Category Archives: Art

PETER SUTHERLAND – STREET LORDS

Peter Sutherland est né en 1979 dans une petite ville du Michigan. Installé à New York depuis 1998, il est amoureux des rues et du chaos semi-organisé de l’immense métropole. Publié par les éditions belges Triangle Books, Street Lords est une lettre d’amour à NYC, avec des centaines de portraits qui capturent l’atmosphère magique de la ville à travers les visages de ses habitants. Le photographe explique: “J’ai vécu à New York de 1998 à 2020. J’ai la chance d’avoir rencontré tous ces gens et de les considérer comme mes amis. Ils font tous partie du chaos semi-organisé qui donne à New York ce sentiment magique, l’esprit de communauté qui rend les grandes villes si spéciales. J’ai toujours pris des photos de rue au fil des ans, puis quand Maia et moi avons eu notre fils, je le promenais dans sa poussette et je tombais sur des gens. Je leur demandais si je pouvais les photographier et c’est ainsi qu’est née la série Street Lords. Dans la rue, nous sommes ouverts, en mouvement, nous changeons constamment. Ce que j’aime dans ces images, c’est l’atmosphère que l’on peut capturer lorsqu’on ne prend qu’une ou deux images, l’arrière-plan, l’éclairage ou tout autre élément photographique ayant moins d’importance, mais on finit toujours par capturer quelque chose d’intime.” Imprimé en édition limitée à seulement 1000 exemplaires, ce livre de photos est dédié aux véritables protagonistes de la routine trépidante de New York. L’ouvrage de 432 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Triangle Books, ainsi que dans les meilleures librairies spécialisées.

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MAX PINCKERS – A BOOK BY HANS THEYS

La photographie peut-elle expliquer le monde? L’artiste-photographe belge Max Pinckers soumet la discipline à une analyse en profondeur. Il explore les limites du documentaire et en montre le caractère manipulatif. La réponse artistique de Pinckers est un documentaire spéculatif, dans lequel fiction et réalité se mêlent et se conjuguent. Dans son travail, il explore les structures critiques, technologiques et idéologiques qui sous-tendent la production et la consommation d’images documentaires. Pour Pinckers, le documentaire est un processus spéculatif dans lequel la réalité et la vérité peuvent être utilisées comme des concepts multiples et malléables. Publié par les éditions belges Hannibal Books, ce livre trilingue est l’aboutissement provisoire de dix ans de collaboration entre le photographe belge Max Pinckers et l’écrivain Hans Theys, qui a reçu l’autorisation de réaliser un livre de photos classique avec une sélection personnelle de toutes les photos de Pinckers, sans devoir tenir compte de leur contexte d’origine. La publication comprend également un essai dans lequel Theys considère l’œuvre de Pinckers à partir de certaines réflexions de Susan Sontag. Le livre de 324 pages est publié à l’occasion de l’exposition personnelle du photographe – Double Bind au Musée de la Photo d’Anvers du 26 novembre 2021 au 13 mars 2022. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hannibal Books.

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CHARLES H. TRAUB – TICKETY-BOO

Charles H. Traub est un photographe et éducateur américain, connu pour ses photographies en couleurs qui portent un regard ironique sur le monde. Il a fondé le programme de Master en Photographie, Vidéo et Nouveaux Médias à la School of Visual Arts de New York en 1987, qui était le premier programme du genre à embrasser pleinement la pratique de la photographie numérique. Les éditions italiennes Damiani publient aujourd’hui Tickety-Boo, le nouvel ouvrage du photographe aujourd’hui âgé de 76 ans. Le livre est une sélection hétéroclite d’instantanés pris au smartphone au cours des quatre dernières années et illustrant les activités quotidiennes du photographe. Le smartphone est un aujourd’hui un outil essentiel qui fait de la photographie une réaction naturelle à presque tous les stimuli, une action aussi rapide et discrète que le clignement d’un troisième œil. Un courant de conscience traverse la réponse photographique de Traub aux lieux, aux choses et aux personnes qui attirent son attention. Ses sujets sont souvent ambigus et présentés avec peu de contexte; pourtant, une fois les images compilées, elles créent une sorte de complexité picturale à la fois apaisante et troublante. En feuilletant les pages, le lecteur découvre un diaporama kaléidoscopique de moments de la vie quotidienne de Traub, conçu de telle sorte que chaque photographie amplifie les autres et conduit le lecteur à la séquence suivante. Animant le banal et le quotidien, Tickety Boo jette un regard incisif sur les conditions délirantes de notre époque. Le livre de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Damiani, ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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AMERICAN SILENCE – THE PHOTOGRAPHS OF ROBERT ADAMS

Depuis cinquante ans, Robert Adams réalise des photographies fascinantes, provocantes et très influentes qui nous montrent l’émerveillement et la fragilité du paysage américain, sa beauté inhérente et l’inadéquation de notre réponse à celui-ci. Publié par les éditions américaines Aperture, American Silence : The Photographs of Robert Adams examine l’acte révérencieux d’Adams consistant à regarder le monde qui l’entoure et le silence presque palpable de ses photographies. Il comprend des œuvres qui capturent le sentiment de paix et d’harmonie que la beauté de la nature peut nous inspirer, créé par ce qu’Adams appelle “le silence de la lumière” de l’Ouest américain (tel qu’il est vu dans la prairie, dans les bois et au bord de l’océan), ainsi que des images qui remettent en question notre silence moral face à la profanation de cette beauté par le consumérisme, l’industrialisation et le manque de gestion de l’environnement. Le livre présente quelque 175 œuvres issues des projets les plus importants d’Adams et comprend des photos de l’extension des banlieues, de centres commerciaux, d’autoroutes, de maisons et de magasins, ainsi que de rivières et de ciels, de prairies et d’océans. Si les photographies d’Adams déplorent les ravages infligés à la terre, elles rendent également hommage à ce qui reste. Ce superbe livre de 304 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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CONTEMPORARY JAPANESE POSTERS

Publié par les éditions italiennes Skira, Contemporary Japanese Posters rassemble le meilleur du graphisme japonais dans les affiches qui ont accompagné le Japon des Jeux olympiques de Tokyo de 1964 à la création du logo Issey Miyake, et de l’Expo d’Osaka à l’affiche officielle du Pan-Pacific Design Congress. Cette publication couvre d’une part le passé, en passant en revue certains des grands maîtres les plus reconnus, et d’autre part en explorant de nouveaux acteurs et de nouvelles tendances. Le volume réunit ainsi 85 graphistes et 756 affiches. On considère que l’affiche contemporaine japonaise a émergé au milieu des années 50, après la Seconde Guerre mondiale et après une période de dépression, de post-militarisme et de post-autarcie. Ce nouveau mode d’expression était alimenté par des influences venus de l’étranger, mais c’était aussi l’occasion de réinterpréter des thèmes et des couleurs traditionnels, en les faisant entrer dans la modernité de manière rafraîchissante et efficace. Depuis l’après-guerre, le Japon a connu une évolution rapide des arts : peinture, architecture, sculpture, graphisme, théâtre, musique et cinéma. Influences, assimilations, reniements, transformations, nouveaux processus créatifs ont donné naissance à une vaste quantité de mouvements culturels et artistiques. Dans ce dédale de formes expressives, le graphisme est un outil précieux pour tracer et suivre le fil de la créativité nationale et la permanence plus ou moins intense de la sensibilité esthétique traditionnelle dans les nouvelles formes artistiques adoptées. Plus d’un demi-siècle après l’apparition du graphisme et à l’approche des Jeux olympiques de 2021/2022, ce volume vise à donner une vue d’ensemble des tendances et des changements esthétiques que l’on peut observer dans le développement du graphisme au Japon. L’imposant ouvrage de 520 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Skira ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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ROBIN DE PUY – DOWN BY THE WATER

Les photographies de Robin de Puy (née en 1986 aux Pays-Bas) partent du désir de raconter sa propre histoire à travers les visages des autres. Qu’il s’agisse de l’adolescent aux taches de rousseur qu’elle a remarqué alors qu’elle faisait le plein d’essence dans le Wyoming, de l’auteur, poète et chroniqueur néerlandais Remco Campert, ou du garçon Randy qu’elle a rencontré dans le Nevada lors de son road trip américain (voir ici), de Puy considère l’appareil photo comme une aide pour comprendre les traits et les histoires profondément personnels de chaque personne, et comment ils révèlent également quelque chose sur elle-même. La photographe vit depuis plusieurs années à Wormer, un petit village entouré d’eau situé juste au nord d’Amsterdam. Fascinée par la campagne américaine, elle découvre lors du récent confinement que son nouvel environnement s’avère très universel, avec le même genre de curiosités locales dans les petites villes qu’elle a souvent rencontrées lors de ses voyages dans les paysages ruraux d’Amérique. Elle rencontre par exemple un chaman de onze ans qui lui fait visiter pieds nus un territoire interdit, se promène en voiture avec quatre frères qui ricanent sur la banquette arrière, et rencontre un chiromancien qui lui donne immédiatement les clés de sa maison. Des dizaines de rencontres suivent et, petit à petit, non seulement un livre de photos se crée, mais aussi un monde dans lequel elle commence à se sentir chez elle. Publié par les éditions belges Hannibal Publishing, Down by the Water (140 pages) est maintenant disponible sur leur boutique en ligne.

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MIKE MANDEL – ZONE ELEVEN

Les éditions italiennes Damiani publient Zone Eleven, le nouvel ouvrage de l’artiste conceptuel et photographe américain Mike Mandel. Zone Eleven est une référence au Zone System d’Ansel Adams, une méthode pour contrôler l’exposition du négatif afin d’obtenir une gamme complète de tonalités dans le tirage photographique, du noir le plus profond de la zone 0 au plus brillant de la zone 10. “Zone Eleven” est une métaphore inventée par Mandel dans son défi de créer un livre de photographies d’Adams en dehors des limites de son travail personnel. La plupart de ces photographies ont été trouvées dans les archives de ses missions commerciales et éditoriales, et à partir de ses expérimentations avec le nouveau matériel Polaroid de l’époque. Pour ce livre, Mandel a déterré des images inattendues pour Adams et créé un nouveau contexte de relations entre les pages et les séquences. Zone Eleven est le fruit des recherches de Mike Mandel portant sur plus de 50 000 images d’Adams conservées dans quatre archives différentes, afin de présenter un ensemble d’œuvres d’Adams jusqu’alors inconnu. Mike Mandel est bien connu pour sa collaboration avec Larry Sultan dans les années 1970 à 1990. Ils ont publié Evidence en 1977, une collection de 59 photographies choisies parmi plus de deux millions d’images que les artistes ont consultées dans les archives d’agences gouvernementales et d’entreprises technologiques. Conceptuellement, Zone Eleven est un livre complémentaire à Evidence. Alors qu'”Evidence” recadre la photographie documentaire institutionnelle en lui donnant un nouveau contexte et une nouvelle signification, Zone Eleven répond à l’attente du public de “l’emblématique photographie de nature d’Ansel Adams”. Mais Mandel sélectionne des images qui ne correspondent pas à cette attente. Zone Eleven est un livre d’images d’Ansel Adams qui, de manière surprenante, abordent les questions des relations sociales, de l’environnement urbain et de l’aliénation. L’ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Damiani ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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MARIE TOMANOVA – NEW YORK NEW YORK

Originaire de Moravie du Sud à la frontière de la République tchèque et de l’Autriche, Marie Tomanova rejoint les États-Unis en 2011, après avoir obtenu un master de peinture à la faculté des Beaux-Arts de l’université de Technologie de Brno. Elle se tourne alors vers la photographie et commence à explorer les thèmes du déplacement, de l’identité et de la mémoire. Le premier livre de la photographe, Young American (2019), qui comporte une préface du célèbre photographe Ryan McGinley, a connu un énorme succès lors de sa sortie. Les magazines d’art et de mode ont débordé d’enthousiasme. Les éditions allemandes Hatje Cantz publient aujourd’hui son deuxième ouvrage intitulé New York New York, sur la jeunesse vivant dans cette ville, avec une préface signée Kim Gordon. Entremêlant habilement portraits et paysages, la photographe élargit et recontextualise l’importance et la signification de chacun d’eux. Tomanova nous montre un panorama puissant et dynamique d’identités de personnes et de lieux, et un avenir fascinant libéré des modèles de genre et des définitions dépassées de la beauté. La photographe explique: “Le livre est un portrait de la ville de New York et un paysage de la jeunesse – il mélange ces deux genres en un seul. Il parle de la liberté que j’ai éprouvée lorsque j’ai emménagé ici pour la première fois et de l’insécurité et de la distance que j’ai ressenties en raison de mon statut d’immigrée. New York New York parle d’être et de devenir soi-même, ce qui n’est pas chose facile. Dans ces photos, chacun est exactement ce qu’il est ou ce qu’il est en train de devenir, ce dont Kim Gordon parle dans son avant-propos : elle est arrivée à New York comme jeune artiste et a dû négocier avec la ville, s’intégrer et se trouver elle-même et porter une parole. Je m’identifie à cela et je pense que les personnes qui figurent dans le livre le font aussi.” L’ouvrage de 176 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hatje Cantz ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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RINKO KAWAUCHI – ILLUMINANCE (TENTH ANNIVERSARY EDITION)

Aussi dérangeantes que belles, les images de la photographe tokyoïte Rinko Kawauchi oscillent de l’enfantin à l’étrange. L’artiste revisite constamment les questions du quotidien, de la vie et de la mort. Ses photographies sont traversées de spiritualité et de poésie. Surexposée ou contrastée, naturelle ou technologique, la lumière y est essentielle. Dix ans après la publication d’Illuminance en 2011, Aperture réédite ce livre culte, en conservant la séquence originale de l’artiste et son mélange caractéristique de gestes observés avec acuité, de détails quotidiens et d’une palette finement affinée. Illuminance, longue méditation sur les qualités miraculeuses de la lumière et sur son pouvoir de révélation, est un des livres les plus personnels de Kawauchi. Ces photos sont issues de quinze ans de travail et reflètent directement sa vie et son expérience pendant cette période. Comme toujours, les associations visuelles de l’artiste nous embarquent vers un voyage fascinant mais elliptique. “Je préfère écouter les petites voix de notre monde, celles qui murmurent. J’ai la sensation d’être sauvée en permanence par ces murmures, mon regard se portent naturellement sur les petites choses”, déclare la photographe. Lors de la sortie du livre, Alec Soth a déclaré qu’Illuminance était “une monographie exquise [qui] devrait faire de Rinko un nom connu de tous”. Cette édition enrichie de textes supplémentaires du conservateur David Chandler, du philosophe Masatake Shinohara et de la directrice de la création d’Aperture, Lesley A. Martin, apporte un nouveau contexte et une nouvelle perspective à l’œuvre influente de Kawauchi. Extraordinairement poétique, débordant d’imagination et de sensibilité, et bénéficiant d’une reconnaissance internationale, cette exquise édition du dixième anniversaire séduira à nouveau les amateurs de photographie. Ce magnifique ouvrage de 384 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Aperture ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

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JONG WON RHEE – SOLITUDES OF HUMAN PLACES

Jong Won Rhee (né en 1973 à Hong Kong) a grandi en Corée du Sud, aux États-Unis, en Italie et en Australie. Après avoir étudié l’anglais à Séoul, il a poursuivi ses études de design industriel à la Central Saint Martins de Londres et de design automobile à l’université de Coventry. De retour en Corée du Sud, il s’est retiré de l’industrie et se consacre désormais entièrement à la photographie. Dans son nouvel ouvrage intitulé Solitudes of Human Places, publié par les éditions suisses Edition Patrick Frey, le photographe présente des scènes de la vie quotidienne contemporaine en Corée du Sud. Ces photographies de Jong Won Rhee forment un portrait brut de la vie de son pays, soulignant à la fois la beauté de la vie quotidienne et la peur existentielle et l’isolement ressentis par les sujets de l’artiste. Les sujets humains des prises de vue de Jong Won Rhee sont, pour la plupart, retournés ou repliés sur eux-mêmes. De fait, les toits bleus caractéristiques, les coquelicots en fleurs, les panneaux publicitaires et les enseignes de magasins criards, les oignons de printemps en bottes sur un étal de marché et les champs verdoyants de Corée du Sud semblent tous plus colorés que les personnes que nous croisons dans ces scènes de la vie quotidienne contemporaine. Jong Won Rhee explique: “Ces images de la banlieue ordinaire et sans fioritures de la Corée du Sud sondent les profondeurs de la solitude humaine. Elles imaginent l’effort inconscient de l’homme pour affronter sa solitude en faisant face à la condition humaine avec franchise, fermeté et sérénité.” Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey.

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MICHAL SOLARSKI & TOMASZ LIBOSKA – CUT IT SHORT

Originaire d’une petite ville du sud de la Pologne, Michal Solarski et Tomasz Liboska reviennent sur leur adolescence à travers un travail intime sur leurs souvenirs communs que l’on retrouve dans l’ouvrage Cut It Short publié par les éditions allemandes Kehrer. Amis depuis l’école primaire, les deux amis y expérimentent les premières saveurs de leur vie d’homme, à travers leurs jeux, leurs aventures, leurs bêtises. En archives dans leurs foyers respectifs, ne figurent aucunes images dans les albums. « Il y a un trou béant sur toute cette période », qui pour eux, au contraire est très vivace. Pendant 8 ans, ils décident de reconstituer leur vie d’alors, au gré du surgissement de leurs souvenirs. « Nous avons peut-être quelque chose à ressortir de cette période, même si notre adolescence ressemble à toutes les autres. Elle témoigne quand même de quelque chose, » continue Michal. « Ces deux lycéens, qui ont joué le jeu, nous représentent nous à l’époque », explique Tomasz. En ressort une série d’images surprenante de justesse et d’authenticité: les balades à mobylette, les escapades en forêt, les premières expériences sexuelles, les dîners du dimanche en famille, les séances de coiffage… Un intime universel, que les deux amis ont réussi à recréer et photographier à l’argentique, tel un reportage au long cours. Le titre de la série Cut It Short fait référence à une vieille tradition slave appelée postrzy?yny. Les cheveux des jeunes garçons sont coupés en gage d’obéissance pour marquer leur entrée dans l’âge adulte. Un rite de passage en quelque sorte. Ce très beau livre de 80 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer.

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DANNY FOX – BROWN WILLY

Danny Fox est un artiste autodidacte né dans la ville portuaire de St.Ives dans les Cornouailles (Angleterre). Bien qu’ayant quitté la ville il y a plusieurs années pour s’installer à Los Angeles, les origines cornouaillaises de Fox restent présentes dans son travail. La représentation de ses personnages est influencée par une variété de sources allant des publicités de whisky écossais d’époque à la peinture post-impressionniste en passant par la portraiture de la British East India Company. Dans sa peinture, l’artiste explore les profondeurs de la figuration, distillant ses personnages et son iconographie à travers un processus de création rigoureux. Chaque composition devient une histoire en soi à travers une pratique picturale qui enfouit les premières étapes de la surface de la toile et l’imagerie qui en résulte sous les couches d’acrylique. À l’occasion de sa nouvelle exposition personnelle Brown Willy cet hiver à la galerie Saatchi Yates de Londres, un très beau catalogue a été publié. Dix-huit des peintures de Danny Fox réalisées entre 2020 et 2021 sont illustrées en couleur dans l’ensemble de l’ouvrage, ainsi que deux sculptures, trois pots en céramique et des dessins inédits de l’artiste. Ses toiles rythmées mettent en scène des héros improbables du 21e siècle. Ses sujets ne reculent jamais devant la tragédie, les promesses, la chaleur, la violence et le sexe. Parmi tous ces éléments, on retrouve une vision lyrique, mais fragmentée. Cette série de nouvelles toiles s’inspire du retour de Fox en Cornouailles et de l’histoire des peintres de St Ives, tels que Ben Nicholson et Alfred Wallis. Ses œuvres intègrent les bâtiments locaux, les bars, les habitants et le folklore, évoquant des scènes sauvages et merveilleuses de la côte britannique, d’une manière lucide et narrative. L’influence consciente et la connaissance approfondie de la vie à St Ives sont toujours présentes. Les peintures montrent la fascination de Fox pour l’histoire du portrait, non seulement d’une ville et de ses habitants, mais aussi de l’autoportrait et du rôle de l’artiste en tant que figure du mythe, de la légende et peut-être même de la fiction. Un chef de secte, un séducteur, un père et un faux prophète constituent quelques-uns des personnages tourmentés de Fox dans cette série. Sous leur charme folklorique, ils relancent le débat sur ce qui caractérise la figuration contemporaine. Le catalogue, qui comprend un essai de Rachel Campbell-Johnson, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Saatchi Yates.

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