Category Archives: Art

PATRICK SANSONE – NOTICINGS

Art // juin 28th, 2025

Composée de clichés réalisés entre l’hiver 2019 et l’été 2021, Noticings est la deuxième monographie du musicien et photographe Patrick Sansone. Paraissant quinze ans après son livre 100 Polaroids, Noticings représente un approfondissement et une expansion des préoccupations thématiques et esthétiques établies dans ce premier volume auto-publié. Noticings est toujours une affaire résolument analogique, mais comme Sansone est passé de l’instantané au 35 mm et au film moyen format, les valeurs conceptuelles de ses images sont devenues plus grandes et plus nettes. L’œil de Sansone est depuis longtemps attiré par les vestiges des petites villes de l’Amérique du milieu du siècle, mais comme ils sont réfractés à travers l’objectif du Covid-19, les enseignes usées, les vitrines fermées et les terrains vagues qui peuplent nombre de ses photographies prennent une nouvelle résonance, marquée par le temps et pourtant intemporelle, comme si la lente décadence du rêve américain s’était soudainement métastasée et propagée à l’extérieur du cœur de l’Amérique. Ayant fait le tour du monde avec les groupes Wilco, The Autumn Defense et autres, Sansone a cultivé une appréciation de flâneur pour l’acte de se déplacer avec détermination et perspicacité à travers les espaces, toujours ouvert aux rencontres avec la beauté ignorée. Alors qu’une grande partie du monde était en pause pendant la pandémie, Sansone est néanmoins resté en mouvement, prenant de longues routes à travers le sud des États-Unis, s’arrêtant pour flâner dans les petites villes le long du chemin et, ce faisant, créant le corpus d’œuvres présenté dans cet ouvrage. Mais il ne s’agit pas d’une photographie de rue typique, au sens où l’on entend cette pratique ; elle est plus patiente et réfléchie. ses voyages solitaires et ses promenades avec ses appareils photo ont été un moyen de lutter contre l’anxiété et l’atmosphère pesante de ce moment. D’être seul et présent. Pour centrer ce qu’il a fini par décrire comme un « état d’observation accru », en s’autorisant à converser tranquillement avec la lumière qui l’entourait, en laissant son œil aller là où il le souhaitait, sans jugement. Ce très beau livre de 160 pages, auto-publié par l’artiste dans une édition limitée de 500 exemplaires, est maintenant disponible sur sa boutique en ligne.

MARK COHEN – TALL SOCKS

Art // juin 18th, 2025

Mark Cohen est le photographe de rue par excellence. Né en Pennsylvanie en 1943, ce dernier utilise depuis les années 60 une approche agressive dans laquelle il se rapproche au plus près des passants, appareil photo dans la main, flash dans l’autre, et prend son cliché avant qu’ils ne soient conscients d’être photographié. Ses images, d’apparence austère, capturent des moments, des gestes, et des émotions qui, parce qu’ils pourraient être invisibles aux sensibilités des autres, témoignent de la perception innée supérieure de Cohen, son don visuel à la fois précis, intelligent et subtil. Son œuvre a reçu une reconnaissance précoce, avec une exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de la ville de New York dès 1973, alors qu’il n’avait que trente ans. Les critiques à son égard n’ont depuis cessé d’être élogieuses. Aujourd’hui, le travail de Cohen est exposé dans plus de trente collections internationales de premier plan, allant du Metropolitan Museum à New York au Metropolitan Museum of Photography de Tokyo. Publié par les éditions britanniques GOST Books, Tall Socks présente des images prises à New York il y a plus de 50 ans et qui sont publiées pour la première fois. En juillet 1973, Mark Cohen passe un mois dans une chambre d’étudiant à l’université de New York, tout en participant à un atelier de production cinématographique. Ses cours quotidiens étant de courte durée, il profite de son temps libre pour flâner dans la ville avec son appareil photo. Seules quelques images ont été imprimées à l’époque et la grande majorité d’entre elles sont restées invisibles, sauf sous forme de négatifs, jusqu’à aujourd’hui. Dans les années 1970, New York était réputée pour son taux de criminalité élevé, ses troubles sociaux, son métro peu sûr et sa qualité de vie en déclin. Le marasme économique avait durement frappé la ville et de nombreux habitants de la classe moyenne avaient quitté la ville pour s’installer en banlieue. Les photographies de Cohen en témoignent souvent par les graffitis, les détritus et les ruines présents dans les rues, mais ses images dépeignent également un New York plein de vie et en mouvement. Bien que la séquence du livre ne suive aucune narration particulière, le rythme des images donne l’impression de se promener dans une ville dont les habitants sont en perpétuel état de transit, Cohen se déplaçant discrètement à travers elle. Il y a des changements d’un bloc à l’autre, d’une étape à l’autre, et des détails et des impressions sont observés. Certaines images sont empreintes d’un sentiment de menace – le regard d’un étranger et les stations de métro menaçantes – mais aussi d’humour et de joie que l’on retrouve dans les chaussettes hautes d’un enfant, une dame avec des plumes de paon, un éléphant incongru ou une jeune fille portant une planche de bois dans une rue pavée. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

THE TOUCH (NORM ARCHITECTS + KINFOLK)

Art // juin 10th, 2025

Norm Architects est un studio fondé en 2008 et basé à Copenhague, qui travaille dans les domaines de l’architecture, des intérieurs, du design et de la photographie. Leurs réalisations, à la fois sensorielles et simples, visent à trouver un équilibre entre richesse et retenue, et entre ordre et complexité. S’appuyant sur des siècles d’échanges culturels entre le Japon et la Scandinavie, les années de collaboration étroite de Norm Architects avec des designers japonais ont façonné leur philosophie en matière de design. Le livre The Touch, publié par les éditions berlinoises Gestalten est une nouvelle collaboration entre Nathan Williams du magazine Kinfolk et Jonas Bjerre-Poulsen de Norm Architects qui nous présente plus de 25 espaces inspirants où la décoration d’intérieur n’est pas seulement attrayante sur le plan visuel, mais fait appel à tous les sens. À travers de magnifiques maisons, hôtels, musées et boutiques – des créations contemporaines d’Ilse Crawford et de Bijoy Jain aux classiques d’Arne Jacobsen – les lecteurs sont invités à explorer la manière dont l’expérience d’éléments tels que la lumière, la nature, la matérialité, la couleur et la communauté peut délibérément nous ramener à nos sens et imprégner chaque jour d’une qualité plus riche. Outre de magnifiques images et des entretiens avec des leaders de l’industrie du design tels que John Pawson et David Thulstrup, le livre détaille également des références philosophiques et d’histoire de l’art qui reflètent la tradition du design et de la théorie de la couleur. Pour une meilleure compréhension des concepts explorés, The Touch comprend une annexe qui dresse le portrait d’architectes tels que Lina Bo Bardi et Richard Neutra. Les pièces de design du patrimoine qui ont contribué à influencer ce mouvement sont également répertoriées dans le livre. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gestalten.

JUNGJIN LEE – THING

Art // juin 7th, 2025

Née en 1961 en Corée, Jungjin Lee est installée à New York et a réalisé plusieurs projets qui explorent le paysage et son histoire à base d’images panoramiques monochromes aux compositions parfaites et qui dégagent une ambiance de sérénité. Au début des années 1990, la photographe coréenne effectue plusieurs voyages à travers l’immensité de l’Amérique. Elle y a capture des images archaïques et primitives des déserts, des rochers, des broussailles et des cactus. Ses séries d’images fragmentaires et poétiques ont été décrites par le grand Robert Frank comme des «paysages sans la bête humaine». S’appuyant sur son héritage sud-coréen, l’artiste développe un langage pictural unique en son genre: Ocean, On Road, Pagodas, Things et Wind sont autant de séries dans lesquelles son intérêt fondamental pour la nature et la culture s’exprime dans un espace de résonance poétique. Dans son œuvre, Lee utilise sa compréhension profonde de la matérialité, la texture et l’artisanat. Elle utilise notamment un papier de riz traditionnel coréen sur lequel elle applique à la brosse en chambre noire une émulsion photo-sensible (Liquid Light). Les imprécisions qui en résultent dans le processus de développement et les imperfections dans la production vont à l’encontre de la supposée prétention à la vérité de la photographie. La présence physique des photos grand format de Jungjin Lee est immédiatement captivante. Elle utilise la photographie pour poursuivre une recherche intérieure quasi mystique, une méditation sur notre place dans le monde, sur notre rapport à la nature et aux objets. Qu’elle pose son regard sur le lointain ou le proche, Lee transcende la vision ordinaire et extrait du monde des “immémoriaux”. Ses photographies nous font entrevoir ce que pouvait être l’art à ses débuts : une médiation chamanique qui reliait l’homme à ce qui l’entourait. Sa série « Thing », publiée par les éditions de Séoul Datz Press, se compose d’œuvres capturant des objets quotidiens en gros plans intimes, qui sont ensuite imprimés en noir et blanc sur du papier coréen fabriqué à la main. Grâce à un processus de prise de vue méditatif, l’artiste distille l’essence du sujet, en éliminant tous les éléments étrangers. Les arrière-plans et les ombres sont éliminés, les formes sont simplifiées et les espaces vides sont remplis des émotions et des pensées intériorisées de l’artiste. En particulier, les espaces blancs qui entourent chaque objet sombre reflètent le concept de « vide » de la peinture et de la calligraphie orientales. Grâce à cet espace vide, les objets acquièrent une nouvelle signification. Lee s’interroge sur le rôle artistique qui consiste à explorer et à exprimer l’essence de l’existence par l’observation. Cette série occupe une place unique et distinctive dans l’œuvre de l’artiste, qui est généralement constituée de paysages. Jungjin Lee explique: « Pour moi, les photographies n’existent pas en tant que résultat, mais en tant qu’outil. Plutôt qu’une reproduction de la réalité ou une reconstruction de la beauté visuelle, elles servent de base à une contemplation fondamentale – des pensées qui ne peuvent être exprimées par des mots, des idées qui ne peuvent être affirmées ou soulignées d’une seule manière, des moments qui ne sont ni fluides ni immobiles, une interruption dans un espace infiniment ouvert, silencieux mais intense, des fragments surréalistes de la vie quotidienne, et des moyens d’expression métaphoriques – et c’est ainsi que les images ont été choisies. La série Thing, contrairement à mes travaux précédents, provient de quelque chose qui m’est plus proche, de quelque chose de familier. Cette familiarité naît de l’acte d’attente et d’une communication secrète entre moi et les objets. Cette familiarité, à son tour, devient étrangère à travers le vide de la pensée. Le vide, comme l’espace blanc dans une photographie, fait rêver les objets ». La vitalité de la série « Thing », qui est restée intacte pendant 20 ans, est transformée aujourd’hui en un objet élégant grâce au hanji (papier coréen fait à la main) et aux techniques traditionnelles de reliure à la main. Ce magnifique ouvrage de 66 pages, publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Datz Press.

MARGARET KILGALLEN – ENDPAGES

Art // juin 6th, 2025

La V1 Gallery de Copenhague présente depuis aujourd’hui l’exposition Endpages de Margaret Kilgallen, une exploration des matériaux, du langage et de la forme chez l’artiste californienne décédée en 2001. Le titre fait référence aux premières et dernières pages d’un livre, souvent usées, tachées ou déchirées, sur lesquelles Kilgallen a peint en utilisant des matériaux de récupération. Influencée par son passage à la bibliothèque publique de San Francisco, où elle a appris à restaurer des livres, Kilgallen juxtapose dans ses œuvres les imperfections des pages jetées à son travail au trait précis et audacieux. Ces œuvres célèbrent le fait main et l’esthétique wabi-sabi, tout en reflétant son étude de la typographie. Kilgallen entrelace des formes de lettres graphiques avec des éléments picturaux, mélangeant les frontières entre le texte et l’image pour créer un langage visuel dynamique qui remet en question les formes traditionnelles de représentation. Jusqu’au 21 juin 2025.

SOFIA COPPOLA/CORINNE DAY – THE VIRGIN SUICIDES

Art // mai 27th, 2025

Pour marquer les 25 ans du film de Sopha Coppola, The Virgin Suicides, la cinéaste publie un recueil des photographies de Corinne Day, publié par Important Flowers, son nouvel espace éditorial, adossé à la maison MACK. Sans encore imaginer l’importance que le film allait prendre auprès du public, en particulier féminin, Sofia Coppola demande à la regrettée photographe britannique Corinne Day de documenter le tournage. Ses images sont elles-mêmes devenues iconiques : on peut y voir les jeunes actrices du film – Kirsten Dunst, A.J. Cook, Hanna Hall, Leslie Hayman, Chelse Swain – entassées sur un lit ou assoupies entre deux prises, ou encore des portraits d’un Josh Hartnett au charme encore balbutiant. Réputée pour ses photographies dépouillées et déroutantes de mannequins emblématiques des années 90, la représentation de la beauté féminine de Day a trouvé son équivalent chez Coppola, dont les débuts ont marqué la première de ses représentations de la féminité, sans affect et avec empathie. Édité à partir des négatifs originaux de la photographe, ce volume, dont le lancement coïncide avec le vingt-cinquième anniversaire de The Virgin Suicides, offre un aperçu fascinant et inédit de la mise en scène énigmatique par Coppola des sœurs Lisbon et de leur vie en banlieue. Dans les clichés de Corinne Day, la mystique luxuriante du décor de Coppola se retrouve dans les images des jeunes acteurs en action et entre les prises, leurs postures candides et leurs expressions songeuses reflétant l’environnement intime et collaboratif de la prise de vue. Des fragments du décor et des costumes apparaissent de manière suggestive – crucifix, soutiens-gorge en dentelle rose, robes de bal, produits de beauté et pommes au caramel – jouant tous un rôle dans la description par Coppola du désir et de la répression de l’adolescence. Complété par de nouveaux textes de Sofia Coppola et Jeffrey Eugenides, ce volume ouvre un dialogue fascinant entre le texte original d’Eugenides et l’adaptation culte de Coppola. Le livre de 88 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques MACK.

LEONARD FREED – POLICE WORK

Art // mai 13th, 2025

Leonard Freed (1929-2006) était un photojournaliste documentaire américain et membre de la célèbre agence Magnum Photos. Né à Brooklyn, dans l’État de New York, il est devenu célèbre pour son portrait des injustices sociales et raciales, en particulier par rapport à la communauté noire pendant le mouvement américain des droits civiques dans les années 1960. Les éditions britanniques Reel Art Press présentent une nouvelle édition du livre classique de Leonard Freed, publié pour la première fois en 1980: Police Work. Il s’agit de la collection définitive des photographies prises par le photographe du département de police de New York pendant les turbulentes années 1970. Les images ont été reproduites avec soin à partir des négatifs originaux et en utilisant comme référence des tirages vintage créés par le maître imprimeur et la veuve de Freed, Brigitte Freed. Les photographies n’ont jamais été imprimées dans une telle qualité auparavant et la clarté de l’impression permet d’apprécier à sa juste valeur le talent de Freed en tant que documentariste socialement conscient. Freed a travaillé avec la police de New York pendant plusieurs années, les accompagnant dans des enquêtes sur des meurtres, des descentes de drogue, des manifestations publiques et des initiatives de sensibilisation communautaire, ainsi que capturant le quotidien ordinaire du travail. Cet ensemble complexe d’œuvres documente la dure réalité de la vie « sur le rythme » à une époque notoire de grands troubles sociaux et de criminalité galopante, avec la ville au bord de la faillite. Au cours de ses dix années passées au service de police, Freed a expliqué: « ce que j’ai vu, c’était des gens ordinaires qui faisaient un travail parfois ennuyeux, parfois corrompu, parfois dangereux, laid et malsain ». Cette série culte, indisponible depuis plusieurs années, empreinte à la fois d’une grande intensité et d’une certaine grâce, saisit la camaraderie des officiers aux côtés des personnes qu’ils sont tenus de protéger. Le livre de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

HUSKMITNAVN – MED TRYK PÅ

Art // mai 3rd, 2025

Artiste danois multidisciplinaire et d’une incroyable productivité, HuskMitNavn (« Souviens-toi de mon nom » en danois) cultive son anonymat tout en accumulant les expositions solos et collectives à Bruxelles, New York, Rotterdam, Berlin ou Oslo. Sa pratique artistique va du graffiti dans l’espace public au dessin de presse et de la peinture au dessin. Ses figures, empreintes d’un style très personnel où l’aplat côtoie le crayonné, sont influencées par les comics et la bande dessinée. Tantôt satiriques, tantôt sarcastiques, souvent humoristiques, elles nous mettent en position de spectateur face au comique de notre routine journalière et aux absurdités de notre société. À l’occasion de l’exposition personelle de l’artiste au musée Kastrupgaardsamlingen près de Copenhague, un magnifique catalogue a été publié: MED TRYK PÅ. L’ouvrage présente une rétrospective de la production graphique de l’artiste avec plus de 150 œuvres. Le livre met en lumière son approche polyvalente du graphisme – de la lithographie à la sérigraphie – et le ton personnel et souvent humoristique qui caractérise son univers. Le livre contient également une interview dans laquelle HuskMitNavn évoque son art et le travail sous pseudonyme, ainsi qu’un texte de l’historien de l’art Peter Ole Pedersen, qui explore la relation de son œuvre graphique avec les masses. L’artiste explore l’homme ordinaire et de la vie humaine ordinaire, où l’absurdité et les contradictions de ce que nous faisons dans la vie de tous les jours sont souvent au centre. Nous croisons tous les archétypes du quotidien : le retraité, le parent débordé, le promeneur de chiens, le travailleur, le couple amoureux, la femme au sac, l’homme simple à mobylette, le joggeur, etc. La vie quotidienne est l’heure de gloire de l’anti-héros. C’est sur ce ton satirique et bien veillant que les histoires des œuvres de HuskMitNavn embrassent avec amour et humour le quotidien de l’homme moderne, aussi paradoxal qu’il puisse être perçu. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de l’artiste.

DIETER RAMS – LESS BUT BETTER

Art // avril 24th, 2025

Dieter Rams est l’un des designers les plus influents du XXe siècle. Ses créations pour des marques comme Braun et Vitsœ ont influencé la vie de millions de personnes. Pendant plus de soixante ans, il a défini les caractéristiques esthétiques, techniques et fonctionnelles de certains des produits de consommation les plus appréciés au monde. Mais Dieter Rams s’est aussi distingué par sa manière de regarder les objets qui nous entourent et par sa capacité à reconnaître leur valeur et leur utilité. Less but Better, publié par les éditions berlinoises Gestalten, présente la vie et la carrière du légendaire designer allemand. L’édition actualisée du livre se penche sur la philosophie du design fonctionnel de Dieter Rams et sur son influence sur le monde du design industriel. Les idées sur ce que peut et doit être un bon design sont en constante évolution en raison des développements culturels et technologiques. Dieter Rams a toutefois énoncé dix principes qui prônent un design puriste, presque imperceptible. Aujourd’hui encore, ces principes sont considérés comme des fondements intemporels de la théorie et de la pratique du design. Less but Better ne prétend pas être une documentation complète de l’œuvre de Dieter Rams, ni raconter toute l’histoire de l’entreprise Braun. Le livre explore plutôt les idées, les critères et les méthodes qui sous-tendent les créations de Rams et révèle comment une culture changeante de la fabrication de produits a donné naissance à des références universelles en matière de design. De ses réflexions sur l’éthique et les valeurs du design, nous pouvons tirer un paradigme clair pour le design futur, car un principe est resté ferme au fil des ans : moins, c’est tout simplement mieux. Cette nouvelle édition révisée de cet ouvrage culte montre une fois de plus pourquoi l’approche de Dieter Rams en matière de design restera pertinente dans un avenir proche. Rédigé en anglais et en allemand, l’ouvrage a été écrit par Dieter Rams et édité par Jo Klatt, expert en design et collectionneur de Braun, en collaboration avec la Fondation Dieter and Ingeborg Rams. Le livre de 154 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gestalten.

GRAHAM MARSH – DENIM: THE FABRIC THAT BUILT AMERICA 1935–1944

Art // avril 18th, 2025

Aucun autre tissu n’est peut-être aussi inextricablement associé à un pays que le denim l’est aux Etats-Unis d’Amérique. D’abord popularisé par les modèles de jeans emblématiques de Levi’s au milieu des années 1800, le denim est rapidement devenu le matériau de prédilection des Américains de la classe ouvrière, entraînant un afflux d’autres marques fabriquant des vêtements de travail avec ce tissu durable et omniprésent – de Wrangler et Lee à OshKosh et Carhartt. Dans les années 1950, le denim est passé du statut de tissu de travail à celui de vêtement de loisir. Cette transition s’explique en grande partie par le fait qu’une nouvelle génération tente de renouer avec l’esprit robuste et patriotique que le travailleur ordinaire avait fini par symboliser après le début de la Seconde Guerre mondiale. Publié par les éditions britanniques Reel Art Press, l’ouvrage Denim: The Fabric That Built America 1935–1944 de Graham Marsh retrace les origines de ce changement à travers un recueil de photos, provenant principalement des archives de la Farm Security Administration (FSA), montrant des travailleurs américains vêtus de denim. En noir et blanc et en couleur, nous voyons des travailleurs américains ordinaires dans les champs, des ouvriers de la construction de barrages, des femmes travaillant sur le chemin de fer de Chicago, des mineurs au chômage et des métallurgistes préparant le pays à la guerre, tous vêtus de salopettes, de jeans, de vestes et de chemises en denim. La sélection de 250 images représente un incroyable exploit de conservation, puisant dans des archives de plus de 170 000 images contenant des récits connus et des histoires inédites, mais qui n’ont jamais été examinées à travers le prisme de l’histoire de la mode auparavant. Les images ont toutes été rescannées à partir des négatifs originaux et sont reproduites ici dans une qualité remarquable, de sorte que les détails du denim – l’épaisseur du tissage, les coutures blanches se détachant sur l’indigo, les ourlets à revers – apparaissent d’une modernité saisissante. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

MASAHISA FUKASE – HOMO LUDENS / YOKO

Art // avril 16th, 2025

Les éditions japonaises AKAAKA Art Publishing Inc. viennent de sortir une nouvelle édition de Homo Ludens et Yoko, deux ouvrages cultes du photographe Masahisa Fukase. Homo Ludens, le tout premier ouvrage du photographe japonais est ainsi enfin ressuscité après un demi-siècle depuis sa premiere parution. Cette anthologie de photographies, prises sur plus de dix ans et éditées par Shoji Yamagishi, rédacteur en chef de Camera Mainichi, est une série qui marque l’origine du travail de Fukase et qui est remplie d’images et d’essence qui façonneront les créations ultérieures de l’artiste. Elle est structurée en six sections, chacune capturant de manière vivante l’interaction entre la photographie et la vie. To (Abattoir) présente des images de Yoko Wanibe, que Fukase a accompagnée à un abattoir, juxtaposant le démembrement du bétail avec Yoko posant dans une cape noire. Kotobuki (Félicitations) dépeint sans détour sa vie avec Yoko peu après leur mariage, à la manière d’un roman intimiste. Gi (Frolic) dépeint la scène underground de Shinjuku où Fukase s’est rendu après avoir quitté la maison qu’il partageait avec Yoko, ainsi que le mode de vie des jeunes gens qui vivent en groupe. Mei (Memento), l’une de ses premières œuvres, revient sur la grossesse de son ancienne compagne, Yukiyo Kawakami, avec laquelle il a vécu pendant huit ans. Quant à Haha (Mère) et Fu (Musique), elles capturent des scènes de Yoko et de sa mère. À travers ces sections, Homo Ludens illustre l’interaction mutuelle de tous les êtres vivants et les phénomènes contradictoires mais interconnectés de la vie et de la mort, de la rencontre et de la séparation. L’objectif de Fukase est tourné vers lui-même et ses proches. Les images explorent l’essence de la vie comme une forme de jeu, avec une honnêteté brute et inébranlable. Ce premier livre de photos est un témoignage puissant de la vision de Fukase. (…)

ED TEMPLETON – THE SPRAWL

Art // avril 13th, 2025

À l’occasion de l’exposition personnelle The Sprawl d’Ed templeton (du 28/11/2024 au 25/01/2025), la galerie belge Tim Van Laere a réalisé un très beau catalogue qui reprend toutes les nouvelles séries de peintures, les photographies, dessins et sculptures présentés par l’artiste américain à cette occasion. Le mot sprawl est souvent associé au mot urbain ou suburbain, désignant l’étalement de maisons, d’appartements, d’immeubles de bureaux et de centres commerciaux sur des terrains non aménagés entourant une ville densément peuplée. Il s’agit essentiellement d’une croissance illimitée sur de vastes étendues de terre, sans se soucier de la planification urbaine. Ed Templeton vit dans l’une de ces banlieues, Huntington Beach, qui fait partie de l’étalement urbain entourant les villes de Long Beach et de Los Angeles. Comme l’explique Templeton, « il faut une heure de route pour aller de Long Beach à Los Angeles : Il faut une heure de route pour aller de Los Angeles à ma maison et c’est du ciment et de l’asphalte en permanence – un développement continu. » Cette expansion dans les années 1950 et 1960 s’explique en partie par la « fuite des blancs », un terme utilisé pour décrire la migration massive des blancs des villes vers des banlieues plus éloignées, en réponse à la diversité raciale et ethnique croissante dans les zones urbaines après la déségrégation. Il s’agit d’un sous-récit qui établit un cadre contextuel pour le mélange spécifique de culture balnéaire moderne et d’expansion suburbaine que Templeton dépeint dans son œuvre. La plage et la jetée sont des lieux populaires qui rassemblent les fanatiques religieux, les surfeurs et les touristes. Les blocs interminables d’habitations entourés de murs sont omniprésents dans cette région. Ces murs agissent comme une toile de fond théâtrale dans ces nouvelles peintures. Ce très beau catalogue de 174 pages, avec un essai introductif signés Stijn Huijts, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Tim Van Laere Books.