Category Archives: Art

LOUISE BONNET – MONOGRAPH

Reconnue pour ses portraits aux proportions exagérées et aux traits grotesques, Louise Bonnet (née à Genève en 1970) explore sans relâche des émotions de mélancolie, de solitude, de nostalgie et de chagrin dans ses œuvres sur toile ou sur papier. Son sens aigu de la réalité corporelle et son observation précise de la tension et des mouvements des parties du corps se traduisent par des extrémités pliées, des nez gonflés, des mains et des pieds enflés. Les protagonistes de Bonnet, souvent situés dans des environnements quotidiens et des intérieurs domestiques, apparaissent involontairement étirés. Leur corps semble refléter un malaise inquiétant, un état d’esprit malsain qui fait que leurs membres se tordent. Les éditions berlinoises Holzwarth Publications publient aujourd’hui un nouveau catalogue de l’artiste à l’occasion de sa grande rétrospective à la Galerie Max Hetzler (Londres) du 16 janvier au  29 février 2020. L’ouvrage présente ses dernières œuvres sur toiles grand format, quelques dessins à l’encre sur papier, ainsi que des clichés de l’exposition. Flavia Frigeri, historienne de l’art et commissaire, propose quant à elle un très bel essai de sept pages sur le travail de Bonnet. Ses peintures, inspirées par les bandes dessinées, Popeye, Peter Saul, Robert Crumb, Basil Wolverton et le surréalisme, révèlent l’étrangeté de la psychologie et de la sexualité humaines. Masculines et féminines, ses créatures sont à la fois bienveillantes et grotesques, exagérées mais jamais honteuses dans la mesure où elles semblent refléter une activité cérébrale insoupçonnée. Le livre de 80 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Holzwarth Publications et sur Amazon.com.

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RAYMOND MEEKS – CIPRIAN HONEY CATHEDRAL

Raymond Meeks, photographe américain né en 1963, puise son inspiration dans son environnement proche. La famille, la maison, l’habitat de l’homme, comment ce dernier apprivoise la nature et inversement sont ses sujets de prédilection. Meeks est réputé pour son usage de la photographie et du livre de photos pour distiller poétiquement les jonctions liminales de la vision, de la conscience et de la compréhension. Ciprian Honey Cathedral, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Mack, se concentre davantage sur le foyer, sondant délicatement la lisibilité de notre environnement matériel et des personnes les plus proches de nous. Le photographe est depuis longtemps fasciné par la façon dont nous construisons le monde qui nous entoure; comment nous transportons nos biens, ces conforts accumulés, ces héritages, marqueurs de succès matériel; comment nous ornons les maisons d’arbres et d’arbustes, une pendule pour compter les heures. Trébucher sur une maison abandonnée ou une pelouse négligée devient une recherche d’indices communs à de minuscules transgressions cachées. Cette question de connaissance et de compréhension est peut-être la plus drastique dans notre réalité solipsiste. Meeks a également photographié sa compagne, Adrianna Ault, tôt le matin avant son réveil, au moment où la vie domestique quotidienne converge avec l’état de sommeil le plus profond. Cet état critique de transe inerte est un lieu de répit sous la surface de la conscience, libéré du chaos et de l’incertitude du monde sensible, et fait allusion à la menace voilée que, en fin de compte, nous sommes totalement inconnus les uns des autres. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une édition spéciale limitée à 150 exemplaires et comprenant le livre numéroté et signé, un exemplaire du livre errata, un tirage et un autoportrait d’Adrianna Ault [10×8″], numéroté et signé par Ault & Meeks, est également disponible ici.

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MARGARET DUROW – 002

L’ouvrage 002 de la jeune photographe américaine Margaret Durow est la deuxième édition d’une collaboration en cours entre les éditions britanniques Setanta Books et la galerie Open Doors, qui publie les travaux de photographes émergents du monde entier. Durow, qui nous livre ici sa vision contemplative du monde, revient sur ce nouveau projet: “La plupart de mes travaux ont été photographiés dans le Wisconsin, où j’ai vécu toute ma vie. Lorsque j’avais cinq ans, une tumeur bénigne a été découverte dans ma colonne lombaire, ce qui a progressivement fait courber ma colonne au fil du temps. En 2007, j’ai connu de graves complications à la suite de l’opération qui a permis de redresser et de souder ma colonne vertébrale en place. Onze ans plus tard, j’ai subi d’autres opérations de reconstruction de la colonne vertébrale qui ont échoué et ont entraîné des déficiences supplémentaires. La photographie me permet d’exprimer ce que je ressens, et de transformer la douleur et l’isolement de mon corps déformé et handicapé en beauté et en force. J’essaie de refléter ce que je ressens à l’intérieur lorsque je capture les changements subtils de lumière, d’humeur et de paysages qui m’entourent. Je prends des photos pour me souvenir de ce que je ressens.” En explorant la nature transitoire de la mémoire, Durow utilise la photographie comme un outil pour préserver un sentiment. Elle donne ainsi à son travail une qualité intime et pertinente alors qu’elle documente le monde qui l’entoure. Le livre de 48 pages, enveloppé dans une pochette cartonnée et produit dans une édition limitée à 250 exemplaires (dont 30 exemplaires accompagnés d’un tirage 150mm x 200mm signé et numéroté), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books, ainsi que sur le site de la galerie Open Doors.

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MARIA SVARBOVA – FUTURO RETRO

Bien qu’elle n’ait jamais consciemment fait l’expérience du socialisme soviétique, le nouveau livre de l’artiste slovaque Maria Svarbova (née en 1988), Futuro Retro (publié par les éditions suédoises The New Heroes and Pioneers), s’appuie sur les codes esthétiques – couleurs, formes, vêtements, architecture, conception spatiale – de l’époque socialiste. Dans la lignée de son livre à succès Swimming Pool sorti en 2017, cette nouvelle monographie, composée de douze séries, crée une vision d’un futur inspiré du passé. Travaillant avec des lieux réels ainsi qu’avec des décors créés artificiellement, les images de Svarbova jouent sur un sentiment de “fausse nostalgie” en imaginant des scènes chez le médecin ou le boucher, de la vie conjugale et d’autres situations sociales ou privées telles qu’elles auraient pu se produire dans une réalité alternative. Elle considère les restes d’architecture et d’ambiance communistes comme des trésors d’enfance et elle aime explorer la nostalgie de ces designs, notamment à travers un travail sur les piscines de son pays, fascinée qu’elle est par leur beauté géométrique. Malgré un certain recours à l’esthétique du passé, les photographies de Svarbova parviennent à présenter des créations visuelles très créatives qui évitent la romantisation. Cadre rétro, futurisme, atmosphères de rêve, nostalgie, immobilité et isolement de la vie contemporaine sont les maitre-mots des photographies de Maria Svarbova. Avec ce superbe ouvrage, le lecteur ressent toute la solitude de la scène à travers des images presque cinématographiques et un style visuel minimaliste unique en son genre. Futuro Retro est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The New Heroes and Pioneers ainsi que sur Amazon.com.

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MATT STUART – INTO THE FIRE

Membre de la célèbre agence Magnum Photos depuis 2016, Matt Stuart capture des bribes de la vie londonienne qui montrent à quel point la vie urbaine peut être étonnante. Les images du photographe britannique sont pleines d’astucieuses juxtapositions de comédie, d’esprit et de moments magistralement minutés, coupant à travers le bruit urbain, les flux et les reflux du trafic humain pour révéler des moments pleins d’esprit, de tendresse et de magie qui disparaissent aussi vite qu’ils sont apparus. Après le succès de sa première monographie (All That Life Can Afford – 2016), les éditions britanniques Setanta Books publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe, intitulé Into the Fire. Le livre documente la vie quotidienne des personnes vivant à Slab City, une communauté indépendante et isolée, installée sur une ancienne base militaire dans le désert de Sonoran, juste au nord de la frontière mexicaine. Elle abrite des voyageurs, des passionnés de chiens, des voleurs, des vétérans de l’armée, des artistes et des inventeurs. Sa population compte des milliers de personnes en hiver, et en été, lorsque les températures peuvent dépasser 49°C, elle se réduit à quelques centaines. Les véritables “slabbers” sont les personnes qui ont réussi à survivre à deux étés. Ce sont les personnes que Stuart a rencontrées et photographiées. C’est un monde où les gens construisent des bunkers couverts de terre pour vivre, et se baignent dans les sources boueuses du désert, où les pneus sont utilisés comme guirlandes décoratives… Si Slab City peut apparaître pour beaucoup comme un véritable bidonville américain, il est également un petit paradis pour les adeptes de la débrouillardise. Derrière l’image de violence qui est véhiculée par un grand nombre de voyageurs, se cache en fait une tout autre réalité, celle d’une communauté qui s’organise et apprivoise cet espace désertique. Into the Fire laisse apparaître Slab City comme un lieu où tout est possible, le pire comme le meilleur. Et c’est là tout le paradoxe et tout l’intérêt de l’endroit. Aux yeux des personnes de l’extérieur, c’est un taudis où règnent la criminalité et l’insalubrité. Pour ceux qui y résident, c’est une oasis de liberté, un lieu de rencontres improbables, un lieu de totale indépendance. Le livre de 100 pages, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires avec deux couvertures différentes, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

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YUSUKE YATAMANI – DOORS

Publié en auto-édition (Gallery Yatamani), l’ouvrage Doors est un témoignage éclectique de la tournée de Yusuke Yamatani en 2019 à travers six pays européens. Dans ses performances solo en direct qui combinent musique, danse, installation et photographie, Yamatani joue de la batterie devant le public, des capteurs détectant les vibrations de chaque coup, déclenchant des lumières stroboscopiques et capturant Yamatani dans une fureur semblable à celle de la transe. Les images (y compris les clichés du public et de la salle) sont ensuite traitées et imprimées pendant la représentation. En utilisant une sélection des 3563 images produites de cette manière et en ajoutant des photographies de ses voyages de pays en pays – des instantanés de la route, des factures, des repas, des gens qu’il a rencontrés et des endroits qu’il a appréciés – le livre Doors constitue un document des spectacles de Yamatani et de ses expériences personnelles, et se présente comme une réponse éditée aux expressions photographiques non éditées qui sont à l’origine de ses performances. Des flyers de ses performances, cartes postales de différentes villes, photogrammes enregistrant les perceptions sur les tambours et photos reçues plus tard du public sont également des éléments importants du livre. Celui-ci comprend également une interview de Yamatani, qui présente son point de vue sur la photographie après avoir consacré les deux dernières années à cette œuvre. Doors a été initialement diffusé en édition limitée à 181 exemplaires aux supporters du projet de crowdfunding qui a financé sa tournée européenne. Mais en raison de l’escalade du COVID-19, de l’accélération de la fragmentation sociale, et du souhait de Yamatani que “plus de gens voient ce livre photo qui est à la fois un documentaire et un road movie, sur un asiatique à moitié nu se produisant et circulant librement en Europe, et aient l’occasion de réfléchir à un passé nostalgique ou à l’avenir incertain”, le livre de 400 pages est à nouveau disponible sur la boutique en ligne des éditions Gallery Yatamani, avec l’accord des supporters du crowdfunding.

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YOSHITOMO NARA – MONOGRAPH

Yoshitomo Nara est l’un des artistes japonais les plus populaires de sa génération. Ses portraits de personnages inquiétants, parfaitement reconnaissables, reflètent les rencontres brutes de l’artiste avec son moi intérieur. Grand voyageur, l’artiste japonais s’inspire pour son œuvre d’un large éventail de ressources : souvenirs de son enfance, musique, littérature, études et vie en Allemagne (1988-2000), exploration de ses racines au Japon, en Sakhaline et en Asie, et art moderne d’Europe et du Japon. Couvrant plus d’une trentaine d’années (de 1987 à 2020), cette nouvelle monographie est publiée par les éditions britanniques Prestel à l’occasion de la grande rétrospective de Nara prévue prochainement au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). L’ouvrage présente un large éventail de l’œuvre de l’artiste. En plus de ses travaux plus connus, comme ses omniprésents portraits de personnages aux grands yeux sur fond monochrome, le lecteur découvrira ses premières peintures, esquissées sur des surfaces allant des enveloppes au carton, réalisées pendant son séjour en Allemagne, ainsi qu’une installation qui recrée son atelier de dessin. Ses œuvres plus récentes sont également présentées, notamment ses sculptures en bronze et en céramique de grande taille et ses portraits réalisés à la suite du tremblement de terre qui a dévasté le Japon en 2011. Comparant et contrastant ces pièces à travers le prisme musical caractéristique de Nara, le catalogue présente également des notes écrites par l’artiste sur différents albums de sa collection personnelle, publiées en anglais pour la première fois. Le livre de 224 pages, qui permet d’apprécier l’évolution d’un artiste dynamique devenu plus contemplatif avec l’âge, est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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MATT EICH – THE SEVEN CITIES

Dans ses travaux, Matt Eich étudie la condition américaine et se concentre sur le poids de la mémoire collective des Américains. Conçu comme une série de quatre livres, The Seven Cities – publié par les éditions suisses Sturm & Drang – est le troisième volume de The Invisible Yoke, qui pose un regard sans concession sur les gens et les lieux que l’Amérique semble avoir oubliés. Après l’Ohio (vol. 1) et le Mississippi (vol. 2), Eich se penche sur l’État où il réside : la Virginie. Ces images sont le fruit de sa documentation obsessionnelle sur la famille et la communauté sur une période de quatorze ans. Que restera-t-il de tout cela dans 20 ans, dans 50 ans ? Il semble probable que des exemplaires de ce livre puissent survivre à de nombreuses maisons qui y sont représentées. En effet, de nombreux quartiers du littoral sont régulièrement inondés et personne ne peut malheureusement rien y faire. Avec l’œil d’un observateur expérimenté et sa connaissance de la composition régionale et des coutumes locales, Matt Eich documente la lutte de sa région et de sa communauté avec dévouement et tendresse. Le livre contient un livret de 16 pages avec un essai de Seth Feman, conservateur de la photographie au Chrysler Museum of Art, ainsi que des poèmes signés Tim Seibles et Stevie Smith. Publié dans une édition limitée à 800 exemplaires seulement, l’ouvrage de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

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A VISUAL PROTEST – THE ART OF BANKSY

Les éditions britanniques Prestel publient A Visual Protest – The Art of Banksy, un nouveau livre exceptionnel sur l’œuvre de Banksy, qui retrace toute la carrière de l’artiste de rue anonyme le plus célèbre au monde. Des années avant de faire sauter le couvercle du monde de l’art en déchiquetant une œuvre immédiatement après son achat lors d’une vente aux enchères, Banksy commettait déjà des actes de protestation artistique dans les rues, sur les murs et les ponts des villes du monde entier. Si nous ne savons toujours pas qui est exactement l’artiste, cet ouvrage offre une meilleure idée de sa façon de travailler. A Visual Protest présente environ quatre-vingts œuvres depuis le début de sa carrière d’artiste de rue jusqu’à aujourd’hui, la plupart photographiées in situ et présentées de très belle façon. Le livre guide le lecteur à travers les processus artistiques de Banksy et explique ses influences, telles que le mouvement Situationniste et le soulèvement de mai 1968 à Paris. Il se penche également sur des œuvres clés telles que Love Is in the Air, un graffiti au pochoir qui subvertit l’idée de protestation violente ; Flag, dans lequel la photographie américaine emblématique d’Iwo Jima est modifiée pour refléter un groupe d’enfants de Harlem au sommet d’une voiture brûlée ; et l’œuvre au titre subtil Turf War, dans lequel Winston Churchill arbore un Mohawk en herbe. Un hommage est également réservé aux célèbres rats de Banksy, un symbole décrié de la déchéance urbaine que l’artiste réimagine en tant que rappeurs, violonistes et peintres. Alors que Banksy continue de défier l’oppression politique, économique et raciale qui se produit chaque jour dans les villes du monde entier, ce livre offre une analyse pertinente de la façon dont l’artiste s’est intégré dans la psyché des puissants et des sans-voix, sans jamais révéler sa propre identité. L’ouvrage de 224 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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MASAKAZU MURAKAMI – SUBWAY DIARY

Né à Tokyo en 1977, Masakazu Murakami obtient le diplôme de l’École d’Arts visuels de Tokyo en 2000 et se voit attribuer la même année le 16e Grand Prix Hitosubo-ten, puis, en 2007, le 5e Trophée photo des Arts visuels. Depuis 2018, il est rédacteur en chef de la revue Nippon Camera. Les éditions japonaises Roshin Books publient aujourd’hui sa nouvelle monographie: Subway Diary. L’œuvre de Murakami est indissociable de l’effondrement de la bulle économique japonaise au début des années 1990. Un sentiment de désespoir imprègne le pays pendant une période de récession connue sous le nom des “deux décennies perdues”. Une génération perdue de citadins erre alors dans un vaste océan appelé Tokyo, traversant le chaos, descendant dans les profondeurs de la société par les escaliers roulants du métro. Le photographe japonais a braqué son objectif sur les habitants de Tokyo pendant vingt ans, depuis l’époque où il était étudiant. Jamais il n’a oublié de trimballer son appareil photo lorsqu’il prenait le métro. Le clic de l’obturateur, pour Murakami, était comme écrire une page dans un journal intime, dont il ne feuilletterait plus jamais les pages. Pourtant, cet acte apparemment banal et sans intérêt est devenu le seul réconfort dans son quotidien. En 2018, Murakami est invité en résidence à l’atelier chataigne de Tokyo. Il profite de cette occasion pour revoir et organiser les clichés pris à Tokyo entre 1999 et 2019, et commence alors la production de Subway Diary. Préfacé par le célèbre photographe Daido Moriyama, l’ouvrage de 144 pages – publié dans une édition limitée à 800 exemplaires avec 6 couvertures différentes – est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Roshin Books.

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HENRI CARTIER-BRESSON – PHOTOGRAPHER

Les édition Prestel publient Photographer, la nouvelle monographie d’Henri Cartier-Bresson (1908–2004). Reproduites dans un noir et blanc de toute beauté, les images de ce livre vont des premiers travaux du photographe en France, en Espagne et au Mexique à ses voyages d’après-guerre en Asie, aux États-Unis et en Russie, et comprennent même des paysages des années 1970, lorsqu’il abandonna son appareil photo pour se consacrer au dessin. Cartier-Bresson, reconnu comme l’un des pionniers de la photographie de rue, a saisi avec candeur des personnes et des lieux avec son appareil 35 mm Leica, à la fois léger et discret. Les images d’enfants en train de jouer (courant sur un trottoir à Montréal en 1962, ou se rassemblant sur une place de Madrid en 1933) mettent en évidence une innocence et une joie de vivre certaine, tandis que d’autres photographies (les funérailles d’un acteur de kabuki à Tokyo en 1965 ; une mère et son bébé malade à Madurai, en Inde, en 1947) évoquent un sentiment viscéral de désespoir. Si son instinct pour capturer ce qu’il appelait les moments décisifs était sans égal, en tant que photojournaliste, Cartier-Bresson se préoccupait uniquement de l’impact humain des événements historiques. Dans ses photographies de la Libération, de la mort de Gandhi et de la création de la République populaire de Chine en 1949, il se concentre sur les réactions des foules plutôt que sur les sujets des événements. La plus grande force de l’œuvre de Cartier-Bresson est sa portée. Qu’il s’agisse de magnifiques paysages urbains – par exemple, Istanbul, Naples ou Paris – ou de simples portraits d’individus (un eunuque de la cour impériale à Pékin en 1949 ; William Faulkner à Oxford en 1947), ses images captivent le spectateur par leur composition artistique et leur intensité. Divisé en six sections thématiques, le livre présente les photographies en double page. Dans une note manuscrite incluse à la fin du livre, le photographe écrit : “Pour donner un sens au monde, il faut se sentir impliqué dans ce que l’on repère à travers le viseur”. Son œuvre illustre comment il a su saisir le moment décisif avec une humilité extrême et une profonde humanité. L’ouvrage de 344 pages, avec une préface réalisée par l’historien et poète Yves Bonnefoy, est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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ARNAUD MONTAGARD – THE ROAD NOT TAKEN

Arnaud Montagard est un jeune photographe originaire de Nancy, qui vit et travaille à Brooklyn depuis 2013, et qui s’est rapidement spécialisé dans la photographie de rue. Plébiscité sur le net et les réseaux sociaux (@arnaudmontagard), et reconnu par le milieu avec plusieurs trophées remportés dont notamment celui d’un concours national, le photographe continue de voyager à travers le monde afin de capturer l’énergie et la vie d’autres lieux. Travaillant beaucoup sur la lumière, jouant d’une grammaire esthétique maitrisée, sa nouvelle monographie,The Road Not Taken, publié par les éditions britanniques Setanta Books, est un voyage au cœur de l’Amérique profonde. Elle incarne les icônes américaines de notre imaginaire collectif. De la country de Johnny Cash aux lumières de Saul Leiter, les ambiances sublimées par le peintre Edward Hopper aux clichés de Stephen Shore et William Eggleston, le livre est un hommage à ces artistes qui ont façonné le mythe américain. Des enseignes commerciales dans des polices de caractères dépassées. Vieux motels, restaurants, stations d’essence rurales. Des voitures dont la carrosserie s’étire en longueur et en hauteur comme la route pour laquelle elles ont été construites… Montagard déclare à propos de l’ouvrage: « J’aime le fait que l’on puisse se demander à quelle période la photo a été prise. On y retrouve une sorte d’intemporalité et surtout une invitation à la décélération. Au cours de la réalisation de ce projet, j’ai commencé à photographier en numérique. Puis, petit à petit, je me suis mis au moyen format argentique, j’apprenais à prendre le temps. » Publié dans une édition limitée à 750 exemplaires, The Road Not Taken (avec sa préface signée Leah Ollman du Los Angeles Times) est actuellement en rupture de stock sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books. Quelques copies en édition limitée de ce superbe ouvrage seront disponibles en fin d’année (plus d’informations sur cette page).

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