Category Archives: Art

CARL DE KEYZER – GOD INC I & II

Art // février 1st, 2021

Né en 1958 à Courtrai, en Belgique, le photographe Carl de Keyzer vit et travaille à Gand et devient membre de la prestigieuse agence Magnum dès 1992. Entre 1990 et 1992, il parcourt les États-Unis à travers différents lieux de culte et achève un essai intitulé God Inc. sur les liens unissant patriotisme et aspirations religieuses. Ce projet, qui a notamment été exposé au California Museum of Photography de San Diego, est publié en 1992 et connait un énorme succès. Le photographe confie: « J’ai été choqué de constater que la religion joue un rôle si important dans la société américaine, qu’elle était si largement répandue. Pendant un an, je me suis demandé pourquoi les Américains sont si intenses et émotifs dans leur expérience religieuse.” Trente ans plus tard, de 2019 à 2020, de Keyzer décide de revisiter certains endroits de la première édition et de découvrir de nouveaux lieux, tendances et événements. C’est désormais internet qui est la source d’information principale. En 2019, les grands évangélistes comme Billy Graham ont disparu, la plupart des parcs à thème religieux sont fermés et la fréquentation globale des églises a fortement diminué. Les « nouvelles » églises comme la Scientologie et de nombreux groupes non confessionnels connaissent un regain d’intérêt, attirant de nombreux jeunes. Les États-Unis sont toujours le pays de Dieu. Lors du dernier voyage, l’épidémie du Covid-19 a commencé. D’un jour à l’autre, tous les événements ont été annulés et les lieux prévus pour les célébrations fermés. De nouvelles initiatives comme les confessions en plein air et les drive-in ont commencé à apparaître, alors que certaines églises ont placé leur destin entre les mains de Dieu et ont décidé de rester ouvertes. Les images de ces initiatives originales sont présentées dans God Inc II, et fournissent une suite passionnante au premier opus. Publié par Lannoo, le double opus au design tête-bêche God Inc I & II, documentaire fascinant sur la vie américaine qui regroupe les deux séries de photographies, est désormais disponible sur la boutique en ligne des éditions belges ainsi que sur Amazon.com.

HAYAL & HAKIKAT – A HANDBOOK OF FORGIVENESS & A HANDBOOK OF PUNISHMENT

Art // janvier 28th, 2021

Hayal & Hakikat [Rêve & fait] – A Handbook of Forgiveness & A Handbook of Punishment est la reparution par les éditions GOST Books et FiLBooks d’un livre de l’artiste turque Cemre Yesil Gönenli précédemment auto-publié – une intervention percutante dans une série de portraits de prisonniers datant de la fin du XIXe siècle trouvée dans les archives du sultan ottoman Abdul Hamid II. Le livre est relié de manière très originale par un dos en trois charnières, ce qui permet au lecteur de découvrir et de comparer les différents ensembles d’images présentés. Chaque cahier est fixé par le haut aux plats intérieurs avant et arrière de l’ouvrage et présente le détail de mains de prisonniers, d’un côté ceux qui sont enchaînés et de l’autre, ceux qui ne le sont pas. Les visages sont croppés ; l’accent est mis sur les mains, faisant écho à une théorie selon laquelle le sultan avait commandé ces photographies pour établir la culpabilité d’un prisonnier, partant du principe qu’elle pouvait être déterminée par la longueur des articulations du pouce. « Centrer le travail sur ce moyen arbitraire et singulier de déterminer le sort d’un détenu fait écho à l’état actuel incertain de l’individu dans la politique turque », suggère l’auteur. « C’est aussi un exemple poétique de la façon dont les archives peuvent être réinterprétées et réinfusées à la fois par les faits et la fiction. » Ce triple livre (160 pages + 64 pages + 16 pages) a été sélectionné en novembre dernier dans la catégorie Prix du Livre Photographique de l’Année des Prix du Livre 2020 organisés par Paris Photo et Aperture. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

MIRAGE MAGAZINE – ISSUE 5

Art // janvier 26th, 2021

Le magazine indépendant Mirage a été fondée en 2009 par le photographe de mode sud-africain Henrik Purienne et le directeur créatif allemand Frank Rocholl. Il s’agit d’un magazine de mode et de culture de 400 pages inspiré par l’esthétique photographique et la culture hédoniste des années 1960 et 1970. Mirage se concentre principalement sur l’esthétique intemporelle dans les domaines de l’architecture, de l’automobile et de la conception de produits, combinée à des fonctionnalités sur des utopies oubliées et des personnalités créatives influentes. Ses histoires de mode reflètent souvent la relation personnelle du photographe et du mannequin, les thèmes clés étant l’été, le soleil, la jeunesse, la liberté et la rébellion. La liste des contributeurs du magazine comprend notamment Jason Lee Parry, Jonathan Leder, Matteo Montanari, Andrew Kuykendall, Ana Kras, Akila Berjaoui et Quentin de Briey. Pour son 5e numéro intitulé Voyage Lumière, le magazine explique : « Parfois, nous devons décider de la façon dont nous souhaitons voyager : à travers l’espace ou à travers la lumière. Voyager, par exemple, vers la pure luminosité des étés de l’enfance, vers la splendeur du soleil se couchant sur la Méditerranée. Ce numéro de Mirage explore comment la lumière est en flux constant. Nous ne pouvons pas connaître un lieu seul, nous le connaissons sous une certaine lumière, et cela change tout. Ce 5e volume est une invitation à apprécier non pas la façon dont les corps et les paysages sont éclairés, mais plutôt la façon dont la lumière se manifeste de manière beaucoup plus profonde. Un voyage sensoriel qui nous mènera à Capri, Formentera ou Bali, à des aperçus du présent faits de morceaux lumineux du passé, ou de rêves que nous avions oubliés. » Le somptueux magazine de 282 pages contient deux nouvelles séries de Purienne, de nouveaux clichés de Bryan Liston et Pierrot, des images sensuelles vintage signées Helmut Newton, Chris Von Wagenheim, Gunter Sachs et Slim Aarons, ainsi que quelques articles passionnants sur l’architecture et le design. Mirage Magazine No 5 est maintenant disponible sur la boutique en ligne miragemag.com.

HOLLIE FERNANDO – 004

Art // janvier 22nd, 2021

Hollie Fernando est une jeune photographe britannique installée dans la ville balnéaire de Brighton. Ayant appris les bases de la photographie alors qu’elle était au lycée, elle a continué à se former tout en occupant des emplois commerciaux après avoir quitté l’école. Son oeuvre s’inspire de la peinture classique et continue à être imprégné par les palettes de couleurs, les styles d’éclairage et les figures symboliques. Qu’elle photographie des musiciens et des acteurs célèbres ou ses frères et sœurs et des amis, elle utilise toujours la même approche décontractée. Hollie Fernando a fait le choix de la pellicule analogique et imprime à la main la plupart de ses œuvres en chambre noire, en utilisant certaines références de couleur. Elle prend ensuite ces tirages et les numérise en utilisant une deuxième couche de références de couleur issue de certaines de ses oeuvres plus anciennes. La photographe déploie ainsi de grands efforts pour créer un style unique et une identité visuelle particulièrement originale. Publié par les éditions britanniques Setanta Books dans une édition limitée à 300 exemplaires, 004 est son tout premier ouvrage et constitue le quatrième opus d’une collaboration en cours avec la galerie Open Doors qui publie les travaux de photographes émergents. Le livre de 48 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books. Une version exclusive du livre vendue avec une photographie signée est également disponible ici.

TRENT PARKE – CRIMSON LINE

Art // janvier 20th, 2021

Trent Parke, photographe Australien qui photographie des scènes de rue en jouant avec la lumière, les ombres et les gens pour créer des images au contraste saisissant, présente aujourd’hui Crimson Line, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Stanley/Barker. Né dans la ville sidérurgique australienne de Newcastle, l’un des rares souvenirs de son enfance est d’accompagner sa mère pour aller chercher son père au travail, en traversant un paysage dominé par les chantiers navals, les cheminées et les usines BHP. Tout au long de sa carrière, Parke s’est toujours passionné pour les effets de transformation de la lumière, mais ce sont les changements de couleurs éphémères de l’aube et du crépuscule, la myriade de différentes teintes de rouge qui ont aiguisé sa curiosité quant à la couleur cramoisie (crimson). Il découvre par la suite que cette couleur utilisée dans certains produits commerciaux est récoltée sur les corps broyés et bouillis de la cochenille femelle. Un minuscule insecte qui se loge dans les pelotes des figues de Barbarie et qui est cultivé pour sa couleur cramoisie. Une teinture aujourd’hui utilisée principalement dans les cosmétiques et les colorants alimentaires. Écarlate, magenta, orange et cramoisi sont les colorants produits par la cochenille et semblent également figurer de façon spectaculaire dans les couleurs de la création, comme on l’a vu dans la nébuleuse de l’Aigle lors de la naissance d’une nouvelle étoile et enregistré par le télescope spatial Hubble. Ces couleurs de naissance et de sang, le photographe s’en souvient également pour l’eau du bain, le cordon ombilical et le placenta, à la naissance de ses fils. Photographié dans le paysage industriel qui entoure la banlieue balnéaire d’Adélaïde où habite Parke, son appareil photo est souvent braqué sur les émanations de vapeur qui émanent des cheminées d’usine. Baignées par les rouges et les roses intenses du soleil matinal, elles paraissent à la fois inquiétantes et étrangères. Le livre de 132 pages, au design particulièrement original et soigné (signé The Entente), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley/Barker. Une édition d’Artiste limitée à 30 exemplaires et contenant une photographie 171x233mm signée par Trent Parke, est quant à elle disponible ici.

BASTIAAN WOUDT – PEAK

Art // janvier 18th, 2021

Dans Peak, le nouvel ouvrage de Bastiaan Woudt publié par les éditions 1605 Publishers, le jeune photographe néerlandais parcourt les montagnes du Népal pendant un mois. Une expédition de 26 jours l’amène dans les zones souvent inhabitées autour du mont Annapurna, où il grimpe jusqu’à près de 6000 mètres. Il en résulte un document qui montre non seulement les paysages et les natures mortes, mais aussi les fiers Népalais qu’il rencontre en cours de route. Dans un récent entretien, Woudt explique : « Tout a commencé en 2015 lorsque j’ai escaladé le Mont Kilimandjaro en Tanzanie. Nous l’avons fait pour Warchild, une organisation caritative néerlandaise, afin de collecter des fonds pour les enfants des zones de guerre. Je suis tombé instantanément amoureux de la montagne. Le défi physique que représente l’escalade, la marche pendant des jours et les bonnes conversations qui en découlent. À mon retour, j’ai commencé à gagner de plus en plus d’argent dans l’Himalaya, et je crois que j’ai regardé tous les documentaires sur les hommes qui risquent leur vie pour réaliser leur rêve : escalader les plus hauts sommets du monde. Comme j’ai une femme et quatre enfants à la maison, je savais que ce ne serait pas pour moi, mais je voulais y aller et tout vivre, ressentir à nouveau ce défi physique et, cette fois, concevoir un beau projet en même temps. Les gens, mais surtout les paysages. » Peak présente ainsi de somptueux clichés en clair-obscur de paysages de montagne et de portraits réalisés dans son style unique et fascinant. Publié dans une édition limitée à 1250 exemplaires signés par le photographe, le livre de 264 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions 1605 Publishers : https://www.1605publishers.com/product-peak-signed.

ELIN BERGE – AWAKENING

Art // janvier 18th, 2021

Publié par les éditions Max Ström, Awakening est une représentation intime et poétique d’un mouvement d’éveil suédois, vaguement organisé, composé librement, de femmes qui croient au retour d’un pouvoir féminin divin. La photographe originaire de Stockholm Elin Berge a participé à différents types de cercles spirituels de femmes, afin de mieux comprendre les rituels de ce pays et les personnes qui y participent. Les femmes qu’elle photographie croient au retour de « la Déesse originelle », une essence féminine divine qui appelle les femmes de l’intérieur de leur propre corps. Ce mouvement mondial croit que le féminin divin éveillé va faire s’élever les femmes du monde entier pour conduire l’humanité vers un nouveau paradigme avec un avenir durable et un monde pacifique et équilibré. Les clichés de cette série montrent des femmes qui s’abandonnent à leur spiritualité dans des cérémonies, qui cherchent à se réconforter les unes les autres dans la fraternité et qui désirent s’approprier leur corps et leur sexualité. L’œuvre de Berge ouvre un dialogue sur la religion et les croyances dans la Suède laïque et sur notre approche spécifique de l’individualisme et de l’indépendance. Awakening aborde également la question de l’égalité des sexes et la sororité qui se développe actuellement dans le monde entier, et plus récemment du mouvement #metoo sur les médias sociaux. Le livre de 166 pages, avec des essais de l’artiste/écrivain Annika Norlin et l’historienne de la religion Manon Hedenborg White, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suédoises Max Ström, ainsi que sur Amazon.com.

MARK KLETT – SEEING TIME

Art // janvier 15th, 2021

Avec plus de trois cents images, dont certaines sont présentées pour la première fois, Seeing Time – publiée par les éditions University of Texas Press – est la première rétrospective de la carrière de Mark Klett, considéré comme l’un des plus importants photographes de paysage de ces quarante dernières années. Artiste d’une originalité et d’une vision singulières, Klett a conçu une oeuvre profonde et dynamique qui capture l’espace et l’histoire de l’Ouest américain, tout en évoquant les notions de temps, de perception et de mémoire culturelle. Sa démarche est ancrée à la fois dans la recherche artistique et l’évolution des technologies photographiques, reflétant une myriade d’idées qui mêlent science et poésie. Au cours d’une carrière de plus de quatre décennies, Klett a fait progresser une nouvelle notion de la photographie de paysage qui redéfinit notre sens de la signification des images de la terre. Seeing Time présente une sélection de photographies issues de treize projets différents, dont certains n’ont jamais été publiés auparavant. Le livre rassemble des travaux issus de projets individuels et collaboratifs ainsi que des textes de conservateurs de renom qui examinent les idées qui se cachent derrière la pratique du photographe, son contexte historique et ses méthodes de collaboration. De ses études rephotographiques, qui associent l’art conceptuel à des questions sur la façon dont les paysages changent sous l’effet de l’intervention humaine, à la série de portraits de sa fille aînée à l’occasion de leur anniversaire commun, les images présentées ici se combinent pour former un ensemble d’œuvres à la fois vaste et profondément personnel. L’imposant ouvrage de 480 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions University of Texas Press ainsi que sur Amazon.com.

DESIGN COMMUNE

Art // janvier 13th, 2021

Les décorateurs de l’agence de design californienne Commune s’associent aux éditions Abrams Books pour publier Design Commune, un magnifique ouvrage retraçant leurs travaux les plus emblématiques. Fondée en 2004 à Los Angeles par quatre amis (Roman Alonso, Steven Johanknecht, Pamela Shamshiri et Ramin Shamshiri) partageant la même vision du design, l’agence souhaite améliorer la vie quotidienne à travers l’architecture et le design, en brouillant les lignes entre les disciplines, les époques et les styles. La Californie est le lieu idéal pour les anticonformistes et les esprits libres. Commune reflète parfaitement cet esprit et incarne un style californien novateur qui mêle librement l’ancien et le neuf, avec des intérieurs très personnels qui embrassent la couleur, les motifs et la texture. Ce livre est la seconde monographie de l’œuvre de Commune, et met en lumière toutes les disciplines dans lesquelles le studio s’engage : projets d’aménagement intérieur, créations pour résidences privées, hôtels, espaces commerciaux et restaurants, ainsi que les nombreuses œuvres commissionnées auprès d’artisans californien pour leurs divers projets. On y découvre également des projets divers comme la conception de produits, de packaging et de diverses commandes graphiques. Ses projets ont de nombreux points communs, comme l’influence des matériaux artisanaux, mais chacun reste profondément personnel et unique. L’ouvrage de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Abrams Books ainsi que sur Amazon.com.

PETER SAUL – PROFESSIONAL ARTIST CORRESPONDENCE 1945-1976

Art // janvier 11th, 2021

Les éditions américaines Bad Dimension Press publient Peter Saul – Professional Artist Correspondence 1945-1976. L’artiste californien de 86 ans mélange avec humour Pop Art, Surréalisme, Expressionnisme Abstrait, culture funk de San Francisco et univers du cartoon. Ses toiles aux couleurs criardes, au dessin trash, portent un regard caustique sur la société de consommation et ses valeurs, sur les idoles planétaires (Superman), sur l’impérialisme américain (la guerre du Vietnam, la geôle d’Abu Ghraib), les inégalités sociales et la violence urbaine. Influencé par la bande dessinée et les graffitis, Saul développe une thématique violente, pornographique, scatologique et drôle dans un style qu’on dit (à tort) bâclé. Son œuvre est une fête de l’esprit et des sens que Dali lui-même appréciait. Cette figure majeure de l’underground américain, maître de la peinture de la satire et du sacrilège, met en lumière la face sombre du rêve américain. Saul est né et a grandi en Californie du Nord, a fréquenté l’université de Washington, a vécu en Europe de 1956 à 1964, puis s’est installé dans le comté de Marin de 1964 à 1976, où il a trouvé une communauté et commencé à se faire connaître. L’histoire du développement de Saul au cours des années cruciales de sa carrière artistique est racontée par l’artiste lui-même dans ce très bel ouvrage. Les lettres présentées dans ce volume, d’abord aux parents de Saul, puis à son galeriste, Allan Frumkin, sont intimes et de nature diverse, pleines du même genre d’observations qui rendent l’œuvre de Saul si fascinante. Tout au long de cette période, Saul s’est préoccupé non seulement de concevoir son oeuvre, mais aussi de mener sa vie d’artiste. Le livre est donc en grande partie l’histoire d’un artiste qui trouve sa voix et qui tente ensuite de comprendre et de participer au « monde de l’art », car Saul a d’abord travaillé par le biais de la pop, puis du « funk », et a ensuite essentiellement créé sa propre catégorie. Réunies pour la première fois, les lettres de ce livre forment non seulement une autobiographie de l’artiste, mais aussi un mémoire de l’histoire de l’art américain à un moment critique. Édité par Dan Nadel dans un tirage limité à 1000 exemplaires, le livre de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Bad Dimension Press.

CYPRIEN CLEMENT-DELMAS & LINDOKUHLE SOBEKWA – DALESIDE

Art // janvier 6th, 2021

Les éditions britanniques GOST Books publient Daleside, le résultat d’une commande photographique de Rubis Mécénat aux photographes français Cyprien Clément-Delmas et sud-africain Lindokuhle Sobekwa, membre du projet Of Soul and Joy et associé de Magnum Photos. Initiée en 2015, celle-ci documente Daleside, une banlieue afrikaner située au sud-est de Johannesbourg en Afrique du Sud. En l’espace d’une décennie, celle-ci est devenue un lieu d’isolement, une ville fantôme. Ensemble, les deux photographes ont dressé un portrait de Daleside, abordé les lieux et les habitants, en majorité des mineurs ou petits paysans, réveillant leurs rêves ou dévoilant leur désarroi. Devant l’objectif de Clément-Delmas, les personnages offrent une digne présence nourrie d’un rêve déconnecté de la réalité. Dans les portraits en paysage de Sobekwa, pas de dérobade à la réalité qui, au-delà de l’implacable binarité noir-blanc, saisissent la même pauvreté pour les blancs ou les noirs, oubliés de nos sociétés, perdus dans l’impasse d’un non-avenir. Ce portrait en miroir de Daleside constitue un consistant corpus dont la lecture saisissante s’accomplit par paires d’images ou isolément. Sobekwa explique : « Nous avons commencé à faire de longues promenades en essayant de nous connecter à l’endroit et cela a créé une dualité intéressante. En se nourrissant de l’énergie de l’autre pour faire avancer le projet et nous avons eu différentes approches intéressantes sur le portrait de Daleside. Le livre en est une traduction magnifique. » Le format original du livre privilégie la double lecture des photographies, en un dialogue où se répondent les perceptions sensibles et pertinentes des deux photographes, en écho à notre monde contemporain. Daleside, composé de deux livres de 64 pages en reliure Suisse (couture au fil apparent), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

MID-CENTURY MODERN DESIGN: A COMPLETE SOURCEBOOK

Art // décembre 28th, 2020

Publié par les éditions Thames & Hudson, Mid-Century Modern Design: A Complete Sourcebook est un magnifique ouvrage richement illustré traitant des années cinquante et soixante, qui sont, sans hésitation, parmi les plus marquantes et les plus créatives de l’histoire du design. Dans cet après-guerre consumériste, la nouveauté est portée aux nues et s’invite dans tous les secteurs de la conception. De la Vespa à l’Instamatic, des meubles Knoll aux caractères Helvetica, studios, ateliers et usines, inventent et diffusent les formes d’un monde nouveau. Tour d’horizon complet du style années cinquante, ce recueil, riche de mille photographies et d’articles signés par les plus grands spécialistes du domaine, est une aubaine aussi bien pour l’antiquaire et le collectionneur que pour le simple amateur d’objets aux lignes incomparables. Le mobilier, les textiles, le verre et la céramique, mais également le design industriel et graphique, les créateurs et fabricants marquants de l’époque et cerise sur le gâteau… les maisons et les intérieurs qui ont grandement participé à rendre cette période phénoménale. Cet élégant volume représentant des modèles classiques et des raretés peu connues, ainsi que des articles sur près d’une centaine de designers majeurs, tels que Dieter Rams, Robin Day, Isamu Noguchi, Lucie Rie, Charles et Ray Eames, Alvar Aalto et Oscar Niemeyer. Un dictionnaire illustré présente des centaines de créateurs, fabricants, organisations, écoles et mouvements parmi les plus influents du milieu du siècle. Cet imposant livre de 544 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.