Category Archives: Art

PIETER HUGO – 1994

Art // mars 29th, 2017

Internationalement reconnu pour ses images à la fois troublantes et saisissantes, provenant pour la majorité de son continent natal, Pieter Hugo est un photographe passionné par le fait d’exposer la vérité, qu’elle soit douloureuse ou mette mal à l’aise. Pour ce nouvel ouvrage publié par Prestel et sobrement intitulé 1994, il braque sa lentille sur des scènes de réconciliation, de guérison et d’espoir, comme on peut le ressentir sur les visages d’enfants, y compris le sien. Le livre nous fait ainsi découvrir une superbe série de portraits d’une cinquantaine d’enfants nés après 1994, représentant la nouvelle génération de l’Afrique, celle d’après le génocide du Rwanda et des premières élections démocratiques en Afrique du Sud: la fin de l’apartheid. Pieter Hugo s’explique sur cette date charnière dans l’histoire africaine: « À un niveau personnel, il semble que mon existence ait toujours tourné autour de cette date, comme une planète autour d’un soleil, ça m’attire et ça me répugne à la fois. » Le photographe écrit à propos de ce nouveau projet: « J’ai commencé à travailler au Rwanda, mais je pense à l’année 1994 pour les deux pays sur une période de 10 ou 20 ans. J’ai remarqué que les enfants, particulièrement en Afrique du Sud, ne portent pas le même bagage historique que leurs parents. Je trouve leur engagement avec le monde très rafraîchissant en ce sens qu’ils ne connaissent pas ce lourd fardeau qu’est le passé, mais en même temps, vous les voyez grandir avec ces récits de libération qui sont en quelque sorte des fabrications. C’est comme si vous saviez quelque chose dont ils n’ont pas idée, sur la possibilité de l’échec ou les lacunes de ces récits… » Ces portraits d’enfants et de jeunes adolescents, vivant dans le souvenir d’événements traumatiques tout en ne les ayant pas vécu, sont à la fois détachés et directs, et soulèvent des questions autour de l’histoire et des récits post-conflit, ainsi que la représentation des enfants en période de crise et de transition. Le livre de 92 pages est maintenant disponible sur le site des éditions britanniques Prestel, ainsi que sur Amazon.com.

THOMAS HOEPKER – STRANGE ENCOUNTERS

Art // mars 27th, 2017

Photojournaliste allemand de renommée internationale et ancien président de l’agence Magnum, Thomas Hoepker a voyagé à travers le monde afin de documenter de nombreuses situations dramatiques et conflits pour différents magazines et journaux. C’est notamment lui qui réalisa le cliché très controversé du 11 septembre 2001, où l’on voit un groupe de jeunes new-yorkais, qui discutent paisiblement, de façon insouciante, profitant de cette belle journée ensoleillée alors que, à l’arrière-plan, les tours jumelles du World Trade Center sont en feu. Dans Strange Encounters, nouvel ouvrage publié par les éditions allemandes Peperoni Books, il partage un travail totalement différent puisqu’il présente une série de moments absurdes, étranges ainsi que de drôles de rencontres capturés en voyageant à travers le monde. Selon Hoepker, «la plupart de ces moments sont fugaces, ce sont des choses que vous voyez du coin de l’œil… Aucune des images dans ce livre ont été arrangées, tout cela est juste arrivé, par hasard». Grande inspiration de Thomas Hoepker, le photographe franco-américain Elliott Erwitt explique quant à lui: «L’humour dans la photographie professionnelle est généralement absent. Qu’il est donc rafraîchissant que Thomas Hoepker, l’un des plus grands photographes de notre époque, nous ait donné tant d’images, à la fois belles et drôles, à contempler. Arriver à trouver de l’humour visuel en observant notre comédie humaine est à mes yeux l’une des plus belles réalisations personnelles, et dans Strange Encounters, Thomas Hoepker y parvient à chaque fois». Ce superbe ouvrage de 180 pages comprend des photos récentes et d’autres issues des archives de Hoepker. Chaque image est présentée avec des informations sur le contexte de la prise due vue. Le livre est maintenant disponible sur Amazon.com.

ALEX WEBB & REBECCA NORRIS WEBB – SLANT RHYMES @ LA FABRICA – MADRID – OPENING

Art // mars 24th, 2017

L’espace culturel madrilène La Fabrica accueille depuis hier soir l’exposition Slant Rhymes, véritable conversation photographique entre deux artistes américains reconnus internationalement: le photographe de l’agence Magnum Alex Webb et son épouse la photographe/poétesse Rebecca Norris Webb. Une sélection d’une vingtaine de clichés réalisés au cours de ces 30 dernières années crée une série de rimes visuelles qui semblent dialoguer entre elles, de façon parfois oblique, intrigante et toujours révélatrice de l’amitié et de l’amour qui lient les deux photographes. Jusqu’au 22 mai 2017.

ALEX DA CORTE – A MAN FULL OF TROUBLE

Art // mars 23rd, 2017

À l’occasion de la récente exposition A Man Full of Trouble d’Alex Da Corte à la galerie new-yorkaise Maccarone, les éditions Karma publient un très bel ouvrage de photographies réalisées par l’artiste de Philadelphie. Cette nouvelle publication tire son nom de la taverne de la période pré-révolutionnaire américaine qui se trouve au cœur du quartier historique de Philadelphie. En utilisant une fosse archéologique située près de cette taverne comme source d’inspiration, Da Corte présente le monde à l’intérieur d’un tel portail: un lieu où les mémoires, les objets, le passé et le présent s’agrègent et se reconstituent. L’artiste américain joue sur les codes de l’esthétique artificielle et superficielle du commerce et de la publicité. Ses œuvres s’appuient également sur ses souvenirs et sa propre vie, tout en interrogeant la capacité de l’art à garder toute sa puissance hors du contexte initial pour lequel il a été pensé. À travers le traitement par l’artiste des divers objets présentés tels de véritables natures mortes populaires, le lecteur est absorbé dans un territoire où les notions de matérialité, de propriété et de souvenir se brouillent. Par ses photographies et ses installations à l’imagerie pop, abondant d’objets de consommation et empruntant au langage télévisuel, Alex Da Corte joue sur notre psyché et nos désirs. Le livre de 338 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions américaines Karma, ainsi que sur Amazon.com.

KEN PRICE – A SURVEY OF SCULPTURES AND DRAWINGS

Art // mars 21st, 2017

À l’occasion de la grande rétrospective que la galerie londonienne Hauser & Wirth consacre au sculpteur et céramiste Ken Price, artiste emblématique de la côte Ouest américaine depuis les années 1960, les éditions Prestel publient une superbe monographie, A Survey of Sculptures and Drawings, la première publication à intégrer pleinement les célèbres sculptures de l’artiste américain et ses œuvres sur papier. Ken Price fait partie d’une génération d’artistes qui a émergé à Los Angeles, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Il a transformé l’art de la sculpture en céramique en trouvant son inspiration dans une grande diversité de sources: de l’école Bauhaus des années 1920-1930 à la poterie traditionnelle du Sud-Ouest, en passant par les styles de contre-culture des années 1960. Grâce à sa manipulation magistrale de l’argile, sa technique de glaçage innovante et son incroyable traitement de la couleur, à la fois vive et joyeuse, Price a créé, au cours de sa carrière, un ensemble de formes des plus originales. Ses œuvres sur papier font écho à ses sculptures dans leurs couleurs vibrantes et leurs thématiques fantastiques, et transmettent ses perceptions des lieux où il a passé une grande partie de sa vie, à savoir, Los Angeles et le Nouveau-Mexique. Avec près de 200 images en couleurs, ce volume généreusement illustré contient une introduction du conservateur Paul Schimmel et un essai de Sam Thorne, directeur du Nottingham Contemporary, qui examine l’œuvre de Price à travers ses nombreux médias, et la compare à la production traditionnelle de céramique et au modernisme artistique. Les juxtapositions des œuvres à deux et trois dimensions offrent aux lecteurs un accès approfondi au processus créatif de l’artiste. Ken Price apparait comme un iconoclaste polyvalent et joyeux qui traita son œuvre et sa vie avec érudition et exubérance. Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur le site des éditions britanniques Prestel, ainsi que sur Amazon.com.

MARKUS ANDERSEN – CABRAMATTA

Art // mars 15th, 2017

Pour célébrer la nouvelle exposition du photographe australien Markus Andersen à l’Australian Centre of Photography‘s Pop Up Gallery et au Fairfield City Museum en début d’année, les éditions T&G Publishing sortent un superbe catalogue intitulé Cabramatta – A Moment in Time. Cabramatta n’est pas une banlieue australienne typique. En se promenant dans les rues de ce quartier du sud-ouest de Sidney, on peut facilement se croire en Asie du Sud-Est. Pourtant, Cabramatta est emblématique de l’Australie moderne: urbaine, animée et débordante d’activités multiculturelles. Durant une année entière, Andersen a délaissé les plages du nord de Sydney pour photographier les rues animées de Cabramatta et immortaliser des scènes de rue vibrantes et les habitants du quartier. Le photographe capture ce melting pot de cultures dans son style distinctif: la photographie de rue. Grâce à un jeu d’ombres et de lumière, il propose toute une série de photos inspirées par les rues colorées de la ville et la vie de banlieue qui s’en dégage. En saisissant ces petits moments de beauté de la vie quotidienne, ses images brutes, parfois ludiques, montrent le côté humain et unique de Cabramatta. Au-delà du documentaire, Markus Andersen a su capturer l’essence de Cabramatta, sa lumière intense et sa chaleur extrême, et la vitalité de ses habitants. Publié à 1000 exemplaires, ce très beau livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions australiennes T&G Publishing. Les 250 premiers exemplaires sont signés par le photographe et sont accompagnés d’une photographie (152 x 203mm) issue du projet, également signée par Markus Andersen.

ANDY WARHOL – PRINTS

Art // mars 13th, 2017

À l’occasion de la grande rétrospective Andy Warhol: Prints from the Collections of Jordan D. Schnitzer and His Family Foundation, un très beau catalogue a été publié en collaboration avec le Portland Art Museum. Le livre présente plus de 250 sérigraphies et documents éphémères de l’artiste new-yorkais, tous issus de l’impressionnante collection de la fondation Jordan D. Schnitzer. Certaines pièces sont particulièrement emblématiques, telles que les boîtes de soupe Campbell et les portraits de Marilyn Monroe. Dès le début des années 60, Andy warhol fait de la standardisation, la mécanisation, le thème de son art. Avec le procédé de la sérigraphie, il reprend l’idée des techniques de la fabrication industrielle. Cela va permettre une production beaucoup plus rapide des œuvres d’art. Comme l’indique G. Malanza, son assistante : « On ne passait pas plus de 4 minutes par toile, l’idée étant de travailler mécaniquement. ». L’art se rapproche ainsi d’une sorte de travail à la chaîne d’usine, ce que confirme Warhol quand il affirmait vouloir « être une machine ». L’idée en utilisant ce procédé était d’aboutir à un anonymat et une dépersonnalisation presque totale. En reproduisant des motifs de manière mécanique, Warhol enlève aux œuvres le caractère type qu’il leur aurait laissé en tant qu’artiste. Il souhaite supprimer tout sentiment et toute expression que l’on pourrait trouver dans une œuvre peinte à la main. Organisé chronologiquement et par séries, Andy Warhol: Prints offre un magnifique aperçu de la gamme de la production graphique innovante de Warhol, qui n’a cessé d’évoluer au cours de quatre décennies, avec un accent particulier sur les différentes techniques d’impression utilisées par l’artiste, du livre illustré à la sérigraphie. Dans leur fascination pour la culture populaire et la subversion provocante de la différence entre l’original et la copie, les sérigraphies de Warhol sont aujourd’hui reconnues comme l’un des précurseurs de la culture visuelle hyper-sophistiquée, hyper-saturée et hyper-accélérée de notre époque. Ce très bel ouvrage de 184 pages est maintenant disponible chez Artbook.com ainsi que sur Amazon.com.

YAYOI KUSAMA – INFINITY MIRRORS

Art // mars 10th, 2017

Yayoi Kusama, la plasticienne aux petits pois, a su transformer ses cauchemars en œuvres d’art. Un jour après avoir observé une nappe à pois, Yayoi, alors enfant, a eu une hallucination qui est devenu une obsession: « Quand j’ai levé la tête, j’ai vu le même motif couvrant le plafond, les fenêtres et les murs et finalement toute le pièce, mon corps et l’univers. J’ai eu l’impression de commencer à disparaître, de retourner à l’infinité du temps sans fin et à l’espace absolu et d’être réduite au néant. » À Washington, le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden consacre du 23 février au 14 mai 2017 une exposition aux Infinity Mirrors, ces installations immersives que Yayoi Kusama commence à réaliser à partir de 1965. Ces environnements de miroirs où l’artiste appose ses motifs récurrents, comme les pois ou les citrouilles, une immersion sensorielle où le ballet des lumières créent une illusion incertaine d’espace sans fin. À l’occasion de cette grande exposition rétrospective itinérante de l’artiste japonaise, les éditions britanniques Prestel publient Infinity Mirrors, un splendide catalogue de 224 pages. Jouant sur la perte de repères par des effets de reflets et de lumières, ces chambres de méditations invitent à s’interroger sur le place de l’homme dans le cosmos. La création de différentes ambiances, tantôt diurnes et ludiques, tantôt nocturnes et magiques, participe au processus de répétition mis en place par Yayoi Kusama, une répétition sans ressassement, une sérialité toujours féconde et surprenante. Les ballons rouges à pois blanc se reflètent, avec les visiteurs. Le sol et le plafond sont parsemés de pastilles de tailles différentes. Quelques ballons ont des formes phalliques. En examinant tour à tour ses premières installations troublantes et ses œuvres à l’atmosphère aérienne plus récentes, cet ouvrage vise à historiciser l’ensemble de ses travaux parmi la résurgence des pratiques expérientielles dans le paysage mondial de l’art contemporain. Généreusement illustrée, cette nouvelle publication invite les lecteurs à examiner l’impact de la série au cours de la carrière de l’artiste. Le livre est complété par divers essais, une chronologie et une entrevue avec l’artiste. Infinite Mirrors est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Prestel, ainsi que sur Amazon.com.

KAZUO SHIRAGA @ AXEL VERVOORDT GALLERY – ANTWERP – OPENING

Art // mars 10th, 2017

La galerie belge Axel Vervoordt Gallery présente depuis hier soir, dans son nouvel espace (dans le quartier Kanaal aux abords d’Anvers), la nouvelle exposition personnelle de l’artiste japonais contemporain Kazuo Shiraga. Son œuvre porte la marque de deux univers, deux esthétiques excessivement différentes que presque lui seul a su marier: l’expressionnisme occidental et le lyrisme oriental. En disposant la toile par terre, à même le sol, et en utilisant ses pieds pour y déposer d’épaisses couches de peinture dessinant d’impressionnants enchevêtrements d’arcs et de volutes, Shiraga instaure un nouveau rapport à l’œuvre. « Je voulais peindre comme si j’allais au combat. Peindre jusqu’à épuisement, jusqu’à ce que je m’effondre ». Jusqu’au 13 mai 2017.

DAMIEN HIRST – SCHIZOPHRENOGENESIS

Art // mars 8th, 2017

Les éditions Other Criteria viennent de publier un nouvel ouvrage de l’artiste britannique Damien Hirst, intitulé Schizophrenogenesis. Essentiellement basées sur l’esthétique minimaliste de la pilule et du médicament, les œuvres de cette série ont été présentées pour la première fois à la galerie Paul Stolper, en octobre 2014. Elles font suite aux travaux de recherche menés tout au long de sa carrière artistique par Hirst, sur notre relation presque spirituelle avec la rigueur de la science et de l’industrie pharmaceutique. Le livre de 64 pages rassemble toutes les œuvres de cette série, y compris The Cure: trente sérigraphies, chacune dépeignant une pilule à deux couleurs sur des fonds vibrants de couleurs acidulées. On y retrouve également toute la série de sculptures – reproductions à l’identique de médicaments que l’on trouve dans le commerce – composée de quatorze comprimés de résine énormément élargis, mesurant chacun trente centimètres de long, ainsi que dix comprimés plus petits, conçus dans un éventail de couleurs attrayantes et immaculées. Sont également présentées quelques sculptures de bouteilles de médicaments, de boîtes pharmaceutiques, d’ampoules, de seringues, d’un scalpel et d’emballages de médicaments, qui jouent tous avec le concept d’échelle – la plus grande sculpture mesurant près d’un mètre et demi. Toutes ces pièces poursuivent l’exploration de Hirst des systèmes de croyance contemporaine: la religion, l’amour, l’art et la médecine. «C’est une approche scientifique de l’art, de la même manière que les laboratoires pharmaceutiques ont une approche scientifique de la vie.» L’artiste explique: «Les pilules sont de petites formes brillantes, mieux que n’importe quel art Minimaliste. Elles sont toutes conçues pour que vous les achetiez… elles proviennent des fleurs, des plantes, de la terre, et elles vous font sentir bien, vous font sentir beau.» Schizophrenogenesis est un magnifique ouvrage qui ravira les amateurs d’art contemporain et les fans de Damien Hirst. Le livre, ainsi qu’une édition limitée à 400 exemplaires signés par l’artiste et emballés dans un blister à la façon d’un médicament, sont maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Other Criteria.

PHILIPP EBELING – LONDON ENDS

Art // mars 6th, 2017

Le nouveau livre du photographe allemand Philipp Ebeling, London Ends, explore la périphérie de Londres: ces zones suburbaines aux confins de la capitale, qui se sentent éloignées de son centre animé. Publié par les éditions britanniques Fishbar, l’ouvrage contient des photographies de zones industrielles en ruine, de logements sociaux, de rues animées et de lotissements résidentiels. C’est un voyage fascinant dans les banlieues endormies et les communautés pleines d’énergie et d’enthousiasme dans les régions de Hounslow, Edmonton, Newham ou encore Enfield. Les images d’Ebeling captent la vie quotidienne et les rituels hebdomadaires des habitants de ces quartiers, des messes dominicales aux sorties de pêche, en passant par les pique-niques d’été au parc: un rythme complètement différent du centre de Londres. Il écrit: «Issu d’un petit village allemand, je me suis senti submergé et ensorcelé à la fois lors de mon arrivée à Londres. J’ai voulu connaître tous les moindres recoins de la ville pour mieux la comprendre, mieux la cerner. Pendant des années j’ai traversé la ville en vélo, trouvant de nouveaux itinéraires vers des endroits inconnus, explorant de nouveaux quartiers, me perdant et absorbant tous les détails. Un après-midi, je suis retourné chez moi à Whitechapel lors d’une tempête de neige. Je me suis précipité dans la maison pour prendre mon appareil photo et j’ai commencé à photographier le marché local à ma porte. Ces images de Whitechapel dans la neige sont le commencement de mon processus de documentation de la ville.» Beaucoup des images présentées dans le livre ont été prises durant une longue promenade de dix jours, s’étalant sur 250 km autour de Londres. Elles sont accompagnées d’observations faites par le photographe le long du parcours. Publié à 1000 exemplaires, London Ends est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Fishbar.

TODD HIDO – INTIMATE DISTANCE

Art // mars 3rd, 2017

La maison d’édition parisienne Les Éditions Textuel publie Intimate Distance, la première monographie rétrospective de l’un des photographes américains les plus admirés et influents de sa génération: Todd Hido. Séquencées chronologiquement, les photographies réunies ici furent réalisées au cours des vingt-cinq dernières années, révélant la profondeur et l’étendue de son œuvre éminemment cinématographique, aux images aussi magnétiques qu’étranges. Un monde fait de paysages brouillés et de routes désolées, de pavillons de banlieue traqués dans les faisceaux blafards des lampadaires, de femmes saisies par la peur ou le désir. De jour, les pièces sont des espaces sombres et claquemurés, de nuit, les maisons deviennent des chambres incandescentes. On retrouve ainsi une sélection d’images iconiques issus de ses premiers ouvrages (House Hunting, Seasons Road ou encore Between the Two) ainsi que de nombreux clichés originaux publiés pour la première fois. Dans sa préface, l’essayiste David Campany note que «si ces photographies semblent narratives, c’est parce qu’elles suggèrent des histoires non racontées et de possibles scénarios. Elles donnent une sensation de vacuité de ce monde mi-factuel, mi-fictionnel. Malgré la débauche des couleurs, malgré l’épaisseur des atmosphères, Hido manifeste l’économie d’un artiste minimal.» Il écrit également: «Ces suggestions sont autant les vôtres que celles de Hido, elles viennent sans doute autant du cinéma et de la littérature que de l’expérience personnelle…». Le travail que le photographe a entrepris depuis près de 20 ans dresse le portrait d’une autre Amérique, loin de la vision idéalisée des success stories. Images d’un pays austère et vide caractérisé par ses routes qui se croisent, ses impasses sombres et ses autoroutes qui ne finissent jamais ; photographies d’un réalisme exacerbé, aux paysages instables et tourmentés, le monde dépeint par Todd Hido est loin des clichés d’un rêve américain où tout serait possible. Ce très beau livre de 272 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies ainsi que sur Amazon.fr.