Category Archives: Art

MAGNUM PHOTOS SQUARE PRINT SALE 2018 – FREEDOM

Art // juin 4th, 2018

À l’occasion du cinquantenaire des évènements de mai 68, Magnum explore comment la notion de liberté se manifeste dans le travail des photographes de la célèbre agence, à travers des clichés choisis par les photographes eux-mêmes et accompagnées de textes personnels. Les photographes explorent le thème dans sa dimension politique et historique (avec les images de Paris en Mai 68 par Bruno Barbey, la libération de Paris par Robert Capa, Tiananmen Square par Stuart Franklin) mais aussi culturelle (le festival de Venice Beach par Dennis Stock, le périple de Cristina de Middel sur les traces de Legba, un esprit Yoruba au Nigeria…) parmi d’autres. Pour cette nouvelle Square Print Sale intitulée Freedom, plus de 70 images sont maintenant disponibles en ligne au prix unitaire de 100$ par tirage (format 15,2cm x 15,2cm), de qualité muséale, signées ou tamponnées par l’estate, et ce jusqu’au vendredi 8 juin minuit.

JOEL MEYEROWITZ – HACIA LA LUZ (OUT OF THE DARKNESS)

Art // mai 31st, 2018

Pionnier de la photographie couleur, le photographe new-yorkais Joel Meyerowitz a parcouru l’Andalousie entre 1966 et 1967 et a pris des centaines de clichés qui constituent un document exceptionnel de l’Espagne des années 1960. Le temps qu’il a passé dans le sud de l’Espagne, à une période charnière pour la péninsule ibérique, a marqué un point d’inflexion créative dans sa carrière, et durant cette étape il travaille à la fois en couleur et en noir et blanc. À partir de 1972, il bascule définitivement vers la couleur. Publié par les éditions madrilènes La Fábrica, Hacia la Luz (Out of the Darkness) contient une centaine d’images de ce voyage initiatique, divisé en quatre sections – Power, Street, From the Car et Flamenco – et comprend des textes de Francesco Zanot et Miguel López-Remiro, ainsi qu’une interview entre le photographe et Nuria Enguita, directrice de Bombas Gens (Valence), où les photographies sont exposées en mars 2018. L’ouvrage est une ode à la lumière, écrasante ou absente. Au fil des pages, Joel Meyerowitz s’éloigne de la street photography pure, pour entrer dans les foyers andalous. Le new-yorkais se balade, s’arrête aux terrasses des cafés de Malaga, observe les petits vieux qui l’observent en retour, traverse les fêtes religieuses, passe par les arrière-cours ou les salles à manger, immortalise des acrobates sous un chapiteau, s’invite dans une démonstration familiale de flamenco, puis retourne à nouveau dans les rues, là où le soleil accable… Le livre de 180 pages ravira les amateurs du travail de Joel Meyerowitz et les passionnés de photographie. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions La Fábrica, ainsi que sur Amazon.com.

JORDAN BAUMGARTEN – GOOD SICK

Art // mai 24th, 2018

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Good Sick est le nouveau livre du photographe américain Jordan Baumgarten, documentant les errances et les tourments de personnes touchées par la toxicomanie et la prostitution, dans le quartier de Kensington dans le nord de Philadelphie, en Pennsylvanie. Le monde de la toxicomanie y coexiste avec la vie quotidienne du quartier, et plusieurs signes et présages du désordre et de la confusion ambiante sont observables dans le paysage environnant. Les photographies de ce livre représentent le chaos; la nature qui empiète sur la dégradation urbaine; l’ambiguïté entre l’enchantement et les ténèbres; les moments privés devenus publics; les animaux et les humains qui errent librement, et toujours, quelque part, un feu qui brûle… Les images de Good Sick représentent une petite proportion de celles prises par Baumgarten, originaire de la ville, entre l’hiver 2012 et le printemps 2017. Le photographe explique: « Bien que toutes les photographies aient été faites à Philadelphie, le projet ne concerne pas cet endroit précis. La ville sert de microcosme pour discuter des problèmes qui déchirent le tissu de notre paysage social. Le titre du livre est l’argot qui désigne la nausée qui vient après l’injection d’héroïne, et il sert également à communiquer la dualité de la terreur et de la beauté qui est représentée tout au long de l’ouvrage. Ma relation avec Philadelphie est profonde et polarisante. Je suis né ici, je suis allé à l’université ici, j’ai rencontré et épousé ma femme ici, j’ai aussi failli y être tué et j’ai été témoin de certaines des pires tragédies imaginables. L’expérience, et cette relation compliquée au lieu, est la pierre angulaire de mon travail et le moteur de ma vie. » Malgré le malaise que suscite le livre, le projet de Jordan Baumgarten constitue un témoignage précieux sur la face sombre des grandes villes américaines et sur les laissés pour compte du Rêve Américain, tout comme l’a pu être Raised By Wolves du photographe américain Jim Goldberg, il y a plus de vingt ans. Le livre de 96 pages, signé par le photographe et limité à 650 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books.

JOEL MEYEROWITZ – WHERE I FIND MYSELF

Art // mai 21st, 2018

Né en 1938 dans le Bronx, Joel Meyerowitz est l’archétype du new-yorkais cultivé qui a embrassé son époque avec curiosité et empathie. Par son travail en couleur, il a révolutionné l’histoire de la photographie. A l’instar de William Eggleston ou de Stephen Shore, il a influencé de jeunes générations de photographes et particulièrement l’école allemande de Düsseldorf. Au milieu des années 1960, un long voyage en Europe marque un tournant dans la carrière de Joel Meyerowitz et lui permet d’affirmer son style. Mais ce n’est qu’au début des années 1970, qu’il se consacre exclusivement à la couleur. Publié par les éditions britanniques Laurence King Publishing, Where I Find Myself accompagne une grande rétrospective récemment présentée au C/O Berlin (décembre 2017 – mars 2018). Ce livre constitue la monographie la plus complète à ce jour sur le célèbre photographe américain, et est publié à l’occasion de son 80ème anniversaire. Organisée en chronologie inversée, elle remonte toute la carrière de Meyerowitz, d’aujourd’hui aux débuts. Tous les grands projets du photographe y sont présentés : les ateliers de Morandi et de Cézanne, ses études sur les arbres, Cape Cod, les ruines du World Trade Center, ses voyages sur les traces de Robert Frank à travers les États-Unis, ses expérimentations sur la couleur et le noir & blanc, et bien sûr ses célèbres photos de rue à Paris et New York. Cet imposant ouvrage de 352 pages et 400 images en couleur et noir et blanc rassemble ainsi une sélection des plus beaux clichés du photographe. Célèbres ou plus obscures, étonnantes et dissonantes, ces images révèlent les différentes clés de lecture de l’œuvre de Joel Meyerowitz, et célèbrent la photographie en tant que forme d’expression artistique. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Laurence King Publishing, ainsi que sur Amazon.com.

TAKASHI MURAKAMI – LINEAGE OF ECCENTRICS

Art // mai 18th, 2018

Lineage of Eccentrics est une exposition qui résulte de la collaboration entre Takashi Murakami et l’historien de l’art japonais Nobuo Tsuji pour faire dialoguer le travail de l’artiste avec des chefs-d’œuvre nippon de la collection du Museum of Fine Arts de Boston. Cette juxtaposition révèle comment la vision contemporaine de Murakami, pop et acidulée, est richement inspirée par l’art japonais traditionnel. Ses œuvres, à la fois irrévérencieuses et teintées de culture populaire ont fait de lui l’un des artistes japonais les plus reconnus aujourd’hui. Son tempérament gai et contemporain, cependant, ne révèle pas sa profonde érudition et sa passion pour la peinture japonaise, l’une des plus anciennes et des plus raffinées des arts visuels japonais, englobant une grande variété de genres et de styles… Takashi Murakami: Lineage of Eccentrics, le catalogue de l’exposition, présente des exemples clés du travail de Murakami aux côtés d’une riche sélection de chefs-d’œuvre japonais s’étendant sur plusieurs siècles et arrangés à cette occasion selon des concepts élaborés par l’un de ses mentors, l’historien de l’art japonais Nobuo Tsuji. Magnifiquement illustré par les sélections de Tsuji de la prestigieuse collection d’art japonaise du Museum of Fine Arts de Boston, ainsi que certaines toiles et sculptures parmi les plus célèbres de Murakami, le livre est une grand réussite. L’association de l’ancien et du neuf dans cet ouvrage au concept novateur enrichit notre compréhension et nous montre comment l’art contemporain peut être considéré comme faisant partie d’un continuum ou d’une lignée. L’ouvrage de 208 pages contient également des textes d’Anne Nishimura Morse, Matthew Teitelbaum, ainsi qu’une conversation passionnante entre Nobuo Tsuji et Takashi Murakami. Lineage of Eccentrics est maintenant disponible sur la boutique en ligne du Museum of Fine Arts de Boston, ainsi que sur Amazon.com.

LE PETIT VOYEUR 6

Art // mai 7th, 2018

LE PETIT VOYEUR est une publication indépendante de Copenhague, dédiée à la mise en valeur et à la promotion d’une sélection éclectique d’artistes visuels talentueux et de créatifs internationaux. L’accent est mis sur la présentation de travaux de photographes et d’artistes en offrant un large panorama de la scène artistique contemporaine, allant de la photographie de nu au meilleur street art actuel. Après le succès des cinq premiers volumes déjà publiés et de son livre thématique (voir ici), LE PETIT VOYEUR publie aujourd’hui son sixième numéro, un magnifique ouvrage de 372 pages. Publié dans une édition limitée à 2000 exemplaires, le livre présente les travaux récents d’artistes et photographes aux horizons variés: AnaHell, Andrea Olivo, Cathrine Raben Davidsen, Christian Rex Van Minnen, DOES, Elsa Bleda, Floto+Warner, Formento & Formento, Giuseppe Palmisano (qui réalise également la couverture de ce numéro), Harumi Yamaguchi, Henrik Uldalen, Ilk, Jamel Shabazz, Joanne Leah, Keiichi Tanaami, Kimbra Audrey, Lana Prins, Linsey Levendall, Louisa Gagliardi, Low Bros, Marinos Tsagkarakis, Maxime Ballesteros, Michael Reeder, Musa71, Nate Walton, Rachel Lamb, RENS, Sara-Vide Ericson, Scott Listfield, SKEME, S k k i ©, Todd James, Yana Toyber et enfin Yung Cheng Lin. La conception de ce nouveau numéro est une fois de plus une grande réussite, avec l’utilisation de trois sortes de papiers différents et une mise en page originale, pour un rendu final très convaincant. LE PETIT VOYEUR 6 est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la revue danoise.

HARRY GRUYAERT – ROOTS

Art // avril 27th, 2018

Membre de l’agence Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Le photographe belge explique: « La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation. » Avec une vingtaine de nouvelles photographies, cette édition augmentée de Roots (initialement publié en 2012 et rapidement épuisé) – publiée par les Éditions Xavier Barral – nous plonge dans la Belgique des années 1970 à 1980 à travers un regard étrange et familier. Des premières photographies en N&B à la révélation de la couleur, cet ouvrage explore l’univers si particulier, presque expressionniste, du photographe belge. Ayant quitté la Belgique depuis plusieurs années, Harry Gruyaert s’est senti prêt à y revenir en 1973 et à porter un regard neuf, plus distancié, sur sa terre natale. Il commence à travailler en noir et blanc s’intéressant à la fois à des scènes du quotidien et à des sujets plus pittoresques au gré des fêtes, carnavals et autres manifestations locales en évitant les pièges sentimentaux ou documentaires. Puis c’est le basculement à la couleur : « J’ai mis environ deux ans à y voir la couleur qui m’intéressait. Ce fut une révélation. Par ailleurs, j’ai commencé à voyager en photographiant au Maroc, en Inde, toujours en couleur. Mais il y avait la Belgique, avec ce rapport de refus et d’attirance en même temps. Je savais que c’était un endroit visuellement intéressant, dans lequel il se passait des choses incongrues. Ce n’est pas pour rien que le surréalisme y a été si important. » Dans un texte très personnel, accompagnant ses photographies, Harry Gruyaert commente son rapport à la Belgique. Tandis qu’un essai de l’écrivain belge Dimitri Verlhust nous fait véritablement vivre ces photographies de l’intérieur. Le livre de 200 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Xavier Barral. Une édition signée et numérotée de 1 à 30, sous coffret et comprenant un tirage couleur à encres pigmentaires sur papier baryté (26 x 37 cm) est également disponible en ligne, ici.

THE STREET PHILOSOPHY OF GARRY WINOGRAND

Art // avril 23rd, 2018

Garry Winogrand est un photographe américain de l’après-guerre, célèbre pour ses photographies de New York et de la vie aux États-Unis depuis les années 1950 jusqu’aux années 1980, témoignages d’un pays balloté entre optimisme et bouleversements. Il aura marqué de son empreinte l’esthétisme des années 1960 et 1970, ainsi que l’histoire de la street photography. Si Winogrand est considéré comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle, l’examen de son corpus pictural et de son influence sur la discipline demeurent incomplets, tant il a laissé de travail à accomplir dans l’archivage, le développement et le tirage de ses photographies. À sa mort, survenue brutalement à l’âge de 56 ans, il a laissé derrière lui environ 6 500 bobines qu’il n’a jamais vues. Dans The Street Philosophy of Garry Winogrand (UT Press), l’écrivain britannique Geoff Dyer a réuni plus d’une centaine de ses photographies conservées au Center for Creative Photography, dont dix-huit en couleur sont publiées pour la première fois, qu’il a toutes accompagnées d’un commentaire. La combinaison des photographies de Winogrand, classées par ordre chronologique, et des légendes de Dyer, drôles et inattendues, offre une nouvelle lecture de ces images. S’inspirant d’Adget, l’ouvrage culte de John Szarkowski publié en 2000, Dyer embarque le spectateur/lecteur dans un voyage extrêmement original à travers des images iconiques et inédites. Le livre englobe la plupart des thèmes majeurs de Winogrand et reste largement fidèle aux faits chronologiques et géographiques de sa vie, mais les réponses de Dyer aux photographies sont peu orthodoxes, parfois révélatrices et souvent hilarantes. Cette combinaison atypique du photographe et de l’écrivain, d’images et de textes, offre elle-même ce que Dyer revendique pour la photographie de Winogrand – une éducation à la vue. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions UT Press, ainsi que sur Amazon.com.

FDMTL X MEDICOM – BE@RBRICK 100% & 400%

Art // avril 22nd, 2018

Pour sa nouvelle collection Spring/Summer 2018 (voir le lookbook ici), la marque japonaise FDMTL collabore avec Medicom pour sortir un très beau Be@rbrick en version 100% et 400%. Ce dernier met en avant la culture traditionnelle japonaise et ses arts textiles populaires tels que les broderies sashiko, le boro et autres patchworks, célébrant le wabi-sabi, la beauté de l’imperfection. Le toy sera disponible au Japon à partir du 27 avril 2018.

ALEX WEBB & REBECCA NORRIS WEBB – VIOLET ISLE

Art // avril 16th, 2018

Publié pour la première fois en 2009, Violet Isle d’Alex Webb et de son épouse Rebecca Norris Webb est considéré comme un véritable classique par les collectionneurs de livres de photographie. Cette nouvelle version publiée par les éditions américaines Radius Books est l’une des rééditions les plus attendues de l’année. Violet Isle (l’Île Pourpre), un surnom peu connu pour Cuba inspiré par les tons riches de son sol, présente un témoignage poignant et parfois troublant d’une terre vibrante et vulnérable. L’ouvrage combine deux visions photographiques distinctes: l’exploration de la vie de rue par Alex Webb, avec son attention aux détails, à la fois unique et complexe, et la fascination de Rebecca Norris Webb pour les animaux exotiques de cette île des Caraïbes qu’elle a pu observer dans de petits zoos de la capitale, dans la rue ou encore en visitant des musées d’histoires naturelles ou de simples ménageries. Le résultat est un judicieux et intriguant mélange de deux esthétiques différentes, inspirées par l’existence de Cuba au cours de ces cinquante dernières années dans une véritable bulle économique, politique, culturelle et écologique, relativement épargnée par le reste du monde, même s’il est peu probable que cela dure encore longtemps. Sorti le mois dernier, le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Radius Books ainsi que sur Amazon.com. Une édition limitée et signée de l’ouvrage, incluant deux tirages photographiques, est également disponible chez Radius Books.

LUIS SANCHIS – MONOGRAPH

Art // avril 10th, 2018

Luis Sanchis est un photographe de mode au style unique: sa vision cinématographique transperce constamment dans ses clichés, leur donnant une touche surréelle inimitable. Publiée par les éditions suisses Sturm & Drang, cette toute première monographie du photographe d’origine espagnole, installé à New York, est une vitrine kaléidoscopique de l’œuvre impressionnante qu’il a réalisé au cours de sa carrière s’étalant sur plus de 20 ans. Limité à 1000 exemplaires, le livre présente une sélection des images qu’il a produites pour de prestigieux magazines britanniques tels que The Face et Arena dans les années 1990, ainsi que des campagnes pour des clients tels que Nike et Gucci, et des collaborations avec des musiciens comme Daft Punk ou Robbie Williams. On y retrouve également quelques-unes des plus fameuses personnalités comme Kate Moss, Karen Elson, Jude Law ou encore Vincent Gallo pour des créations plus personnelles. Avec son style unique à base de couleurs saturées et de zones d’ombre prononcées, Luis Sanchis a créé un look idiosyncratique dans la photographie analogique moderne qui n’a rien perdu de son attrait sensuel. Ce recueil de 200 pages contient également une interview du photographe où ce dernier revient, notamment, sur son inspiration: « J’ai toujours été inspiré par la nature, observant mon environnement, la lumière, l’expérimentation, mon expérience de vie, tout ce que j’ai appris, et la façon dont j’ai perçu le monde, qui évolue constamment ». Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang ainsi que sur Amazon.com.

JOHN COPELAND – YOUR HEAVEN LOOKS JUST LIKE MY HELL

Art // avril 6th, 2018

À l’occasion de l’exposition de John Copeland, Your Heaven Looks Just Like My Hell à la Newport Street Gallery de Londres en février 2018 (voir les photos ici), la maison d’édition Other Criteria publie un très beau catalogue d’une centaine de pages. On y retrouve des clichés des vingt-cinq toiles, datant de 2009 à 2017, tirées de la collection Murderme et présentées pour la première fois dans cette exposition. Oscillant entre art figuratif et abstraction, les peintures de John Copeland présentent des surfaces tactiles, empâtées, réalisées à l’huile et à la peinture acrylique. Passionné par les structures qui impliquent une interaction entre les personnages représentés, Copeland situe souvent ses sujets dans des cadres sociaux – autour d’une table, équilibrés ludiquement les uns sur les autres, ou en train d’observer un tableau en groupe. Les personnages de l’artiste restent toutefois profondément ambigus et se fondent sur des arrière-plans abstraits peuplés de formes curieuses et amorphes. La qualité troublante de l’imagerie de Copeland est accentuée par l’apparition de doubles ou de reflets de formes humaines. L’artiste de Brooklyn décrit le contenu de ses toiles comme un «point de départ pour une conversation ou une digression… comme une énigme ou un poème qui soulève des questions auxquelles on ne peut pas vraiment répondre.» Il travaille à partir d’une pléthore de sources trouvées, généralement photographiques, des découpes de magazines du milieu du vingtième siècle, des images de la culture americana et des bikers, entre autres. Son œuvre est, en grande partie, une exploration de «l’acte du regard». Il déclare: «Je m’intéresse à la dynamique entre la surface et le sous-courant, les mythes et les réalités.» Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Other Criteria.