Category Archives: Art

DARIA NAZAROVA – ALOE

Aloe est le nom d’un collectif d’Intelligentsia Punk de Saint-Pétersbourg, véritable communauté underground inspirée par la pop-culture des années 90 et 2000. Le projet a été fondé il y a presque 10 ans par Yana Perovskaya. Au commencement, il ne s’agissait que d’une minuscule friperie. Aujourd’hui, Aloe possède sa propre marque de vêtements, loue des tenues pour toutes les occasions, organise des collectes de recyclage, participe à des initiatives caritatives, défend activement un mode de vie écologique et organise la célèbre soirée Dikoe Disco. Les derniers rassemblements ont attiré sept à huit mille personnes. Publié en auto-édition par la jeune photographe russe Daria Nazarova, le livre Aloe a pour ambition de faire découvrir l’esprit de cette jeune communauté. La couverture du livre a été réalisée à partir d’un tissu similaire à celui utilisé pour la confection de vêtements et le patch licorne sur la couverture est le logo d’Aloe. Beaucoup de feuilles et d’autocollants ont été collés à la main dans l’ouvrage, car ce dernier a été créé avec un véritable souci du détail, tout comme les vêtements et les décors de fête du collectif. Une enveloppe contenant des cartes postales et des autocollants habituellement imprimés pour être distribués à l’entrée des fêtes a même été insérée dans les dernières pages du livre. Le questionnaire for friends réalisé par la photographe est la clé pour comprendre le livre. En répondant aux diverses questions, le lecteur peut avoir l’impression de faire partie de la communauté, d’être un de leurs amis. Certaines réponses de Daria Nazarova se trouvent inscrites sur les photos. Tout le concept du livre fait référence à ces questionnaires qui étaient populaires dans les établissements scolaires russes dans les années 2000. Pour beaucoup de russes, cela évoque un sentiment de nostalgie très intime. Limité à 100 exemplaires, le livre est maintenant disponible sur le site https://cargocollective.com/nazarovadar/Aloe-book.

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KRASS CLEMENT – METROVIA BUENOS AIRES

Krass Clement (né en 1946) est l’un des photographes danois les plus remarquables de sa génération. Toutes ses photographies abordent les questions existentielles de la condition humaine. Elles nous parlent des sentiments de perte, d’angoisse et de solitude. De cette part de vécu que nous essayons tous de maintenir à distance. Si son univers photographique nous touche si profondément, cela tient non seulement à son grand talent visuel, mais également à son aptitude à rendre ces thèmes proches et abordables. Fondée sur le réalisme de la photographie documentaire, la démarche artistique de Krass Clement consiste à travailler les images comme des métaphores. Il compare volontiers sa photographie à la poésie, où quelques mots suffisent à générer chez le lecteur des souvenirs ou un univers entier. Publié par les éditions danoises Gyldendal, Metrovia Buenos Aires est un livre sur la capitale argentine, mais peut-être plus encore sur le sentiment évoqué par un lieu. Ce sentiment est obtenu dans le livre par l’alternance entre le constat immédiat et l’interprétation subjective. Bien sûr, on perçoit une idée du caractère physique de la ville, mais par dessus tout, l’atmosphère est maintenue par un retour constant au métro de la ville, Metrovia, avec tout ce qu’il offre de diversité humaine. Il y a une alternance entre les thèmes récurrents dans le livre, par exemple le musée d’histoire naturelle, qui, à un certain niveau, représente l’objectivité de la science, mais qui, dans le livre, acquiert progressivement une signification irréelle. À travers le métro, les restaurants de tango, les manèges fermés – des lieux qui évoquent des souvenirs de la vieille Europe – le lecteur fait l’expérience de quelque chose de statique qui n’est plus, mais aussi d’une métropole moderne. Tout comme le flot anonyme des gens reste étranger, la ville l’est aussi, malgré sa forte empreinte européenne et son sens de la convivialité. Le livre se déroule dans ce conflit imperceptible entre, d’une part, ce qui semble familier et, d’autre part, un continent lointain et étranger. Ce très bel ouvrage de 188 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gyldendal.

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JESSE MARLOW – SECOND CITY

Membre du collectif In-Public depuis 2001, Jesse Marlow est un photographe de rue australien, photographe éditorial et commercial qui vit et travaille à Melbourne. Publié par Sling Shot Press, Second City est sa toute nouvelle monographie. Le livre présente une collection de 44 photographies de rue en noir et blanc prises dans sa ville natale. Photographié entre 1998 et 2004, le livre dépeint la ville telle qu’elle était avant le boom du milieu des années 2000. Malrow explique: “Durant mes études de photographie, notre professeur de photojournalisme envoyait chaque semaine la classe en ville pour des “promenades urbaines”. Notre seule tâche était de garder un œil sur les scènes ou les moments intéressants. L’objectif était que les étudiants ouvrent leur esprit visuellement en explorant leur ville natale. J’ai tout de suite été séduit par la liberté et l’imprévisibilité de ce style de prises de vue. Après mes études, j’ai passé les cinq années suivantes à explorer les artères du centre ville de Melbourne et les banlieues environnantes, constituant peu à peu le corpus de mon oeuvre Second City. Je commençais et terminais souvent ma journée en m’asseyant sur les marches de la gare de Flinders Street, observant les gens qui entraient et sortaient de l’entrée emblématique de la gare, puis s’engouffraient dans les rues adjacentes. Les marches de la gare constituaient une toile de fond merveilleuse pour un photographe de rue. L’étendue et la simplicité d’être dans et autour de la ville avec seulement un appareil photo et un sac plein de pellicules, est essentiellement quelque chose que je continue à apprécier 20 ans plus tard.” Édité à 900 exemplaires signés, l’ouvrage de 96 pages conçu par Yanni Florence comporte une préface de l’auteur de Melbourne Tony Birch. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne du photographe.

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MERNET LARSEN – MONOGRAPH

Publiée par les éditions allemandes Kerber Verlag, Mernet Larsen est la nouvelle monographie publiée sur l’artiste américaine qui a récemment été redécouverte par le monde de l’art comme une voix importante dans la “vaste conversation, peut-être mondiale, sur la façon de représenter la vie moderne en trois dimensions sur des surfaces bidimensionnelles”, comme l’explique Roberta Smith dans le New York Times. Depuis plus de soixante ans, Larsen s’amuse à manipuler la perspective dans ses tableaux pour révéler les récits troublants et humoristiques qui sous-tendent des situations ordinaires. Ses oeuvres ne ressemblent à celles d’aucun autre peintre. Elles constituent un monde complet et, à cet égard, appartiennent à la tradition artistique dont font partie Giorgio de Chirico et René Magritte. Des découpes de papier calque sont utilisées sur toute la toile, ce qui confère à ses œuvres un aspect construit. Elle recherche des solutions spatiales radicales, délaissant la perspective conventionnelle à point unique au profit de la perspective parallèle, de la perspective inversée et de fusions excentriques, apparemment improvisées mais rigoureusement étudiées, de différents systèmes au sein d’une même œuvre. En déstabilisant l’emplacement du spectateur, parfois jusqu’à provoquer le vertige, l’artiste nous oblige à appréhender, plutôt qu’à simplement voir, la situation. La conservatrice Veronica Roberts dit de l’œuvre de Larsen que “les sujets et les scénarios qu’elle dépeint sont typiquement banals : des amis réunis en conversation, un couple lisant au lit et des réunions de professeurs. Cependant, grâce à ces mouvements de composition inattendus, elle transforme ces moments prosaïques en drames psychologiques qui font allusion aux bouleversements, aux perturbations et à la peur qui remplissent nos vies”. Cette vaste monographie, richement illustrée, présente des œuvres de toutes les étapes de la carrière de Mernet Larsen, ainsi qu’un entretien avec l’artiste par Hans Ulrich Obrist et des essais des commissaires Susan Thompson et Veronica Roberts. Le livre de 188 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kerber Verlag ainsi que sur Amazon.com.

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ABOUT US – YOUNG PHOTOGRAPHY IN CHINA

Publié par les éditions Hirmer Verlag, About Us – Young Photography in China présente une sélection de quelque 150 œuvres de 40 artistes chinois issus de la collection de la fondation munichoise Alexander Tutsek-Stiftung. Les photographies, en noir et blanc ou montrées sous forme de présentations spectaculaires en couleur, ont été réalisées entre les années 1990 et aujourd’hui. Confrontés à des changements sociaux radicaux au cours des trente dernières années de l’ascension mondiale de la Chine, de jeunes artistes ont exploré et créé de nouvelles identités par le biais de la photographie. Leurs clichés montrent des gens dans les grandes villes, à la campagne et dans la solitude de la nature, entre contre-culture vibrante et mélancolie, et entre désinvolture et confusion. Bien que leurs œuvres portent sur des sujets très divers, leur expérimentation témoigne du besoin d’une génération de disposer de nouveaux outils esthétiques dans un monde incertain. On y retrouve des photographies d’Adou, Birdhead, Cai Dongdong, Cao Fei, Cheng Alex Huanfa, Chen Ronghui, Chen Wei, Chen Wenjun & Jiang Yanmei, Fan Ye, Gao Bo, Gao Mingxi, Huang Xiaoliang, Jiang Pengyi, Jiang Zhi, Li Yang, Liang Xiu, Pao Basil, Liao Pixy, Liu Ke & Huang Huan, Liu Rachel, Luo Yang, Mo Yi, Mu Ge, Ren Hang, Rong Rong & Inri, Shen Wei, Shi Yangkun, Sun Yanchu, Wang Bing, Wang Ningde, Wei Be, Wen Fang, Weng Fen, Xiuzhen Yin, Yang Fudong, Zhang Huan, Zhang Kechun, et Zhang Xiao. About Us offre ainsi une étude dynamique et approfondie de la photographie chinoise contemporaine. Cette très belle publication de 296 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hirmer Verlag, ainsi que sur Amazon.com.

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EDDIE MARTINEZ – INSIDE THOUGHTS

Eddie Martinez est reconnu internationalement pour ses toiles grand format très dynamiques où s’accumulent les couches de peinture à l’huile et de peinture émaillée, ponctuées d’éléments de collages. Les coups de peintures puissants et vigoureux contrastent avec les faibles lignes de bombe aérosol et la riche texture de la peinture pressée directement du tube sur la toile. Synthétisant les compositions au format classique comme la nature morte, le portrait et le paysage avec l’approche rapide du “flux de conscience” de la main d’un enfant, l’artiste de Brooklyn arrive à un style qui n’appartient qu’à lui. À l’occasion de son exposition personnelle Inside Thoughts à la galerie new-yorkaise Mitchell-Innes & Nash du 21 janvier au 27 février dernier, un très beau catalogue a été publié. Édité à 2000 exemplaires, le livre présente l’exposition et les récentes oeuvres aux couleurs vives de l’artiste new-yorkais. On y retrouve un vocabulaire personnel et une iconographie composée de personnages récurrents, de formes et de marques. Ses toiles, riches en expressions (abstraites et figuratives), rappellent le côté brut et plein de vie des travaux de Jean-Michel Basquiat, Arshile Gorky ou Philip Guston. Si l’œuvre de l’artiste américain peut paraître au premier abord difficile d’accès, ce dernier explique: “Je veux juste que les gens interprètent mon travail comme ils le veulent”. Le catalogue Inside Thoughts est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Mitchell-Innes & Nash.

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ALESSANDRA SANGUINETTI – THE ADVENTURES OF GUILLE AND BELINDA AND THE ENIGMATIC MEANING OF THEIR DREAMS

La photographe argentine Alessandra Sanguinetti rencontre en 1999 Guille et Belinda, deux cousines de dix et neuf ans qui vivent non loin de la ferme de ses parents. Fascinée par leur relation fusionnelle, leurs jeux et leur univers, elle les suivra pendant cinq ans jusqu’à leur adolescence. Ce volume, publié à l’origine en 2010 et réédité aujourd’hui par les éditions britanniques Mack comme le premier volet d’une trilogie, retrace les cinq premières années de leur collaboration. Les images de Sanguinetti dépeignent une enfance à la fois intime et extraordinaire. Les terres agricoles de l’ouest de la province de Buenos Aires sont un mélange particulier de modernité et de tradition, où la vie est vécue en harmonie avec les animaux et les paysages extrêmes. Dans ce contexte, Guille et Belinda se livrent aux rites de l’enfance, se déguisant et faisant semblant, explorant et s’appropriant le monde qui les entoure. Alors qu’elles passent d’un rôle à l’autre, posant pour la caméra de Sanguinetti ou se faisant photographier à leur insu, le lien profond qui unit les deux filles est indéniable. À l’approche du précipice de l’adolescence, leurs jeux sont imprégnés du poids poignant de leurs rêves et de leurs désirs, alors que le monde de l’innocence se confronte à celui de la réalité de la vie quotidienne. En décrivant la vie des femmes et des filles dans l’univers conventionnellement masculin des gardien de troupeaux des plaines sud-américaines et des fermiers argentins, le livre de Sanguinetti explore les schémas des mythologies de toutes sortes, et célèbre ainsi des existences qui ne sont généralement pas reconnues. The Adventures of Guille and Belinda and The Enigmatic Meaning of Their Dreams est un portrait de l’enfance rurale à la fois serein et poétique, dans lequel le fantastique et le quotidien sont intimement liés. Le livre de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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SHUHEI MOTOYAMA – NIPPON 2010-2020

Après le succès de son premier ouvrage Nippon 2003-2013, le photographe japonais Shuhei Motoyama sort aujourd’hui Nippon 2010-2020 qui couvre dix années complètes de son œuvre et de l’évolution du paysage japonais. Publié par sa propre maison d’édition GRAF Publishers, co-fondée avec les photographes Hiroki Matsui, Toshiyasu Nishikido et Ryo Katayama, le livre témoigne de l’intangible passage du temps, immortalisé par des clichés noir et blanc de toute beauté. Ce nouveau volume ne constitue ni un journal ni un compte rendu historique des dix dernières années au Japon. À l’instar de ses travaux antérieurs, Motoyama a continué à photographier alors que la vie suivait son cours, que le temps passait et que le monde éphémère s’étendait de plus en plus autour de lui. Ses photographies – cadrées de manière complexe, gardant toujours une distance prudente avec ses sujets – semblent avoir été prises en cours de route, comme en passant, mais au fil des pages du livre, une signification plus vaste commence à se dessiner. Le photographe explique dans la postface de Nippon 2010-2020: “Je suis sûr que dans les années à venir… je continuerai à chercher une réponse qui n’existe pas, et une fois encore, je commencerai mon nouveau voyage vers la photographie, une exploration sans fin.” Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires, l’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Graf Publishers.

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FUCT 30 YEAR ANNIVERSARY CERAMIC INCENSE CHAMBER

Pour célébrer son 30e anniversaire, la marque californienne Fuct propose un très bel encensoir en céramique. Conçu en édition très limitée, celui-ci est livré dans une boite signée par le fondateur du label Erik Brunetti. L’encensoir est actuellement épuisé sur le site de la marque.

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STEPHEN SHORE – STEEL TOWN

À la façon d’Eugène Atget ou de Walker Evans, les vues de Stephen Shore (né en 1947) présentent l’ordinaire, les coins de rue, les parkings, des maisons sans charme, une vitrine presque vide, des stations service, des chambres d’hôtel. Le photographe a collecté ainsi des images de tous les coins du pays : Floride, Californie, Texas, Montana, Ohio, Arizona… et même Canada. Le travail vise l’émotion, principalement au travers de la couleur et de la construction. Les éditions britanniques Mack publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Steel Town. En 1977, Shore parcourt l’État de New York, la Pennsylvanie et l’est de l’Ohio – une région en plein déclin industriel qui portera plus tard le nom de Rust Belt. Il y rencontra des métallurgistes mis au chômage par les fermetures d’usines et photographia leur monde devenu soudainement fragile : usines désertes, bars abandonnés, rues commerçantes délabrées et maisons décorées avec amour. Ces images montrent une Amérique moyenne prospère, au bord du précipice d’un effondrement tragique. L’espoir et le désespoir se cachent derrière les façades des magasins, les intérieurs domestiques et les expressions tendues de ceux qui font face à la caméra 4×5″ de Shore. Initialement commandée comme un vaste reportage photographique pour Fortune Magazine dans la veine de Walker Evans, l’enquête multiforme de Shore n’a gagné en importance politique que dans les années qui ont suivi. Les sujets du photographe – ouvriers, dirigeants syndicaux et membres de leur famille – avaient tous voté pour Jimmy Carter l’année précédant sa visite ; il les retrouve quelques mois plus tard désillusionnés par le nouveau président, condamnés à abandonner le parti démocrate et à devenir les “démocrates de Reagan”. Grâce aux images toujours aussi captivantes de l’un des maîtres de la photographie, Steel Town dresse le portrait immersif d’une époque et d’un lieu dont la signification pour la nôtre est de plus en plus urgente. Le livre de 104 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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MAURA SULLIVAN – THINGS WE REMEMBER

Publié par les éditions Skeleteon Key Press, Things We Remember, la première monographie de Maura Sullivan, invite les spectateurs dans le monde mystérieux, élégant et fascinant créé par la photographe new-yorkaise. En composant et en intégrant ses sujets dans des lieux atmosphériques imprégnés de lumière naturelle, les photographies argentiques en noir et blanc de Sullivan semblent rappeler un temps perdu, une résurgence du passé, un regard au-delà de la surface, une révélation du monde intérieur. Chacune des 70 planches bichromiques de ce volume, séquencées avec éloquence et richement reproduites, raconte sa propre histoire, évoquant des souvenirs profondément ancrés et des rêves perdus. Pourtant, en tant que collection, un récit plus vaste, presque cinématographique ou littéraire se déroule, laissant à chaque spectateur la possibilité de réfléchir à l’œuvre à sa manière. La photographe américaine explique: “J’aime la sensation de travailler de manière intuitive. Parfois, il me suffit d’un seul objet pour inspirer une histoire, une phrase tirée d’un livre préféré ou un nouveau visage avec lequel voyager dans le temps. J’aime aussi photographier dans des lieux chargés d’histoire, trouver des vêtements vintage avec des textures, des motifs et des souvenirs. La magie consiste à mélanger tous ces éléments et à leur permettre de dessiner leur propre image.” Things We Remember est un témoignage captivant de l’art photographique de Sullivan qui se révèle à chaque nouvelle lecture, offrant une fenêtre envoûtante sur son monde à la fois extraordinaire et poétique. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Skeleteon Key Press.

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