Category Archives: Art

LES TATOUAGES DU MILIEU – PARIS

Art // novembre 17th, 2016

Véritable marqueur social au sein du « milieu », le tatouage carcéral devient, entre 1920 et 1940, l’objet d’une étude photographique commandité par Edmond Locard, fondateur du premier laboratoire de la police scientifique à Lyon. Le photographe Grangeversannes documentera les inscriptions qu’arborent fièrement les détenus et qui constituent un langage codé permettant des rapprochements entre « tribus », ou de constituer un profil psychologique. Rassemblé en 1950 par l’inspecteur Jacques Delarue et Robert Giraud dans l’ouvrage Les Tatouages du Milieu, ces photographies, dont Robert Doisneau réalise des copies, sont présentées comme documents aux côtés des dessins des tatouages que l’inspecteur a scrupuleusement reproduits et décryptés. La Galerie Frédéric Moisan, dans le 6e arrondissement de Paris, présente depuis le 3 novembre une sélection d’une quarantaine de tirages de la collection Delarue ainsi que les dessins originaux ayant servi à la publication. Jusqu’au 20 novembre 2016.

WILLY SPILLER – HELL ON WHEELS

Art // novembre 16th, 2016

La jeune maison d’édition suisse Sturm & Drang vient de rééditer Hell On Wheels de Willy Spiller. À l’instar des États-Unis entant que melting-pot, le métro, protagoniste incontestable de cette série, peut se définir comme un « boiling-pot » : un vivier cosmopolite bouillonnant mêlant hommes d’affaires, dealers, femmes au foyer, policiers et chefs de gang. Publiées pour la première fois en 1984, les scènes du photographe suisse dans le métro new-yorkais, reconnu comme l’un des métros les plus dangereux au monde, racontent rétrospectivement une histoire différente: celle du glamour et de la couleur, de la curiosité et du divertissement. On apprécie aujourd’hui ces images d’une façon plus objective, sans le sensationnalisme, le danger et le voyeurisme proclamés par les médias à l’époque, mais plutôt avec la fascination de ce jeune européen fraichement débarqué à New York pour son peuple, ses néons, son agitation et son énergie implacable. Saisie sur pellicules de diapositives couleur Kodachrome, la vision de Spiller du système de transport souterrain sordide de la ville s’inscrit dans la lignée de celle d’autres pionniers qui ont documenté New York en couleur (on pense notamment à Bruce Davidson avec son projet Subway ou encore à l’œuvre de Joel Meyerowitz). Pris entre 1977 et 1984, les clichés de Willy Spiller nous font revivre avec une certaine nostalgie le New York d’il y a quelques décennies, avec l’émergence du rap et du graffiti, une ville en effervescence culturelle et au dynamisme créatif hors-norme. Ses images chargées d’émotion sont autant un document visuel incomparable du quotidien des new-yorkais dans le métro, qu’une ode colorée à la ville de New York et à ses habitants. L’ouvrage de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang, ainsi que sur Amazon.com.

PARIS PHOTO 2016

Art // novembre 15th, 2016

Voici quelques clichés de la 20ème édition du salon Paris Photo, qui se tenait la semaine dernière. Plus de 150 galeries, provenant de 33 pays, étaient à l’honneur sous la nef du Grand Palais où elles présentaient œuvres historiques et travaux contemporains. Se sont joints à elles une trentaine d’éditeurs internationaux offrant un panorama complet du médium photographique.

ARI MARCOPOULOS – ROME-MALIBU

Art // novembre 9th, 2016

Publié par les éditions indépendantes néerlandaises Roma Publications, Rome-Malibu est le nouveau projet photographique d’Ari Marcopoulos (voir nos articles sur ses précédents livres ici). L’ouvrage se compose de clichés monochromes réalisés par Marcopoulos à Rome, entre le mois de février et le mois de mars 2016, ainsi qu’à Malibu en août 2016. Rome-Malibu est un document unique, témoin d’une époque et d’un lieu précis, avec ses clichés de l’architecture majestueuse et des monuments grandioses de Rome où n’apparait aucune personne, ainsi qu’une brève section finale sur les rivages de Malibu, en Californie. Le livre reste fidèle aux reproductions au format A4 réalisées à la photocopieuse, si chères au photographe néerlandais. Rome-Malibu est le premier d’une grande série respectant à la lettre ce format Xerox, et qui verra prochainement le jour. Il contient 368 pages et un essai de Kara Walker qui revient sur ce nouveau projet personnel d’Ari Marcopoulos. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Roma Publications.

AVE PILDAS – BIJOU

Art // novembre 5th, 2016

Les éditions Nazraeli Press (Royaume-Uni, États-Unis) publient depuis 1998 la série One Picture Book dans le but de proposer des œuvres originales de photographes de renom, à un prix abordable. La série se compose de livres reliés de taille moyenne, tous conçus de la même façon: 16 pages servent de toile à l’artiste, afin de présenter au lecteur une œuvre originale et cohérente. Chaque ouvrage est publié dans une édition de 500 exemplaires numérotés, et chacun contient une photographie originale, signée au verso par l’artiste; d’où le nom de la série. Nazraeli Press a fait appel au photographe américain Ave Pildas pour la réalisation du One Picture Book #96. Dès son arrivée à Hollywood en 1971, Pildas est frappé par l’omniprésence du soleil et l’influence de l’Art Déco dans le paysage urbain. Il découvre dans les rues les somptueux palais cinématographiques, apparus pour la première fois dans les années 1920, symboles emblématiques de l’immense popularité des films et de l’importance de l’industrie du cinéma dans l’économie de la Californie du Sud. Les architectes des premiers cinémas considéraient que l’expérience cinématographique commençait sur le trottoir, devant le bâtiment où les films étaient projetés. Les guichets n’étaient que de minuscules structures autonomes où les billets étaient vendus au public. Ces petites cabines au style à la fois raffiné et extravagant, occupés par une ou deux vendeuses de billets, offraient un avant-goût de la décoration opulente de l’intérieur du cinéma et reflétaient ainsi son style. Comme avec tous les ouvrages de la série One Picture Book, Bijou est numéroté et la photographie est signée par l’artiste au verso. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Nazraeli Press.

BRIAN YOUNG – THE TRAIN NYC 1984

Art // octobre 31st, 2016

Le photographe d’origine canadienne, Brian Young, propose une page d’histoire de New York dans un nouvel ouvrage publié par les éditions italiennes Damiani: The Train NYC 1984. Brian Young a quitté Montréal pour New York en 1984 pour étudier à l’International Center of Photography (ICP) en photographie documentaire. À peine débarqué, le jeune homme est vite confronté à une société qui se relève lentement d’une importante dépression économique. Les industries et de nombreux new-yorkais ont fui vers la banlieue. Le cœur de la ville est devenu une zone sinistrée tout comme le métro devenu la toile des premiers graffeurs. C’est ce qu’a immortalisé Brian Young. Il photographie tour à tour les usagers du métro, les quais bondés et les wagons usés et sales. Ces derniers, couverts de tags et de graffitis, tels une présence obsédante, offrent un décor intense et original au photographe. C’est dans ce lieu sombre et confiné, particulièrement claustrophobique, que se rencontrent les habitants de Big Apple dans un face à face souvent troublant. Dans la lignée du projet Subway de Bruce Davidson, The Train NYC 1984 nous fait revivre avec une certaine nostalgie le New York du début des années 80. L’ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Damiani ainsi que sur Amazon.com.

MAGNUM PHOTOS SQUARE PRINT SALES – CONDITIONS OF THE HEART

Art // octobre 31st, 2016

Conditions of the Heart – On Empathy and Connection in Photography explore comment la notion d’empathie et de compassion se manifeste dans le travail des photographes de Magnum, à travers des photographies choisies par les photographes eux-mêmes et accompagnées de textes personnels. 72 images sont maintenant disponibles en ligne au prix unitaire de 100$ par tirage dédicacé (format 15,2cm x 15,2cm) et ce jusqu’au 4 novembre 2016.

LEE FRIEDLANDER – STREET: THE HUMAN CLAY

Art // octobre 28th, 2016

Reconnu comme l’un des meilleurs photographes de sa génération, Lee Friedlander reflète la vie quotidienne moderne, souvent aliénée, dans ses images en noir et blanc et est considéré comme un observateur critique de l’American Way of Life. Beaucoup de ses images font partie des icônes de la photographie américaine et sont devenues des documents historiques de notre époque. Après Portraits et Children, le photographe américain publie Street, le troisième volume de sa nouvelle série The Human Clay. Publiée par les éditions britanniques Yale University Press, cette série présente des images de personnes dans leur environnement, organisées par thème. Chaque livre propose des centaines de photographies, dont beaucoup sont inédites, choisies et séquencées par l’artiste lui-même, et toutes proviennent de ses vastes archives personnelles. Street se concentre sur la photographie de rue de Friedlander, sur une période de cinquante ans, et nous emmène à travers Atlanta, Buffalo, Denver, Los Angeles, Miami, New Orleans, San Francisco et bien sur New York. Avec un sens visuel inégalé, Friedlander transforme des situations urbaines quotidiennes en structures esthétiques, parfois impénétrables. À travers des recadrages rigoureux, des angles inhabituels, des réflexions multiples ou l’utilisation de cadres dans le cadre, il rompt radicalement avec les conventions esthétiques traditionnelles. Les compositions complexes qui résultent de ses prises de vue originales (à travers des rétroviseurs ou des vitrines, où l’on retrouve parfois un autoportrait de l’artiste) offrent une vision déformée – et paradoxalement encore plus nette – de la vie américaine et de ses développements sociaux. L’ouvrage de 215 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de Yale University Press ainsi que sur Amazon.com.

MONA KUHN – ACIDO DORADO – MADRID – OPENING

Art // octobre 27th, 2016

La galerie madrilène Pilar Serra accueille depuis le mois dernier la photographe brésilienne Mona Kuhn pour sa nouvelle exposition personnelle intitulée Acido Dorado. L’artiste présente une série de nouveaux clichés grand format réalisés à partir de 2013 dans une demeure moderne et isolée conçue par l’architecte Robert Stone, dans le Joshua Tree National Park en Californie. En plus du dialogue habituel entre le corps humain et son environnement, Mona Kuhn élargit son champ d’intérêt et projette son regard vers le désert, avec sa flore et sa lumière intense produisant toutes sortes de réflexions et de transparences, la conduisant pour la première fois vers la photographie abstraite. Jusqu’au 8 novembre 2016.

JEAN-MICHEL BASQUIAT – WORDS ARE ALL WE HAVE

Art // octobre 24th, 2016

Les éditions allemandes Hatje Cantz viennent de publier un nouvel ouvrage intitulé Jean Michel Basquiat – Words Are All We Have. Le catalogue accompagne l’exposition orchestrée par le curateur Dieter Buchhart à la galerie Nahmad de New York au printemps dernier, et replace le texte au centre de l’œuvre fulgurante de Jean-Michel Basquiat. Focalisé sur la fonction critique du langage dans l’œuvre de Basquiat, le livre de 208 pages met en lumière l’incorporation novatrice d’éléments littéraires et musicaux dans son travail. Souvent identifiées aux aspects formels et stylistiques du néo-expressionnisme, les toiles linguistiquement complexes de Basquiat le placent au sein de la trajectoire des écrivains de la Beat Generation et de l’évolution du jazz et du hip-hop. Alliant le style cut-up employé par le poète William Burroughs, aux techniques d’échantillonnage utilisées par les premiers rappeurs tels que Fab 5 Freddy, Basquiat a créé des œuvres à la fois profondément originales et ancrées dans une riche histoire linguistique. Ces dernières témoignent du moment où l’artiste bascule du graffiti vers la toile, mais en conservant la présence de formes écrites. Words Are All We Have présente quelques-unes des œuvres les plus marquantes produites par Basquiat, toutes comportant des combinaisons de mots, signes et pictogrammes. Le livre dévoile la façon dont l’image et le texte fusionnent, effaçant ainsi la frontière entre arts visuels et arts verbaux. Ce fut cette façon spontanée, avant-gardiste et sans prétention de travailler qui permit à Jean-Michel Basquiat d’écrire l’une des plus belles pages de l’histoire de l’art contemporain. Words Are All We Have comprend quelques essais originaux sur le travail de Basquiat par les plus grands spécialistes de l’artiste: Dieter Buchhart, Christian Campbell, Thomas Sayers Ellis, Carlo McCormick, Jordana Moore Saggese et Greg Tate. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hatje Cantz ainsi que sur Amazon.com.

KAWS – WHERE THE END STARTS @ MODERN ART MUSEUM – FORT WORTH – OPENING

Art // octobre 24th, 2016

Kaws présente depuis ce weekend sa nouvelle exposition personnelle, Where the End Starts, au Modern Art Museum de Fort Worth (Texas). Cette grande rétrospective de la prolifique carrière de l’artiste new-yorkais passe en revue plus de vingt ans de création: de ses premiers détournements d’affiches publicitaires à ses toiles abstraites aux couleurs vives, et ses sculptures monumentales en bois et en fibre de verre. On y retrouve ses célèbres personnages tels que le Companion, le Chum, l’Accomplice, les Kimpsons, les Skurfs, Sponge Bob, Snoopy, etc. Jusqu’au 22 janvier 2017.

Source: Hypebeast

ALEXANDER GRONSKY – MOUNTAINS & WATERS

Art // octobre 20th, 2016

Né en 1980 à Tallinn, en Estonie, Alexander Gronsky vit actuellement à Riga en Lettonie. Son œuvre photographique se concentre sur les paysages et les grands espaces russes. Abandonnés, silencieux, ils offrent à l’artiste la possibilité de mener une réflexion sur les effets de l’environnement sur les populations locales. Le travail de Gronsky a la mystérieuse capacité de toujours raconter une histoire, celle de vies isolées et silencieuses, sans évoquer le drame. Ses jeux sur la perspective, son sens de la composition et sa maîtrise de la lumière rappellent les procédés traditionnels de la peinture contemplative. Dans cet univers statique, chaque objet, chaque sujet constitue un élément d’un paysage presque déshumanisé. Dans ce nouvel ouvrage intitulé Mountains & Waters, le photographe nous présente sa vision de la dualité de la Chine. Le livre se compose d’une série de diptyques réalisés à la lisière de Shanghai, Chongqing et Shenzhen, ces métropoles chinoises où l’agitation génère un désordre presque chaotique. À une esthétique proche de l’école de Düsseldorf, Alexander Gronsky marie une conception chinoise du paysage, moins descriptive que mentale. Le diptyque permet d’élargir le champ de vision et de rester fidèle à la dualité de la pensée chinoise : l’association des idéogrammes «montagne» et «eau» forment, en Chinois, le mot «paysage». L’objet de cette série est bel est bien, dans le prolongement des deux idéogrammes qui forment le titre du travail d’Alexander Gronsky, de s’approprier les codes de composition asiatiques du paysage, en photographie. Après Schema publié plus tôt cet année (voir ici), le photographe estonien signe une fois de plus un remarquable ouvrage. Publié par The Velvet Cell et limité à 750 exemplaires seulement, Mountains & Waters est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques.