Category Archives: Art

YUSUKE YATAMANI – DOORS

Art // août 27th, 2020

Publié en auto-édition (Gallery Yatamani), l’ouvrage Doors est un témoignage éclectique de la tournée de Yusuke Yamatani en 2019 à travers six pays européens. Dans ses performances solo en direct qui combinent musique, danse, installation et photographie, Yamatani joue de la batterie devant le public, des capteurs détectant les vibrations de chaque coup, déclenchant des lumières stroboscopiques et capturant Yamatani dans une fureur semblable à celle de la transe. Les images (y compris les clichés du public et de la salle) sont ensuite traitées et imprimées pendant la représentation. En utilisant une sélection des 3563 images produites de cette manière et en ajoutant des photographies de ses voyages de pays en pays – des instantanés de la route, des factures, des repas, des gens qu’il a rencontrés et des endroits qu’il a appréciés – le livre Doors constitue un document des spectacles de Yamatani et de ses expériences personnelles, et se présente comme une réponse éditée aux expressions photographiques non éditées qui sont à l’origine de ses performances. Des flyers de ses performances, cartes postales de différentes villes, photogrammes enregistrant les perceptions sur les tambours et photos reçues plus tard du public sont également des éléments importants du livre. Celui-ci comprend également une interview de Yamatani, qui présente son point de vue sur la photographie après avoir consacré les deux dernières années à cette œuvre. Doors a été initialement diffusé en édition limitée à 181 exemplaires aux supporters du projet de crowdfunding qui a financé sa tournée européenne. Mais en raison de l’escalade du COVID-19, de l’accélération de la fragmentation sociale, et du souhait de Yamatani que « plus de gens voient ce livre photo qui est à la fois un documentaire et un road movie, sur un asiatique à moitié nu se produisant et circulant librement en Europe, et aient l’occasion de réfléchir à un passé nostalgique ou à l’avenir incertain », le livre de 400 pages est à nouveau disponible sur la boutique en ligne des éditions Gallery Yatamani, avec l’accord des supporters du crowdfunding.

YOSHITOMO NARA – MONOGRAPH

Art // août 24th, 2020

Yoshitomo Nara est l’un des artistes japonais les plus populaires de sa génération. Ses portraits de personnages inquiétants, parfaitement reconnaissables, reflètent les rencontres brutes de l’artiste avec son moi intérieur. Grand voyageur, l’artiste japonais s’inspire pour son œuvre d’un large éventail de ressources : souvenirs de son enfance, musique, littérature, études et vie en Allemagne (1988-2000), exploration de ses racines au Japon, en Sakhaline et en Asie, et art moderne d’Europe et du Japon. Couvrant plus d’une trentaine d’années (de 1987 à 2020), cette nouvelle monographie est publiée par les éditions britanniques Prestel à l’occasion de la grande rétrospective de Nara prévue prochainement au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). L’ouvrage présente un large éventail de l’œuvre de l’artiste. En plus de ses travaux plus connus, comme ses omniprésents portraits de personnages aux grands yeux sur fond monochrome, le lecteur découvrira ses premières peintures, esquissées sur des surfaces allant des enveloppes au carton, réalisées pendant son séjour en Allemagne, ainsi qu’une installation qui recrée son atelier de dessin. Ses œuvres plus récentes sont également présentées, notamment ses sculptures en bronze et en céramique de grande taille et ses portraits réalisés à la suite du tremblement de terre qui a dévasté le Japon en 2011. Comparant et contrastant ces pièces à travers le prisme musical caractéristique de Nara, le catalogue présente également des notes écrites par l’artiste sur différents albums de sa collection personnelle, publiées en anglais pour la première fois. Le livre de 224 pages, qui permet d’apprécier l’évolution d’un artiste dynamique devenu plus contemplatif avec l’âge, est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

MATT EICH – THE SEVEN CITIES

Art // août 19th, 2020

Dans ses travaux, Matt Eich étudie la condition américaine et se concentre sur le poids de la mémoire collective des Américains. Conçu comme une série de quatre livres, The Seven Cities – publié par les éditions suisses Sturm & Drang – est le troisième volume de The Invisible Yoke, qui pose un regard sans concession sur les gens et les lieux que l’Amérique semble avoir oubliés. Après l’Ohio (vol. 1) et le Mississippi (vol. 2), Eich se penche sur l’État où il réside : la Virginie. Ces images sont le fruit de sa documentation obsessionnelle sur la famille et la communauté sur une période de quatorze ans. Que restera-t-il de tout cela dans 20 ans, dans 50 ans ? Il semble probable que des exemplaires de ce livre puissent survivre à de nombreuses maisons qui y sont représentées. En effet, de nombreux quartiers du littoral sont régulièrement inondés et personne ne peut malheureusement rien y faire. Avec l’œil d’un observateur expérimenté et sa connaissance de la composition régionale et des coutumes locales, Matt Eich documente la lutte de sa région et de sa communauté avec dévouement et tendresse. Le livre contient un livret de 16 pages avec un essai de Seth Feman, conservateur de la photographie au Chrysler Museum of Art, ainsi que des poèmes signés Tim Seibles et Stevie Smith. Publié dans une édition limitée à 800 exemplaires seulement, l’ouvrage de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

A VISUAL PROTEST – THE ART OF BANKSY

Art // août 7th, 2020

Les éditions britanniques Prestel publient A Visual Protest – The Art of Banksy, un nouveau livre exceptionnel sur l’œuvre de Banksy, qui retrace toute la carrière de l’artiste de rue anonyme le plus célèbre au monde. Des années avant de faire sauter le couvercle du monde de l’art en déchiquetant une œuvre immédiatement après son achat lors d’une vente aux enchères, Banksy commettait déjà des actes de protestation artistique dans les rues, sur les murs et les ponts des villes du monde entier. Si nous ne savons toujours pas qui est exactement l’artiste, cet ouvrage offre une meilleure idée de sa façon de travailler. A Visual Protest présente environ quatre-vingts œuvres depuis le début de sa carrière d’artiste de rue jusqu’à aujourd’hui, la plupart photographiées in situ et présentées de très belle façon. Le livre guide le lecteur à travers les processus artistiques de Banksy et explique ses influences, telles que le mouvement Situationniste et le soulèvement de mai 1968 à Paris. Il se penche également sur des œuvres clés telles que Love Is in the Air, un graffiti au pochoir qui subvertit l’idée de protestation violente ; Flag, dans lequel la photographie américaine emblématique d’Iwo Jima est modifiée pour refléter un groupe d’enfants de Harlem au sommet d’une voiture brûlée ; et l’œuvre au titre subtil Turf War, dans lequel Winston Churchill arbore un Mohawk en herbe. Un hommage est également réservé aux célèbres rats de Banksy, un symbole décrié de la déchéance urbaine que l’artiste réimagine en tant que rappeurs, violonistes et peintres. Alors que Banksy continue de défier l’oppression politique, économique et raciale qui se produit chaque jour dans les villes du monde entier, ce livre offre une analyse pertinente de la façon dont l’artiste s’est intégré dans la psyché des puissants et des sans-voix, sans jamais révéler sa propre identité. L’ouvrage de 224 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

MASAKAZU MURAKAMI – SUBWAY DIARY

Art // août 5th, 2020

Né à Tokyo en 1977, Masakazu Murakami obtient le diplôme de l’École d’Arts visuels de Tokyo en 2000 et se voit attribuer la même année le 16e Grand Prix Hitosubo-ten, puis, en 2007, le 5e Trophée photo des Arts visuels. Depuis 2018, il est rédacteur en chef de la revue Nippon Camera. Les éditions japonaises Roshin Books publient aujourd’hui sa nouvelle monographie: Subway Diary. L’œuvre de Murakami est indissociable de l’effondrement de la bulle économique japonaise au début des années 1990. Un sentiment de désespoir imprègne le pays pendant une période de récession connue sous le nom des « deux décennies perdues ». Une génération perdue de citadins erre alors dans un vaste océan appelé Tokyo, traversant le chaos, descendant dans les profondeurs de la société par les escaliers roulants du métro. Le photographe japonais a braqué son objectif sur les habitants de Tokyo pendant vingt ans, depuis l’époque où il était étudiant. Jamais il n’a oublié de trimballer son appareil photo lorsqu’il prenait le métro. Le clic de l’obturateur, pour Murakami, était comme écrire une page dans un journal intime, dont il ne feuilletterait plus jamais les pages. Pourtant, cet acte apparemment banal et sans intérêt est devenu le seul réconfort dans son quotidien. En 2018, Murakami est invité en résidence à l’atelier chataigne de Tokyo. Il profite de cette occasion pour revoir et organiser les clichés pris à Tokyo entre 1999 et 2019, et commence alors la production de Subway Diary. Préfacé par le célèbre photographe Daido Moriyama, l’ouvrage de 144 pages – publié dans une édition limitée à 800 exemplaires avec 6 couvertures différentes – est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Roshin Books.

HENRI CARTIER-BRESSON – PHOTOGRAPHER

Art // août 3rd, 2020

Les édition Prestel publient Photographer, la nouvelle monographie d’Henri Cartier-Bresson (1908–2004). Reproduites dans un noir et blanc de toute beauté, les images de ce livre vont des premiers travaux du photographe en France, en Espagne et au Mexique à ses voyages d’après-guerre en Asie, aux États-Unis et en Russie, et comprennent même des paysages des années 1970, lorsqu’il abandonna son appareil photo pour se consacrer au dessin. Cartier-Bresson, reconnu comme l’un des pionniers de la photographie de rue, a saisi avec candeur des personnes et des lieux avec son appareil 35 mm Leica, à la fois léger et discret. Les images d’enfants en train de jouer (courant sur un trottoir à Montréal en 1962, ou se rassemblant sur une place de Madrid en 1933) mettent en évidence une innocence et une joie de vivre certaine, tandis que d’autres photographies (les funérailles d’un acteur de kabuki à Tokyo en 1965 ; une mère et son bébé malade à Madurai, en Inde, en 1947) évoquent un sentiment viscéral de désespoir. Si son instinct pour capturer ce qu’il appelait les moments décisifs était sans égal, en tant que photojournaliste, Cartier-Bresson se préoccupait uniquement de l’impact humain des événements historiques. Dans ses photographies de la Libération, de la mort de Gandhi et de la création de la République populaire de Chine en 1949, il se concentre sur les réactions des foules plutôt que sur les sujets des événements. La plus grande force de l’œuvre de Cartier-Bresson est sa portée. Qu’il s’agisse de magnifiques paysages urbains – par exemple, Istanbul, Naples ou Paris – ou de simples portraits d’individus (un eunuque de la cour impériale à Pékin en 1949 ; William Faulkner à Oxford en 1947), ses images captivent le spectateur par leur composition artistique et leur intensité. Divisé en six sections thématiques, le livre présente les photographies en double page. Dans une note manuscrite incluse à la fin du livre, le photographe écrit : « Pour donner un sens au monde, il faut se sentir impliqué dans ce que l’on repère à travers le viseur ». Son œuvre illustre comment il a su saisir le moment décisif avec une humilité extrême et une profonde humanité. L’ouvrage de 344 pages, avec une préface réalisée par l’historien et poète Yves Bonnefoy, est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

ARNAUD MONTAGARD – THE ROAD NOT TAKEN

Art // juillet 28th, 2020

Arnaud Montagard est un jeune photographe originaire de Nancy, qui vit et travaille à Brooklyn depuis 2013, et qui s’est rapidement spécialisé dans la photographie de rue. Plébiscité sur le net et les réseaux sociaux (@arnaudmontagard), et reconnu par le milieu avec plusieurs trophées remportés dont notamment celui d’un concours national, le photographe continue de voyager à travers le monde afin de capturer l’énergie et la vie d’autres lieux. Travaillant beaucoup sur la lumière, jouant d’une grammaire esthétique maitrisée, sa nouvelle monographie,The Road Not Taken, publié par les éditions britanniques Setanta Books, est un voyage au cœur de l’Amérique profonde. Elle incarne les icônes américaines de notre imaginaire collectif. De la country de Johnny Cash aux lumières de Saul Leiter, les ambiances sublimées par le peintre Edward Hopper aux clichés de Stephen Shore et William Eggleston, le livre est un hommage à ces artistes qui ont façonné le mythe américain. Des enseignes commerciales dans des polices de caractères dépassées. Vieux motels, restaurants, stations d’essence rurales. Des voitures dont la carrosserie s’étire en longueur et en hauteur comme la route pour laquelle elles ont été construites… Montagard déclare à propos de l’ouvrage: « J’aime le fait que l’on puisse se demander à quelle période la photo a été prise. On y retrouve une sorte d’intemporalité et surtout une invitation à la décélération. Au cours de la réalisation de ce projet, j’ai commencé à photographier en numérique. Puis, petit à petit, je me suis mis au moyen format argentique, j’apprenais à prendre le temps. » Publié dans une édition limitée à 750 exemplaires, The Road Not Taken (avec sa préface signée Leah Ollman du Los Angeles Times) est actuellement en rupture de stock sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books. Quelques copies en édition limitée de ce superbe ouvrage seront disponibles en fin d’année (plus d’informations sur cette page).

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2020 – SOLIDARITY

Art // juillet 27th, 2020

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Solidarity’, en partenariat avec Vogue, se déroule du lundi 27 juillet au dimanche 2 août 2020. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus de 120 tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $100 sur le site shop.magnumphotos.com. Les photographes de l’agence Magnum et Vogue feront tous deux don de 50 % de leurs recettes à la NAACP.

RICK MCCLOSKEY – VAN NUYS BLVD 1972

Art // juillet 24th, 2020

Les éditions suisses Sturm & Drang publient aujourd’hui Van Nuys Bld 1972, la nouvelle monographie du photographe américain Rick McCloskey. À l’été 1972, celui-ci a immortalisé l’ambiance de Van Nuys Boulevard en noir et blanc. Dans la chaleureuse vallée de San Fernando, une banlieue de Los Angeles, le mercredi soir était la « Cruise Night », un rassemblement de jeunes et de leurs voitures entre Ventura Boulevard au sud et Sherman Way au nord, un amalgame de styles et modes de vie, d’automobiles – d’occasion et neuves – et de « looks » très différents. Il y avait des « tribus » d’enfants de vans – surtout des surfeurs – des lowriders, des muscle cars, des voitures de courses, des propriétaires de Volkswagen, et bien sûr des milliers de jeunes. L’idée du « rétro » était également arrivée, certains jeunes imitant le look et le style des années 50. C’était un endroit formidable pour voir et être vu, et aussi pour montrer son véhicule. Les photos de McCloskey offrent une représentation fascinante de la jeunesse qui venait d’aussi loin que Santa Barbara, du comté d’Orange ou du sud de la Californie, mais aussi de la culture américaine typique de l’époque. En réalisant ces images, le photographe s’est attaché à représenter les jeunes, leurs voitures et les décors iconiques en arrière-plan. McCloskey explique: « Aujourd’hui, les jeunes n’ont plus rien de semblable à ces anciens endroits, où tant de gens pouvaient profiter du moment présent, ensemble. Comme la lumière des étoiles qui s’échappent encore d’un monde aujourd’hui disparu, ces images sont tout ce qu’il nous reste ». Au début des années 1980, la « Cruise Night » avait pratiquement disparu sur Van Nuys Boulevard, en raison des nuisances qu’elle engendrait, marquant la fin d’une époque unique. Le livre de 132 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

RICHARD PRINCE – COWBOY

Art // juillet 21st, 2020

Au milieu des années 1970, Richard Prince était un jeune peintre qui travaillait chez Time Inc. où il découpait des textes pour les rédacteurs de magazines. Après avoir retiré les articles, il se retrouvait avec des publicités : des photos sur papier glacé de marchandises, de modèles et d’autres objets de désir. C’est à ce moment qu’il commence à re-photographier les publicités, les recadrant et les agrandissant, et vendant les œuvres d’art comme s’il s’agissait des siennes. L’artiste américain connu alors un succès retentissant dans le monde de l’art, provoquant des poursuites judiciaires et établissant par la même occasion de nombreux records de ventes aux enchères pour la photographie contemporaine. Les éditions britanniques Prestel publient aujourd’hui Cowboy, la nouvelle monographie de Richard Prince. Ce livre montre comment Prince a puisé dans la mythologie de l’Ouest américain à travers l’œuvre qu’il a produite au cours des quatre dernières décennies. Il a accordé une attention particulière au motif du cowboy, un symbole américain, souvent représenté dans les publicités pour les cigarettes Marlboro. Cette série est, sans nul doute, la clef de voûte de l’œuvre de Richard Prince : la déconstruction d’un mythe américain qui va des pionniers du passé au président sortant de l’époque, Ronald Reagan. Chaque œuvre est une copie (la photographie) d’une copie (la publicité) d’un mythe (le cowboy). Prince en fait un commentaire incisif sur notre culture, pour laquelle l’image est plus attrayante que la vie réelle, étrange quête, selon lui, de « ce qui s’approche le plus de la réalité ». Chaque chapitre de l’ouvrage contient une brève introduction, suivie d’une œuvre de Prince, et se termine par un ensemble de documents qui aident à contextualiser son œuvre. Défiant une fois de plus les limites conventionnelles de la photographie, Prince relance le débat qu’il a suscité il y a quarante ans à travers sa vision des cow-boys et de l’Ouest américain. Ce superbe livre de 484 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

PETER MITCHELL – EARLY SUNDAY MORNING

Art // juillet 15th, 2020

Peter Mitchell est un photographe documentaire qui se concentre sur Leeds, au Royaume-Uni et dans les environs, qu’il documente depuis les années 70. Les éditions britanniques RRB Photobooks publient aujourd’hui sa toute nouvelle monographie, intitulée Early Sunday Morning. Trop méconnu du grand public, Mitchell a pourtant été « un photographe radical et un pionnier », souligne Martin Parr, car il a été le premier à utiliser la couleur au Royaume-Uni pour de la photo documentaire, lors d’une exposition à York, à la galerie Impressions. Né dans le sud de Londres, le photographe, qui a fait des études de graphisme et de dessin, s’est installé à Leeds à l’âge de 30 ans, pour ne plus quitter la ville, qu’il photographie sans se lasser. Il a commencé à l’explorer alors qu’il travaillait comme conducteur de camion, à l’époque où elle était encore riche en vestiges de l’époque victorienne. Les images sélectionnées pour ce nouveau livre, 90 photos carrées aux couleurs chaudes et jamais publiées auparavant, sont pleines de ces maisons à la gloire enfuie, en mauvais état: maisons souvent bancales, boutiques aux lettrines vieillottes, petits commerces promis à la faillite, usines désaffectées. On peut lire à travers ces ruines ou futures ruines le portrait d’une Angleterre en voie de désindustrialisation accélérée, mais le ton est tout sauf mélancolique : Peter Mitchell pose sur sa ville un regard plutôt tendre et amusé. Le livre révèle les couches de l’histoire de la ville, exposées par les changements du paysage urbain qui a incarné les années 70 et 80. Des terrasses centenaires et des rues pavées flanquées d’appartements en béton, avec un terrain récemment défriché de part et d’autre, sont présentées avec le cadre graphique typique de Mitchell. Publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, ce très bel ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks.

WITOLD KRASSOWSKI – SACKCLOTH AND ASHES

Art // juin 29th, 2020

Publié par les éditions britanniques Gost Books, Sackcloth and Ashes est le fruit du travail de toute une vie du photographe polonais Witold Krassowski. Bien qu’il ait photographié des événements historiques et politiques majeurs qui ont contribué à façonner les sociétés à travers le monde, il a toujours été attiré par la photographie de vies ordinaires – ses images les plus connues sont celles qu’il a prises lors de la transformation de sa Pologne natale après la fin du communisme en 1989. Les lieux et les sujets disparates de l’œuvre de Krassowski sont unifiés par son choix de se concentrer sur la vie des citoyens ordinaires plutôt que sur l’élite ou les entités politiques. Afghanistan, Italie, Russie, Pologne, Bolivie… Malgré les différences de latitude et de culture, l’artiste a l’art de faire ressortir l’universalité des anonymes qu’il photographie. Les ouvriers des chantiers navals de Gdansk, les clients de petites gargotes embuées ou encore des hommes ivres dans les rues de Rostov-sur-le-Don. Le Polonais s’attache particulièrement à ceux qui n’attirent pas le regard. La plupart des clichés en noir et blanc ont été pris au tournant de l’ère communiste, entre 1985 et 1995. Ils dépeignent sans affectation ni misérabilisme un quotidien souvent marqué par la pauvreté, qui n’exclut cependant pas les moments de joie (noce arrosée d’un district rom de Sofia, dancings de la Pologne rurale, jeux d’enfants). Krassowski explique: « Les travaux, dont ces images sont issues, sont couverts de poussière dans quelques bibliothèques de référence. Ils sont morts, et devraient le rester, car leur intérêt survit à peine aux circonstances qui les ont engendrés. Dans ce livre, j’espère cependant maintenir un peu plus longtemps en vie ce qui les unit : mon approche personnelle, un sentiment d’unité profonde au-delà des cultures. Il est important pour moi que l’impact de ces événements politiques puisse être compris du point de vue des gens ordinaires dans leur vie ordinaire. Pour beaucoup de mes sujets, leurs histoires seraient oubliées depuis longtemps ». Le livre de 208 pages, véritable concentré d’humanité, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gost Books.