Category Archives: Art

DANNY LYON – BURN ZONE & THE STORY OF SAM

Art // décembre 9th, 2016

Danny Lyon sort en cette fin d’année deux nouveaux ouvrages publiés par Bleack Beauty: Burn Zone et The Story of Sam. Débutant sa carrière dans les années 60, le photographe américain se distingue par son œuvre qui met l’accent sur un engagement social à la fois profond et intime. Burn Zone est un cri du cœur lancé à la communauté artistique et à la nouvelle génération, leur demandant de se joindre à la lutte pour sauver la planète. Danny Lyon raconte l’histoire de son retour au Nouveau-Mexique après plus de trente ans et les changements dramatiques qu’il a pu observer, provoqués par l’utilisation de combustibles fossiles. Illustré avec de nouvelles images en noir et blanc de l’incendie de Las Conchas en 2011 au Nouveau Mexique, le livre comprend également une liste de cinquante criminels du climat, qui ont tous reçu d’énormes quantités d’argent de l’industrie des combustibles fossiles. Le second livre, The Story of Sam, s’inspire du texte de Kafka intitulé Un Rapport pour une Académie et qui met en scène un singe qui raconte comment il est devenu homme. L’histoire est écrite par un berger australien ayant vécu toute sa vie dans la vallée de l’Hudson, dans l’État de New York, mais qui est mort au bord d’une autoroute dans le comté de Sandoval, au Nouveau Mexique. Richement illustré de photos prises avec un Polaroid SX-70 de Sam et de ses deux compagnons épagneuls, le livre est à la fois dramatique et poignant. Ce dernier est publié à 1000 exemplaires seulement. Les deux ouvrages sont maintenant disponibles sur la boutique en ligne du Whitney Museum.

ANA KRAS – IKEBANA ALBUMS

Art // décembre 8th, 2016

Graphiste, illustratrice, photographe et designer diplômée de l’université des Arts Appliqués de Belgrade, la serbe Ana Kras est ce qu’on appelle un jeune phénomène à suivre. Véritable touche à tout, elle séduit par ses créations originales comme ses chaises au design épuré, la M Lamp tout en fil de coton dénuée d’abat-jour ou encore les Bonbon Lamps aux couleurs acidulées et tissées à la main. Ses photos sont quant à elles des extraits de son quotidien, des voyages, des rencontres et des portraits singuliers de ceux qui l’entourent. Elle poste quotidiennement sur son Tumblr Ikebana Albums tous ses derniers clichés, sortes de bribes de vie floues à la surface granulée. Son premier livre, publié par les éditions britanniques Prestel, rassemble des centaines de photographies: champs éthérés de marguerites roses, paysages langoureux, portraits informels de ses amis chez eux ou dans la ville. On y reconnait notamment quelques visages célèbres comme Mari Guidicelli, Hailey Benton Gates ou encore Nane Feist. Les photos d’Ana Kras sont à la fois poétiques, réfléchies et ludiques, et raviront ses nombreux fans, ainsi que les amateurs de photographie. L’ouvrage de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Prestel ainsi que sur Amazon.com.

DONALD BAECHLER – EARLY WORK 1980 TO 1984

Art // décembre 6th, 2016

Donald Baechler est né à Hartford (Connecticut) en 1956, il vit et travaille à New York. Il a su créer, avec intelligence et humour, un langage métaphorique issu de la culture populaire, ce qui lui vaut la réputation d’artiste Pop de deuxième génération depuis le début des années 80. « Je m’intéresse à des objets discrets et sourds. Je n’ai jamais été intéressé par le narratif ou la psychologie ou par toutes les interprétations que les gens prêtent à la variation subtile de mes peintures et de mes sculptures”. En effet, il y a une vingtaine d’années, Baechler commença, dans un effort de réapprentissage du dessin, à élaborer un vocabulaire naïf, composé de lignes et de formes. Son abécédaire puise ses sources dans le monde de l’imagerie des enfants, des artistes naïfs et des handicapés mentaux, faisant souvent référence à Dubuffet. Issu d’une génération qui a hérité de la rigueur minimaliste et conceptuelle des années 1970, Donald Baechler a intégré dans ses travaux ce qui était devenu tabou comme la figure humaine ou l’objet trivial du quotidien. À l’occasion de l’exposition Early Work 1980 to 1984 organisée par Cheim & Read en fin d’année dernière, la galerie new-yorkaise publie un très beau catalogue présentant les premières peintures et collages sur papier de l’artiste américain. Toutes ses œuvres illustrent l’intérêt et la maîtrise de Baechler dans la relation entre l’iconographie personnelle et universelle, le geste pictural et la ligne graphique, le premier plan et l’arrière-plan. Ces premiers travaux sont de puissants symboles de l’absurdité, de l’humour et de la tristesse qui jalonnent la vie quotidienne. L’ouvrage de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Cheim & Read ainsi que sur Amazon.com.

ANDERS PETERSEN – CAFE LEHMITZ REVISITED – PARIS

Art // décembre 5th, 2016

La galerie parisienne Circulation accueille depuis le 4 novembre 2016 une exposition personnelle du photographe suédois Anders Petersen: Café Lehmitz revisited. Le Café Lehmitz était un ancien troquet du port d’Hambourg, fréquenté par les travailleurs du quartier rouge avoisinant. Anders Petersen (ne en 1944 en Suède) le visita pour la première fois en 1962, tissant avec les habitués des liens qui marqueront son existence et sa pratique artistique. En 1968, il s’y rend à nouveau et noue des relations avec les habitués qu’il photographie au quotidien dans l’espace du Café Lehmitz. Conçu comme un huis-clos, « Café Lehmitz » est un chef-d’oeuvre dans lequel l’auteur, immergé dans la vie du troquet et de ses gens ordinaires, s’évertue à maintenir cette « proche distance » (selon le titre d’un ouvrage de Petersen paru en 2002) nécessaire à l’exécution de son travail. Anders Petersen revisite ‘Cafe? Lehmitz’ pour cette nouvelle exposition et pre?sente une se?lection ine?dite de photographies issues de ce travail majeur. Jusqu’au 23 décembre 2016.

OLAF BREUNING – OLAF BREUNING

Art // décembre 2nd, 2016

La jeune maison d’édition californienne Silent Sound vient de publier une nouvelle monographie de l’artiste multidisciplinaire Olaf Breuning. Né en 1970 à Schaffhouse (Suisse), Olaf Breuning vit et travaille à New York. Son œuvre hétéroclite – installations, films, photographies, dessins – puise dans les codes visuels de la culture populaire, des clips vidéo, de la publicité, des films de série Z (Breuning cite parmi ses influences des cinéastes tels que John Carpenter ou John Waters, aussi bien que Doug Aitken ou les premiers travaux de Matthew Barney) pour inventer une esthétique hybride dans laquelle l’étrange se mêle à l’humour, abolissant les frontières entre culture d’élite et culture populaire, brouillant les limites entre réalité et fiction et jouant avec la perception saturée d’informations visuelles du spectateur aujourd’hui. Cette nouvelle publication se compose de clichés réalisés par l’artiste entre la fin des années 90 et le début des années 2000, combinant, entre mémoire et rêves éveillés, dérision et fantasme, références aux médias, à la culture populaire et à la société de consommation. À travers ses photos, le plasticien suisse détourne les codes visuels de notre époque dans un mélange de sarcasme et de subversion. Testant les limites de l’humour et de l’esthétique contemporaine, l’œuvre de Breuning est à la fois drôle et provocante, absurde et étrange, tragique et fragile. Elle émet une critique ironique des clichés et ornements de notre époque. Produit en édition limitée à 500 exemplaires, Olaf Breuning est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Silent Sound.

ATTILIO SOLZI – DOLLHOUSE

Art // novembre 30th, 2016

Après la sortie des très beaux ouvrages Animals et Moso (voir ici), la jeune maison d’édition bordelaise Lieutenant Willsdorff continue d’explorer les marges de la sexualité et signe une fois de plus un titre splendide avec Dollhouse, la nouvelle monographie du photographe italien Attilio Solzi. Au début des années 2000, le quartier autour de la via Sammartini à Milan et le district de San Berillo à Catane étaient le repère de la petite délinquance et le théâtre de crimes en tous genres. C’est aussi dans ces quartiers que travaillaient les deux principaux groupes de prostituées transgenre d’Italie (brésiliens à Milan et italiens à Catane). Attilio Solzi les a photographiées dans leur intimité. Dollhouse dévoile avec tendresse ces portraits d’hommes à mi-chemin entre femmes et divas. Si dans son précédent livre, Taedium, le photographe s’engageait dans l’expérimentation artistique avec de nombreux collages manuels et l’utilisation de textes, cette nouvelle publication marque un retour à la photographie documentaire et au reportage d’immersion. Loin des clichés sur la prostitution et les travailleurs du sexe transgenres, Attilio Solzi a su se rapprocher au plus près de ses sujets pour nous faire découvrir le quotidien de ces personnes en marge de la société. On y découvre des moments de joie et de tristesse, de quiétude et d’incertitude. Très réussi (mise en page, impression offset), ce livre de 120 pages et édité à 500 exemplaires est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Lieutenant Willsdorff.

JOEL MEYEROWITZ – TAKING MY TIME – PARIS

Art // novembre 29th, 2016

La galerie Polka présente depuis le 5 novembre le premier volet de Taking My Time, un cycle rétrospectif en deux tableaux consacré cet hiver au grand photographe américain Joel Meyerowitz. Autobiographique et méditative, l’exposition plonge dans la mémoire d’un artiste spectateur et comédien qui a traversé les chapitres et les spécialités de l’histoire récente de la photographie. Du snapshot au tableau et de la street photography au paysage en passant par le portrait, Taking My Time raconte cette aventure. La première partie du voyage, présentée jusqu’au 21 décembre, se concentre sur les travaux précurseurs de l’artiste, de l’aube des années 60 au milieu des années 70. Une série d’images fondatrices, en couleur et en noir et blanc, qui déjà présagent de la suite en racontant Meyerowitz avant Meyerowitz. A 25 ans, en 1962, l’américain croise par hasard — alors jeune directeur artistique dans une agence de publicité — un certain Robert Frank sur un shooting. Fasciné par sa danse serpentueuse il dira: « Je ne savais pas qu’on pouvait bouger à ce point et photographier en même temps. »

ROGER BALLEN – THE THEATRE OF APPARITIONS

Art // novembre 28th, 2016

Roger Ballen est surtout connu pour ses images psychologiquement puissantes et superposées à la frontière entre la peinture, le dessin, l’installation et la photographie. The Theatre of Apparitions, nouvel monographie de l’artiste sud-africain d’origine américaine publié par Thames & Hudson, est à la fois un éloignement de son œuvre existante et le point culminant de son esthétique unique reliant l’image et la représentation théâtrale. Séparées en sept chapitres ou «actes», chacun introduit par un texte écrit par le photographe, ces images «Ballenesque» amènent le lecteur à faire un profond voyage dans le subconscient. Photographe obscure et troublant, Roger Ballen s’inspire de l’ambiance noire des prisons pour femmes abandonnées, où le spectre des personnes emprisonnées réside toujours. Il s’inspire plus précisément des fenêtres sales et noircies pour réaliser des personnages fantomatiques et tourmentés, en grattant du verre peint en noir. Les images ainsi créées ressemblent à des peintures rupestres préhistoriques: les espaces noirs et sans dimension sur le verre sont des toiles sur lesquelles Ballen sculpte ses pensées et ses émotions. Des formes faciales ressemblant à des fossiles et des parties de corps démembrés coexistent inconfortablement avec des ombres vaporeuses et fantomatiques. Ces images ont la capacité de choquer, d’inspirer, d’amuser et même d’émerveiller le spectateur. Intemporelle et novatrice, terrestre et d’autre monde, physique et spirituelle, cette nouvelle œuvre de Roger Ballen transcende tous les concepts traditionnels de la photographie. L’ouvrage de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

MARK COHEN – MEXICO

Art // novembre 25th, 2016

Mark Cohen est le photographe de rue par excellence. Né en Pennsylvanie en 1943, ce dernier utilise depuis les années 60 une approche agressive dans laquelle il se rapproche au plus près des passants, appareil photo dans la main, flash dans l’autre, et prend son cliché avant qu’ils ne soient conscients d’être photographié. Ses images, d’apparence austère, sont prises dans les rues de Wilkes-Barre et d’autres villes de la classe ouvrière de Pennsylvanie. Elles capturent des moments, des gestes, et des émotions qui, parce qu’ils pourraient être invisibles aux sensibilités des autres, témoignent de la perception innée supérieure de Cohen, son don visuel à la fois précis, intelligent et subtil. Son œuvre a reçu une reconnaissance précoce, avec une exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de la ville de New York dès 1973, alors qu’il n’avait que trente ans. Les critiques à son égard n’ont depuis cessé d’être élogieuses. Aujourd’hui, le travail de Cohen est exposé dans plus de trente collections internationales de premier plan, allant du Metropolitan Museum à New York au Metropolitan Museum of Photography de Tokyo. Entre 1981 et 2003, Mark Cohen effectue plusieurs voyages au Mexique. Séduit par cet endroit qu’il qualifie de « surréaliste », il promène son appareil photo, sans aucune intention anthropologique ou sociale, dans les rues de Mexico, Merida et Oaxaca. En l’espace de quelques fractions de seconde, Mark Cohen s’approche très près de ses sujets et les prend au vol parfois éblouis par la lumière artificielle du flash. Ses clichés, en noir et blanc, pris à bout de bras, la plupart du temps sans viser, prélèvent des fragments de gestes, de postures ou de corps. Il se dégage de ces images une énergie nerveuse et une étrangeté du quotidien. Publié par les Éditions Xavier Barral en collaboration avec University of Texas Press et avec le soutien du fonds de dotation Agnès b., l’ouvrage de 216 pages est maintenant disponible sur les boutiques en ligne d’EXB, d’UT Press, ainsi que sur Amazon.com.

ANTOINE D’AGATA – ATLAS – PARIS

Art // novembre 24th, 2016

La galerie Les Filles du Calvaires (Paris) présente depuis le 27 octobre dernier Atlas, qui réunit les tous derniers travaux d’Antoine d’Agata. Cette nouvelle exposition personnelle du photographe français est d’abord un voyage, l’enregistrement des obsessions et des expériences sensorielles de l’artiste. De continents en continents, Antoine d’Agata documente ainsi une histoire anxiogène et trouble, celle des prostituées rencontrées et des lieux visités. Il extrait de ses nuits « ses réalités sombres » et la « satisfaction destructrice du désir ». Jusqu’au 26 novembre 2016.

STEFAN GRONERT – JEFF WALL – SPECIFIC PICTURES

Art // novembre 23rd, 2016

Le photographe canadien Jeff Wall (né à Vancouver en 1946) est considéré comme l’un des artistes les plus influents de notre époque. Son œuvre se concentre essentiellement sur la création de fascinants tableaux photographiques grand format, représentant des scènes de la vie quotidienne énigmatiques, montées de toute pièce par le photographe et qui, au premier abord, semblent généralement candides. Cette « forme-tableau », à la fois cinématographique et presque documentaire (« Near Documentary »), signe pourtant les constructions exigeantes de Wall. Très souvent proposées sous la forme de caissons lumineux qui créèrent en partie sa légende, ses compositions font aussi l’objet de tirages encadrés sous verre, et ce, depuis près de vingt ans. L’utilisation de ces caissons lumineux, qu’il emprunte à l’univers de la publicité, est l’une des grandes innovations du photographe. Ces derniers lui permettent de mettre en valeur ses diapositives couleur grand format en illuminant ses images, avec une lueur et un éclairage encore plus intense qu’un écran de cinéma. Grand connaisseur de l’histoire des arts et de la littérature, il lui a fallu, à ses débuts, prendre ses distances avec la tradition de la photographie créative, pour pouvoir se situer à nouveau comme photographe. Il a ainsi pu comprendre comment théâtre et cinéma, et pas seulement quelques grands textes littéraires, étaient constitutifs de sa recherche. À l’heure où il est probablement l’un des artistes les plus sérieux de notre époque, parmi les plus recherchés, et dont le pouvoir enchanteur n’est plus à démontrer, Jeff Wall fait preuve d’une grande liberté de création, et toutes ses œuvres continuent de fasciner les historiens et critiques d’art. Dans ce nouvel ouvrage intitulé Specific Pictures, publié par les éditions allemandes Schirmer/Mosel, Stefan Gronert, historien de l’art et conservateur pour l’art contemporain au Kunstmuseum Bonn, analyse les multiples niveaux de références à l’histoire de la peinture que Jeff Wall, lui-même historien de l’art, intègre dans son œuvre. À travers l’étude de 17 œuvres majeures de l’artiste, allant de la fin des années 70 à nos jours, Gronert retrace les stratégies complexes d’appropriation et de réinterprétation de tableaux célèbres de l’histoire de l’art par Jeff Wall, dans ses clichés à l’esthétique intemporellement contemporaine. Les essais de l’auteur sont complétés par un entretien original qu’il a mené avec le photographe pour le livre. Dans ce dernier, Jeff Wall revient longuement sur son univers imaginaire et son processus de travail «cinématographique». L’ouvrage de 128 pages est maintenant disponible sur Amazon.com.

TAKASHI MURAKAMI – LEARNING THE MAGIC OF PAINTING – PARIS

Art // novembre 22nd, 2016

La Galerie Perrotin Paris présente, depuis le 10 septembre dernier, la nouvelle exposition personnelle de Takashi Murakami: Learning the Magic of Painting. Réparties dans les trois espaces de la galerie, plus de 40 œuvres récentes et jusqu’ici jamais exposées ont été spécialement réunies pour cette occasion. Jusqu’au 23 décembre 2016.