Category Archives: Art

JASON LEE – A PLAIN VIEW

Art // septembre 10th, 2018

L’acteur/photographe (ancien skateur professionnel) Jason Lee vient de publier son nouvel ouvrage: A Plain View. Il s’agit du nouveau volet d’une exploration photographique en cours de l’Amérique rurale, qui a démarré il y a plus d’une décennie sur les routes secondaires de Californie, avec des films Polaroid grand format. Publié par Film Photographic en collaboration avec RF Book Co., le livre se compose de photographies couleur réalisées dans tout le Texas pendant 25 jours entre janvier et avril 2017, en utilisant des films Kodak 4×5 périmés et un appareil Graflex Speed Graphic. “L’un de mes plus grands plaisirs est de conduire et d’explorer la campagne, les banlieues, les petites villes, avec mon appareil photo à portée de main. J’ai fait pas mal de choses au fil des ans, poursuit Jason Lee, principalement des films en noir et blanc 35mm, principalement au Nouveau-Mexique, en Arizona et en Californie, alors je voulais cette fois-ci explorer le Texas, où je vis, en couleur et en grand format. J’avais un certain regard en tête, ainsi qu’un désir de voir ce paysage, ces scènes américaines, d’une manière différente, et les films couleur grand format périmés m’ont permis d’accomplir cette vision.” Bâtiments abandonnés, station services désertes, parkings isolés, devantures de magasins et panneaux publicitaires défraichis… rien n’échappe à l’œil acéré de Jason Lee. Le photographe fait preuve d’une grande maîtrise de la narration et d’une capacité unique à capturer la beauté naturelle et brute, principalement en jouant avec la lumière naturelle, mais également à la lueur des néons. Cette première édition du livre (180 pages) est éditée à 2000 exemplaires, dont 1400 sont signés par le photographe. Il est disponible dès maintenant sur la boutique en ligne des éditions Film Photographic, ainsi que sur le site jasonleefilm.com.

ALL ABOUT SAUL LEITER

Art // août 30th, 2018

Publié à l’occasion d’une grande exposition rétrospective, In Search of Beauty à la Fundación Foto Colectania de Barcelone (jusqu’au 21 octobre 2018), All About Saul Leiter est un volume sincère et magnifiquement conçu, qui offre un regard en profondeur sur l’œuvre de cet artiste visuel américain. Né en 1923 et mort en 2013, Saul Leiter vécut plus de 60 ans dans le Lower East Side à New York. Maître incontesté de la photographie couleur – Harry Gruyaert lui voue un culte fervent – ses photographies de rue sont l’objet de sa renommée. Souvent prises en se promenant dans son quartier, elles ne semblent jamais datées. À mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet, Saul Leiter a saisi un monde flottant, embué, tendant volontiers vers l’expressionnisme abstrait de ses peintures. Celui que Pauline Vermare surnomme dans son texte « le nabi des photographes » portait un regard de peintre sur les moments furtifs et intimes du quotidien. Avec une conscience aigüe du caractère transitoire de la beauté, il a conçu une poésie de l’éphémère qui confine au sublime. Sa passion pour l’impressionnisme et le post-impressionnisme français a probablement joué un rôle dans son amour et son admiration pour l’art japonais, conduisant à la grâce poétique caractéristique et à la délicatesse de ses images. Entre sa philosophie et son lyrisme, et sa maîtrise des couleurs et des compositions, Saul Leiter fascine. Publié pour la première fois en version bilingue anglais/espagnole par les éditions Editorial RM en collaboration avec Seigensha, All About Saul Leiter contient plus de 200 œuvres inédites et célèbres du photographe américains ; ses photographies (accompagnées de citations de l’artiste lui-même), ses peintures, sa correspondance et quelques objets personnels. Il couvre ainsi la carrière commencée dans les années 1940 de l’un des plus grands noms de l’histoire de ce médium. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne d’Editorial RM, ainsi que sur Amazon.com.

SHOMEI TOMATSU – MAPFRE RETROSPECTIVE CATALOGUE

Art // août 27th, 2018

La Fondation MAPFRE présente actuellement l’exposition Shomei Tomatsu, montrant pour la première fois à Barcelone l’œuvre unique de ce grand photographe japonais, dont le travail couvre les événements clés de l’histoire du Japon après la Seconde Guerre mondiale. Shomei Tomatsu (1930- 2012) est né “à l’ombre de la guerre”, dans un contexte de dévastation et de la pauvreté. Le Japon était alors un pays vaincu et occupé par les troupes américaines. Un pays où l’écho de l’explosion des bombes atomiques sur les villes d’Hiroshima et de Nagasaki retentissait encore dans la mémoire. Shomei Tomatsu avait 20 ans lorsqu’il a commencé à photographier. La technique ne lui était pas étrangère, car ses deux frères utilisaient déjà l’appareil photo et s’étaient même improvisé une chambre noir dans un placard. Il devient rapidement une figure incontournable de la photographie japonaise d’après-guerre et de la photographie contemporaine mondiale, notamment grâce au succès de ses deux séries « Scars » et « Nagasaki ». Son travail est celui d’un observateur attentif de la vie quotidienne ainsi que du passé et du présent de son pays. Ce catalogue de la grande rétrospective retrace ainsi son travail des années 1950 aux années 2000, à travers les principales thématiques récurrentes de son œuvre : les conséquences de la guerre, les protestations sociales, les corps abîmés ou marginaux, l’occupation américaine, Okinawa, la culture japonaise traditionnelle… Le livre présente ainsi près de 180 clichés du photographe, en couleur et noir et blanc. Tomatsu dit que l’utilisation du noir et blanc était associée à la présence des États-Unis au Japon, tandis que la couleur était une affirmation de la vie retrouvée à Okinawa, qu’il a visité pour la première fois en 1969 et où il a vécu au cours de ses dernières années. Shomei Tomatsu livre des images à la fois crues et lyriques qui restent parmi les plus belles de l’histoire de la photographie. Avec des textes de Juan Vicente Aliaga, Ryuichi Kaneko et Hiromi Kojima, le livre constitue une exploration approfondie de l’univers visuel de Tomatsu. Ce très bel ouvrage est maintenant disponible en librairie ainsi que sur Amazon.com.

TAKAHIRO MIZUSHIMA – LONG HUG TOWN

Art // août 21st, 2018

Le photographe Takahiro Mizushima est né à Tokyo en 1988. Il est diplômé de l’école Tokyo Visual Arts. Passionné par la photographie de rue, il réalise sa première exposition personnelle, Tokyo Lonely Heart Land en 2009. Il participe également en 2014 à une exposition d’œuvres publiques parrainée par la galerie Guardian Garden (Ginza, Chuo-ku, Tokyo), d’où il ressort finaliste. À partir de 2016, en tant que membre de la galerie indépendante Totem Pole Photo Gallery, il entreprend ses travaux axés sur les expositions de photos. En 2017, son œuvre Long Hug Town est vivement saluée par la critique: il remporte notamment le Grand Prix du Young Art Taipei Photo Eye Awards. Ce projet se compose de 134 clichés issus de sa collection personnelle, qu’il installe sur toute la surface d’un grand mur. Mizushima y explore le quotidien des habitants de la mégalopole dans ce qu’il a de plus ordinaire et de plus étrange à la fois. Illustrant le flux constant de la vie urbaine tokyoïte, il dresse un portrait à la fois mystérieux, intense et drôle de Tokyo et de sa population. Publié pour la première fois en 2016 sous la forme d’un zine, Long Hug Town est aujourd’hui proposé sous la forme d’un très beau livre de 176 pages, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires, par les éditions STAIRS PRESS. L’ouvrage est maintenant disponible sur leur boutique en ligne.

SEBASTIÁN BRUNO – DUELOS Y QUEBRANTOS

Art // août 17th, 2018

Le jeune photographe d’origine argentine/espagnole Sebastián Bruno publie aux éditions Ediciones Anómalas son premier ouvrage, fruit d’un projet s’étalant sur près de cinq ans. Le livre s’intitule Duelos y Quebrantos, comme le plat typique de La Mancha, le même que Miguel de Cervantes mentionne au début de Don Quichotte, composé de bacon, chorizo, cervelle d’agneau et d’œufs, et qui marquait l’accueil au christianisme des récents convertis. En considérant la complexité qui règne dans les relations humaines et les nombreux facteurs qui convergent pour générer une vision de l’univers social et moral de cette région espagnole, Sebastián Bruno explore les valeurs et les traditions qui reflètent les vertus et les vices que l’on retrouve dans la réalité monotone du peuple de ce territoire. Le photographe explique: « De 2013 à 2017 j’ai parcouru les 2500 km de la route de Don Quichotte et d’autres lieux de Castilla La Mancha. Je suis passé par les cinq provinces de la région : Albacete, Ciudad Real, Cuenca, Guadalajara et Tolède. Dans une tentative de créer un parallélisme intemporel entre cette société décrite par Cervantes et la société contemporaine et ainsi être capable de voir et d’assimiler ces lieux, je me suis mis dans la peau de Don Quichotte. Le résultat est une interprétation d’une terre souvent méconnue et ignorée, un voyage personnel qui plonge dans la vie des habitants de Castilla La Mancha ». Duelos y Quebrantos offre un portrait brut, honnête et cinglant d’une société vieillissante, conditionnée à la fois par sa géographie et par la persistance de valeurs et de traditions qui ont traversé les époques. Ce très beau livre de 84 pages, en lice pour le prix du Livre d’Auteur aux Rencontres d’Arles 2018, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Ediciones Anómalas ainsi que dans les meilleures librairies.

BEGO ANTÓN – THE EARTH IS ONLY A LITTLE DUST UNDER OUR FEET

Art // juillet 27th, 2018

Bego Antón est née à Bilbao en 1983. Elle a étudié le journalisme et s’est spécialisée dans la photographie documentaire à Barcelone. Son travail dissèque le comportement humain et analyse notre implication psychologique et morale dans le monde naturel. Les éditions britanniques Overlapse publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: The Earth is Only a Little Dust Under Our Feet. À cette occasion, la photographe basque s’est rendue pendant cinq ans en Islande pour se plonger dans l’histoire et le folklore de l’ile. La culture islandaise est en effet riche en contes de fées, histoires d’elfes, de trolls, de monstres et d’autres créatures légendaires. Beaucoup d’Islandais croient en une foule d’êtres magiques… le « huldufólk », le peuple caché, comme disent les islandais. En visitant des lieux propices au mystère, des experts en croyances locales, ainsi que des témoins oculaires, Bego révèle la magie unique du paysage islandais. Pour ce nouveau projet, son approche artistique se rapproche du guide pratique, recueillant des informations pour mieux comprendre ce phénomène séculaire. En plus des magnifiques clichés d’Antón, le livre contient quelques reproductions de manuscrits anciens, de vieux plans pliables ainsi que de merveilleux signes typographiques, sorte de messages secrets des êtres peuplant ces terres. La photographe explique: « Je ne suis pas une rêveuse, mais je crois que chaque réalité mérite d’être examinée et qu’il peut y avoir un monde intermédiaire entre la réalité et l’imagination. (…) Chaque personne que j’ai rencontrée, chaque paysage que j’ai visité m’a confirmé que s’il y a un endroit où croire en la magie, c’est bien l’Islande. » Une chose est sûre, ce conte de fée savant d’Antón Bego est une aventure originale et légère qui fait le pont entre la science et l’irrationnel. L’ouvrage de 216 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Overlapse.

LEE FRIEDLANDER – DOG’S BEST FRIEND – A PET PROJECT

Art // juillet 20th, 2018

Travaillant principalement avec des appareils photo 35 mm de la marque Leica et des films en noir et blanc, le style de Lee Friedlander se concentre généralement sur le « paysage social ». Ses photographies utilisent des images détachées de la vie urbaine, des reflets de devantures de magasins, des structures encadrées par des clôtures, des affiches et des signes qui se combinent pour capturer l’aspect de la vie moderne. Beaucoup de ses images font partie des icônes de la photographie américaine et sont devenues des documents historiques de notre époque. Publié par les éditions américaines SPQR Editions, Dog’s Best Friend – A Pet Project est la toute première monographie du photographe américain consacrée aux chiens – l’un de ses centres d’intérêts tout au long de sa carrière – et, dans de nombreux cas, leur étroite relation avec leurs propriétaires. Ses photos montrent le rôle que jouent ces précieux animaux de compagnie dans notre vie quotidienne. On y découvre des chiens compagnons, objets d’affection, attendant seuls dans leur cour fermée, dans des parcs, des salons ou dans des voitures. Pas grand chose ne manque à l’œil vagabond de Friedlander qui capture la beauté subtile et intime d’une amitié entre deux espèces différentes, par le biais d’une centaine de portraits de personnes et de leurs chiens, réalisés entre 1958 et 2016. Ces animaux domestiques reflètent leurs propriétaires tout autant qu’ils reflètent la culture américaine. Leur présence est souvent sous-estimée, comme s’il s’agissait d’une ombre, quelque chose qui a toujours été là, fidèle, et qui nous suit toujours. Ce très bel ouvrage de 108 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de SPQR Editions.

BARRY MCGEE – SB MID SUMMER INTENSIVE – SANTA BARBARA – OPENING

Art // juillet 15th, 2018

Le Museum of Contemporary Art Santa Barbara présente depuis le 1er juillet 2018 la nouvelle exposition personnelle de Barry McGee: SB Mid Summer Intensive. L’artiste californien y dévoile une sélection de ses nouvelles œuvres, toutes conçues dans son studio de San Francisco, et dont certaines s’inspirent de l’histoire de la ville de Santa Barbara: toiles, dessins, céramiques, planches de surf, tables de zines, cluster paintings, bouteilles, etc. Jusqu’au 14 octobre 2018, au Museum of Contemporary Art Santa Barbara (653 Paseo Nuevo – Santa Barbara CA, 93101).

ANOTHER KIND OF LIFE – PHOTOGRAPHY ON THE MARGINS

Art // juillet 9th, 2018

Another Kind of Life – Photography on the Margins est le catalogue qui accompagne l’exposition du même nom qui s’est tenue au Barbican Center de Londres, entre le 28 février et le 27 mai 2018. Publié par les éditions britanniques Prestel, l’ouvrage s’intéresse à la manière dont sont représentées les marges et les minorités en images, avec le travail d’une sélection de photographes des années 1950 à nos jours. Minorités sexuelles, rebelles romantiques, hors-la-loi, survivalistes ou simplement laissés-pour-compte de l’économie contemporaine, les photographes n’ont jamais cessé de documenter ces populations qui illustrent le changement social. À travers différents regards, le livre montre ainsi la fascination ininterrompue des photographes pour les individus en marge. Certaines des images les plus puissantes des 20e et 21e siècles sont le fruit d’un engagement déterminé et souvent prolongé auprès de communautés semblant en désaccord avec la majorité ou en marge de la société. Vingt photographes de renom participent à ce projet original qui délivre un message d’humanité et d’intégration, qui transcende les frontières géopolitiques et culturelles: Diane Arbus, Casa Susanna, Philippe Chancel, Larry Clark, Bruce Davidson, Paz Errazuriz, Jim Goldberg, Katy Grannan, Pieter Hugo, Seiji Kurata, Danny Lyon, Igor Palmin, Teresa Margolles, Mary Ellen Mark, Boris Mikhailov, Daido Moriyama, Walter Pfeiffer, Dayanita Singh, Alec Soth et enfin Chris Steele-Perkins. Témoignage capital du pouvoir de la photographie de dénoncer l’injustice, Another Kind of Life – Photography on the Margins révèle la façon dont les attitudes sociales changent dans le temps et dans l’espace, et prouve que la représentation visuelle peut promouvoir la compréhension et le dialogue. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

MICHAEL E. NORTHRUP – DREAM AWAY

Art // juillet 2nd, 2018

Après le succès de ses deux premiers ouvrages (Beautiful Ecstasy en 2003 et Babe en 2012), le photographe américain Michael E. Northrup sort aujourd’hui son troisième livre, Dream Away. C’est à la fois les images d’une histoire d’amour et celles d’une autre histoire d’amour avec la vie. Les 66 photographies du livre publié par les éditions britanniques Stanley / Barker présentent ainsi un portrait en développement d’un artiste et de son sujet. Ici, il s’agit de l’obsession de Northrup pour « la photographie », de sa vision et des images significatives, drôles et uniques qu’il est capable de réaliser au jour le jour. « Créer des images, c’est tout mon quotidien ; elles représentent une vision personnelle des récits visuels qui s’offrent à mois. En ce qui concerne le sujet : nous nous sommes rencontrés en 1977, mariés en 1978 et divorcés en 1988. Elle était à la fois mon épouse et ma muse », explique Northrup. Dans cet ouvrage, le photographe dévoile un quotidien drôle, percutant et sans concession, enjambant avec humour la frontière entre l’intime et l’insolite. Ce travail est une allégorie de l’amour de la vie et de l’amour tout court, une mise en abyme des obsessions du photographe à travers des images uniques et décalées de la vie de tous les jours. Ce très beau livre, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires seulement, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

KATHERINE BERNHARDT – SWATCHES

Art // juin 21st, 2018

Dans ses essaims jubilatoires et écœurants de burgers, tacos, cigarettes, pastèques, frites, ordinateurs ou rouleaux de papier-toilette, Katherine Bernhardt tartine la surface de ses toiles, comme on remplit un caddie. En raison de la myriade d’objets présents dans ses toiles, son travail est parfois interprété comme une critique ironique du consumérisme. Pourtant, ce n’est pas une préoccupation consciente de l’artiste, qui est essentiellement motivée par une fascination pour son environnement du quotidien et par le fait de lui donner une expression nouvelle à travers la couleur et la composition. Grande collectionneuse de montres à quartz suisses Swatch, l’artiste semble vouer un véritable culte à cet objet emblématique des années 80/90. Son obsession débute à l’adolescence, dans la banlieue de Saint Louis. Interpellée par leurs formes, leur inépuisable variété de graphisme et leur sophistication pop, ces montres en plastique sont devenues une constante dans la culture visuelle de Bernhardt. Au cours de la dernière décennie, elle crée de nombreuses peintures de montres Swatch, et ce nouvel ouvrage, publié par les éditions new-yorkaises Karma à l’occasion de son exposition Swatch en août 2017 à la galerie Karma, présente sa collection originale de Swatches, conservée pendant toutes ces années, ainsi qu’une vaste sélection de ses œuvres sur ce thème: croquis, dessins au feutre, peintures, etc. Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Karma, ainsi que sur Amazon.com.

SALLY MANN – A THOUSAND CROSSINGS

Art // juin 13th, 2018

Depuis plus de quarante ans, Sally Mann réalise des photographies expérimentales d’une beauté envoûtante et mélancolique, qui explorent les thèmes primordiaux de l’existence : la mémoire, le désir, la mort, les liens familiaux et l’indifférence magistrale de la nature à l’égard de l’activité humaine. Ce qui unit ce vaste corpus d’œuvres (portraits, natures mortes, paysages et autres études), c’est qu’il est né d’un lieu, le sud des États-Unis. Originaire de Lexington, en Virginie, Mann utilise son amour profond pour sa terre natale et la connaissance de son héritage historiquement chargé pour poser des questions puissantes et provocatrices – sur l’histoire, l’identité, la race et la religion – qui résonnent au-delà des frontières géographiques et nationales. Elle obtient une renommée internationale dans la fin des années 80, dans un climat de controverse liée à sa représentation d’une enfance sensuelle et grave, dont les protagonistes étaient ses propres enfants et la toile de fond, un ancestral paysage virginien. Publié par les éditions américaines Abrams Books, le catalogue de l’exposition itinérante (Washington, Salem, Los Angeles, Houston, Paris, Atlanta), présente une vue d’ensemble des réalisations artistiques de la photographe américaine. Organisé en cinq grandes sections – Family, The Land, Last Measure, Abide with Me, et What Remains – et comprenant de nombreuses œuvres qui n’ont jamais été exposées ou publiées auparavant, A Thousand Crossings est une une rétrospective magistrale de Sally Mann. Avec cet imposant ouvrage de 320 pages, l’artiste affirme une nouvelle fois son statut de figure de proue au sein d’une veine de la photographie contemporaine volontiers anachronique dans son pictorialisme, décomplexée vis-à-vis de la modernité et revendiquant son archaïsme comme la marque de son esthétique et de ses préoccupations atemporelles. Le livre est disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books, ainsi que sur Amazon.com.