Carlotta Guerra est née en Italie où elle a étudié l’art contemporain et le cinéma à l’université de Bologne. Les éditions allemandes Verlag Kettler viennent de publier sa toute première monographie qui se compose de clichés et de notes manuscrites à la fois autobiographiques et poétiques. Avec son projet Like we could almost live forever, Guerra nous invite à un voyage visuel et émotionnel. Les photographies, prises en Italie et en Amérique du Nord, s’inspirent de son héritage familial et créent une mosaïque de souvenirs personnels, d’expériences, d’impressions et d’émotions. Consciente que le temps limité dont nous disposons dans la vie rend nos rencontres précieuses et uniques, Guerra collectionne des moments photographiques qu’elle assemble comme les pièces d’un immense puzzle pour former un récit plein de puissance expressive et associative. Cette collection nous encourage à explorer la magie et les peines de la vie, des moments les plus simples aux plus significatifs de l’existence quotidienne. La photographe explique: « Mon œuvre – tant mes images que mes vidéos – s’inspire de ma vie personnelle et de mon histoire, que j’utilise pour aborder et explorer des thèmes qui me semblent importants. Je m’intéresse aux questions psychologiques et mentales, à la tension constante et complexe entre la peur et le désir, à la manière dont notre passé et nos souvenirs créent parfois des structures subtiles mais bien ancrées dans notre présent. Je suis fasciné, tant sur le plan visuel que conceptuel, par la puissance et la délicatesse des choses ordinaires que je perçois comme des allégories. La nature est un sujet récurrent dans mon travail, car c’est une force indispensable qui m’aide à surmonter mes difficultés et à trouver la paix. La photographie est pour moi un moyen d’exprimer mon histoire intérieure, mais aussi un moyen de découverte et de conscience de soi. » L’ouvrage de 192 pages, à la fois mélancolique, intime et troublant, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Verlag Kettler.
Publié par les éditions Hannibal Books à l’occasion de la rétrospective Le Fil au musée de la Photographie de Charleroi, du 24 mai au 21 septembre 2025, Sidelines retrace la carrière du photographe belge John Vink (né en 1948). Vink a été membre de la première heure de l’agence VU’ et collaborateur du journal parisien Libération dès 1985. Il a parcouru le monde avec son appareil photo, en quête d’histoires en marge de l’actualité. Dans son pays natal, la Belgique, ce sont le carnaval, le cyclisme et la vie quotidienne qui ont retenu son attention ; tandis qu’au Bangladesh, en Irak, au Mali et dans bien d’autres pays, il s’est attaché au déracinement, à la dignité et à la résilience. En 1986, son projet personnel Water in Sahel, qui souligne sa volonté de saisir l’expérience humaine dans des contextes difficiles, lui vaut le prix Eugene Smith. De 1997 à 2017, Vink a été membre à part entière de l’agence Magnum Photos. Il a voyagé durant des années avant de s’installer au Cambodge, en 2000, s’offrant alors la possibilité de s’immerger plus profondément dans une autre culture. Son approche photographique est caractérisée par une volonté de témoigner et d’informer, sans chercher à changer le monde, mais en montrant la réalité telle qu’elle est. Il a souvent travaillé en noir et blanc pour accentuer la tension entre la réalité et sa représentation. Ses images captivantes révèlent le regard unique qu’il porte sur ce qui l’entoure : un regard personnel, profond et intemporel. Le livre de 304 pages, avec un texte de Rik Van Puymbroeck, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions belges Hannibal Books.
Les éditions David Zwirner Books publient la première monographie de la peintre nigériane américaine de renommée internationale Njideka Akunyili Crosby, qui mêle son histoire personnelle et son identité diasporique africaine dans des compositions complexes. Dans sa démarche artistique, Akunyili Crosby captive le public par ses représentations de scènes d’intérieur et d’instants du quotidien, avidement puisés dans la vie domestique. Pour insuffler une profondeur singulière à ses créations, elle emprunte un processus complexe qui marie habilement plusieurs techniques et médiums, allant du collage au dessin, en passant par le transfert de photographies, la peinture acrylique et le fusain. L’artiste africaine incorpore à son travail des photographies qu’elle a elle-même prises au Nigeria, ainsi que des images de famille et des extraits de magazines populaires nigérians, créant ainsi des motifs kaléidoscopiques qui viennent orner les sols et les murs de ses compositions. Akunyili Crosby s’engage dans un dialogue visuel par le biais de collages riches, combinant superpositions, dessins et éléments peints, pour tisser un véritable tissu d’images qui enchante le regard. Puisant son inspiration dans ses racines nigérianes, son style artistique est également influencé par la culture pop, son expérience personnelle et le milieu académique occidental. Toutefois, son œuvre échappe à toute tentative de catégorisation simpliste, oscillant entre l’américanité et la nigérianité ; elle se définit avant tout comme une expression autobiographique, explorant un personnage qui ne rentre pas dans une boîte et scrutant les méandres de sa propre histoire. Cette première monographie consacrée à son oeuvre rassemble près de cinquante peintures, réalisées entre 2010 et 2023, qui retracent sa pratique méthodique de superposition de représentations peintes de personnes, de lieux et d’aspects de ses propres expériences avec des images transférées provenant de sa collection personnelle et de publications nigérianes, entre autres. Akunyili Crosby révèle et revisite des domaines distincts, des jardins luxuriants aux mondes domestiques et intérieurs liés à la maternité, à la famille, au mariage, au corps et à l’identité personnelle. Le livre de 256 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner Books.
Les éditions Verlag Kettler publient une nouvelle monographie du photographe allemand Helge Tscharn. En 1981, trois ans seulement après l’arrivée en Allemagne des skateboards en provenance des États-Unis, Tscharn commence à documenter photographiquement l’aube de l’histoire du skateboard allemand. Faisant lui-même partie de la scène, il a capturé toutes les phases du skateboard allemand avec son style caractéristique : les débuts bruts des années 1980, fortement influencés par le mouvement punk rock, ont été immortalisés par des photos noir et blanc granuleuses, tandis que le film couleur et l’objectif fisheye occasionnel ont été utilisés à l’époque du hip-hop et du streetwear des années 1990. Au cours de sa carrière, il a non seulement assisté à l’éclosion et à la disparition de talents, mais aussi à l’ascension des stars du monde du skateboard et, souvent, à leur chute tragique. Tscharn s’est rapidement imposé comme l’un des photographes de skateboard les plus influents d’Europe. Fidèle à la culture du milieu, il a photographié des personnalités telles que Claus Grabke, Lance Mountain, Ray Barbee, Tony Hawk, Jerry Hsu, et bien d’autres encore. Sa passion pour la musique hardcore se reflète également dans son travail, avec des photos de groupes tels que Pantera, Monster Magnet et Motörhead. Tscharn a toujours été là, toujours dans le feu de l’action, accompagnant la vague indie et emo des années 2000, la culture DIY des années 2010, et bien sûr, le présent, qui embrasse et réinterprète toutes ces influences. Ses photos, qui s’étalent sur plus de 40 ans, laissent transparaître la sueur et le sang des skateurs dans chaque grain et apparaissent comme des capsules temporelles avec un sens inégalable de l’instant. Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Verlag Kettler.
Publié par David Zwirner Books à l’occasion de l’exposition de Dana Schutz en 2023 chez David Zwirner à New York, Jupiter’s Lottery est un splendide catalogue qui présente les dernières peintures et sculptures de l’artiste américaine, viscéralement évocatrices, dépeignant des scènes allégoriques dans lesquelles des personnages souvent grotesques s’entendent sur leur statut de sujet. Schutz est une conteuse. Son oeuvre construit un univers de personnages turbulents, de folie humaine, de situations calamiteuses et de désastres physiques. Elle dresse un portrait dystopique du monde actuel, détaché des notions traditionnelles de beauté. Avec un usage virtuose de la couleur, elle a mis en place au fil des années un sens de la tension dramatique qui se révèle dans ses compositions complexes. Ses peintures montrent des scènes imaginaires, inspirées par des situations hypothétiques et des corps improbables, mêlés à la vie et au langage contemporains. Les peintures et sculptures à grande échelle de Schutz dépeignent des situations tragicomiques peuplées de personnages préoccupés par leur propre préservation, alors qu’ils basculent dans l’oubli. Avec des traits semblables à des masques – des mâchoires et des nez – ils émergent, par groupes et par paires, de l’atmosphère picturale. Énormes, vibrantes et énigmatiques, ses œuvres traduisent les tensions et les ambiguïtés tangibles mais ineffables de la vie humaine. Ce catalogue comprend un essai de Jarrett Earnest, qui retrace le processus artistique de Schutz lors de la création de sa sculpture la plus ambitieuse à ce jour, Sea Group. Earnest explore les interconnexions entre la longue pratique de la peinture de Schutz et son engagement plus récent dans la sculpture, offrant une réflexion fascinante sur ses explorations thématiques et ses recherches artistiques, ainsi que sur les fondements conceptuels de son travail. Le texte est accompagné de photographies prises en coulisses par Jason Schmidt, qui offrent une vision intime de l’artiste en plein travail. Le livre de 204 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner Books.
Quand la grande photographie en noir et blanc et l’humour pince-sans-rire se rencontrent, comme ce fut le cas tout au long de la carrière d’Elliott Erwitt, il en résulte un livre unique comme Last Laughs, publié par les éditions allemandes teNeues. Personne n’était plus doué que la légende de la photographie new-yorkaise pour observer avec sincérité et humour les scènes quotidiennes du monde entier à travers l’objectif de son appareil photo. Peu avant sa mort en 2023, l’ancien membre et vice-président de l’agence Magnum a rassemblé pour son dernier grand livre de photos une merveilleuse sélection d’instantanés à la fois drôles et pince-sans-rire, qui sont également teintés d’une touche de nostalgie mélancolique du point de vue actuel. Elliott Erwitt maîtrisait l’art de capturer avec son appareil photo des moments particuliers dans des scènes quotidiennes apparemment banales. Qu’il s’agisse de stars ou de visages inconnus dans la rue, de personnes ou de chiens, lorsque la légende de la photographie Erwitt observait le monde à travers l’objectif de son appareil photo, son sens de l’humour l’accompagnait toujours. C’est la signature unique de sa photographie en noir et blanc qui a transformé ces regards amusés sur la vie des autres en documents impressionnants de l’histoire contemporaine : un livre merveilleux, parfois émouvant, de moments photographiques triés sur le volet, pleins de nostalgie et d’humour. Ce très bel ouvrage de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions teNeues ainsi que sur Amazon.com.
En 2014, le photographe Chris Donovan commence à documenter sa ville natale de Saint John, au Nouveau-Brunswick, sur la côte est du Canada. Saint John est une petite ville fortement industrialisée qui abrite la plus grande raffinerie de pétrole du Canada, l’une des familles les plus riches du pays, et l’un des taux de pauvreté infantile les plus élevés. Alors que Donovan commence à photographier la ville et ses habitants—poussé à explorer la proximité de la richesse extrême et de la pauvreté—il prend de plus en plus conscience des réalités du classisme environnemental et des injustices écologiques dans la ville. Les photographies de son nouveau livre The Cloud Factory, publié par les éditions britanniques GOST Books, montrent les quartiers vibrants et leurs habitants vivant à proximité immédiate et dans l’ombre de sites industriels pollués, et de « l’usine à nuages »—un site industriel indéfini qui fait référence à la fois à la raffinerie et à la grande papeterie de la ville. En tant que garçon ayant grandi dans la région de Saint John, le premier emploi de Donovan comme photographe était de travailler au journal local qu’il avait lu en grandissant—le Telegraph-Journal. Il réalise rapidement l’étendue de la censure au journal qui à l’époque était publié par Brunswick News Inc, propriété de la famille Irving—l’une des familles les plus riches du Canada. En 2018, alors qu’il ne travaillait plus pour le journal, il y eut une fuite de butane de la raffinerie Irving Oil, la plus grande du Canada. Un quartier fut évacué mais l’événement reçut peu d’attention médiatique. Donovan alla parler et rencontrer ceux qui furent affectés par la fuite et découvrit une culture de la peur parmi une population largement appauvrie qui craignait des représailles si elle s’exprimait au sujet de la catastrophe environnementale. Donovan n’avait pas cherché à établir un lien avec l’économie industrielle monopolisée de la région, mais c’est ce qu’il trouva: un récit environnemental censuré qui avait resserré son emprise sur la communauté pendant des décennies. L’ouvrage de 180 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.
Composée de clichés réalisés entre l’hiver 2019 et l’été 2021, Noticings est la deuxième monographie du musicien et photographe Patrick Sansone. Paraissant quinze ans après son livre 100 Polaroids, Noticings représente un approfondissement et une expansion des préoccupations thématiques et esthétiques établies dans ce premier volume auto-publié. Noticings est toujours une affaire résolument analogique, mais comme Sansone est passé de l’instantané au 35 mm et au film moyen format, les valeurs conceptuelles de ses images sont devenues plus grandes et plus nettes. L’œil de Sansone est depuis longtemps attiré par les vestiges des petites villes de l’Amérique du milieu du siècle, mais comme ils sont réfractés à travers l’objectif du Covid-19, les enseignes usées, les vitrines fermées et les terrains vagues qui peuplent nombre de ses photographies prennent une nouvelle résonance, marquée par le temps et pourtant intemporelle, comme si la lente décadence du rêve américain s’était soudainement métastasée et propagée à l’extérieur du cœur de l’Amérique. Ayant fait le tour du monde avec les groupes Wilco, The Autumn Defense et autres, Sansone a cultivé une appréciation de flâneur pour l’acte de se déplacer avec détermination et perspicacité à travers les espaces, toujours ouvert aux rencontres avec la beauté ignorée. Alors qu’une grande partie du monde était en pause pendant la pandémie, Sansone est néanmoins resté en mouvement, prenant de longues routes à travers le sud des États-Unis, s’arrêtant pour flâner dans les petites villes le long du chemin et, ce faisant, créant le corpus d’œuvres présenté dans cet ouvrage. Mais il ne s’agit pas d’une photographie de rue typique, au sens où l’on entend cette pratique ; elle est plus patiente et réfléchie. ses voyages solitaires et ses promenades avec ses appareils photo ont été un moyen de lutter contre l’anxiété et l’atmosphère pesante de ce moment. D’être seul et présent. Pour centrer ce qu’il a fini par décrire comme un « état d’observation accru », en s’autorisant à converser tranquillement avec la lumière qui l’entourait, en laissant son œil aller là où il le souhaitait, sans jugement. Ce très beau livre de 160 pages, auto-publié par l’artiste dans une édition limitée de 500 exemplaires, est maintenant disponible sur sa boutique en ligne.
Mark Cohen est le photographe de rue par excellence. Né en Pennsylvanie en 1943, ce dernier utilise depuis les années 60 une approche agressive dans laquelle il se rapproche au plus près des passants, appareil photo dans la main, flash dans l’autre, et prend son cliché avant qu’ils ne soient conscients d’être photographié. Ses images, d’apparence austère, capturent des moments, des gestes, et des émotions qui, parce qu’ils pourraient être invisibles aux sensibilités des autres, témoignent de la perception innée supérieure de Cohen, son don visuel à la fois précis, intelligent et subtil. Son œuvre a reçu une reconnaissance précoce, avec une exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de la ville de New York dès 1973, alors qu’il n’avait que trente ans. Les critiques à son égard n’ont depuis cessé d’être élogieuses. Aujourd’hui, le travail de Cohen est exposé dans plus de trente collections internationales de premier plan, allant du Metropolitan Museum à New York au Metropolitan Museum of Photography de Tokyo. Publié par les éditions britanniques GOST Books, Tall Socks présente des images prises à New York il y a plus de 50 ans et qui sont publiées pour la première fois. En juillet 1973, Mark Cohen passe un mois dans une chambre d’étudiant à l’université de New York, tout en participant à un atelier de production cinématographique. Ses cours quotidiens étant de courte durée, il profite de son temps libre pour flâner dans la ville avec son appareil photo. Seules quelques images ont été imprimées à l’époque et la grande majorité d’entre elles sont restées invisibles, sauf sous forme de négatifs, jusqu’à aujourd’hui. Dans les années 1970, New York était réputée pour son taux de criminalité élevé, ses troubles sociaux, son métro peu sûr et sa qualité de vie en déclin. Le marasme économique avait durement frappé la ville et de nombreux habitants de la classe moyenne avaient quitté la ville pour s’installer en banlieue. Les photographies de Cohen en témoignent souvent par les graffitis, les détritus et les ruines présents dans les rues, mais ses images dépeignent également un New York plein de vie et en mouvement. Bien que la séquence du livre ne suive aucune narration particulière, le rythme des images donne l’impression de se promener dans une ville dont les habitants sont en perpétuel état de transit, Cohen se déplaçant discrètement à travers elle. Il y a des changements d’un bloc à l’autre, d’une étape à l’autre, et des détails et des impressions sont observés. Certaines images sont empreintes d’un sentiment de menace – le regard d’un étranger et les stations de métro menaçantes – mais aussi d’humour et de joie que l’on retrouve dans les chaussettes hautes d’un enfant, une dame avec des plumes de paon, un éléphant incongru ou une jeune fille portant une planche de bois dans une rue pavée. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.
Norm Architects est un studio fondé en 2008 et basé à Copenhague, qui travaille dans les domaines de l’architecture, des intérieurs, du design et de la photographie. Leurs réalisations, à la fois sensorielles et simples, visent à trouver un équilibre entre richesse et retenue, et entre ordre et complexité. S’appuyant sur des siècles d’échanges culturels entre le Japon et la Scandinavie, les années de collaboration étroite de Norm Architects avec des designers japonais ont façonné leur philosophie en matière de design. Le livre The Touch, publié par les éditions berlinoises Gestalten est une nouvelle collaboration entre Nathan Williams du magazine Kinfolk et Jonas Bjerre-Poulsen de Norm Architects qui nous présente plus de 25 espaces inspirants où la décoration d’intérieur n’est pas seulement attrayante sur le plan visuel, mais fait appel à tous les sens. À travers de magnifiques maisons, hôtels, musées et boutiques – des créations contemporaines d’Ilse Crawford et de Bijoy Jain aux classiques d’Arne Jacobsen – les lecteurs sont invités à explorer la manière dont l’expérience d’éléments tels que la lumière, la nature, la matérialité, la couleur et la communauté peut délibérément nous ramener à nos sens et imprégner chaque jour d’une qualité plus riche. Outre de magnifiques images et des entretiens avec des leaders de l’industrie du design tels que John Pawson et David Thulstrup, le livre détaille également des références philosophiques et d’histoire de l’art qui reflètent la tradition du design et de la théorie de la couleur. Pour une meilleure compréhension des concepts explorés, The Touch comprend une annexe qui dresse le portrait d’architectes tels que Lina Bo Bardi et Richard Neutra. Les pièces de design du patrimoine qui ont contribué à influencer ce mouvement sont également répertoriées dans le livre. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gestalten.
Née en 1961 en Corée, Jungjin Lee est installée à New York et a réalisé plusieurs projets qui explorent le paysage et son histoire à base d’images panoramiques monochromes aux compositions parfaites et qui dégagent une ambiance de sérénité. Au début des années 1990, la photographe coréenne effectue plusieurs voyages à travers l’immensité de l’Amérique. Elle y a capture des images archaïques et primitives des déserts, des rochers, des broussailles et des cactus. Ses séries d’images fragmentaires et poétiques ont été décrites par le grand Robert Frank comme des «paysages sans la bête humaine». S’appuyant sur son héritage sud-coréen, l’artiste développe un langage pictural unique en son genre: Ocean, On Road, Pagodas, Things et Wind sont autant de séries dans lesquelles son intérêt fondamental pour la nature et la culture s’exprime dans un espace de résonance poétique. Dans son œuvre, Lee utilise sa compréhension profonde de la matérialité, la texture et l’artisanat. Elle utilise notamment un papier de riz traditionnel coréen sur lequel elle applique à la brosse en chambre noire une émulsion photo-sensible (Liquid Light). Les imprécisions qui en résultent dans le processus de développement et les imperfections dans la production vont à l’encontre de la supposée prétention à la vérité de la photographie. La présence physique des photos grand format de Jungjin Lee est immédiatement captivante. Elle utilise la photographie pour poursuivre une recherche intérieure quasi mystique, une méditation sur notre place dans le monde, sur notre rapport à la nature et aux objets. Qu’elle pose son regard sur le lointain ou le proche, Lee transcende la vision ordinaire et extrait du monde des “immémoriaux”. Ses photographies nous font entrevoir ce que pouvait être l’art à ses débuts : une médiation chamanique qui reliait l’homme à ce qui l’entourait. Sa série « Thing », publiée par les éditions de Séoul Datz Press, se compose d’œuvres capturant des objets quotidiens en gros plans intimes, qui sont ensuite imprimés en noir et blanc sur du papier coréen fabriqué à la main. Grâce à un processus de prise de vue méditatif, l’artiste distille l’essence du sujet, en éliminant tous les éléments étrangers. Les arrière-plans et les ombres sont éliminés, les formes sont simplifiées et les espaces vides sont remplis des émotions et des pensées intériorisées de l’artiste. En particulier, les espaces blancs qui entourent chaque objet sombre reflètent le concept de « vide » de la peinture et de la calligraphie orientales. Grâce à cet espace vide, les objets acquièrent une nouvelle signification. Lee s’interroge sur le rôle artistique qui consiste à explorer et à exprimer l’essence de l’existence par l’observation. Cette série occupe une place unique et distinctive dans l’œuvre de l’artiste, qui est généralement constituée de paysages. Jungjin Lee explique: « Pour moi, les photographies n’existent pas en tant que résultat, mais en tant qu’outil. Plutôt qu’une reproduction de la réalité ou une reconstruction de la beauté visuelle, elles servent de base à une contemplation fondamentale – des pensées qui ne peuvent être exprimées par des mots, des idées qui ne peuvent être affirmées ou soulignées d’une seule manière, des moments qui ne sont ni fluides ni immobiles, une interruption dans un espace infiniment ouvert, silencieux mais intense, des fragments surréalistes de la vie quotidienne, et des moyens d’expression métaphoriques – et c’est ainsi que les images ont été choisies. La série Thing, contrairement à mes travaux précédents, provient de quelque chose qui m’est plus proche, de quelque chose de familier. Cette familiarité naît de l’acte d’attente et d’une communication secrète entre moi et les objets. Cette familiarité, à son tour, devient étrangère à travers le vide de la pensée. Le vide, comme l’espace blanc dans une photographie, fait rêver les objets ». La vitalité de la série « Thing », qui est restée intacte pendant 20 ans, est transformée aujourd’hui en un objet élégant grâce au hanji (papier coréen fait à la main) et aux techniques traditionnelles de reliure à la main. Ce magnifique ouvrage de 66 pages, publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Datz Press.
La V1 Gallery de Copenhague présente depuis aujourd’hui l’exposition Endpages de Margaret Kilgallen, une exploration des matériaux, du langage et de la forme chez l’artiste californienne décédée en 2001. Le titre fait référence aux premières et dernières pages d’un livre, souvent usées, tachées ou déchirées, sur lesquelles Kilgallen a peint en utilisant des matériaux de récupération. Influencée par son passage à la bibliothèque publique de San Francisco, où elle a appris à restaurer des livres, Kilgallen juxtapose dans ses œuvres les imperfections des pages jetées à son travail au trait précis et audacieux. Ces œuvres célèbrent le fait main et l’esthétique wabi-sabi, tout en reflétant son étude de la typographie. Kilgallen entrelace des formes de lettres graphiques avec des éléments picturaux, mélangeant les frontières entre le texte et l’image pour créer un langage visuel dynamique qui remet en question les formes traditionnelles de représentation. Jusqu’au 21 juin 2025.
