Category Archives: Art

DANNY FOX – BROWN WILLY

Danny Fox est un artiste autodidacte né dans la ville portuaire de St.Ives dans les Cornouailles (Angleterre). Bien qu’ayant quitté la ville il y a plusieurs années pour s’installer à Los Angeles, les origines cornouaillaises de Fox restent présentes dans son travail. La représentation de ses personnages est influencée par une variété de sources allant des publicités de whisky écossais d’époque à la peinture post-impressionniste en passant par la portraiture de la British East India Company. Dans sa peinture, l’artiste explore les profondeurs de la figuration, distillant ses personnages et son iconographie à travers un processus de création rigoureux. Chaque composition devient une histoire en soi à travers une pratique picturale qui enfouit les premières étapes de la surface de la toile et l’imagerie qui en résulte sous les couches d’acrylique. À l’occasion de sa nouvelle exposition personnelle Brown Willy cet hiver à la galerie Saatchi Yates de Londres, un très beau catalogue a été publié. Dix-huit des peintures de Danny Fox réalisées entre 2020 et 2021 sont illustrées en couleur dans l’ensemble de l’ouvrage, ainsi que deux sculptures, trois pots en céramique et des dessins inédits de l’artiste. Ses toiles rythmées mettent en scène des héros improbables du 21e siècle. Ses sujets ne reculent jamais devant la tragédie, les promesses, la chaleur, la violence et le sexe. Parmi tous ces éléments, on retrouve une vision lyrique, mais fragmentée. Cette série de nouvelles toiles s’inspire du retour de Fox en Cornouailles et de l’histoire des peintres de St Ives, tels que Ben Nicholson et Alfred Wallis. Ses œuvres intègrent les bâtiments locaux, les bars, les habitants et le folklore, évoquant des scènes sauvages et merveilleuses de la côte britannique, d’une manière lucide et narrative. L’influence consciente et la connaissance approfondie de la vie à St Ives sont toujours présentes. Les peintures montrent la fascination de Fox pour l’histoire du portrait, non seulement d’une ville et de ses habitants, mais aussi de l’autoportrait et du rôle de l’artiste en tant que figure du mythe, de la légende et peut-être même de la fiction. Un chef de secte, un séducteur, un père et un faux prophète constituent quelques-uns des personnages tourmentés de Fox dans cette série. Sous leur charme folklorique, ils relancent le débat sur ce qui caractérise la figuration contemporaine. Le catalogue, qui comprend un essai de Rachel Campbell-Johnson, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Saatchi Yates.

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TAIYO ONORATO / NICO KREBS – FUTURE MEMORIES

Tous deux nés en 1979, Taiyo Onorato et Nico Krebs se sont rencontrés dans le cadre de leur formation en photographie à l’Université de Zurich. FUTURE est une série de cinq ou six publications des deux photographes qui seront publiées aux éditions Patrick Frey au cours des prochaines années. Les différents chapitres de la série seront publiés de manière continue, mais pas selon une planification ou un calendrier basé sur le contenu. L’idée est de réagir rapidement à l’actualité et aux sensibilités et de publier les résultats rapidement. Le premier volet de la série FUTURE, intitulé FUTURE MEMORIES, explore la manière dont nos conceptions de l’avenir ont évolué au cours des dernières décennies, comment cela affecte notre perception du présent et nos réactions aux changements à venir. Recréées par Taiyo Onorato et Nico Krebs pour la plupart à partir de documents d’archives, les images de ce livre constituent une exploration matérielle du fait que toute vision ou illustration de l’avenir est forcément un collage d’images tirées du passé. En utilisant une combinaison de photographies analogiques grand format et de diverses technologies laser à commande numérique, les artistes ont créé un univers visuel qui fait des allusions à la science-fiction et adopte une approche associative d’un monde émotionnel qui oscille entre l’optimisme de l’enfance des artistes et le dystopisme de l’époque actuelle. Le livre de 72 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suisses Edition Patrick Frey.

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ALEJANDRO CARTAGENA – SUBURBAN BUS

Le photographe mexicain Alejandro Cartagena vit et travaille à Monterrey, au Mexique. Ses projets utilisent le paysage et le portrait comme un moyen d’examiner les questions sociales, urbaines et environnementales. Après le succès de Carpoolers (voir ici), Cartagena publie Suburban Bus aux éditions The Velvet Cell. Entre 1993 et 2004, Alejandro Cartagena faisait presque quotidiennement l’aller-retour en bus de banlieue entre Monterrey et la ville de Juarez. Travaillant dans le restaurant de sa famille, il observait les changements progressifs qui se produisaient à Juarez. Entre 2000 et 2005, la ville est passée d’une population de 66 000 à 144 000 habitants. Il a vu Juarez se faire engloutir, tout cela à travers la fenêtre du bus. Au cours de ces voyages, Cartagena lisait, s’endormait, rêvait de posséder une voiture et se lamentait d’être coincé dans cette créature de métal sous la chaleur de 40 degrés du nord du Mexique. Douze ans plus tard, devenu photographe, il décide de prendre à nouveau le bus pour capturer l’expérience que vivent chaque jour des milliers de banlieusards. Ce qu’il voit l’amène à redécouvrir les anxiétés mentales et physiques involontaires produites par le développement urbain non planifié. Ce livre raconte l’histoire de gens qui veulent une vie meilleure dans une ville caractérisée par le manque ; le manque de routes correctes, le manque de bus, le manque de sécurité dans les bus. En outre, 91,6 % des femmes ont subi une agression sexuelle au moins une fois alors qu’elles voyageaient dans les transports publics de la région de Monterrey. Dans son essai sur l’ouvrage, Ximena Peredo explique: « La situation précaire des transports en commun, et de la mobilité en général, reste ultra-sous-représentée dans le débat public, comme un sujet condamné à croupir sur de nombreuses listes de choses à faire. Le travail d’Alejandro Cartagena prend une importance politique particulière en rendant visible les coûts de cette inaction sur la qualité de vie des personnes vivant dans la zone métropolitaine de Monterrey. » Le livre de 352 pages a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2021 organisés par Paris Photo et Aperture. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, Suburban Bus est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The Velvet Cell.

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ED KASHI – ABANDONED MOMENTS

Ed Kashi est un photojournaliste américain, cinéaste et éducateur qui se consacre à documenter les problèmes sociaux et politiques qui définissent notre époque. Un oeil sensible et une relation intime avec ses sujets sont les signatures de son travail. En tant que membre de VII Photo Agency, Kashi est reconnu pour ses images complexes et son rendu convaincant de la condition humaine. Les éditions allemandes Kehrer publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe, Abandoned Moments. Le livre est une incursion dans la vision et le talent uniques de Kashi, et présente des aperçus de la vie ordinaire, ainsi que des événements extraordinaires, des luttes et des victoires. Si l’instant décisif de Cartier-Bresson reflète une situation parfaitement en phase avec l’intuition du photographe, alliant parfaitement les éléments de composition et de timing, Abandoned Moments est quant à lui le résultat d’un instant d’abandon imprécis. Cette collection de photographies, réalisée sur une période de 40 ans, révèle des aperçus imprécis d’événements transitoires remplis d’énergie frénétique – le chaos de la vie quotidienne. Incarnant la puissance intrinsèque de la photographie, ils préservent des moments qui ne peuvent plus jamais se reproduire exactement dans le même temps et dans le même espace. Lorsque la géométrie, l’ambiance et la possibilité s’unissent pour créer involontairement quelque chose de nouveau, les qualités magiques et fictives de la photographie capturent l’essence non planifiée de l’existence. Kashi explique que ce livre est le fruit d’un “travail d’amour” de 40 ans. Il évoque l’évolution de son style et de sa méthodologie, et explique: “Avec le temps, j’ai développé une approche plus personnelle, instinctive et sans préméditation. Je prends souvent des photos sur le vif. Parfois, il s’agit simplement de laisser mon appareil photo absorber la lumière dans l’espoir que l’intensité et l’immédiateté de la vie, simplement vécue, aient été dévorées dans toute leur plénitude. Ce sont précisément les circonstances incontrôlées qui déclenchent ces images, qui leur donnent leur vitalité et leur caractère surprenant.” Le livre de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer.

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RAFAL MILACH – I AM WARNING YOU

Rafal Milach est un artiste visuel polonais, photographe et auteur de livres de photos. Son travail se concentre sur des sujets liés à la transformation de l’ancien bloc de l’Est et, depuis près de dix ans, il étudie visuellement la nature oppressive du pouvoir politique qui se manifeste dans l’architecture, les objets et les structures sociales convenablement formatées. I Am Warning You, publié par les éditions britanniques GOST Books, est un livre-quadtyque consacré à trois murs frontaliers différents : Américain-Mexicain (#13767), Hongrois-Serbe-Croate (I Am Warning You) et le mur de Berlin (Death Strip). Ensemble, avec une collection d’essais, ils présentent une étude architecturale consacrée à la propagande et au contrôle, tout en recueillant les expériences – souvenirs et cicatrices – des communautés frontalières. Le quadtyque représente diverses structures physiques qui se dégradent d’un livre à l’autre – du mur américain lourdement fortifié à la clôture électrique hongroise en passant par les traces et les empreintes mémorielles du mur de Berlin. Malgré la diversité des situations géographiques et la nature différente de chaque mur, l’atmosphère globale de division et de peur alimentée par diverses structures de pouvoir est un fort dénominateur commun entre eux. Trois auteurs ont contribué au 4e livre : Michael Dear, Ziemowit Szczerek et Antje Rávic Strubel. Ce très bel object (quatre livres dans un coffret pour un total de 312 pages) est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

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ANDREW MIKSYS – BINGO

Après le succès de Disko où il présentait des clichés de discothèques de villages lituaniens, et de Tulips sur la Biélorussie, Andrew Miksys revient aujourd’hui avec un nouvel ouvrage auto-publié, intitulé Bingo. Le photographe de Seattle, a toujours entretenu une certaine complicité avec les salles de bingo et les personnes qui les fréquentent. Lorsqu’il était enfant, au début des années 80, ses parents dirigeaient le journal Bingo Today, rempli d’histoires sur les gagnants et les joueurs qui peuplaient les salles de l’État de Washington. Lors de sa toute première partie, à l’âge de 11 ans, il gagne 300 dollars et est séduit par la fortune instantanée que le bingo peut apporter. Après s’être remémoré avec ses parents leur journal, Miksys s’est lancé dans un périple à travers les États-Unis pour documenter les personnes qui fréquentent les salles de bingo. Le résultat est un ensemble de portraits illustrant l’espoir et la concentration, avec des hommes et des femmes de tous âges penchés sur leurs grilles de numéros, des marqueurs à portée de main. Publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires signés par le photographe, le livre de 168 pages contient un essai de l’écrivain Raymon Carver et d’Andrew Miksys, ainsi que des images issus du journal Bingo Today (1980-2005). L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne du photographe.

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DEANA LAWSON – MONOGRAPH

Deana Lawson (née en 1979 à Rochester, NY) est une voix singulière de la photographie contemporaine. S’appuyant sur un large éventail de moyens photographiques, dont l’album de famille, le portrait en studio, les tableaux mis en scène et les images détournées, les photographies posées de Lawson véhiculent des idées plus larges sur les histoires personnelles et sociales, la sexualité et les croyances spirituelles. À l’occasion de la grande rétrospective qui lui est consacrée à l’Institut of Contemporary Art de Boston (du 4 novembre 2021 au 27 février 2022), les éditions britanniques Mack publient une très belle monographie de la photographe. Figure singulière de la photographie contemporaine, Lawson explore et remet en question depuis plus de quinze ans les représentations conventionnelles des identités noires dans la diaspora afro-américaine et africaine. Les photographies de Lawson sont réalisées en collaboration avec ses sujets, qui sont parfois nus, s’embrassent et se confrontent directement à l’appareil photo, déstabilisant ainsi la notion de photographie comme moyen de voyeurisme passif. La photographe explique: “Je photographie ma famille, mes amis et des inconnus, et je fonctionne sur la conviction que mon propre être se trouve en union avec ceux dont je prends des photos.” Qu’il s’agisse de photographies posées ou de collages, les œuvres de Lawson véhiculent des idées plus larges sur l’histoire personnelle et sociale de la vie des Noirs, l’amour, la sexualité, la famille et la spiritualité. Cette publication comprend une sélection de clichés de famille personnels de Lawson et des archives d’images vintage qui ont profondément influencé son travail. Il contient également des essais d’Eva Respini et de Peter Eleey (conservateurs de l’exposition), de Kimberly Juanita Brown (professeure au Dartmouth College), de Tina M. Campt (professeure à l’Université Brown), d’Alexander Nemerov (professeur à l’Université Stanford), de Greg Tate (écrivain, musicien et producteur), et une conversation entre l’artiste et Deborah Willis (professeure à l’Université de New York). Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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MARK POWER – TERRE À L’AMENDE

Publié par les éditions britanniques GOST Books, Terre à l’Amende est le nouvel ouvrage du photographe anglais Mark Power. Les clichés présentés dans le livre sont le fruit d’une invitation du Guernsey Photography Festival à participer à leur programme d’artiste en résidence. Power a ainsi effectué quatre visites sur une période de dix-huit mois avant que le travail ne soit finalement exposé sur l’île à l’automne 2018. Le photographe y explore différentes façons de regarder et de documenter un même endroit en effectuant une série de longues promenades pendant plusieurs semaines sur l’île. La première chose qu’il a remarquée est la profusion de panneaux proclamant “Terre à l’Amende”, menaçant d’une amende en cas d’intrusion. Ces panneaux, ainsi que les kilomètres de murs et de clôtures délimitant des terrains privés, n’ont fait qu’aliéner Power et renforcer sa condition d’étranger. Il était parfaitement conscient que Guernesey se présente au monde extérieur comme une destination de vacances idyllique. Mais lorsque Power commence à observer attentivement l’île, il n’est pas difficile pour lui de voir ce qui se cache sous la surface. Se délectant de cette ironie, il s’est écarté des représentations pittoresques traditionnelles et est parti à la recherche d’une vision contraire, celle d’un lieu inquiétant et troublant où tout n’est peut-être pas ce qu’il semble être. “Ces photos offrent une représentation plus fidèle de Guernesey que n’importe quelle carte postale”, explique le photographe. Le livre de 128 pages, publié dans une édition limitée à 800 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books. Une version signée par le photographe est également disponible ici.

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MARTIN KOLLAR – AFTER

Publié par les éditions Mack, le nouvel ouvrage du photographe slovaque Martin Kollar, After, a été réalisé à la suite du décès de sa compagne, Maria. “Le 31 août 2019… à partir de ce moment-là, ma façon de voir le monde a changé. Tout a changé. La mort prématurée de Maria, sa décision de mettre fin à sa propre vie, a opéré une coupure distincte, une délimitation nette de l’avant et de l’après” explique le photographe. Alors que le temps passait lentement après l’événement cataclysmique, Kollar a commencé prudemment à parcourir ses archives photographiques. Il a été ramené aux années, aux mois et aux jours qu’ils ont passés ensemble par les dizaines de documents issus des voyages qu’ils ont effectués pour repérer les lieux et filmer ensemble. Au cours de leurs deux dernières années ensemble, ils ont visité divers centres de recherche et instituts publics alors qu’ils commençaient à préparer et à tourner “Chronicle”, le film qu’ils allaient réaliser ensemble. Ces excursions dans le passé se sont déroulées en plusieurs étapes, depuis l’incapacité initiale de Kollar à se résoudre à ouvrir les archives jusqu’aux périodes d’obsession pendant lesquelles il ne pouvait s’empêcher de parcourir la multitude de photographies de sa vie passée et de celle de Maria. Peu à peu, des contextes et des fils cachés qu’il n’avait jamais vus auparavant ont commencé à émerger des images. Kollar a commencé à les assembler, mais pas dans le but de reconstituer leur vie. Il a plutôt cherché à exprimer comment l’avant transcende l’après, comment les événements les plus attendus vous prennent toujours au dépourvu. L’ouvrage de 64 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Mack.

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TOM WOOD – IRISH WORK

Martin Parr n’hésite pas à qualifier Tom Wood de « génie méconnu de la photographie britannique ». Irlandais de naissance, Wood a longtemps vécu à Liverpool où il a « photographié la vie ». C’est un photographe des gens: étrangers, amis, famille; ces gens de tous âges dont il capture l’image individuellement, par paire ou en petits groupes, en les faisant poser ou non. Avec Parr et Chris Killip, il a contribué au développement de la photographie sociale en Angleterre dans le sillage de la révolte punk et des années Thatcher. Publié par les éditions britanniques RRB Photobooks, Irish Work est un ouvrage très personnel composé de photographies inédites prises sur une période de près de 50 ans. Le livre contient plus de 200 images inédites centrées sur la relation que Tom Wood a entretenue toute sa vie avec l’Irlande – une histoire et un conflit personnels, liés à l’histoire plus globale du pays. Prises entre 1972 et 2019, les photographies ne sont pas chronologiques et ne suivent pas une narration définie – elles sont plutôt présentées comme un flux de conscience. Le livre passe d’un point de vue stylistique du portrait au panorama, de la vidéo à la couleur et au noir et blanc, et d’un point de vue thématique du paysage à l’intérieur, des personnages solitaires aux rassemblements sociaux, avec un humour subtil, sobrement observateur, anecdotique et ludique. Les images suggèrent une plénitude, une concomitance et une superposition d’événements multiples, ainsi que la richesse de la vie. Irish Work présente les changements de style artistique de Wood sur cinq décennies, tout en préservant son individualité et sa maîtrise de la forme photographique. Ce sublime recueil de 280 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks. Une version limitée à 150 exemplaires comprend une jaquette exclusive conçue par Padraig Timoney, deux tirages analogiques 10×8″ signés et limités ainsi qu’un coffret de présentation.

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BRUTALISM REINVENTED

Qu’il s’agisse de complexes résidentiels de luxe, de bureaux, de lieux de culte ou de musées, l’architecture brutaliste est en pleine effervescence au XXIe siècle et le nouveau livre Brutalism Reinvented, publié par les éditions britanniques Prestel, explore les nouvelles approches de ce style. Conçu dans la même lignée esthétique audacieuse qui a inspiré l’ouvrage Le Corbusier (voir ici), ce livre présente cinquante exemples récents de la manière dont les architectes du monde entier adoptent les principes du Brutalisme – simplicité, fonctionnalité et crudité – et les réimaginent en fonction des critères et des tendances actuels. S’inspirant de l’approche radicale de ce mouvement architectural controversé, les bâtiments bruts d’aujourd’hui sont à la fois sophistiqués et élégants. Comme le révèlent les centaines de photos extérieures et intérieures présentes dans ce recueil, les architectes ont su tirer parti des nouvelles technologies pour créer des structures en béton raffinées et séduisantes, à la fois stylisées et modernes. Chaque chapitre est consacré à un concept de bâtiments et est illustré par une sélection de structures emblématiques qui constituent une référence visuelle essentielle pour le Brutalisme. Dans certains cas, la puissance globale de l’esthétique est associée à des matériaux aussi impactants que le verre, le métal ou la brique; d’autres exemples montrent comment les lignes classiques du Brutalisme sont intégrées dans des espaces généreusement proportionnés et lumineux. Brutalism Reinvented est une synthèse informative de l’héritage de l’architecture brutaliste. Le livre de 240 pages constitue une exploration passionnante de la manière dont les architectes les plus innovants de notre époque redécouvrent la beauté inhérente des volumes massifs en béton, un aspect qui était au au cœur de la vision originale de Le Corbusier. Disponible dès maintenant sur Amazon.com.

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EIKOH HOSOE (YASUFUMI NAKAMORI ED.)

Eikoh Hosoe (né en 1933 à Yamagata) est l’un des photographes japonais les plus influents de l’histoire de la photographie. Publié par les éditions britanniques Mack, ce volume complet sera la principale ressource sur l’œuvre de Hosoe, édité, conçu et produit sous la direction de l’artiste et avec la collaboration du conservateur et universitaire de renommée internationale Yasufumi Nakamori. Depuis le milieu des années 1950, Eikoh Hosoe est à l’avant-garde de la pratique photographique au Japon : en tant que créateur d’images englobant un large éventail de sujets ; en tant que conservateur présentant des œuvres de grands photographes européens et américains au Japon en 1968 ; en tant que professeur influençant la carrière de nombreux photographes éminents, tels que Daido Moriyama. Il a ainsi ouvert la voie à l’établissement de la photographie japonaise d’après-guerre, sauvant le médium des modes préexistants du documentaire et du réalisme et le positionnant à un nouveau point de jonction entre art, littérature, performance et cinéma. Cette publication, qui marque l’aboutissement de sa carrière, présente non seulement les principales séries photographiques de Hosoe, mais révèle également ses collaborations moins connues avec des écrivains, des critiques, des danseurs et des artistes, dont Yayoi Kusama, dans le domaine du portrait et au-delà. En outre, le volume comprend deux essais nouvellement commandés offrant de nouvelles perspectives sur l’œuvre de Hosoe, ainsi que des réimpressions d’une sélection d’essais fondamentaux sur Hosoe publiés précédemment par divers écrivains japonais, dont le romancier Yukio Mishima et le critique d’art Shuzo Takiguchi. En plus de servir de guide de l’œuvre de Hosoe, ce livre met en lumière les protagonistes essentiels de l’art, de la photographie, de la danse et de la littérature japonaises de l’après-1945. Ce magnifique ouvrage de 400 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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