Category Archives: Art

MARK KLETT – SEEING TIME

Art // janvier 15th, 2021

Avec plus de trois cents images, dont certaines sont présentées pour la première fois, Seeing Time – publiée par les éditions University of Texas Press – est la première rétrospective de la carrière de Mark Klett, considéré comme l’un des plus importants photographes de paysage de ces quarante dernières années. Artiste d’une originalité et d’une vision singulières, Klett a conçu une oeuvre profonde et dynamique qui capture l’espace et l’histoire de l’Ouest américain, tout en évoquant les notions de temps, de perception et de mémoire culturelle. Sa démarche est ancrée à la fois dans la recherche artistique et l’évolution des technologies photographiques, reflétant une myriade d’idées qui mêlent science et poésie. Au cours d’une carrière de plus de quatre décennies, Klett a fait progresser une nouvelle notion de la photographie de paysage qui redéfinit notre sens de la signification des images de la terre. Seeing Time présente une sélection de photographies issues de treize projets différents, dont certains n’ont jamais été publiés auparavant. Le livre rassemble des travaux issus de projets individuels et collaboratifs ainsi que des textes de conservateurs de renom qui examinent les idées qui se cachent derrière la pratique du photographe, son contexte historique et ses méthodes de collaboration. De ses études rephotographiques, qui associent l’art conceptuel à des questions sur la façon dont les paysages changent sous l’effet de l’intervention humaine, à la série de portraits de sa fille aînée à l’occasion de leur anniversaire commun, les images présentées ici se combinent pour former un ensemble d’œuvres à la fois vaste et profondément personnel. L’imposant ouvrage de 480 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions University of Texas Press ainsi que sur Amazon.com.

DESIGN COMMUNE

Art // janvier 13th, 2021

Les décorateurs de l’agence de design californienne Commune s’associent aux éditions Abrams Books pour publier Design Commune, un magnifique ouvrage retraçant leurs travaux les plus emblématiques. Fondée en 2004 à Los Angeles par quatre amis (Roman Alonso, Steven Johanknecht, Pamela Shamshiri et Ramin Shamshiri) partageant la même vision du design, l’agence souhaite améliorer la vie quotidienne à travers l’architecture et le design, en brouillant les lignes entre les disciplines, les époques et les styles. La Californie est le lieu idéal pour les anticonformistes et les esprits libres. Commune reflète parfaitement cet esprit et incarne un style californien novateur qui mêle librement l’ancien et le neuf, avec des intérieurs très personnels qui embrassent la couleur, les motifs et la texture. Ce livre est la seconde monographie de l’œuvre de Commune, et met en lumière toutes les disciplines dans lesquelles le studio s’engage : projets d’aménagement intérieur, créations pour résidences privées, hôtels, espaces commerciaux et restaurants, ainsi que les nombreuses œuvres commissionnées auprès d’artisans californien pour leurs divers projets. On y découvre également des projets divers comme la conception de produits, de packaging et de diverses commandes graphiques. Ses projets ont de nombreux points communs, comme l’influence des matériaux artisanaux, mais chacun reste profondément personnel et unique. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books ainsi que sur Amazon.com.

PETER SAUL – PROFESSIONAL ARTIST CORRESPONDENCE 1945-1976

Art // janvier 11th, 2021

Les éditions américaines Bad Dimension Press publient Peter Saul – Professional Artist Correspondence 1945-1976. L’artiste californien de 86 ans mélange avec humour Pop Art, Surréalisme, Expressionnisme Abstrait, culture funk de San Francisco et univers du cartoon. Ses toiles aux couleurs criardes, au dessin trash, portent un regard caustique sur la société de consommation et ses valeurs, sur les idoles planétaires (Superman), sur l’impérialisme américain (la guerre du Vietnam, la geôle d’Abu Ghraib), les inégalités sociales et la violence urbaine. Influencé par la bande dessinée et les graffitis, Saul développe une thématique violente, pornographique, scatologique et drôle dans un style qu’on dit (à tort) bâclé. Son œuvre est une fête de l’esprit et des sens que Dali lui-même appréciait. Cette figure majeure de l’underground américain, maître de la peinture de la satire et du sacrilège, met en lumière la face sombre du rêve américain. Saul est né et a grandi en Californie du Nord, a fréquenté l’université de Washington, a vécu en Europe de 1956 à 1964, puis s’est installé dans le comté de Marin de 1964 à 1976, où il a trouvé une communauté et commencé à se faire connaître. L’histoire du développement de Saul au cours des années cruciales de sa carrière artistique est racontée par l’artiste lui-même dans ce très bel ouvrage. Les lettres présentées dans ce volume, d’abord aux parents de Saul, puis à son galeriste, Allan Frumkin, sont intimes et de nature diverse, pleines du même genre d’observations qui rendent l’œuvre de Saul si fascinante. Tout au long de cette période, Saul s’est préoccupé non seulement de concevoir son oeuvre, mais aussi de mener sa vie d’artiste. Le livre est donc en grande partie l’histoire d’un artiste qui trouve sa voix et qui tente ensuite de comprendre et de participer au « monde de l’art », car Saul a d’abord travaillé par le biais de la pop, puis du « funk », et a ensuite essentiellement créé sa propre catégorie. Réunies pour la première fois, les lettres de ce livre forment non seulement une autobiographie de l’artiste, mais aussi un mémoire de l’histoire de l’art américain à un moment critique. Édité par Dan Nadel dans un tirage limité à 1000 exemplaires, le livre de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Bad Dimension Press.

CYPRIEN CLEMENT-DELMAS & LINDOKUHLE SOBEKWA – DALESIDE

Art // janvier 6th, 2021

Les éditions britanniques GOST Books publient Daleside, le résultat d’une commande photographique de Rubis Mécénat aux photographes français Cyprien Clément-Delmas et sud-africain Lindokuhle Sobekwa, membre du projet Of Soul and Joy et associé de Magnum Photos. Initiée en 2015, celle-ci documente Daleside, une banlieue afrikaner située au sud-est de Johannesbourg en Afrique du Sud. En l’espace d’une décennie, celle-ci est devenue un lieu d’isolement, une ville fantôme. Ensemble, les deux photographes ont dressé un portrait de Daleside, abordé les lieux et les habitants, en majorité des mineurs ou petits paysans, réveillant leurs rêves ou dévoilant leur désarroi. Devant l’objectif de Clément-Delmas, les personnages offrent une digne présence nourrie d’un rêve déconnecté de la réalité. Dans les portraits en paysage de Sobekwa, pas de dérobade à la réalité qui, au-delà de l’implacable binarité noir-blanc, saisissent la même pauvreté pour les blancs ou les noirs, oubliés de nos sociétés, perdus dans l’impasse d’un non-avenir. Ce portrait en miroir de Daleside constitue un consistant corpus dont la lecture saisissante s’accomplit par paires d’images ou isolément. Sobekwa explique : « Nous avons commencé à faire de longues promenades en essayant de nous connecter à l’endroit et cela a créé une dualité intéressante. En se nourrissant de l’énergie de l’autre pour faire avancer le projet et nous avons eu différentes approches intéressantes sur le portrait de Daleside. Le livre en est une traduction magnifique. » Le format original du livre privilégie la double lecture des photographies, en un dialogue où se répondent les perceptions sensibles et pertinentes des deux photographes, en écho à notre monde contemporain. Daleside, composé de deux livres de 64 pages en reliure Suisse (couture au fil apparent), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

MID-CENTURY MODERN DESIGN: A COMPLETE SOURCEBOOK

Art // décembre 28th, 2020

Publié par les éditions Thames & Hudson, Mid-Century Modern Design: A Complete Sourcebook est un magnifique ouvrage richement illustré traitant des années cinquante et soixante, qui sont, sans hésitation, parmi les plus marquantes et les plus créatives de l’histoire du design. Dans cet après-guerre consumériste, la nouveauté est portée aux nues et s’invite dans tous les secteurs de la conception. De la Vespa à l’Instamatic, des meubles Knoll aux caractères Helvetica, studios, ateliers et usines, inventent et diffusent les formes d’un monde nouveau. Tour d’horizon complet du style années cinquante, ce recueil, riche de mille photographies et d’articles signés par les plus grands spécialistes du domaine, est une aubaine aussi bien pour l’antiquaire et le collectionneur que pour le simple amateur d’objets aux lignes incomparables. Le mobilier, les textiles, le verre et la céramique, mais également le design industriel et graphique, les créateurs et fabricants marquants de l’époque et cerise sur le gâteau… les maisons et les intérieurs qui ont grandement participé à rendre cette période phénoménale. Cet élégant volume représentant des modèles classiques et des raretés peu connues, ainsi que des articles sur près d’une centaine de designers majeurs, tels que Dieter Rams, Robin Day, Isamu Noguchi, Lucie Rie, Charles et Ray Eames, Alvar Aalto et Oscar Niemeyer. Un dictionnaire illustré présente des centaines de créateurs, fabricants, organisations, écoles et mouvements parmi les plus influents du milieu du siècle. Cet imposant livre de 544 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

JOSHUA K. JACKSON – SLEEPLESS IN SOHO

Art // décembre 23rd, 2020

Joshua K. Jackson (né en 1984) est un photographe britannique basé à Londres. Son oeuvre se concentre sur la vie urbaine; il explore notamment la relation entre les gens et les lieux, exprimée à travers un riche langage visuel de couleur et d’abstraction. De Chinatown à Soho, en passant par Tooting et Piccadilly Circus, ses images adoptent un ton séduisant et cinématographique. Publiée par les éditions britanniques Setanta Books, Sleepless in Soho est sa toute première monographie. Pendant trois ans, Jackson a parcouru les rues éclairées par les lampadaires et les néons de Soho, utilisant la photographie pour échapper aux frustrations de l’insomnie. Le travail de Jackson de cette période révèle l’atmosphère complexe et intense de l’incontournable quartier vibrant et animé de Londres, en observant la juxtaposition entre le Soho d’aujourd’hui et le charme désuet de son passé. Les photographies ont été réalisées entre janvier 2017 et décembre 2019. Le photographe explique : « J’étais devenu complètement insomniaque et j’essayais alors de faire quelque chose de productif avec mon temps. Il s’agissait de photographier l’atmosphère que je ressentais pendant cette période et d’essayer de projeter une vision plus personnelle de ce que je voyais et ressentais à ce moment-là : obscurité, solitude, angoisse, mais aussi des moments de bonheur. C’était toutes sortes de choses. Et j’espère qu’avec ces photos, le lecteur sera emmené dans une sorte de voyage à travers ces émotions. » Le livre de 72 pages, qui contient 48 images ainsi qu’un poème de Sarah Tucker, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

MATTHEW BECK – EVENT

Art // décembre 17th, 2020

Les éditions américaines J&L Books publient Event, la première monographie du photographe Matthew Beck. « Peering into Light’s Graveyard: The First Image of the Black Hole », indiquait l’article de couverture du New York Times du 11 avril 2019. Le titre, comme beaucoup d’autres ce jour-là, était accompagné d’une image d’un anneau céleste brillant encadré par une noirceur infinie: la première image d’un trou noir. Dans Event, le photographe new-yorkais se concentre sur le dévoilement de cette image jusqu’alors invisible en la suivant dans les profondeurs du métro de New York. Le livre suggère l’idée que le cosmos n’est pas quelque chose à observer simplement de notre point de vue en tant qu’humains, mais plutôt un système dont nous faisons intrinsèquement partie; et la vraie nature du trou noir semble aussi insaisissable que la réponse à la question la plus pressante de l’humanité: « pourquoi ». « Ce livre est une manière de partager une certaine conscience cosmique, d’encourager la remise en question de ce que nous voyons. Nous, humains, passons la majorité de notre existence dans un état d’illusion. La seule chose que nous savons, c’est que la grande majorité des êtres vivants de cette planète est préoccupée par deux choses : survivre et se reproduire. Pourquoi ? Nous l’ignorons. Par conséquent notre vision du bonheur, de la stabilité, n’a peut-être rien à voir avec la véritable nature des choses. Nous existons béatement, sans réaliser que nous sommes forcés de déconstruire notre connaissance de l’univers », déclare Matthew Beck. Conçu par Matthew Beck et Jason Fulford dans une édition limitée à 1000 exemplaires, cet intriguant ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions J & L Books.

SHUNICHI ODA – NIGHT ORDER

Art // décembre 15th, 2020

Shunichi Oda (né en 1990) est un jeune photographe reconnu au Japon pour ses clichés de mode. Il a notamment participé à des campagnes pour Cartier, Hublot, Jaeger-LeCoultre et son travail est paru dans des magazines tels que Essential Homme, WWD japan ou encore GQ japan. Auto-édité par le photographe, son nouvel ouvrage intitulé Night Order capture les rues calmes et désertes de Tokyo sous l’état d’urgence déclaré à la suite de la pandémie de coronavirus. Impressionné par la vue de restaurants et de bars, généralement toujours très animés, acceptant de fermer leurs portes – malgré les difficultés financières et la concurrence mutuelle – afin d’aider à prévenir la propagation du coronavirus, Oda a commencé à photographier les rues tranquilles et les bars vides de Tokyo, la nuit. Se concentrant sur deux styles différents – la documentation et l’expression – le photographe enregistre la situation depuis une position qui documente objectivement la mégalopole étrangement déserte, tout en capturant la chaleur, la douceur et la jouissance issues de ces nouvelles circonstances. Ses photographies colorées, vibrantes, presque tridimensionnelles, ont été prises dans les centres de vie nocturne de Tokyo, de Omoide Yokocho et Kabukicho à Shinjuku jusqu’aux ruelles et aux bars de Shibuya, tous étrangement, fascinamment abandonnés. « Contrairement à l’apparence désolée de la capitale, la décision courageuse des propriétaires de bars et restaurants s’affiche dans la ville, la nuit. Je sentais étonnamment que c’était là que je devais prendre des photos, plutôt que de capturer le Tokyo habituel. Ce spectacle est un espoir pour l’avenir, pour amener cette situation à une conclusion rapide », explique Shunichi Oda. Publié dans une édition limitée à 500 exemplaires numérotés et signés par le photographe, Night Order (128 pages) est maintenant disponible sur la boutique en ligne créé pour l’occasion : night-order.com.

JAPANESE DESIGN SINCE 1945: A COMPLETE SOURCEBOOK

Art // décembre 11th, 2020

Publié par les éditions britanniques Thames & Hudson, Japanese Design Since 1945: A Complete Sourcebook est une vaste étude menée par Naomi Pollock, architecte américaine vivant à Tokyo et spécialiste du design japonais, sur les designers, artisans, fabricants et technologies du Japon qui ont façonné le monde du design moderne. Au Japon, le design est profondément ancré dans la culture artisanale historique du pays, dans sa compréhension profonde des matériaux et dans son engagement en faveur de la fonctionnalité. Ces qualités donnent naissance à des chaises, des tasses et d’autres articles d’usage quotidien qui sont agréables à l’œil, confortables à la main et qui font toujours bien leur travail. Même si la fabrication de masse s’est répandue dans l’après-guerre et que des échanges interculturels ont commencé à avoir lieu avec l’Occident, le Japon s’est tenu à ces valeurs et pratiques fondamentales. Ce dévouement a donné naissance à des objets intemporels d’une grande beauté et utilité ainsi qu’à des innovations en terme de matériaux, de forme et de technologie. Bien au-delà des icônes du design telles que la bouteille de sauce soja Kikkoman, le tabouret papillon de Sori Yanagi et le Walkman® de Sony, les produits et objets créés au Japon au cours des sept dernières décennies réjouissent et suscitent l’admiration. Ces dernières années, une nouvelle génération de designers, dont Naoto Fukasawa, nendo et Tokujin Yoshioka, ont fait entrer la créativité japonaise dans un nouveau territoire passionnant : certains éliminent complètement les objets, d’autres réimaginent ce qu’un objet pourrait être. Bien que le Japon ait développé certains des centres de fabrication robotique les plus sophistiqués du monde, nombre de ses produits les plus attrayants sont fabriqués par de petites usines et ateliers dont les artisans utilisent autant leurs mains que des machines. Cet impressionnant volume constitue le panorama le plus complet du design japonais à ce jour, et sa présentation exquise est elle-même un bel exemple de design nippon. Incluant les profils de plus de 70 créateurs, le livre est basé sur les entretiens de l’auteure avec les designers, leurs collaborateurs et les membres de leur famille, ainsi qu’avec les principaux conservateurs et critiques. Les profils sont accompagnés de courtes présentations de produits emblématiques et d’essais sur des sujets connexes par des experts japonais et occidentaux du design. Avec des centaines d’objets et plus de 700 illustrations, ce volume est amené à devenir l’ouvrage de référence sur le sujet. Ce superbe livre de 448 pages, présenté dans un coffret, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

PHILIP GUSTON – A LIFE SPENT PAINTING

Art // décembre 10th, 2020

Philip Guston est un peintre américain emblématique. Tout au long d’une carrière prolifique et variée, il passe de l’expressionnisme abstrait à un lexique pictural plus personnel qui se caractérise par une imagerie caricaturale et une palette rose qui aura une grande influence sur une génération d’artistes. Né Philip Goldstein le 27 juin 1913 à Montréal au Canada de parents juifs ukrainiens, il grandit en Californie où il étudie au lycée des arts manuels de Los Angeles avec Jackson Pollock. Guston fait ensuite partie intégrante de la scène de l’École de New York dans les années 1950 aux côtés d’artistes comme Willem de Kooning et son ancien camarade Pollock. Il est connu pour avoir abandonné le succès rencontré avec l’abstraction à la fin des années 1960, entraînant sa perte de représentation par sa galerie et de vives critiques. Cependant, le travail figuratif qu’il réalise plus tard tend à être sa plus grande contribution à l’histoire de l’art : en présentant une imagerie récurrente comme des personnages en capuche, des ampoules, des cigarettes et de grands yeux, ces peintures aident à lancer le néo-expressionnisme et placent Guston comme l’un des maîtres du XXe siècle. Publié par les éditions britanniques Laurence King, A Life Spent Painting est un ouvrage de référence qui propose une étude complète sur la vie et l’œuvre du peintre visionnaire, de ses premières peintures murales socialistes à sa rencontre avec l’expressionnisme abstrait jusqu’au nouveau puissant langage figuratif développé dans les années 1970. S’appuyant sur plus de trente ans de recherche, le commissaire et critique d’art Robert Storr retrace toute la carrière de Guston en un volume complet qui, à travers plus de 900 images dont de très nombreuses peintures et dessins inédits, fournit une analyse substantielle, accessible et révélatrice de son travail. Une chronologie complète, remarquablement documentée et illustrée, agrémente la fin du volume. L’imposant livre de 348 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Laurence King, ainsi que sur Amazon.com.

MIHAI BARABANCEA – FALLING ON BLADES

Art // décembre 8th, 2020

Mihai Barabancea est un jeune photographe de Bucarest, où il vit et travaille. Membre de l’un des premiers groupes de graffeurs en Roumanie à la fin des années 1990, il fait notamment sensation lors d’un passage télévisé sur le sujet. En 2018, il remporte le prix Gomma pour sa série Overriding Sequence. Dans Falling On Blades, son nouvel ouvrage publié par les éditions suisses Edition Patrick Frey, Mihai Barabancea photographie le monde interlope des rues de Roumanie et de Moldavie post-soviétiques : des portraits et des scènes du quotidien qui oscillent entre violence, cruauté et poésie vive. Barabancea utilise l’appareil photo comme un outil pour interagir avec ses sujets. Mais au lieu de mettre en scène des portraits pittoresques, il se concentre sur des moments d’impitoyable brutalité et de poignante intensité. Il explique: « Je cherche à m’adapter aux circonstances, chez mes sujets : gitans, mendiants, escrocs, vagabonds, outsiders, escrocs, bricoleurs et divers personnages louches en Roumanie et en Moldavie. Mon but n’est pas d’exploiter la Roumanie postcommuniste à problèmes à des fins de voyeurisme. Je ne suis pas un observateur indifférent, mais un observateur qui s’efforce de donner à ces personnes la liberté dont elles ont besoin pour se représenter à la caméra – et d’apporter les changements nécessaires pour elles-mêmes dans les stéréotypes sociaux qui leur sont encore attribués ». Le livre de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey.

KAWS – HE EATS ALONE

Art // décembre 3rd, 2020

À l’occasion de l’exposition He Eats Alone de Kaws au Fire Station Museum de Doha (Quatar), du 25 octobre 2019 au 25 janvier 2020, un magnifique catalogue de 322 pages a récemment été publié par les éditions italiennes Silvana Editoriale. Cette grande rétrospective de la prolifique carrière de l’artiste new-yorkais passe en revue plus de vingt ans de création: de ses premiers détournements d’affiches publicitaires à ses toiles abstraites aux couleurs vives, et ses sculptures monumentales en bois et en fibre de verre. On y retrouve ses célèbres personnages tels que le Companion, le Chum, l’Accomplice, les Kimpsons, les Skurfs, Sponge Bob, Snoopy, etc. Contenant un plus d’une centaine d’œuvres de l’artiste, le livre offre une rétrospective depuis ses premiers projets de street art et de publicités détournées, jusqu’à ses sculptures monumentales, ses projets de mode et ses peintures, anciennes et plus récentes. Conçue par le studio new-yorkais 2×4, avec un essai approfondi signé Germano Celant, la publication présente un portrait multidimensionnel de l’exposition, et en offre une visite virtuelle grâce aux spectaculaires photographies de Jonty Wilde, complétées par un ensemble d’images de référence, le tout dans une étonnante structure pliante. En plus de ses célèbres toiles et immenses sculptures, le livre présente une archive complète des toys produits par KAWS depuis le début de sa carrière. He Eats Alone est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Silvana Editoriale, ains que sur Amazon.com.