Category Archives: Art

PARIS PHOTO 2019

Voici quelques clichés de la 23ème édition du salon Paris Photo, qui se tenait la semaine dernière, et qui a connu un nouveau record d’affluence avec plus de 70 000 visiteurs. Près de 200 exposants, provenant d’une trentaine de pays, étaient à l’honneur sous la nef du Grand Palais où elles présentaient œuvres historiques et travaux contemporains. Se sont joints à elles une trentaine d’éditeurs internationaux offrant un panorama complet du médium photographique.

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MICHAEL LUNDGREN – GEOMANCY

Les photographies sombres et magnifiques de Michael Lundgren ouvrent au spectateur une fenêtre sur un monde mystique où le temps lui-même semble s’effondrer. Préoccupé par le manque de lien entre l’homme et la nature, le photographe américain a entamé sa série Geomancy (publiée aujourd’hui par les éditions Stanley / Barker) en 2016, avec l’aide d’une bourse Guggenheim. Terme métaphysique, la géomancie fait référence à la relation entre la matière et le monde spirituel à travers un lien de divination et d’interprétation. La capacité de la photographie à ressembler et à transformer le monde naturel se révèle être une interrogation centrale dans cette œuvre. Alors que la photographie de paysage a longtemps été consacrée à de vastes panoramas et au grandiose, Lundgren se concentre sur l’invisible et l’inexplicable – des objets et des espaces qui semblent hors du champ du temps mais qui font référence à l’histoire d’un paysage occupé. Ses clichés saisissants lui demandent souvent d’escalader des montagnes, d’explorer des grottes d’une noirceur extrême ou de s’aventurer dans le désert à la recherche de paysages autrefois occupés par des êtres humains: villes en ruines, anciens cimetières ou artefacts d’un voyageur dans le désert, le tout brouillant souvent les frontières entre ce qui est naturel et ce qui est fait par l’homme. Le processus artistique complexe du photographe utilise la manipulation dans l’appareil photo, la chambre noire et l’ordinateur. Les images qui en résultent soulignent la résonance sculpturale et symbolique de ces objets trouvés à travers la nature bidimensionnelle de la photographie. Elles sont conflictuelles dans leur étrange beauté, créant un contrepoint intellectuel à notre idée de la nature en tant que bienfaiteur de l’humanité ou Eden – rappelant que la nature peut se passer de nous, mais que nous ne pouvons pas nous passer d’elle. Lundgren explique: “Le paysage a toujours été pour moi une invitation au mystique, pour ce qui échappe à notre compréhension rationnelle du monde. J’ai essayé de faire des photographies qui servent de parallèle pour cette entrée. Cela invite le spectateur à contempler un monde qu’il ne comprend pas et, ce faisant, à arrêter sa propre vision du monde.” Le livre de 80 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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EMI ANRAKUJI – BALLOON POSITION

Balloon Position est un fac-similé de la maquette faite à la main par la photographe originaire de Tokyo Emi Anrakuji, publié par les éditions AKAAKA ART PUBLISHING Inc.. L’ouvrage est imprimé sur du papier très rugueux et non couché qui évoque l’aspect et la sensation de copies Xerox usées par le temps. Les images elles-mêmes sont tout aussi brutes, créées en réponse à la lutte de l’artiste contre une tumeur au cerveau et à la perte de la vue d’un œil. La maladie l’a forcée à abandonner son aspiration à devenir peintre professionnelle. Au cours d’une décennie de convalescence, elle découvre un jour qu’un appareil photo peut remplacer ses yeux, puis commence à apprendre la photographie dans son lit d’hôpital. L’obsession d’Anrakuji pour le corps humain est le résultat, en partie, de ses longues périodes d’hospitalisation. Les photographies présentées dans le livre sont souvent floues et déstabilisantes, telles une adaptation contemporaine de la syntaxe visuelle de l’époque Provoke. L’allusion d’un fil narratif se traduit par l’apparition intermittente d’un ou plusieurs ballons blancs (et d’autres formes sphériques, comme des pois, des boules de bowling et des balles de ping-pong). D’autres images représentent des paysages urbains morcelés, une double exposition de plantes et de motifs, un gros plan d’une épingle enfoncée dans la peau d’un ballon, tendu et proche de l’éclatement… Balloon Position est un déploiement de l’âme de l’artiste en conflit, semblable à un flux de conscience. Prises il y a vingt ans, les photos en noir et blanc, douces et sensuelles, forment un véritable poème visuel sur la solitude et la confusion existentielle. Emi Anrakuji est une alchimiste de l’image et un catalyseur de fantasmes et de désirs. Le livre de 208 pages est actuellement sélectionné dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2019 organisés par Paris Photo et Aperture. Ce magnifique ouvrage est maintenant disponible, dans une édition limitée à 500 exemplaires, sur la boutique en ligne des éditions japonaises AKAAKA ART PUBLISHING Inc..

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MIKE OSBORNE – FEDERAL TRIANGLE

Mike Osborne est un photographe dont l’œuvre aborde divers thèmes, tels que l’architecture, le paysage, l’histoire, ou encore la technologie. Intitulé d’après un complexe gouvernemental coincé entre le Capitole et la Maison-Blanche, son nouvel ouvrage publié par les éditions Gnomic Book Federal Triangle décrit Washington DC comme une sorte de triangle des Bermudes bureaucratique, un lieu impénétrable de mystère, de danger et de désorientation. Commencé en 2016, le projet consiste en une série de brèves rencontres avec les artifices du pouvoir, qui ont conduit à une cascade de questions. Que font ces hommes munis d’écouteurs qui se réunissent dans des recoins près de voitures portant des plaques diplomatiques? Pourquoi des véhicules entièrement noirs passent au ralenti dans les ruelles derrière les villas de Georgetown. Où vont ces jardiniers qui font l’objet de fouille avant de pouvoir entrer dans des enceintes murées? Si le photographe américain était enclin aux projections paranoïaques, quels types de rencontres pourraient activer ses peurs et ses fantasmes conspirationnistes les plus sombres ? Quelles scènes et situations évoqueraient le sentiment paradoxal d’être proche des leviers du pouvoir tout en étant loin de ceux-ci? Osborne explique: “Mes images ne font pas directement allusion à des complots ou des conspirations spécifiques, mais elles se focalisent parfois sur des scènes et des situations qui renvoient à un sentiment généralisé de malaise, d’anxiété et d’absurdité qui caractérise ce moment.” Federal Triangle soulève ce genre de questions de manière imagée. Les photographies sont profondément ambiguës : les scènes du quotidien sont teintées de la possibilité de violence et de conspiration. En retenant plus qu’elles ne révèlent, les images de Mike Osborne invitent à des projections qui parlent de la peur, du doute, du dysfonctionnement et de l’absurdité de notre moment présent. Le livre de 144 pages, publié dans une édition limitée à 750 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gnomic Book.

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MARTIN PARR – EARLY WORKS

À l’occasion de la sortie de la monographie du photographe britannique Tony Ray-Jones dont les clichés des années 60-70 furent l’une des plus grandes sources d’inspiration de Martin Parr, les éditions RRB, en collaboration avec la Martin Parr Foundation, publient le livre Early Works. Si l’œuvre couleur de Martin Parr a été maintes fois publiée, c’est la première fois qu’un ouvrage réunit l’ensemble de son travail en noir et blanc, couvrant les débuts de sa carrière avec des images prises entre 1970 et 1984, principalement dans le nord de l’Angleterre et en Irlande. Early Works contient de nombreuses images emblématiques des débuts de Parr, dont certaines photographies publiées dans d’anciennes de ses publications telles que Bad Weather et A Fair Day. Le photographe prend le temps de plonger dans ses archives et nous dévoile cette surprenante collection d’images soigneusement choisies et éditées par ses soins. On y trouve déjà l’unique côté espiègle de son écriture dans une Angleterre surannée. “J’aime beaucoup mes premières photos en noir et blanc “, confie Parr. “Bien qu’elles soient maintenant âgées de presque deux générations, je me souviens d’avoir pris chacune de ces photos et de l’excitation et de la joie de me promener dehors, l’appareil photo en main. La plupart du temps, il est difficile de trouver des images intéressantes, et pour les photos qui sont présentées dans ce livre, tout semble s’être aligné parfaitement. Pour y parvenir, il faut photographier sans s’arrêter et être passionné par l’image – ce que je suis. C’est tellement agréable de voir les fruits que cela porte finalement.” Le livre regroupe les clichés noir et blanc qui ont fait le succès du photographe, avec plus de 20 images inédites, ajoutant ainsi une nouvelle ampleur et une nouvelle perspective à l’œuvre prolifique de Martin Parr. Le livre de 144 pages, avec une introduction signée Jeff Ladd, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB. Une version française de l’ouvrage est également publiée par Maison CF.

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MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2019 – HIDDEN

La Magnum Square Print Sale ‘Hidden’, en partenariat avec Aperture, se déroule du lundi 28 octobre à 8h EST au vendredi 1 novembre 2019 à minuit EST. Les photographes et les estates de Magnum puisent dans leurs archives pour choisir une seule image qui reflète les enjeux, les pratiques de travail et les signatures visuelles qui ont fait la réputation des membres du collectif au cours de leur carrière. Le thème explore ce que le photographe voit, qui est sinon caché. Depuis ses débuts, la photographie a fonctionné en partie comme un moyen de montrer ce qui n’est ni accessible ni visible pour la majorité d’entre nous, ainsi que de mettre en lumière ce qui nous entoure et qui est autrement négligé. Des sociétés lointaines aux “fraternities” d’élite, des lieux isolés aux objets si communs que nous ne nous arrêtons pas pour les regarder, les photographies révèlent des choses, des lieux et des vies cachés. Les artistes, eux aussi, décrivent souvent leurs propres espaces privés et leur vie intérieure comme faisant partie intégrante de leur travail. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus de 100 tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque, dont Susan Meiselas, Don McCullin, Stephen Shore, Alex Webb, Todd Hido, Daido Moriyama, Bruce Davidson, Mary Ellen Mark, Joel Meyerowitz et Justine Kurland parmi d’autres. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 5 jours seulement, à $100 sur le site shop.magnumphotos.com.

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JEAN-MICHEL BASQUIAT – XEROX

Célèbre dès l’âge de 20 ans pour ses dessins et ses peintures corrosives à contre-courant, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) a bouleversé la scène artistique new-yorkaise au début des années quatre-vingt. Il doit sa réputation internationale à des œuvres percutantes et d’une forte expressivité qui abordent des thèmes comme le racisme, la politique ou l’hypocrisie sociale. Bien que sa carrière ait été brutalement interrompue par sa mort prématurée à l’âge de 27 ans, son travail continue à exercer une énorme influence. Publié par les éditions Hatje Cantz en collaboration avec la galerie d’art contemporain Nahmad Contemporary (New-York), Jean-Michel Basquiat – Xerox propose une analyse approfondie de l’extraordinaire corpus d’œuvres que l’artiste a créé en utilisant les photocopies Xerox comme support principal et point central de la composition. Ces peintures immersives collées de Xerox incarnent l’extraordinaire instinct de Basquiat en matière de langage visuel. Leurs compositions brutes et intégrales incorporent des signes et des inscriptions recyclées et transformées issues des expériences quotidiennes de l’artiste, y compris des motifs issus de ses œuvres antérieures. L’enchevêtrement complexe de contenus de cette série présage de l’échantillonnage par copier-coller caractéristique des générations Internet et post-Internet qui suivirent, positionnant Basquiat comme un pionnier de l’ère pré-numérique. Le livre de 216 pages, avec des essais d’Eric Robertson et Christopher D. Stackhouse, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hatje Cantz, ainsi que sur Amazon.com.

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ALEJANDRO CARTAGENA – CARPOOLERS

Alejandro Cartagena poursuit avec la troisième édition de son ouvrage Carpoolers son exploration des questions multiples et complexes liées à l’expansion sans entrave des banlieues et au covoiturage. Ces images sont une vue rare sur la façon dont celui-ci est pratiqué par les travailleurs au Mexique, pour gagner du temps et de l’argent dans une société aux prises avec une crise sociale. Réalisant ses images depuis un pont, au-dessus de l’embranchement de routes menant vers la banlieue de Monterrey, au Mexique, le photographe saisi tout le contenu du pick-up, créant ainsi une série très homogène et cohérente sur ce moment particulier de la vie de tant de travailleurs. Ce projet est une manière pour Cartagena de pénétrer, et par là de nous faire pénétrer, dans l’univers particulier de ces travailleurs. En adoptant un angle de 90 degrés, Cartagena nous rend témoins d’une double perspective : celle d’une réalité pragmatique, c’est-à-dire le trajet quotidien des travailleurs, puis celle d’une composition esthétique formulée par les lignes de la route, des voitures, des individus et de leurs outils. L’image à répétitions variables est un fragment d’une territorialité particulière, de ce qui constitue les réseaux et les flux de cette zone frontalière. “Quand j’ai commencé à prendre des photos de cette perspective, cela m’a ouvert les yeux, parce qu’il y a des questions d’intimité ou de vie privée qui s’expriment dans un espace public “, explique Cartagena. “Il y a un sentiment d’invisibilité de la réalité de tant de gens au Mexique qui ressort à cause des images.” Publié par le photographe dans une édition limitée à 490 exemplaires, le livre de 112 pages, accompagné d’un essai signé Jessica McDonald, est maintenant disponible sur sa boutique en ligne: https://tienda.alejandrocartagena.com/product/carpoolers-3rd-edition/.

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EDWARD GRAZDA – ON THE BOWERY

Dans les années 70, lorsqu’une sévère austérité est imposée par les banques new-yorkaises pour faire face à la banqueroute du gouvernement, les industries traditionnelles quittent New York, laissant les ouvriers dans les rues et une nouvelle génération d’artistes s’installer dans les bâtiments industriels. C’est dans ce contexte qu’Edward Grazda commence sa carrière de photographe. Jusqu’à la fin du XXe siècle, le Bowery était un quartier réputé pour ses hôtels et bars bon marché – le fameux “Skid Row” de New York – où les habitants de la ville se rencontraient et faisaient de leur mieux pour survivre. Inspiré du film classique On the Bowery de Lionel Rogosin sorti en 1956, l’ouvrage On the Bowery d’Edward Grazda, publié par les éditions powerHouse Books, dépeint la vie et l’époque qu’il a vécues sur le Bowery en 1971. C’est dans ce que beaucoup considèrent comme la zone la plus dure de la ville de ces années-là que le photographe américain a capturé toute la douleur, les difficultés et la malchance qui règnent sur le visage de ceux qui ont élu domicile sur le Bowery. La rue, sans limite et sans filtre, est l’endroit où Grazda a toujours été le plus à l’aise pour ses prises de vue, et cette série, à la fois brute, sincère et bienveillante, démontre une fois plus l’esprit intrépide et audacieux du photographe. Capturé avant que la gentrification et l’embourgeoisement ne transforment définitivement le quartier environnant en une destination touristique avec ses musées, ses boutiques haut de gamme, ses clubs et ses restaurants de luxe, Grazda rappelle à tous qu’il y a seulement quelques décennies, le Bowery était un paysage bien différent – et que New York ne cesse d’évoluer. Le livre de 68 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions powerHouse Books, ainsi que sur Amazon.com.

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MASAHISA FUKASE – FAMILY

Publié par les éditions Mack, Family (Kazoku) est le dernier ouvrage du photographe japonais Masahisa Fukase (1934-2012), publié à l’origine en 1991. Les Fukase, durant trois générations, étaient une famille de photographes et possédaient un studio de photographie à Bifuka, une petite ville de la province d’Hokkaido au nord du Japon. Pendant près d’une vingtaine d’années, de 1971 à 1989, Masahisa Fukase réalise des “tableaux de famille”, photographiés d’année en année à chaque retour à Hokkaido: son père, sa mère, ses frères et sœurs et leurs enfants, sans oublier sa femme Yoko. Tous pris, à chaque fois, de face, souriants, puis de dos, cohabitant jovialement. Fidèle à son style, Fukase a souvent introduit des modèles tiers et des éléments humoristiques pour juxtaposer la réalité inéluctable du temps qui passe et du groupe familial qui s’amenuise. Au bout d’un certain temps s’ajoutent, dans les bras de quelques membres vivants de la tribu, de grands portraits photographiques encadrés perpétuant la mémoire d’un enfant ou d’un adulte absent ou défunt. Puis l’écart des pauses s’accentue, l’étau des années resserre cruellement sa pince muette: les parents prennent, d’une photo à l’autre, un terrible coup de vieux, le père s’amenuise, disparaît… Ensuite, plus rien. Le photographe a poursuivi la série jusqu’à la mort de son père en 1987, jusqu’à la fermeture du studio Fukase pour cause de faillite en 1989, et la dispersion de la famille qui s’en suivit. « Toute ma famille, dont je vois l’image inversée sur le verre dépoli, mourra un jour, résume Fukase. Cette chambre qui reflète et fixe leur silhouette est en fait un appareil à archiver la mort. » Ce magnifique ouvrage de 96 pages, qui comporte l’introduction originale sous forme autobiographique du photographe, ainsi qu’un essai du fondateur et directeur des archives Masahisa Fukase Tomo Kosuga, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une édition spéciale du livre dans un coffret accompagné d’un tirage en phototypie, édité à 150 exemplaires, est également disponible ici.

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CASPER KENT – SAKURA LUST

Publié au printemps dernier par les éditions Kawako Press, Sakura Lust est la première monographie du photographe britannique Casper Kent. L’ouvrage, tiré à 500 exemplaires numérotés à la main, se compose de clichés réalisé en l’espace d’une année passée au Japon: de la toute première floraison de cerisiers à l’automne japonais – pendant des nuits passées dans des ryokans (les auberges  traditionnelles et typiques au Japon) et des love hotels (ces hôtels destinés aux couples, que l’on réserve à l’heure ou pour une nuit) à travers le Japon. “Ces lieux sont le cadre parfait pour créer l’évasion”, explique Kent à propos de l’œuvre. “Ces endroits si particuliers ont une qualité éthérée et sont souvent vraiment isolés, ce qui permet d’entrer dans un monde légèrement différent.” Les photographies explorent l’éphémère, l’intimité et la possession de soi, conduisant toujours vers une évasion onirique. Faisant écho à l’adoration japonaise pour le Hanami – la tradition annuelle d’accueillir le cerisier (hakura) brièvement fleurissant, de profiter de ce moment et célébrer tout ce qu’il représente -, l’intimité capturée dans Sakura Lust se situe quelque part entre le rêve érotique et la réalité. Le livre est une histoire de désir et de volupté, une tentative de saisir un moment de vie éphémère et de le faire durer éternellement. Ce très bel ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Kawako Press.

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WES LANG – TAKING OFF FOR OTHER DIMENSIONS

La galerie Eighteen Gallery (Copenhague) accueille depuis le 20 septembre dernier Taking Off For Other Dimensions, la nouvelle exposition personnelle de l’artiste américain Wes Lang. Ce dernier y présente une sélection de toiles hypnotiques, inspirées par un séjour effectué chez Ram Dass, dans l’Hanuman Garden du célèbre professeur spirituel. Jusqu’au 19 octobre 2019.

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