Category Archives: Art

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2022 – PART TWO: NOW

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Part Two: Now’, en partenariat avec The Photographers’ Gallery, se déroule du lundi 17 octobre au dimanche 23 octobre 2022. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $100 sur le site magnumphotos.com/shop/.

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ALESSANDRA SANGUINETTI – SOME SAY ICE

Alessandra Sanguinetti est connue pour son travail qui explore les effets du passage du temps et les transitions de la jeunesse. Après l’énorme succès de son projet suivant les deux cousines Guille et Belinda dans leur intimité (voir ici), la photographe argentine sort un nouvel ouvrage publié par les éditions Mack: Some Say Ice. Depuis 2014, Sanguinetti n’a cessé de retourner dans la petite ville de Black River Falls, dans le Wisconsin, pour créer les images qui allaient former cette nouvelle série austère et elliptique. Cette même ville est le sujet de Wisconsin Death Trip, un livre de photographies prises par Charles Van Schaick à la fin des années 1800, qui documente les conditions de vie et de mort difficiles de ses habitants. La photographe a découvert ce livre lorsqu’elle était enfant, et cette expérience est gravée dans sa mémoire comme sa première confrontation avec la mortalité. Cette rencontre l’a amenée à explorer l’étrange relation entre la photographie et la mort, et finalement à se rendre elle-même à Black River Falls. “J’y suis allé avec toutes mes idées à ce sujet, donc j’avais un peu l’impression d’être dans mon esprit de neuf ans”, explique Sanguinetti. Les scènes austères et sculpturales et les portraits ambigus et inquiétants qui composent l’ouvrage dépeignent un lieu presque hors du temps. Présentées sans texte ni explication, les photographies sont empreintes de l’esprit gothique et de l’indéniable tendresse que l’on retrouve dans ses séries antérieures. En faisant remonter à la surface de ses images des courants sous-jacents de doute et d’obscurité, Sanguinetti fait allusion à des choses absentes ou invisibles, jouant sur des atmosphères à la fois réelles et imaginaires, ainsi que sur la possibilité fantomatique de défaire la mort par l’acte photographique. “Je pense que c’est toujours l’impulsion qui nous pousse tous à prendre des selfies”, dit-elle. “C’est une réaffirmation que nous sommes dans ce monde.” Avec son titre inspiré du célèbre poème de Robert Frost qui hésite sur la meilleure façon de faire face à sa mort inévitable, Some Say Ice est un regard humaniste sur les réalités mélancoliques qui sous-tendent nos vies, vues avec une clarté glaciale par l’une des plus remarquables photographes contemporaines. Le livre de 148 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Mack.

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OLAF UNVERZART – WALKING DISTANCE

Olaf Unverzart a étudié la photographie d’art à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig et a enseigné la photographie à l’Akadmie der Bildenden Künste de Nuremberg. Actuellement, il enseigne au Mozarteum de Salzbourg et à HM à Munich. Il photographie des portraits, des reportages, des paysages vides, comme une sorte de biographie visuelle. Cinq continents, trois décennies : avec Walking Distance, Olaf Unverzart présente son interprétation d’un carnet de voyage. Au-delà des attractions touristiques, des lieux connus et du folklore supposé typique, son nouveau volume de photographies publié par les éditions allemandes Verlag Kettler, nous ouvre les yeux sur les choses et les créatures “intermédiaires” – cet “intermédiaire” se déroulant principalement dans la rue. La force des images réside dans l’immobilité et l’intimité des scènes. Les photographies d’Unverzart n’ont rien d’un voyeurisme ; elles ne prétendent pas révéler des idées et des vérités essentielles sur les lieux ou leurs habitants, mais apparaissent comme des impressions fugitives. Les photographies individuelles, avec leur composition en noir et blanc et leur texture granuleuse, ont une qualité étrange qui semble éloignée du temps et du lieu, ce qui leur confère un caractère presque universel. Unverzart explore les types de transition les plus divers : nous voyons des voitures, des rails et des rues, ainsi que des passants et des piétons. Les scènes de l’ancien et de l’obsolète indiquent que le photographe est à la recherche d’une époque perdue et font sans cesse allusion aux changements culturels, sociaux et technologiques extrêmes des trois dernières décennies. Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Verlag Kettler.

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ANDREAS TROGISCH – EIGHT DAYS A WEEK. SEVEN AND ONE ITERATION

Andreas Trogisch, né à Riesa/Elbe en 1959, est l’un des membres fondateurs du studio de graphisme grappa en 1989, et travaille comme concepteur de livres et photographe à Berlin. Il enseigne également le design à l’Ostkreuzschule de Berlin. Depuis 1982, il se consacre intensivement à la photographie. Ses images sont présentées dans ses onze livres de photos, mais aussi dans des expositions individuelles et collectives en Allemagne et à l’étranger, comme la Triennale de la photographie à Hambourg ou les Rencontres de la photographie à Arles, en France. Il est membre de la Deutsche Fotografische Akademie depuis 2014. Les éditions allemandes Kerber Verlag on récemment publié son nouvel ouvrage intitulé Eight Days A Week. Seven And One Iteration. La photographie crée des mondes – ou du moins d’abord des montagnes d’images. Le livre tente de faire émerger le monde de ces montagnes en plaçant les motifs dans une sorte de séquence d’histoire naturelle. Sept tentatives sont entreprises à cet effet – en partant du soupçon que la création divine ne réussit peut-être pas non plus du premier coup. Plus précisément, il y a sept tentatives plus une, et à chacune d’elles, le monde n’est plus créé en sept jours, mais avec un jour supplémentaire. Après que la création originelle se soit achevée chaque fois ponctuellement pour le sabbat, l’Anthropocène se lève le jour 7+. L’ouvrage de 248 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kerber Verlag.

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OTL AICHER – DESIGN. TYPE. THINKING.

Depuis son décès accidentel en 1991, le graphiste allemand Otl Aicher n’a cessé de faire couler l’encre. Aicher est surtout connu pour les pictogrammes qu’il a conçus pour les Jeux olympiques d’été de 1972 à Munich. Cinquante ans plus tard, son système iconographique est devenu un langage universel, guidant les gens à travers les salles de bains, les métros, les aéroports et les hôpitaux. Mais les réalisations d’Aicher s’étendent bien au-delà du monde de la conception graphique. À l’occasion du centenaire de sa naissance, les éditions britanniques Prestel publient Design. Type. Thinking., une superbe monographie qui revient sur l’ensemble de son travail. Riche en illustrations, en photographies, en documents et en matériel d’archives, et agrémentée d’essais réfléchis et personnels de critiques, de designers et d’amis de premier plan, cette étude adopte une approche disciplinaire pour explorer le rôle d’Aicher en tant que l’une des figures fondatrices de la communication visuelle. On y découvre notamment le travail d’Aicher dans le développement de marques d’entreprise, comment il a créé la police de caractères Rotis, puis construit des architectures intégrant cette police, comment il a collaboré avec des artistes et des architectes tels que Josef Albers, Alexander Kluge et Norman Foster, et comment la fondation de l’école de design d’Ulm reflète sa passion pour l’enseignement et pour une société ouverte, libre et démocratique. Les réalisations d’Aicher sont visibles dans presque tous les espaces publics du monde et cet ouvrage de référence définitif et actualisé place à juste titre Aicher parmi les génies pionniers du siècle dernier. Le livre de 256 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.

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HAJIME KIMURA – CORRESPONDENCE

Diplômé en architecture et en anthropologie au Japon, Hajime Kimura (1982) se passionne pour la photographie et trouve son inspiration dans sa région natale, auprès de son père, dans la campagne japonaise. Ce qui est important pour lui : photographier sa famille, son environnement et laisser son empreinte dans ce monde. Pour cela, il photographie en noir et blanc et accentue les contrastes des images pour rendre compte de l’atmosphère froide et hivernale ressentie au moment même. Pour Correspondence, son nouveau projet publié conjointement par la galerie Ibasho et les éditions The (M)éditions, le photographe a voyagé dans la région de Torres Vedras, au nord de Lisbonne, célèbre pour ses vestiges archéologiques. Arpentant l’une de ces anciennes plages, Kimura a documenté les paysages actuels et les objets et déchets qu’il a y trouvés lors de ses promenades, en imaginant que ces détritus auxquels on ne prête pas attention, ou la flore et la faune d’aujourd’hui, pourraient faire l’objet de recherches archéologiques dans le futur et indiquant, à la manière d’un archéologue, les lieux, dates et heures de leur « excavation ». L’artiste explique: “Il s’agit d’un méta-message que j’ai envoyé dans un lieu célèbre pour l’archéologie, aux futurs archéologues, ou à toute personne qui trouve par hasard une relique du passé. Ce que nous reconnaissons aujourd’hui comme un simple déchet peut devenir un indice pour explorer le passé dans quelques décennies ou même quelques centaines d’années. J’ai décidé de transmettre ce message aux personnes du futur qui ne l’ont pas encore vu, des photographies de détritus et du paysage environnant où les détritus sont tombés. Je les ai réunies dans ce livre, et je vous ai laissé faire les “fouilles”. C’est la base de cette histoire.” Publié dans une édition limitée à 450 exemplaires, l’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The (M)éditions.

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JULIE BLACKMON – MIDWEST MATERIALS

Julie Blackmon est une photographe qui vit et travaille dans le Missouri. Ses photographies s’inspirent de sa famille nombreuse, de son rôle actuel de mère et de photographe et de l’intemporalité de la dynamique familiale. En tant qu’aînée de neuf enfants et mère de trois enfants, Blackmon utilise les membres de sa propre famille et son foyer afin d’ “aller au-delà du documentaire pour explorer les éléments fantastiques de notre vie quotidienne”. La photographe vise à re-contextualiser les motifs classiques de l’histoire de l’art en les fusionnant avec son expérience personnelle. Influencée par les maîtres de la Renaissance néerlandaise, plus particulièrement par l’œuvre de Jan Steen, Blackmon insuffle à son travail un sens typiquement néerlandais de la lumière, de la palette et de l’utilisation de l’iconographie. Également influencée par le peintre moderniste Balthus, Julie Blackmon crée des scènes mouvementées dans lesquelles le temps s’arrête, laissant le spectateur anticiper ce qui pourrait se passer dans l’instant suivant. Pour sa troisième monographie publiée par les éditions Radius Books, Midwest Materials, l’artiste a créé un nouveau corpus d’œuvres qui brille par l’esprit, l’humour noir et l’ironie qui ont fait sa renommée. Trouvant des idées et de l’inspiration dans l’apparente monotonie de sa “ville natale américaine ordinaire”, Blackmon construit un monde fictif captivant, à la fois ludique et menaçant. “Je me considère comme une artiste visuelle travaillant dans le domaine de la photographie, et ma mission est de représenter les rêves enfiévrés de la vie américaine”. Le livre de 108 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de éditions Radius Books. Une édition limitée contenant un tirage signé par la photographe est également disponible ici.

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ALEX WEBB AND REBECCA NORRIS WEBB – WAVES

Alex Webb a étudié la photographie au Carpenter Center for the Visual Arts. C’est en 1974 qu’il deviendra photojournaliste avant de rejoindre la célèbre agence Magnum deux années plus tard. Depuis, il a travaillé pour de nombreux magazines tels que New York Times Magazine, Life ou encore National Geographic. Avec son épouse la photographe et poétesse Rebeca Norris Webb, ils forment l’un des duos artistiques les plus prolifiques de notre époque. Inspiré par le roman The Waves de Virginia Woolf, ce nouveau projet collaboratif publié par les éditions américaines Radius Books rassemble le travail des deux inséparables partenaires créatifs. Cette collection intime sert de journal de bord pandémique en mots et en images, créé alors que le couple était en grande partie isolé à Cape Cod de mars 2020 à mai 2021. Rebecca offre une poésie originale, écrite à la main, qui ponctue ses photographies lyriques et les paysages marins panoramiques d’Alex. Leurs images servent de méditations poignantes sur ce que signifie être à la fois intimement lié au monde qui nous entoure et profondément isolé de tout ce qui nous est cher. Alex Webb explique: “Loin des environnements urbains animés que j’ai souvent photographiés, j’ai suivi les mouvements subtils du temps et des marées, du vent et de l’eau. Pendant ce temps, Rebecca a photographié les vagues de lumière qui traversaient les nombreuses fenêtres de notre maison, et a écrit des textes dépouillés pour essayer de naviguer émotionnellement dans cette période troublante, où tant de personnes que nous connaissons ont été prises dans ce tourbillon.” Avec ses 108 pages, Waves est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Radius Books. Une édition limitée contenant deux tirages signés par les deux artistes est également disponible ici.

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LUO YANG – CATALOGUE

La jeune étoile montante de la photographie chinoise Luo Yang fait état d’une œuvre moderne aux accents délicieusement subversifs. Ses modèles sont souvent des femmes nues ou peu vêtues. Elles captivent par leur regard désenchanté, fixé sur l’objectif. Sa série de photo Girls, entamée en 2008, lui a conféré une renommée internationale. Les jeunes femmes sont photographiées dans un apparent dépouillement, une simplicité déroutante. Elles ont grandi dans la Chine en plein boom des années 1980 et incarnent cette génération tiraillée entre tradition et modernité. Ces jeunes femmes se présentent avec assurance et singularité, mais semblent en même temps vulnérables et fragiles. Les éditions berlinoises Migrant Bird Space publient aujourd’hui un nouveau catalogue de la photographe, qui réunit une sélection de ses principales œuvres depuis le début de sa carrière, en les entremêlant comme autant d’histoires personnelles. “La Chine a une longue histoire et certaines traditions sont difficiles à changer”, reconnaît celle qui vit et travaille entre Pékin et Shanghai. “Les parents veulent toujours que leurs filles se marient tôt et la société continue à exercer une pression sur elles, mais j’ai le sentiment que les filles que je photographie se sentent libres”. La photographe confie: « ces filles sont comme des fleurs, leur monde est riche et coloré, elles vivent des choses formidables, c’est ça que je veux exprimer dans mon travail, ce que je ressens et comment je vois le monde dans lequel nous vivons avec toutes ses contradictions. Ce sont des filles très indépendantes, souvent issues de la scène artistique. Je ne sais pas si elles sont réellement émancipées, mais ce qui est sûr, c’est qu’elles sont courageuses, un peu “badass”, plus libres ». La jeune photographe pose, à travers l’ambivalence présente dans ses œuvres, l’épineuse question de l’identité et du rapport au réel. Ces visages, sobres, sereins, sensuels, imprimés sur papier glacé, sont le reflet du bouleversement des valeurs établies que connaît l’Empire du Milieu. Ce très beau catalogue de 208 pages, édité à seulement 300 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Migrant Bird Space.

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BRUCE GILDEN – BLACK COUNTRY

Peu de photographes possèdent un style aussi frappant et reconnaissable que Bruce Gilden, membre de la célèbre agence Magnum Photos depuis 1998 et qui est largement considéré comme l’un des photographes de rue les plus importants et les plus influents de l’illustre histoire du genre. En 2013, Gilden a été chargé de réaliser des portraits de rue dans les West Midlands, en Grande-Bretagne, et les éditions Setanta Books publient un livre à cette occasion, intitulé Black Country. Pendant son séjour de trois semaines, le photographe a documenté des personnes, des usines et des maisons oubliées dans les Midlands britanniques, afin de dévoiler et d’étudier le paysage changeant de la Grande-Bretagne post-industrielle. Gilden s’est concentré sur les communautés laissées pour compte et marginalisées ; son objectif était de faire la lumière non seulement sur les personnes souvent ignorées dans la société quotidienne, mais aussi sur les métiers et les valeurs qui disparaissent lentement de l’histoire du Royaume-Uni. La conception de sa nouvelle monographie s’inspire directement des thèmes que Gilden a étudiés pendant la réalisation de l’œuvre. Relié à l’aide de vis en acier inoxydable pour ressembler à un manuel d’usine, le livre est présenté dans une belle couverture imprimée avec de l’argent sur du papier noir, comme ces portes usées que l’on trouve dans les entrepôts et les usines. À l’intérieur, au lieu de machines, une série d’images saturées à grande échelle attire votre attention, vous obligeant à prêter toute votre attention aux sujets. Le livre de 180 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books, Une édition spéciale de l’ouvrage, proposé avec deux tirages différents signés par le photographe, est également disponible sur ce lien.

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JOHN MYERS – LIFE AS IT IS

John Myers étudie les Beaux-arts à Duram dans les année 1960, sous la direction de Richard Hamilton, icone du pop art anglais, avec un intérêt particulier pour la sculpture. C’est à partir de 1972 qu’il saisit, avec une lourde et imposante chambre photographique, les habitants et lieux de Stourbridge et sa banlieue, ville typiquement moyenne de l’Angleterre où il passera toute sa vie. Les photographies de John Myers ont une touche distinctivement britannique, à l’humour pince-sans-rire, débarrassées de tout sens caché. Son œuvre, considérée dans son ensemble, révèle quelque chose de l’âme britannique des années 1970-1980, une façon de voir le monde à travers la photographie qui a maintenant pris sa place, à juste titre, dans la tradition photographique britannique et plus généralement dans la culture visuelle. Les éditions britanniques RRB Photobooks publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe, Life As It Is. Cette publication rassemble des images inédites issues des archives de Myers et constitue un complément de sa récente trilogie The Works, publiée il y a peu. Cette approche narrative de la collection de Myers est la première du genre. L’ouvrage tisse des liens entre les coutumes distinctes d’une Angleterre moyenne paisible et des vues étranges qui “ne se conforment pas à la façon dont le monde devrait se présenter”. Les images qui parsèment le livre nous invitent à pénétrer dans des environnements nostalgiques. En franchissant chaque pas de porte, nous sommes accueillis par des personnes souvent caractérisées par leur profession – bouchers, vendeuses, serveuses. Myers a toujours affirmé qu’il n’avait pas de grand projet photographique et qu’il se contentait de photographier ce qui attirait son regard. À cet égard, ce livre revêt une dimension autobiographique. “Des maisons, des bus, des camionnettes de déménagement, des coiffeurs, des gens qui se font photographier, des toits en cours de remplacement, du linge qui sèche, des bananes qui poussent, des pneus, des maisons et des glaces à vendre. Tout est là.” L’habitat présenté est celui de Myers dans son environnement le plus immédiat, Stourbridge dans les Midlands, au Royaume-Uni. Il y a une familiarité dans ces images qui peut être ressentie par toutes les générations. Lorsque nous regardons de près les images, des anecdotes semblent émerger. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks. Une édition spéciale limitée à 100 exemplaire avec un tirage signé est également disponible ici.

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CHRIS JOHANSON – CONSIDERING UNKNOW KNOW WITH WHAT IS, AND

Au cours des cinq dernières années, Chris Johanson s’est considérablement éloigné de ses précédents travaux. Réfléchissant à la vie et à l’empreinte matérielle que les êtres humains laissent derrière eux, l’artiste californien a abandonné les substrats en bois pour des toiles et des vêtements mis au rebut et tendus sur des barres de fer trouvées, créant ainsi des peintures lentes et méticuleuses qui rappellent les fresques anciennes ou les mandalas. À l’occasion de son exposition personnelle fin d’année dernière, Considering Unknow Know With What Is, And, à la galerie new-yorkaise Mitchell-Innes & Nash, un très beau catalogue du même nom a été publié. Avec une méthode délibérément mesurée et réfléchie, Johanson considère son travail sur ces tableaux comme un processus méditatif. Il contemple les thèmes de l’impermanence, de la fluidité et de la nature éphémère de l’existence. Les sujets vont des abstractions tourbillonnantes aux têtes émotives flottantes en passant par les armées de fourmis.?L’artiste cherche à mettre l’accent sur les effets curatifs potentiels de la création artistique alors que nous sommes tous confrontés à la surstimulation, à l’anxiété et à la perte qui vont de pair avec la récente situation sanitaire. Johanson peint d’une manière qui est à la fois lente et réfléchie, et qui, de ce fait, crée un espace mental calme et méditatif. “Je travaille de cette manière afin de “ralentir mes pensées, de réduire le bruit de ma vie”, explique t-il. L’ouvrage, entièrement consacré aux récentes explorations de Johanson sur toile recyclée, est conçu par Perron-Roettinger et comprend de nouveaux essais de l’artiste et de Jenny Gheith, conservatrice associée de la peinture et de la sculpture au San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Mitchell-Innes & Nash.

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