Category Archives: Art

DAIDO MORIYAMA – IN COLOR: NOW, AND NEVER AGAIN

Art // mai 18th, 2016

Né au Japon en 1938, Daido Moriyama est l’un des plus importants photographes contemporains. Membre de l’avant-garde artistique japonaise d’après-guerre, il a commencé son œuvre au milieu des années 1960. Auteur de plus de 180 livres mêlant photographies, textes théoriques et techniques d’impression diverses mais aussi performances et dispositifs d’installations, il a exploité toutes les formes du medium photographique et a contribué à redéfinir la pratique de la photographie de rue. Membre du mouvement Provoke qu’il rejoint en 1968 pour la deuxième édition de la revue éponyme, Daido Moriyama produit une œuvre riche, dense et protéiforme. Ses photographies –souvent décrites comme brutes, floues et troubles (l’esthétique du « are, bure, boke »), ont donné naissance à une nouvelle pratique de la photographie de rue où l’artiste, qui rôde sur la route, est en prise avec l’espace public. Le travail de Daido Moriyama embrasse aussi la technique de la sérigraphie, qu’il utilise dès les années 70, tant pour produire des livres que des œuvres à exposer. Daido Moriyama In Color: Now, And Never Again comprend une sélection de photographies inédites réalisées à la fin des années soixante et au début des années quatre-vingt, qui sont des années cruciales de l’exploration de Moriyama, ainsi que d’autres clichés vintage en couleur. La rue, le théâtre favori du photographe japonais, est au centre du travail de ces années, une période historique particulière pour le Japon qui, après la reconstruction et le boom économique qui a suivi la fin de la Seconde Guerre mondiale, a dû vivre et faire face à l’occupation américaine, puis aux manifestations étudiantes dans le sillage de ce qui se passait en Europe et aux États-Unis. Édité par Filippo Maggia et publié par les éditions italiennes Skira, ce nouvel ouvrage du célèbre photographe japonais contient 480 pages et présente plus de 250 clichés inédits qui témoignent de l’évolution des mœurs au Japon. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Skira ainsi que sur Amazon.com.

KAZUMA OGAERI – MOSO

Art // mai 9th, 2016

Pour son second livre, la jeune maison d’édition française Lieutenant Willsdorff propose un ouvrage du photographe japonais Kazuma Ogaeri, Moso, qui explore de façon poétique les représentations traditionnelles de l’érotisme japonais à travers quatre chapitres: la fille – la nature – le train – la femme. Ancien musicien de rock, puis compositeur et producteur, Ogaeri est commissionné en 1991 comme photographe par le magazine japonais Hot-Dog PRESS. Il se consacre dès lors à sa passion et fonde en 2004 une école de photographie basée à Tokyo. Son travail se focalise essentiellement sur les femmes ordinaires et les étudiantes – ses modèles sont tous amateurs. Ce nouvel ouvrage opère un glissement subtil du monde qui nous entoure vers un univers chargé d’une tension sexuelle à la fois puissante et délicate, comme suspendue : une distorsion issue des fantasmes et du regard du photographe. « Moso » est un nom japonais et à l’origine un terme psychiatrique. Sa signification littéraire est «illusion» ou «obsession», mais de nos jours, les japonais ont tendance à utiliser ce mot au lieu de « fantasme ». Kazuma Ogaeri explique qu’il converti son imagination fantaisiste en une réalité artistique à travers ses clichés. Il y a dans ce livre quelque chose de l’esthétique raffinée et figée du film Shokuzai de Kiyoshi Kurosawa, ou Le Labyrinthe des Rêves de Sogo Ishii, quelque chose du glissement éthéré qui s’opère presque toujours dans la littérature de Haruki Murakami vers un monde parallèle ou plus encore vers la nostalgie et les souvenirs d’enfance ancrés et déformés par les pulsions naissantes comme dans le manga Mirages d’été de Kazu Yuzuki, quelque chose enfin des corps soumis et violés des films de Koji Wakamatsu et du fétichisme et de l’obsession pour les femmes de Nobuyoshi Araki. Particulièrement réussi, ce livre de 144 pages et édité à 500 exemplaires est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Lieutenant Willsdorff.

RAYMOND PETTIBON – HOMO AMERICANUS

Art // mai 3rd, 2016

Publié par les éditions David Zwirner à l’occasion de sa plus grande rétrospective européenne à la Falckenberg Collection (Deichtorhallen) de Hambourg (voir les photos du vernissage ici), Raymond Pettibon: Homo americanus présente plus de six cents œuvres de chaque partie de la carrière de l’artiste, dont la majorité n’a jamais été montrée auparavant. Philosophiquement profond, profondément littéraire et mordant dans sa satire, Raymond Pettibon est avant tout le dessinateur de sa génération, et l’un des artistes contemporains les plus importants d’Amérique. En abordant des sujets importants et futiles avec autant de goût et d’aisance, Pettibon sonde les profondeurs de la sexualité américaine, la politique, les sous-cultures, les mœurs et l’histoire intellectuelle à travers des thèmes allant de Shakespeare à Gumby, des surfeurs à la Bible, du baseball au romantisme allemand. Disposé thématiquement en trente-deux chapitres, ce catalogue unique retrace l’apparition et le développement des différents thèmes qui définissent l’œuvre de Pettibon. Les différentes sections sont abordées avec des extraits d’interviews menées auprès de l’artiste, et sont traitées dans une annexe détaillée par le conservateur Ulrich Loock. Ce catalogue est le premier à aborder le travail de l’artiste dans son ensemble. À travers les textes qui accompagnent les images, Pettibon guide les lecteurs à travers sa vision complexe et les méandres de son esprit; jamais condescendant, il invite les lecteurs à entrer plus profondément dans sa pensée sans sacrifier à la rigueur intellectuelle et le sens du mystère qui rend son travail si convaincant et stimulant. Le livre de 688 pages comprend un fac-similé complet de son premier livre, Captive Chains – pratiquement indisponible depuis des décennies – en plus de nombreux premiers dessins effectués avec son neveu, des pochettes de disques, des dépliants et des sections dédiées à des collages et des dessins des années 1980 à nos jours. Cette sélection sans pareil du travail de Raymond Pettibon est le volume ultime pour les novices comme les passionnés. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner ainsi que sur Amazon.com.

AVEDON/WARHOL

Art // avril 28th, 2016

Avedon/Warhol est un nouvel ouvrage publié par la maison d’édition britannique Abrams & Chronicle Books Ltd, qui accompagne la première exposition majeure autour du travail de ces deux artistes emblématiques à la galerie Gagosian de Londres: Richard Avedon et Andy Warhol. Les deux artistes devinrent connus dans l’Amérique de l’après-guerre avec des productions artistiques parallèles, qui se sont occasionnellement superposées. Leurs plus célèbres images, réalisées en réponse au changement des mœurs culturelles, sont devenues emblématiques du 20ème siècle. Avedon et Warhol, qui ont eu un intérêt commun pour les portraits, ont également tous deux utilisé la répétition et la sérialisation: Avedon à travers le médium reproductible de la photographie; Warhol avec sa méthode de sérigraphies empilées, qui a permis la parfaite reproduction d’une image. À travers les tirages argentiques caractéristiques d’Avedon et les sérigraphies colorées de Warhol, se retrouvent les mêmes personnages, comme Marella Agnelli, Bianca Jagger, Jacqueline Kennedy, Marilyn Monroe et Rudolf Nureyev. Issus tous deux de milieux modestes, Avedon et Warhol ont connu un succès commercial fulgurant en travaillant pour des magazines de renom à New York, au début des années 40. Les années 1960 marquent un tournant artistique pour les deux artistes qui s’éloignent progressivement de leur travail commercial pour développer leurs propres styles. Leurs travaux présentés dans ce somptueux volume, datent des années 1950 jusqu’aux années 1990 et soulignent les thématiques communes aux deux artistes, comme le pouvoir social et politique, l’acceptation évolutive des différences culturelles, la mort inévitable, le glamour et la détresse de la célébrité. La célébrité est un thème qui fut exploré et exploité par les deux artistes. Avedon et ses images iconiques de Brigitte Bardot (1959) ou Audrey Hepburn (1967); Warhol et ses superstars dramatiquement depictées, comme dans Double Elvis (1963) et Four Marilyns (Reversal Series) (1986). Conscients du potentiel de leurs œuvres pour changer les mentalités, mus par des muses modernes et cosmopolites, Avedon et Warhol ont utilisé le pouvoir des images pour refléter les révolutions sociales. Avec une introduction de Larry Gagosian et des essais de Michael Bracewell et Ara H. Merjian, Avedon/Warhol présente ainsi plus de 310 œuvres ainsi qu’une chronologie documentant la carrière des deux artistes et leurs nombreux points de convergence. Le livre de 256 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams & Chronicle Books Ltd ainsi que sur Amazon.com.

NEIGHBORHOOD X MEDICOM – 1000% Nº1 BE@RBRICK

Art // avril 26th, 2016

Neighborhood collabore à nouveau avec Medicom pour réaliser une version 1000% de son Be@rbrick Nº1. Sorti pour la première fois en juin 2012 en 100% pour la Series 24 puis en 400%, le toy verra le jour dans cette nouvelle version dès le 29 avril 2016 au Japon. Un nouveau VCD Zooth sera également disponible.

DAVID HOCKNEY – A BIGGER EXHIBITION

Art // avril 25th, 2016

David Hockney est sans conteste l’un de plus grands artistes britanniques de sa génération. Fin 2013, il présente au de Young Museum de San Francisco son exposition personnelle A Bigger Exhibition, qui rassemble son travail de la dernière décennie. Dans cette exposition de grande envergure (plus de 300 œuvres sont exposées dans le musée du Golden Gate Park) se mêlent portraits, paysages, natures mortes et vidéos. Sorti pour la première fois en 2013 pour accompagner l’exposition, l’excellent catalogue A Bigger Exhibition est aujourd’hui réédité par les éditions britanniques Prestel. De retour en Angleterre après des années sur la côte californienne, David Hockney concentre son attention sur les paysages et les portraits, ainsi que les natures mortes, tout en maintenant sa fascination pour la technologie numérique. Le travail qu’il réalise alors est une extravagance de couleurs et de lumière, et ce dans une grande variété de formats allant du gigantesque panneau d’affichage à la simple feuille A4. Ce très beau livre de 228 pages présente plus de 200 œuvres en couleurs issues de collections de musées et du studio de David Hockney. On y retrouve des pièces récentes qui ont marqué les esprits telles que The Arrival of Spring in Woldgate Wood et Bigger Yosemite. A Bigger Exhibition comprend également des illustrations de certains de ses dessins entièrement réalisés à l’iPad, de nombreux auto-portraits, ainsi que des clichés issus des films Cubist de l’artiste. Accompagné de brillants commentaires rédigés par le célèbre critique Lawrence Weschler et l’historienne de l’art Sarah Howgate, l’ouvrage offre une perspective fascinante sur les dernières œuvres de l’artiste britannique. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Prestel ainsi que sur Amazon.com.

JOHN COPELAND – WOLVES WAIT AT YOUR DOOR @ V1 GALLERY – COPENHAGEN

Art // avril 11th, 2016

La V1 Gallery de Copenhague accueille depuis le weekend dernier l’artiste new-yorkais John Copeland pour sa nouvelle exposition personnelle intitulée Wolves Wait At Your Door. 13 nouvelles toiles et 16 dessins sur papier y sont présentés. Ses œuvres aux compositions complexes oscillent entre figuration et abstraction. Jusqu’au 7 mai. (all images: courtesy of V1 Gallery & John Copeland – Photos by Jan Søndergaard)

ALI TAPTIK – NOTHING SUPRISING

Art // avril 11th, 2016

Istanbul exerce depuis longtemps une force d’attraction surprenante sur les photographes, réalisateurs, écrivains et musiciens des quatre coins du monde. Nothing Surpising est le nouveau livre du jeune photographe turc Ali Taptik qui nous invite à découvrir son Istambul et à remiser nos préjugés. C’est l’aboutissement d’un long projet qui a commencé après la crise financière de 2008. Cette publication met l’accent sur les situations de crise et de résistance dans les milieux urbains, associant images de rue, d’intérieurs, portraits d’amis et d’inconnus, elle évoque une conscience citoyenne, des repaires intimes, et des désirs. Le photographe essaye autant que possible de garder la politique à distance de son travail et de sa vision du monde. Néanmoins, Taptik se considère comme une personne engagée, mais il ne souhaite pas que son travail soit considéré comme du photojournalisme. Il se rêvait écrivain mais a finalement choisi dès 2001 de raconter des histoires à travers la photographie, puisant son inspiration en parcourant les rues de sa ville. Véritable narrateur photographe de l’évolution et des changements d’Istanbul, Ali Taptik présente ici une vision très personnelle de son sujet avec des scènes qui ne manquent pas d’interroger, parfois de déranger. Ses images laissent entrevoir l’univers du photographe, des fragments de vie, dévoilant les dessous de la ville en complet changement culturel et social, loin des clichés et des idées reçues. Ali Taptik livre un travail abouti et une vision de sa ville natale en crise tout en profondeur. Ne se voulant pas un critique d’Istanbul, il se dit vivre en interaction intime avec elle. Publié à seulement 1000 exemplaires, l’ouvrage de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la maison d’édition française Marraine Ginette.

MAGNUM LEGACY: BRUCE DAVIDSON

Art // avril 6th, 2016

Pour le second volume de sa nouvelle série Magnum Legacy sur la vie et l’œuvre des plus grands photographes de l’agence, la Fondation Magnum présente la biographie illustrée de Bruce Davidson. Ce nouveau livre retrace le parcours artistique du photographe américain à travers le prisme de ses vastes archives. Publié en partenariat avec Prestel, le recueil de 192 pages aborde le processus créatif de Davidson, reconnu comme l’un des plus grands artistes américains, iconoclaste et humaniste, membre de l’agence Magnum Photos depuis 1958. La grande passion de Bruce Davidson pour la photographie commence à l’âge de dix ans. Fils d’une mère divorcée et acharnée de travail, il est un enfant solitaire qui déteste l’école et qui a beaucoup de mal à se conformer au monde qui l’entoure. Très rapidement, son appareil de photo le libère des contraintes liées à son jeune âge et lui permet de commencer l’œuvre de toute une vie. Vicki Goldberg explore le large éventail de sa vision et de sa technique, et dévoile comment le travail de Bruce Davidson a joué un rôle crucial dans la photographie du 20e siècle. Cet ouvrage présente des images magnifiquement reproduites, issues de ses séries les plus emblématiques telles que Brooklyn Gang, East 100th Street, Subway (voir ici) et Time of Change: Civil Rights Photographs, ainsi que des documents d’archives inédits issus de la collection privée de Davidson. Ses photographies révèlent sa curiosité et son empathie pour les sujets qu’il choisit d’aborder. Qu’il documente les cirques, les gangs, East Harlem, les cafétérias juives, les mineurs gallois ou Central Park, l’approche narrative de Davidson est toujours omniprésente dans son travail. Ses photos racontent des histoires et il prend grand soin de toujours s’effacer pour laisser parler ses images. Le résultat est un portrait complet et élégamment présenté de la vie et de l’œuvre d’un véritable artiste américain. Le livre vient de sortir et est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Prestel ainsi que sur Amazon.com.

CHERYL DUNN – FESTIVALS ARE GOOD

Art // avril 4th, 2016

La cinéaste/photographe new-yorkaise Cheryl Dunn est reconnue pour son travail de documentariste dans les domaines de la mode, la musique, la street-culture, etc. Elle intervient notamment dans le documentaire de 2008 Beautiful Losers et réalise Bicycle Gangs of New York (2005) et plus récemment Everybody Street (2013) où elle suit certains des plus grands photographes de rues à New York. Son nouveau projet prend la forme d’un livre de 128 pages intitulé Festivals Are Good. La photographe a écumé les festivals pendant plus d’une vingtaine d’années à travers le monde. Le résultat, parfois poétique, drôle ou chaotique illustre la liberté, l’énergie et la folie que l’on retrouve dans ses grands rassemblements musicaux et lorsque des fans se trouvent face à leur idole. De San Francisco à Manchester, les photos présentées ici ont été shootées lors de concert d’Omar Souleyman, Nick Cave, Wu-Tang Clan, Cat Power, Patti Smith ou encore Thom Yorke. Grâce à ces images saisissantes Cheryl Dunn réussit à capturer l’expérience du festival vécue par tous les spectateurs: de la fan dont c’est le tout premier concert, aux vétérans et autres habitués de longue date de festivals. Festivals Are Good révèle la transcendance collective qui peut émerger quand les amateurs de musique partagent des moments communs et puissants. Publié par les éditions italiennes Damiani, l’ouvrage est maintenant disponible sur leur boutique en ligne ainsi que sur Amazon.com.

CRUDE METAPHORS BOOK SET

Art // mars 31st, 2016

Crude Metaphors est une section de la revue britannique dédiée à la photographie contemporaine HOTSHOE Magazine. Elle combine le travail de photographes et des textes d’écrivains de renom qui sont invités à créer une histoire courte en réponse aux images présentées. Pour célébrer le 10ème anniversaire de Crude Metaphors, HOTSHOE publie un magnifique coffret renfermant cinq livres de cinq photographes parmi les plus renommés du moment: Roger Ballen, Todd Hido, Edgar Martins, Mayumi Hosokura et Esther Teichmann. La liste des écrivains participant au projet est tout aussi prestigieuse, avec Liz Lochhead (National Poet of Scotland), Adam Ganz, Cyrus Shahrad (Hiatus Music), le scénariste de science-fiction britannique et coauteur du film de Danny Boyle Trance Joe Ahearne et enfin Amanda Schiff. Avec des histoires allant d’une chasseuse de primes à un monde où règne l’intelligence artificielle en passant par le suicide d’un père, les lecteurs embarquent pour cinq voyages irrésistibles à travers les mots et les images de dix créateurs de talent. Publié en édition limitée à 1000 exemplaires, le coffret est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques HOTSHOE.

MIRON ZOWNIR – NYC RIP

Art // mars 21st, 2016

C’est en 1980 que le photographe allemand Miron Zownir émigra aux États-Unis. Il s’installa d’abord à New-York où il résida 9 ans. Ces années furent les plus prolifiques de sa carrière artistique. Les scènes underground de Berlin-Ouest et de Londres de la fin des années 70 permirent à Zownir de réaliser ses premiers clichés, mais son aventure new-yorkaise allait véritablement lancer sa carrière de photographe. Ses photos noir et blanc donnent un aperçu clairvoyant des groupes sous-culturels du centre ville de New York qui, dans leur contexte local d’origine, ont depuis disparu dans le boom des années 90. Son objectif capture l’entrain des fêtes homosexuelles – peu de temps avant l’arrivée du sida -, la contestation futile des artistes avant-gardistes, le désespoir dans le quartier de Bowery, et le monde lugubre des prostituées et des drogués. Ce théâtre extraordinaire se jouait dans les rues autour de lui, et Zownir était déterminé à en capturer chaque moment. Tout au long de sa carrière, et plus particulièrement durant les années où il travaillait à New York, le photographe s’est intéressé à ceux dont le statut marginalisé avait été provoqué par le malheur ou les conséquences de la dépendance aux drogues, plutôt que par choix. Grâce à son œuvre, Zownir a cherché à inscrire ces existences oubliées ou ignorées dans la conscience du public – aussi inconfortable que cela puisse se révéler. NYC RIP est un mémoire visuel de ces années palpitantes, sans foi ni loi, où Zownir dévoile le côté sombre mais aussi fascinant et effrayant de la ville. Publié en édition limitée à 1000 exemplaires par Pogo Books, le livre de 216 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de l’éditeur allemand.