Category Archives: Art

MARK STEINMETZ – RIVERS & TOWNS

Art // mars 15th, 2022

Né aux Etats-Unis d’une mère française et d’un père hollandais, Mark Steinmetz a été influencé aussi bien par la culture européenne qu’américaine. Tout au long de sa carrière, qui a débuté au milieu des années 1980, le photographe s’est appuyé sur des événements fortuits pour réaliser ses photographies. Travaillant par séries, ses clichés intimes en noir et blanc couvrent des sujets tels que l’enfance et l’adolescence. Il réalise également de très beaux projets sur des petites villes du sud-est américain, des scènes de rue à Paris et diverses villes italiennes. Distillées au compte-gouttes, à tel point qu’elles n’apparaissent qu’en filigrane à l’œil averti, ses influences sont aussi nombreuses que diverses; on évoquera Stieglitz, Strand, Evans, Friedlander, Winogrand, Eggleston tout autant qu’Atget, Cartier-Bresson, Kertész, Sander ou encore Boubat. Et, bien sûr, les repères ne sont pas que photographiques. Son œuvre est également littéraire et cinématographique (l’auteur considère d’ailleurs que la photographie et le cinéma sont des formes de littérature). Les photographies du nouveau livre de Mark Steinmetz, publié par les éditions britanniques Stanley/Barker, Rivers & Towns, ont été réalisées dans les années 1980 dans des villes ouvrières du Connecticut, aux États-Unis. Le photographe explique: « Les usines et les moulins maussades construits le long des rivières avaient connu leur apogée et commençaient à décliner. J’ai été ému par ces lieux et j’ai voulu décrire les ponts, les maisons et les rues, et montrer quelque chose de la vie intérieure des gens. En même temps, j’essayais de me découvrir en tant que photographe. » Ce superbe ouvrage de 208 pages, la quatrième collaboration avec Stanley/Barker à ce jour, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de l’éditeur.

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2022 – PRECEDENTS

Art // mars 14th, 2022

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Precedents’ se déroule du lundi 14 mars au dimanche 20 mars 2022. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les recettes de la vente seront reversées à hauteur de 50% au Comité international de la Croix-Rouge (CICR). Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à 110€ sur le site magnumphotos.com/shop/.

KATE BELLM – LA ISLA

Art // mars 7th, 2022

Le magazine indépendant Mirage publie La Isla, le nouvel ouvrage de la photographe d’origine londonienne Kate Bellm. Au cours des dernières années, Bellm a photographié pour des magazines comme GQ, Vogue, Wonderland, Playboy, Interview et 032c, ainsi que pour des marques comme Gucci, Adidas et Audi. Ce nouvel ouvrage est le fruit de la rencontre entre la photographe et le directeur créatif allemand Frank Rocholl sur l’île espagnole de Majorque. La Isla évoque un sentiment de nostalgie pour un endroit où vous n’êtes jamais allé. La vie sur le rocher semble différente de la vie sur le continent. Ici, au milieu de la Grande Bleue, un monde alternatif semble possible. Avec un désir de dépeindre la joie d’explorer de nouveaux endroits, Kate Bellm s’est trouvée instantanément chez elle à Majorque. Elle a exploré chaque recoin des falaises des Baléares, entourée d’un groupe d’amis qui semblent être devenus une famille élargie. Poussée par son amour de l’aventure, de la communauté et de la simplicité, elle a capturé un voyage ensoleillé tout autour du récif. Le travail de Kate est une extension de sa façon de vivre. Elle n’est pas une observatrice, elle fait partie intégrante de l’univers qu’elle photographie, prenant part à toutes les aventures qu’elle décrit. La photographie épurée et atmosphérique de Bellm séduit et attire le spectateur dans un paradis psychédélique issu d’un autre monde – avec des paysages colorés décalés, des cactus fous, des vues brumeuses et chaudes, des palmiers vacillants et des formes rocheuses colossales. Ses magnifiques nus construisent des récits enivrants qui dégagent une alchimie à la fois romantique et bohème. S’inspirant de l’œuvre d’Helmut Newton, Bellm dépeint la féminité avec fascination, alliant élégance, sexualité et autonomisation des femmes. Parmi ses amis et ses amants, l’artiste trouve ses modèles et ses muses, ce qui lui permet de travailler avec spontanéité et aisance, et lui confère le charme de la liberté de la jeunesse. La Isla est un livre sur l’écoute de l’appel intérieur à être libre, plus joyeux, plus spontané, transcendantal et brut. Ce très bel ouvrage de 200 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne du magazine Mirage.

NICK HAYMES – THE LAST SURVIVOR IS THE FIRST SUSPECT

Art // mars 3rd, 2022

Publié par les éditions suisses Kodoji Press, The Last Survivor is the First Suspect est à la fois une célébration et un requiem. Le projet, capturé entre 2005 et 2009 par le photographe Nick Haymes, est le témoignage d’une communauté de jeunes amis à la dérive, basée principalement entre deux points géographiques distincts : la Californie du Sud et Tulsa, en Oklahoma. La narration du livre mêle un sentiment de joie à documenter les amitiés et les liens naissants, et un sentiment de crainte qui culmine finalement dans une série de tragédies. Les photographies intimes de Haymes sont entrelacées d’une série de captures d’écran numériques que Haymes a identifiées comme essentielles à ce moment précis et qui offrent au spectateur un récit secondaire d’engagement. Les médias sociaux étaient encore relativement jeunes et Haymes a pris conscience d’un nouveau sens nodal de la communication entre ces groupes d’amis distincts. Des plateformes telles que MySpace, YouTube et les forums de discussion en ligne ont engendré un sentiment de communauté en permettant la connexion, tout en établissant des normes et des attentes nouvelles et impossibles à satisfaire. Diligemment collectées, ces diverses formes de communication entre les personnages forment un présage. Dans l’introduction de son livre, Haymes raconte comment son appareil photo lui a permis de compenser une timidité invalidante qu’il a développée pendant son adolescence. « J’ai pris un appareil photo et je me suis caché, découvrant que je pouvais à nouveau être proche des gens, intime avec eux, sans avoir à m’engager », écrit-il. Pour créer cette publication, l’artiste est revenu à un corpus d’images, reconstituant pour lui-même ce qui est arrivé à ces personnes. Haymes nous invite ici à nous engager de manière contemporaine dans ce moment historique spécifique, où les choses sont à la fois différentes et identiques dans une même mesure. L.P. Hartley ouvrait son célèbre opus The Go-Between sur le thème du passage à l’âge adulte en ces termes : “Le passé est un pays étranger ; on y fait les choses différemment”. The Last Survivor is the First Suspect montre ce sentiment avec une clarté remarquable. Le livre de 480 pages, produit dans une édition limitée à 700 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kodoji Press.

PETER SUTHERLAND – STREET LORDS

Art // février 25th, 2022

Peter Sutherland est né en 1979 dans une petite ville du Michigan. Installé à New York depuis 1998, il est amoureux des rues et du chaos semi-organisé de l’immense métropole. Publié par les éditions belges Triangle Books, Street Lords est une lettre d’amour à NYC, avec des centaines de portraits qui capturent l’atmosphère magique de la ville à travers les visages de ses habitants. Le photographe explique: « J’ai vécu à New York de 1998 à 2020. J’ai la chance d’avoir rencontré tous ces gens et de les considérer comme mes amis. Ils font tous partie du chaos semi-organisé qui donne à New York ce sentiment magique, l’esprit de communauté qui rend les grandes villes si spéciales. J’ai toujours pris des photos de rue au fil des ans, puis quand Maia et moi avons eu notre fils, je le promenais dans sa poussette et je tombais sur des gens. Je leur demandais si je pouvais les photographier et c’est ainsi qu’est née la série Street Lords. Dans la rue, nous sommes ouverts, en mouvement, nous changeons constamment. Ce que j’aime dans ces images, c’est l’atmosphère que l’on peut capturer lorsqu’on ne prend qu’une ou deux images, l’arrière-plan, l’éclairage ou tout autre élément photographique ayant moins d’importance, mais on finit toujours par capturer quelque chose d’intime. » Imprimé en édition limitée à seulement 1000 exemplaires, ce livre de photos est dédié aux véritables protagonistes de la routine trépidante de New York. L’ouvrage de 432 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Triangle Books, ainsi que dans les meilleures librairies spécialisées.

MAX PINCKERS – A BOOK BY HANS THEYS

Art // février 21st, 2022

La photographie peut-elle expliquer le monde? L’artiste-photographe belge Max Pinckers soumet la discipline à une analyse en profondeur. Il explore les limites du documentaire et en montre le caractère manipulatif. La réponse artistique de Pinckers est un documentaire spéculatif, dans lequel fiction et réalité se mêlent et se conjuguent. Dans son travail, il explore les structures critiques, technologiques et idéologiques qui sous-tendent la production et la consommation d’images documentaires. Pour Pinckers, le documentaire est un processus spéculatif dans lequel la réalité et la vérité peuvent être utilisées comme des concepts multiples et malléables. Publié par les éditions belges Hannibal Books, ce livre trilingue est l’aboutissement provisoire de dix ans de collaboration entre le photographe belge Max Pinckers et l’écrivain Hans Theys, qui a reçu l’autorisation de réaliser un livre de photos classique avec une sélection personnelle de toutes les photos de Pinckers, sans devoir tenir compte de leur contexte d’origine. La publication comprend également un essai dans lequel Theys considère l’œuvre de Pinckers à partir de certaines réflexions de Susan Sontag. Le livre de 324 pages est publié à l’occasion de l’exposition personnelle du photographe – Double Bind au Musée de la Photo d’Anvers du 26 novembre 2021 au 13 mars 2022. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hannibal Books.

CHARLES H. TRAUB – TICKETY-BOO

Art // février 16th, 2022

Charles H. Traub est un photographe et éducateur américain, connu pour ses photographies en couleurs qui portent un regard ironique sur le monde. Il a fondé le programme de Master en Photographie, Vidéo et Nouveaux Médias à la School of Visual Arts de New York en 1987, qui était le premier programme du genre à embrasser pleinement la pratique de la photographie numérique. Les éditions italiennes Damiani publient aujourd’hui Tickety-Boo, le nouvel ouvrage du photographe aujourd’hui âgé de 76 ans. Le livre est une sélection hétéroclite d’instantanés pris au smartphone au cours des quatre dernières années et illustrant les activités quotidiennes du photographe. Le smartphone est un aujourd’hui un outil essentiel qui fait de la photographie une réaction naturelle à presque tous les stimuli, une action aussi rapide et discrète que le clignement d’un troisième œil. Un courant de conscience traverse la réponse photographique de Traub aux lieux, aux choses et aux personnes qui attirent son attention. Ses sujets sont souvent ambigus et présentés avec peu de contexte; pourtant, une fois les images compilées, elles créent une sorte de complexité picturale à la fois apaisante et troublante. En feuilletant les pages, le lecteur découvre un diaporama kaléidoscopique de moments de la vie quotidienne de Traub, conçu de telle sorte que chaque photographie amplifie les autres et conduit le lecteur à la séquence suivante. Animant le banal et le quotidien, Tickety Boo jette un regard incisif sur les conditions délirantes de notre époque. Le livre de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Damiani, ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

AMERICAN SILENCE – THE PHOTOGRAPHS OF ROBERT ADAMS

Art // février 11th, 2022

Depuis cinquante ans, Robert Adams réalise des photographies fascinantes, provocantes et très influentes qui nous montrent l’émerveillement et la fragilité du paysage américain, sa beauté inhérente et l’inadéquation de notre réponse à celui-ci. Publié par les éditions américaines Aperture, American Silence : The Photographs of Robert Adams examine l’acte révérencieux d’Adams consistant à regarder le monde qui l’entoure et le silence presque palpable de ses photographies. Il comprend des œuvres qui capturent le sentiment de paix et d’harmonie que la beauté de la nature peut nous inspirer, créé par ce qu’Adams appelle “le silence de la lumière” de l’Ouest américain (tel qu’il est vu dans la prairie, dans les bois et au bord de l’océan), ainsi que des images qui remettent en question notre silence moral face à la profanation de cette beauté par le consumérisme, l’industrialisation et le manque de gestion de l’environnement. Le livre présente quelque 175 œuvres issues des projets les plus importants d’Adams et comprend des photos de l’extension des banlieues, de centres commerciaux, d’autoroutes, de maisons et de magasins, ainsi que de rivières et de ciels, de prairies et d’océans. Si les photographies d’Adams déplorent les ravages infligés à la terre, elles rendent également hommage à ce qui reste. Ce superbe livre de 304 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

CONTEMPORARY JAPANESE POSTERS

Art // février 9th, 2022

Publié par les éditions italiennes Skira, Contemporary Japanese Posters rassemble le meilleur du graphisme japonais dans les affiches qui ont accompagné le Japon des Jeux olympiques de Tokyo de 1964 à la création du logo Issey Miyake, et de l’Expo d’Osaka à l’affiche officielle du Pan-Pacific Design Congress. Cette publication couvre d’une part le passé, en passant en revue certains des grands maîtres les plus reconnus, et d’autre part en explorant de nouveaux acteurs et de nouvelles tendances. Le volume réunit ainsi 85 graphistes et 756 affiches. On considère que l’affiche contemporaine japonaise a émergé au milieu des années 50, après la Seconde Guerre mondiale et après une période de dépression, de post-militarisme et de post-autarcie. Ce nouveau mode d’expression était alimenté par des influences venus de l’étranger, mais c’était aussi l’occasion de réinterpréter des thèmes et des couleurs traditionnels, en les faisant entrer dans la modernité de manière rafraîchissante et efficace. Depuis l’après-guerre, le Japon a connu une évolution rapide des arts : peinture, architecture, sculpture, graphisme, théâtre, musique et cinéma. Influences, assimilations, reniements, transformations, nouveaux processus créatifs ont donné naissance à une vaste quantité de mouvements culturels et artistiques. Dans ce dédale de formes expressives, le graphisme est un outil précieux pour tracer et suivre le fil de la créativité nationale et la permanence plus ou moins intense de la sensibilité esthétique traditionnelle dans les nouvelles formes artistiques adoptées. Plus d’un demi-siècle après l’apparition du graphisme et à l’approche des Jeux olympiques de 2021/2022, ce volume vise à donner une vue d’ensemble des tendances et des changements esthétiques que l’on peut observer dans le développement du graphisme au Japon. L’imposant ouvrage de 520 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Skira ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

ROBIN DE PUY – DOWN BY THE WATER

Art // février 7th, 2022

Les photographies de Robin de Puy (née en 1986 aux Pays-Bas) partent du désir de raconter sa propre histoire à travers les visages des autres. Qu’il s’agisse de l’adolescent aux taches de rousseur qu’elle a remarqué alors qu’elle faisait le plein d’essence dans le Wyoming, de l’auteur, poète et chroniqueur néerlandais Remco Campert, ou du garçon Randy qu’elle a rencontré dans le Nevada lors de son road trip américain (voir ici), de Puy considère l’appareil photo comme une aide pour comprendre les traits et les histoires profondément personnels de chaque personne, et comment ils révèlent également quelque chose sur elle-même. La photographe vit depuis plusieurs années à Wormer, un petit village entouré d’eau situé juste au nord d’Amsterdam. Fascinée par la campagne américaine, elle découvre lors du récent confinement que son nouvel environnement s’avère très universel, avec le même genre de curiosités locales dans les petites villes qu’elle a souvent rencontrées lors de ses voyages dans les paysages ruraux d’Amérique. Elle rencontre par exemple un chaman de onze ans qui lui fait visiter pieds nus un territoire interdit, se promène en voiture avec quatre frères qui ricanent sur la banquette arrière, et rencontre un chiromancien qui lui donne immédiatement les clés de sa maison. Des dizaines de rencontres suivent et, petit à petit, non seulement un livre de photos se crée, mais aussi un monde dans lequel elle commence à se sentir chez elle. Publié par les éditions belges Hannibal Publishing, Down by the Water (140 pages) est maintenant disponible sur leur boutique en ligne.

MIKE MANDEL – ZONE ELEVEN

Art // février 4th, 2022

Les éditions italiennes Damiani publient Zone Eleven, le nouvel ouvrage de l’artiste conceptuel et photographe américain Mike Mandel. Zone Eleven est une référence au Zone System d’Ansel Adams, une méthode pour contrôler l’exposition du négatif afin d’obtenir une gamme complète de tonalités dans le tirage photographique, du noir le plus profond de la zone 0 au plus brillant de la zone 10. “Zone Eleven” est une métaphore inventée par Mandel dans son défi de créer un livre de photographies d’Adams en dehors des limites de son travail personnel. La plupart de ces photographies ont été trouvées dans les archives de ses missions commerciales et éditoriales, et à partir de ses expérimentations avec le nouveau matériel Polaroid de l’époque. Pour ce livre, Mandel a déterré des images inattendues pour Adams et créé un nouveau contexte de relations entre les pages et les séquences. Zone Eleven est le fruit des recherches de Mike Mandel portant sur plus de 50 000 images d’Adams conservées dans quatre archives différentes, afin de présenter un ensemble d’œuvres d’Adams jusqu’alors inconnu. Mike Mandel est bien connu pour sa collaboration avec Larry Sultan dans les années 1970 à 1990. Ils ont publié Evidence en 1977, une collection de 59 photographies choisies parmi plus de deux millions d’images que les artistes ont consultées dans les archives d’agences gouvernementales et d’entreprises technologiques. Conceptuellement, Zone Eleven est un livre complémentaire à Evidence. Alors qu' »Evidence » recadre la photographie documentaire institutionnelle en lui donnant un nouveau contexte et une nouvelle signification, Zone Eleven répond à l’attente du public de « l’emblématique photographie de nature d’Ansel Adams ». Mais Mandel sélectionne des images qui ne correspondent pas à cette attente. Zone Eleven est un livre d’images d’Ansel Adams qui, de manière surprenante, abordent les questions des relations sociales, de l’environnement urbain et de l’aliénation. L’ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Damiani ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

MARIE TOMANOVA – NEW YORK NEW YORK

Art // janvier 31st, 2022

Originaire de Moravie du Sud à la frontière de la République tchèque et de l’Autriche, Marie Tomanova rejoint les États-Unis en 2011, après avoir obtenu un master de peinture à la faculté des Beaux-Arts de l’université de Technologie de Brno. Elle se tourne alors vers la photographie et commence à explorer les thèmes du déplacement, de l’identité et de la mémoire. Le premier livre de la photographe, Young American (2019), qui comporte une préface du célèbre photographe Ryan McGinley, a connu un énorme succès lors de sa sortie. Les magazines d’art et de mode ont débordé d’enthousiasme. Les éditions allemandes Hatje Cantz publient aujourd’hui son deuxième ouvrage intitulé New York New York, sur la jeunesse vivant dans cette ville, avec une préface signée Kim Gordon. Entremêlant habilement portraits et paysages, la photographe élargit et recontextualise l’importance et la signification de chacun d’eux. Tomanova nous montre un panorama puissant et dynamique d’identités de personnes et de lieux, et un avenir fascinant libéré des modèles de genre et des définitions dépassées de la beauté. La photographe explique: « Le livre est un portrait de la ville de New York et un paysage de la jeunesse – il mélange ces deux genres en un seul. Il parle de la liberté que j’ai éprouvée lorsque j’ai emménagé ici pour la première fois et de l’insécurité et de la distance que j’ai ressenties en raison de mon statut d’immigrée. New York New York parle d’être et de devenir soi-même, ce qui n’est pas chose facile. Dans ces photos, chacun est exactement ce qu’il est ou ce qu’il est en train de devenir, ce dont Kim Gordon parle dans son avant-propos : elle est arrivée à New York comme jeune artiste et a dû négocier avec la ville, s’intégrer et se trouver elle-même et porter une parole. Je m’identifie à cela et je pense que les personnes qui figurent dans le livre le font aussi. » L’ouvrage de 176 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hatje Cantz ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.