpures intérieures, présentes sur chacune des 72 pages de Flamingo, permettent au lecteur d’interagir avec les photographies et de se créer sa propre expérience artistique. Ce très bel ouvrage dont la couverture est déclinée en six versions différentes, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques GOST Books publient Flamingo, ainsi que sur Amazon.com.

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DAN COLEN – SWEET LIBERTY

À l’occasion de la première grande rétrospective londonienne de l’artiste américain Dan Colen, Sweet Liberty, du 4 octobre 2017 au 28 janvier 2018 à la Newport Street Gallery, les éditions Other Criteria publient un superbe catalogue de l’exposition qui présente plus d’une quinzaine d’années de travaux, ainsi que des œuvres récentes et de grandes installations. À coté de ses œuvres de jeunesse significatives telles que Me, Jesus and the Children (2001–2003) – une peinture photoréaliste de la poitrine de l’artiste, recouverte de chérubins dessinés et de bulles flottantes – , l’exposition passe en revue les toiles de ses célèbres séries Gum et Trash. Dans la première, des taches de chewing-gum aux couleurs vives – habituellement uniquement visibles dans la bouche des autres ou collés à la semelle des chaussures – sont appliquées sur la toile en guise de peinture. Les œuvres de la série Trash incorporent quant à elle des déchets et des objets éphémères abandonnés, semblables à ceux qu’on peut trouver entassés dans la rue. L’exposition présente également quatre installations, dans lesquelles Colen continue de s’approprier et de détourner l’imagerie des médias de masse mondialisés et des sous-cultures américaines. Dans ces installations, les interrogations de Colen sur la masculinité et l’individualité sont mis en évidence. Le machisme usé et gonflé du rêve américain est mis à nu pour révéler un malaise existentiel profondément enraciné. À la fois spirituel, choquant, poignant et nihiliste, l’art de Dan Colen dresse un portrait sans concession de l’Amérique contemporaine. Avec une préface signée Damien Hirst et Hugh Allan, des essais de Francesco Bonami et de Blair Hansen, et une interview de Colen réalisée par l’artiste Ali Subotnick, Sweet Liberty est une fois de plus une grande réussite de la maison d’édition de Damien Hirst, Other Criteria. Le livre de 200 pages est maintenant disponible sur leur boutique en ligne ainsi que sur Amazon.com.

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JEAN-MICHEL BASQUIAT – BOOM FOR REAL

Du 21 septembre 2017 au 28 janvier 2018, la Barbican Art Gallery de Londres accueillait Boom For Real, la première grande rétrospective de Jean-Michel Basquiat sur le sol britannique. Cette dernière est articulée autour d’une centaine d’œuvres de l’artiste – dessins, collages, peintures, carnets -, mais aussi de nombreuses photographies, films, mélodies et autres archives rares qui ramènent le visiteur dans le New York de la fin des années 70. La ville est alors au bord de la faillite financière, la criminalité a doublé en dix ans, le nombre de viols a triplé. En 1978, son ami Al Diaz et lui tagguent les murs, portes et ascenseurs d’un espace urbain déliquescent, y apposent la première marque de fabrique de Basquiat: SAMO ©, comme Same Old Shit. Il a ensuite travaillé sur des collages, des photocopies, des cartes postales qu’il vend $1 aux visiteurs qui font la queue devant le MoMA, des performances et de la musique, avant d’être considéré comme l’un des peintres les plus importants de sa génération. Accompagnant cette formidable exposition, qui s’installe à partir du 16 février 2018 au musée Schirn Kunsthalle de Francfort, ce catalogue contient de très beaux essais qui replacent l’œuvre de Jean-Michel Basquiat dans un contexte historique artistique plus large et analysent sa carrière à travers le prisme de la performance. Six chapitres thématiques offrent de nouvelles recherches sur l’artiste, avec des essais du poète Christian Campbell sur SAMO ©; le conservateur Carlo McCormick sur New York et la scène New Wave; l’écrivain Glenn O’Brien sur la scène downtown; l’universitaire Jordana Moore Saggese sur la relation qu’entretenait Basquiat avec le cinéma et la télévision; et enfin un spécialiste de la musique, Francesco Martinelli, sur l’obsession de l’artiste pour le jazz. Cette nouvelle étude approfondie de la vie et de l’œuvre de Jean-Michel Basquiat comprend également des documents d’archives rares et de nombreuses photographies aux légendes détaillées, démontrant que son héritage demeure plus puissant et pertinent que jamais. Publié par les éditions britanniques Prestel, ce très bel ouvrage de 296 pages est maintenant disponible sur Amazon.com.

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ED & DEANNA TEMPLETON – CONTEMPORARY SUBURBIUM

Ancien skateur professionnel et fondateur de la marque Toy Machine, Ed Templeton est aussi artiste et photographe, comme sa femme Deanna. Ensemble, ils capturent les banlieues californiennes dans des photographies en noir et blanc, saisissant sans fard l’essence du mode de vie à l’américaine : les garage-sales devant la maison, les concours de beauté pour enfants, les autoroutes linéaires à 8 voies traversant le paysage, les adolescents errant à Venice Beach… Publié par les éditions Nazraeli Press (Royaume-Uni, États-Unis), Contemporary Suburbium est une méditation photographique sur la vie dans la banlieue du comté d’Orange, en Californie – plus précisément, Huntington Beach, ville balnéaire proche de Los Angeles. Autrefois parsemé d’orangers, de forages pétrolier et de maisons de vacances destinées aux plus aisés, Huntington Beach est désormais l’une des destination estivales les plus populaires pour les vacanciers américains, et les anciennes villas ont peu à peu été remplacées par de grandes maisons familiales à trois étages. Les photographies présentées dans ce nouveau livre offrent un regard inattendu sur les habitants de ce bastion traditionnellement conservateur: ses touristes de passage, sa jeunesse en colère, ses chanceux et ses moins chanceux… Se parcourant comme deux nouvelles distinctes imprimées recto-verso, Contemporary Suburbium dévoile une vision réaliste et romantique de la Californie du Sud et du XXIe siècle dans sa propre adolescence. Contenu dans une pochette plastifiée, ce très beau livre accordéon reprend ainsi une centaine de leurs photographies, dans une mise en page des plus originales et réussies. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Nazraeli Press, ainsi que sur Amazon.com.

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MEDICOM VCD JEAN-MICHEL BASQUIAT & KEITH HARING

Après Andy Warhol, Medicom continue de rendre hommage aux plus grands artistes new-yorkais pour sa ligne VCD. La marque japonaise propose cette fois deux nouvelles figurines en plastic souple à l’effigie de Jean-Michel Basquiat et Keith Haring. Elles mesurent chacune environ 240 mm et sont disponibles dès maintenant au Japon.

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GIORGIO DI NOTO – THE ICEBERG

The Iceberg, nouvelle publication sous coffret du photographe italien Georgio di Noto, rassemble une sélection d’images d’archives et de photographies provenant de publicités issues de sites spécialisés dans la vente de stupéfiants sur le darknet. Imprimées à l’encre invisible, les images ne peuvent être vues à l’œil nu et nécessitent l’emploi d’une lampe de poche ultraviolette, incluse avec l’ouvrage. Internet peut être considéré comme un iceberg : la pointe émergée est ce que l’on appelle le Web surfacique, le terrain numérique que nous connaissons et sur lequel nous naviguons au moyen des moteurs de recherche, des réseaux sociaux, etc. La partie submergée, environ 90% de l’iceberg, est ce que l’on appelle le Web profond : un réseau crypté et en constante évolution, garantissant l’anonymat total, hors de portée des instruments de recherche traditionnels. Ce darknet est un no man’s land sans loi, accessible uniquement à l’aide de logiciels spécifiques. Intraçable, il est le lieu de prolifération des activités illicites, et notamment de contrebande. Les photographies présentes dans ce volume – publié par les éditions allemandes Edition Patrick Frey – tirées des sites de ventes de produits illicites présents sur le Web profond, ne peuvent être vues que sous une lumière ultraviolette – la même utilisée par les brigades des stupéfiants pour déceler les traces de drogues. Beaucoup de ces photographies, souvent prises par les vendeurs eux-mêmes en utilisant de petites caméras ou des smartphones, semblent à la fois surréalistes et abstraites en raison de l’esthétique colorée et exotique de la marchandise, d’une part, et de la mauvaise qualité des photographies. Uploadées anonymement et conçues pour disparaître automatiquement, ces images ne sont pas traçables ou visibles sur le web traditionnel; elles mènent une existence transitoire exclusivement sur le Dark Web. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey.

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MORTEN ANDERSEN – COUNTRY.ROCK

Morten Andersen est l’une des figures emblématiques de la photographie en Norvège. À travers la publication de 21 ouvrages de photographie et de nombreuses expositions, il nous fait découvrir sa vision parfois sombre de l’humanité. Le photographe de 52 ans témoigne de son environnement et s’exprime en créant ses propres histoires d’existence quotidienne, de mondes étranges, de nature silencieuse et de personnages inhabituels. Son œuvre occupe un espace unique entre l’objectif et le subjectif, l’illusoire et le réel. En tournant son objectif vers de vrais lieux et de vraies personnes, il soulève aussi des questions culturelles, historiques et politiques. Publié par les éditions norvégiennes Teknisk Industri, Country.Rock est l’aboutissement de plusieurs voyages dans le nord de la Norvège, sur une période de 3-4 ans. Andersen explore la nature difficile et la vaste campagne préservée qui contraste avec les petites communautés éloignées de la région. L’artiste adopte une approche non conventionnelle de la photographie documentaire, situant les images de ce nouvel ouvrage dans le contexte d’un récit post-apocalyptique inspiré de la science-fiction. Dans l’avenir imaginé d’Andersen, un événement catastrophique a rendu les centres urbains inhabitables. Les survivants, pour la plupart des jeunes, ont migré vers le nord, créant de nouvelles communautés et développant de nouvelles façons de vivre. Le Nord est conçu comme un refuge contre les échecs politiques et sociaux du passé; une page blanche pour construire un avenir radicale, post-capitaliste. Le terrain froid et enneigé semble être épargné par l’activité humaine. Des figures uniques se mêlent à la vaste distance brumeuse dans des compositions qui rappellent la peinture romantique du XIXe siècle. Les prises de vues originales et sublimes de la nature contrastent avec la spontanéité et l’énergie du Festival de Karlsøy à Troms. L’île elle-même est considérée comme un refuge pour les radicaux, les artistes et les hippies depuis les années 1970. Dans ces images, les gens se rassemblent et font la fête sous le soleil de minuit. Pour Morten Andersen, le festival est la métaphore d’un modèle possible pour une société future. Country.Rock est un livre sur l’évasion des échecs politiques et sociaux de notre temps, mais aussi sur les mythes, les rêves et la nature. Le paysage peut être sombre et difficile, mais il y a de l’espoir pour l’avenir dans la beauté et la liberté. Le livre de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Teknisk Industri.

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NICK JASKEY – SIGNS OF LIFE

Nick Jaskey est né à Royal Oak, au Michigan en 1982. Il vit et travaille à Detroit depuis 2001. Jeune adolescent, il passe son temps à skater et a explorer sa ville. Il découvre alors naturellement des univers aussi variés que le graffiti, l’art et la photographie. Le graffiti l’a amené à prendre conscience des particularités de la couleur et de la composition qui passent inaperçues dans nos vies quotidiennes. Suite au succès de son compte Instagram (@nickvision), Nick Jaskey publie aujourd’hui un livre, Signs of Life, composé d’une sélection de photos réalisées durant ces 15 dernières années, toutes prises dans la ville de Detroit et sa proche banlieue. Dans ce dernier, l’artiste capture quelques-unes des pièces les moins analysées du paysage post-industriel souvent photographié de Motor City. Alors que de nombreux projets photographiques concernant Detroit se concentrent uniquement sur les bâtiments délabrés, les maisons abandonnées et les voitures en panne, Jaskey pointe son objectif sur la beauté de la communauté humaine qui a décidé de rester, sans pour autant photographier les habitants. Il regarde plutôt les messages écrits sur les murs, les fresques murales réalisées sans budget, les vieux pneus superposés, les ordures empilées d’une certaine manière, et qui semble exprimer, intentionnellement ou non, un message. Il documente les signes littéraux et figuratifs de la vie à Detroit, une ville qui conserve sa force et sa résilience face aux changements économiques dévastateurs. Et pourtant, Jaskey ne cherche nullement à insuffler un nouveau souffle à la ville à travers son œuvre. Il se concentre sur une humanité réelle, incommensurable, non monétisable, telle qu’elle se trouve dans les parties de la ville qui ont existé et continueront d’exister, en dehors de l’œil national ou international. L’artiste californien Barry McGee (voir sa dernière exposition ici), ami de longue date de Jaskey, réalise la préface du livre et commente: “Les images recueillies ici explorent le fait que nous, en tant qu’êtres humains, sommes un produit de notre environnement, et que notre environnement est aussi un produit de nous … une civilisation qui a mal tourné.” Signs of Life, auto-publié par l’artiste dans une édition limitée de 535 exemplaires, est maintenant disponible en exclusivité sur la boutique en ligne de Nick Jaskey.

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LE CORBUSIER – THE COMPLETE BUILDINGS

En 2010, le photographe Cemal Emden s’est mis à documenter tous les bâtiments conçus par Charles-Édouard Jeanneret-Gris, plus connu sous le pseudonyme de « Le Corbusier ». Voyageant à travers trois continents, Emden a photographié les 52 bâtiments qui sont encore existants. Chaque bâtiment est présenté dans ce livre et est capturé à partir d’angles multiples, avec des images révélant leurs détails extérieurs et intérieurs. Cette visite de chacun des bâtiments de Le Corbusier à travers le monde représente l’archive photographique la plus complète du travail de l’architecte. Ces photographies sont accompagnées par des textes rédigés par des architectes et des experts de premier plan, dont les commentaires sont aussi fascinants et variés que les bâtiments eux-mêmes. De l’ancienne Villa Vallet, construite en 1905 en Suisse – sa première réalisation entant que jeune architecte alors qu’il n’a que 18 ans, à son Unité d’Habitation révolutionnaire de Marseille, achevée en 1947, cet ambitieux projet présente l’intégralité et la diversité de la production architecturale de Le Corbusier. Visuellement saisissant et extrêmement complet, il plaira aux nombreux fans de l’architecte, ainsi qu’à tous ceux qui s’intéressent aux fondations de l’architecture contemporaine. Publié par les éditions britanniques Prestel, ce très bel ouvrage de 320 pages est maintenant disponible sur Amazon.com.

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ANTOINE D’AGATA – AKA ANA

Aka Ana, après le film éponyme sorti en 2008, raconte la relation du photographe français Antoine d’Agata avec le Japon, au travers de rencontres avec des prostituées. Membre de l’agence Magnum depuis 2004, le photographe marseillais étudie d’abord la photographie à l’International Center of Photography de New York en 1990, où il suit les cours de Larry Clark et de Nan Goldin. En décalage avec la notion de témoignage, le travail d’Antoine d’Agata développe une posture exigeante et subversive, dont le rapport au sexe et à différentes drogues ont pu déranger certains. Mais ces plongées dans la nuit humaine ne doivent pas nous tromper, et masquer son incroyable attention aux événements de l’histoire, ainsi que sa très grande humanité. Le livre, publié par les éditions japonaises Akaaka Art Publishing sous la direction d’Hikari Machiguchi, emprunte la forme du journal intime. Il présente les clichés réalisés pendant les quatre mois qu’Antoine d’Agata a passé au Japon, de septembre à fin décembre 2006. Parcourant l’ordure du monde dans les plus bas des bas fonds, ici dans les bordels, chambres de passe miteuses, les lieux d’orgie et autres boites de strip-tease, le photographe se raconte lui-même en essayant de saisir l’autre, l’interlocutrice, le corps qu’il étreint de son sexe ou de sa caméra. Antoine d’Agata déclare : « Mon projet photographique est une prise de conscience autobiographique. Je documente ce que je vis pendant que je le vis, dans l’impossibilité d´exister hors de la photographie qui s’est greffée sur mes peurs et mes désirs, et s’en nourrit comme d’une chair vivante. » L’ouvrage de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Akaaka Art Publishing.

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TEN PRINCIPLES FOR GOOD DESIGN: DIETER RAMS

Ten Principles for Good Design: Dieter Rams est le nom de la nouvelle monographie de l’un des plus grands designers du XXe siècle, Dieter Rams, auteur de mobilier et d’objets d’électroménager qui ont révolutionné notre quotidien. Pendant 40 ans, de 1955 à 1995, Dieter Rams a conçu ou supervisé la conception de plus de 500 produits pour le fabricant allemand d’électronique Braun, ainsi que du mobilier pour Vitsoe. Radios, calculatrices, rasoirs électriques ou mobiliers ne sont là que quelques-uns des produits créés par Dieter Rams, chacun d’eux occupant une place particulière dans l’histoire du design industriel et font de lui l’un des designers les plus influents de la fin du 20e siècle. Fidèle au principe “moins, mais mieux», son langage visuel à la fois clair et élégant a défini non seulement la conception de produits pour de nombreuses générations, mais aussi notre compréhension fondamentale de ce qu’est le design et ce qu’il peut et doit faire. La philosophie de Dieter Rams peut se résumer en dix règles du design qu’il créa il y a plus de trente ans. Parfois surnommés “les dix commandements”, ces derniers sont aujourd’hui tout aussi pertinents: tout bon design est innovateur, fournit une utilité à chaque produit, est esthétique, rend un produit compréhensible, est discret, est honnête, a une valeur à long terme, conçoit chaque détail avec une précision exhaustive, est respectueux de l’environnement, est minimaliste. Publié par les éditions britanniques Prestel, cet ouvrage de 416 pages est l’occasion d’en savoir plus sur l’œuvre de Dieter Rams à travers des images de plus d’une centaine de ses objets issus de la fantastique collection de Jorrit Maan, quelques-uns de ses croquis, maquettes, prototypes, photos d’équipes, etc. En plus de cette riche présentation visuelle, le livre contient quelques essais d’experts internationaux du design (Cees W. De Jong, Klaus Klemp, Erik Mattie) qui expliquent comment certains objets ont été conçus, décrivent la qualité intemporelle de son œuvre, et la placent dans un contexte contemporain. Ce très beau livre, qui ravira tous les amateurs de design, est maintenant disponible sur Amazon.com.

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BARRY MCGEE – SOLO EXHIBITION @ CHEIM & READ – NEW YORK

La galerie new-yorkaise Cheim & Read présente depuis jeudi dernier la nouvelle exposition personnelle de Barry McGee. Pour sa deuxième exposition au sein de la galerie, l’artiste californien dévoile une sélection de ses nouvelles pièces, toutes conçues dans son studio de San Francisco: toiles, céramiques, planches de surf, tables de zines, cluster paintings, bouteilles, ainsi que quelques très belles installations. Jusqu’au 17 février, à la galerie Cheim & Read (547 West 25th Street – New York. NY 10001).

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