Category Archives: Art

MIROSLAV TICHY – SCREENSHOTS

Art // février 16th, 2024

Miroslav Tichý (1926-2011, République tchèque) fut reconnu très tardivement comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle. Son œuvre, créée sous la Tchécoslovaquie communiste entre les années 1960 et 1980, tourne autour de la figure féminine, en marge complète de la création artistique occidentale. Tichý utilise des appareils de fortune, bricolés par lui-même avec des objets divers, polissant les lentilles avec du dentifrice, qui captent de manière instinctive la réalité qui l’entoure et invente, comme chaque grand artiste peintre, photographe ou sculpteur, une autre réalité, personnelle et donc neuve, jamais entrevue. La vision de l’artiste est extraordinaire et érotisée, hors des normes, mal faite, c’est-à-dire radicalement à l’encontre de notre monde « parfait », préprogrammé. Il est le contraire de l’Homme de Marbre communiste, mais aussi du People libéral. Miroslav Tichý prenait des photos tous les jours, poursuivant ainsi sa pratique depuis l’académie des beaux-arts : il s’agissait d’un exercice de recherche, de poursuite et, en fin de compte, de reproduction du corps féminin.Les éditions suisses Galleria Periferia publient aujourd’hui un nouvel ouvrage sur le travail du photographe: Screenshots. Dans les années 1970 et 1980, Miroslav Tichý a pris des photos de son écran de télévision. Comme il vivait dans la petite ville de Kyiov, près de la frontière autrichienne, il pouvait échapper aux limites et à la pudibonderie de la censure du bloc de l’Est et regarder la chaîne de télévision autrichienne ORF, avec ses films occidentaux et ses émissions tardives plus permissives. Les images des starlettes de la télévision, prises dans la lumière, sont à la fois terribles et magnifiques. Les photos en mouvement semblent encore plus réelles que les photos fixes qui ont précédé l’ère de la télévision. Des lignes dans les images montrent l’écran, reflétant parfois une ampoule dans la pièce. Cette série marque un moment dans le temps de plusieurs manières. On imagine Tichý rivé à l’écran, captant des images changeantes, comme s’il se promenait à l’extérieur, mais cette fois dans un monde insaisissable qui souligne une nouvelle forme d’altérité. La pratique de Tichý nous amène à revisiter notre relation aux médias et aux images qui pénètrent dans nos vies personnelles et transpercent les couches de représentation et d’observation. Son travail est une excursion dans l’avenir des images qui se répandent de la réalité dans le monde virtuel des écrans d’ordinateur et des téléphones portables. Ce magnifique ouvrage de 256 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Galleria Periferia.

CRISTINA DE MIDDEL, NEWSHA TAVAKOLIAN, ALEX MAJOLI, ALEX WEBB – SESSION

Art // février 7th, 2024

Au début de l’été dernier, quatre photographes de l’agence Magnum se sont rendus dans la capitale suisse pour travailler ensemble sur un projet consignant leurs impressions sur le système unique de démocratie fédérale du pays. Il s’agit du dernier d’une série de « LiveLabs » qui ont eu lieu dans des villes aussi diverses que Londres, Shenzhen et Moscou au cours des dernières années. Le programme de résidence, lancé par Magnum, associe généralement trois ou quatre photographes à un conservateur et à une institution culturelle pour réaliser un travail sur une communauté ou un lieu particulier. Chaque fois, le mélange est différent, mais chaque édition est réalisée comme une sorte de laboratoire expérimental où les idées sont explorées ensemble sur le terrain, puis présentées immédiatement après sous la forme d’une exposition éphémère, révélant au public les processus créatifs de réflexion et de prise de décision des photographes. Les quatre photographes de Magnum Photos, Cristina de Middel (Brésil), Newsha Tavakolian (Iran), Alex Majoli (Italie) et Alex Webb (États-Unis), ont passé deux semaines au Palais fédéral à Berne pendant la « session » politique régulière. Ils ont documenté le quotidien politique dans leur propre langage visuel et ont ainsi créé une fresque originale sur la démocratie suisse du point de vue d’un observateur extérieur. Session, le livre tiré du projet et édité par les éditions suisses Sturm & Drang, présente la sélection d’images de chaque photographe et est accompagné de deux essais des auteurs Roberta Fischli et Tom Kummer. L’ouvrage de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

ALEX WEBB – DISLOCATIONS

Art // janvier 17th, 2024

Alex Webb est un photographe américain, membre de l’agence photographique Magnum Photos depuis 1979. Il a étudié l’histoire et la littérature à l’université d’Harvard et aussi la photographie au Carpenter Center for the Visual Arts. Il a commencé à travailler comme photographe professionnel en 1974 et a collboaré avec des magazines comme Geo, Life, New York Times et National Geographic. Dans les années 1970 il a photographié en noir et blanc l’Amérique du sud, les Caraïbes et le Mexique. En 1978 il commence à photographier en couleurs. Les éditions britanniques Thames & Hudson publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: Dislocations. Reconnu comme un pionnier de la photographie couleur, Webb est capable de juxtaposer des gestes, des couleurs et des tensions culturelles contrastées dans un seul cadre séduisant, ce qui donne des images évocatrices qui élèvent des significations fracturées et multicouches. Dislocations, publié pour la première fois en 1998 sous la forme d’un livre accordéon à tirage limité avec des tirages laser Canon (alors considérés comme le nec plus ultra), rassemble des images provenant des nombreux lieux disparates de l’œuvre de Webb, méditant sur l’acte photographique en tant que forme de dislocation en soi. Poussé par la pandémie et son monde de frontières fermées et de voyages perturbés, Webb a reconsidéré l’impossibilité de créer cette série d’images : le résultat est cette édition réimaginée de Dislocations, qui inclut de nouvelles photographies prises au cours des vingt-cinq années qui ont suivi l’édition originale. Ce livre exquis et caractéristique apporte une nouvelle perspective au vaste catalogue de Webb et témoigne du sentiment palpable de rupture qui règne à notre époque. L’ouvrage de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.

FENG LI – GOLDEN TIMES

Art // janvier 2nd, 2024

Le nouvel ouvrage du photographe chinois Feng Li Golden Times, publié par les éditions Jiazazhi Press, est un témoignage sauvage et dynamique d’un phénomène éphémère mais fascinant qui s’est produit près de Chengdu, la ville natale du photographe. De retour d’un projet à Tokyo, Li a remarqué sur les réseaux sociaux des vidéos de grands groupes de personnes dansant sur de la musique électrique dans un champ peu attrayant (surnommé Golden Beach) et a décidé d’y jeter un coup d’œil par lui-même. Les photographies de Golden Times capturent l’atmosphère spontanée et éclectique de ces rassemblements nocturnes. Des villageois, la plupart âgés de 40 ou 50 ans, se mêlent à des enfants ou à des jeunes costumés qui se filment alors qu’ils continuent à danser jusqu’au bout de la nuit. La composition fantomatique du photographe est toujours présente, mais lors d’une conversation à bâtons rompus avec l’éditeur, Feng Li a déclaré que c’était la première fois qu’il mettait de côté la perspective de l’absurdité et de la critique, et qu’il célébrait purement une certaine forme de beauté passionnée de la vie: « La plupart des danseurs étaient relativement âgés, mais dans la chaleur de l’été, ils pouvaient danser pendant deux ou trois heures sans s’arrêter, et j’ai été profondément ému par une certaine passion pour la vie. J’y suis allé cinq fois en une semaine pour les photographier en train de danser à la tombée de la nuit. Plus tard, ils ont changé de lieu pour danser, mais heureusement, j’ai pu capturer le moment de leur vie de danseurs endiablés. » Le livre de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions chinoises Jiazazhi Press. En plus de l’édition normale, une édition spéciale a également été produite, avec une couverture rigide et toilée avec les illustrations de Li, sélectionnées à la main, peintes à l’aérographe en format UV sur une plaque d’aluminium brossée en or, signée et numérotée, dans une édition limitée à 50 exemplaires. Celle-ci est disponible sur ce lien.

ALAN SCHALLER – METROPOLIS

Art // décembre 29th, 2023

Alan Schaller est un photographe londonien spécialisé dans la photographie en noir et blanc. Son travail est souvent abstrait et incorpore des éléments du surréalisme, de la géométrie, du contraste élevé et des réalités et diversités de la vie humaine. Entant qu’icône de la photographie noir et blanc contemporaine, Schaller a un style visuel particulier qui fonctionne comme un langage universel compris partout dans le monde. Les publications qui ont présenté son travail incluent The Guardian, The New York Times, T Magazine, The Washington Post, The Financial Times, South China Morning Post, Time Out, The Independent et The Evening Standard. Dans son tout premier ouvrage Metropolis, publié par les éditions allemandes Teneues, Alan Schaller présente la vie urbaine à sa façon et pose les jalons de la photographie de rue moderne. Dans un style unique, Alan Schaller dépeint les contrastes urbains que les grandes villes comme New York, Londres, Paris, Tokyo ou Istanbul recèlent dans leur architecture et dans leur vie quotidienne. Le photographe élève les vues de la ville au rang d’art, joue avec la lumière et la perspective et crée un monde en noir et blanc qui captive le spectateur, où les gens et l’architecture se confondent dans un moment d’intimité. Schaller explique: « Je me considère assez affamé en photographie et je dois me nourrir régulièrement! On ne peut pas manger la même chose tous les jours et j’aime aussi essayer de nouvelles choses et voir de nouveaux endroits avec l’appareil photo. C’est cela qui le garde frais et j’ai l’impression qu’il y a du mouvement dans mon travail. » Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur Amazon.com.

KATHERINE BERNHARDT – WHY IS A MUSHROOM GROWING IN MY SHOWER?

Art // décembre 24th, 2023

L’appétit visuel débordant de Katherine Bernhardt a fait d’elle l’un des peintres les plus passionnants de notre époque. Réfléchissant à la relation entre l’art, les objets et le commerce, Bernhardt met en lumière des motifs emblématiques de dessins animés et de symboles culturels. Les couleurs et les lignes se mélangent et s’entremêlent, révélant le processus rapide et improvisé de l’artiste américaine. Monumentales par leur taille, leur sujet et leur éclat, ses œuvres requièrent une attention particulière. Dans le prolongement de l’exposition à la galerie David Zwirner de Londres en 2022, un magnifique catalogue a été publié par les édidions David Zwirner Books. Why is a mushroom growing in my shower ? (Pourquoi un champignon pousse-t-il dans ma douche ?) présente une série de nouvelles toiles qui crépitent de couleurs électrisantes et du coup de pinceau vif de l’artiste, et mettent en scène les obsessions familières de Bernhardt telles que la Panthère rose, Garfield et E.T., ainsi que des sujets nouveaux comme Ditto de Pokémon, les chaussures Crocs, les champignons hallucinogènes et les douches de la salle de bains – qu’elle conçoit comme un cadre pour ces formes farfelues ainsi que comme un espace pour trouver des idées. Dans son imagerie, Bernhardt associe de manière ludique l’absurde et le pertinent, en évoquant des tendances telles que le retour des obsessions mycologiques dans la culture populaire ou l’appétit croissant pour des chaussures confortables et à la mode pendant la pandémie. Les œuvres rappellent également des précédents de l’histoire de l’art qui évoquent un mode particulier de la vie domestique d’après-guerre, suggérant les peintures de douches de David Hockney, les salles de bains carrelées représentées dans les photographies aux couleurs saturées de William Eggleston, et les meubles de Superstudio superposés avec des grilles orthogonales dans les années 1970. Avec de nombreux détails sur les peintures, cette publication importante offre à l’œuvre de l’artiste un vaste espace de liberté. L’essai de Suzanne Hudson considère l’œuvre de Bernhardt dans une perspective d’histoire de l’art et explore l’œuvre et la vie de l’artiste. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner Books.

TAIYO ONORATO / NICO KREBS – WATER COLUMN

Art // décembre 19th, 2023

Tous deux nés en 1979, Taiyo Onorato et Nico Krebs se sont rencontrés dans le cadre de leur formation en photographie à l’Université de Zurich. FUTURE est un projet composé de deux parties réalisées par Taiyo Onorato et Nico Krebs, publiée sur une période de trois ans par les éditions suisses Patrick Frey. La première publication sortie en 2021 (voir ici) s’intitule Future Memories et aborde la question de l’évolution de notre idée de l’avenir au cours des dernières décennies, de la manière dont cela affecte notre perception du présent et de la façon dont nous faisons face aux changements à venir. Le second volume, intitulé Water Column, est consacré à un lieu, un univers qui nous entoure directement mais qui, pour la plupart des gens, est aussi distant et étranger que seule l’immensité de l’espace peut l’être : le monde qui se trouve sous la surface de l’eau. Ce n’est qu’à l’aide d’une technologie élaborée que nous pouvons plonger plus profondément et explorer ces eaux inconnues. Mais l’exploration conduit inévitablement à l’exploitation, et nous risquons de détruire ce monde sous-marin avant même de l’avoir vu de près, et encore moins d’avoir commencé à le comprendre. Les profondeurs de la mer ont toujours enflammé l’imagination humaine, car c’est un domaine où tout semble possible, un vaste écran sur lequel nous projetons toutes sortes de notions étranges et de visions fantasmagoriques. Les profondeurs marines obéissent à d’autres lois, d’autres règles, et de plus en plus d’indices suggèrent que nous pourrions même y trouver nos origines et, dans ses couches de sédiments chargés d’histoire, notre fin ultime. À l’aide d’un large éventail de dispositifs et d’inventions photographiques de pointe, Taiyo Onorato et Nico Krebs explorent ce monde inexploré et créent des scénarios visuels qui fusionnent inextricablement la recherche scientifique et la science-fiction. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Patrick Frey.

LEE FRIEDLANDER – REAL ESTATE

Art // décembre 18th, 2023

Reconnu comme l’un des meilleurs photographes de sa génération, Lee Friedlander reflète la vie quotidienne moderne, souvent aliénée, dans ses images en noir et blanc et est considéré comme un observateur critique de l’American Way of Life. Beaucoup de ses images font partie des icônes de la photographie américaine et sont devenues des documents historiques de notre époque. Couvrant près de 60 ans de l’œuvre du photographe, les images de Real Estate, publié par les éditions Eakins Press Foundation, mettent en évidence un fil conducteur dans la réponse complexe de Friedlander à ce à quoi ressemble l’Amérique lorsqu’elle est photographiée. L’idée conventionnelle de l’immobilier – terrains, bâtiments, construction, démolition – est éclatée en une itération beaucoup plus stratifiée, variée et humoristique qui inclut des idées d’orgueil démesuré, d’échec et de mortalité. Prises collectivement, ces 155 images constituent l’une des explorations visuelles les plus vastes et les plus nuancées de l’Amérique et, individuellement, elles sont remplies du type d’humour intellectuel et d’observation qui a fait la renommée de Friedlander. Au fil du temps, le photographe américain a bien sûr élargi notre perception de ce qui constitue un bien immobilier, tout comme il continue à nous obliger à reconsidérer la manière dont la photographie révèle des aspects essentiels de notre vie à travers le temps. Le miroir que Lee Friedlander nous tend est son miroir et tout ce qui s’y reflète a les traits communs de sa façon de voir – chaque photo est incontestablement une photo signée Friedlander. Real Estate est une série essentielle sur l’un de ses sujets de prédilection, et occupe une place centrale aux côtés d’autres ouvrages classiques sur sa quête pour photographier le paysage social en perpétuelle évolution. Le livre de 168 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation.

HARRY GRUYAERT – MOROCCO

Art // décembre 13th, 2023

Membre de l’agence Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Le photographe belge explique: « La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation. » C’est en plongeant dans ses archives qu’Harry Gruyaert a redécouvert un grand nombre d’images qu’il avait faites au Maroc et qu’il avait oubliées. Depuis son premier voyage effectué en 1972, Harry Gruyaert n’a eu de cesse de revenir dans ce pays, à la recherche du choc initial ressenti : un accord splendide entre les formes, les couleurs, les gestes quotidiens des gens et la nature. Ce nouveau livre présente une suite de variations sur le même thème : l’envoûtement que ce pays exerce sur le photographe depuis son premier voyage. Du Haut Atlas au désert, des campagnes à Marrakech, Fès, Essaouira ou Erfoud, les images de Gruyaert constituent des théâtres imaginaires où s’exprime la fascination que ce pays exerce sur lui depuis plus de 50 ans. Mais ses photographies sont aussi paradoxalement très physiques. « Faire une photo, c’est à la fois chercher un contact et le refuser, être en même temps le plus là et le moins là. Sur le terrain, il s’agit d’une vraie “bagarre” avec la réalité, d’une sorte de transe pour enregistrer une image ou peut-être tout manquer. C’est dans cette bagarre que je me situe le mieux. » Près de dix ans après l’épuisement du mythique ouvrage Maroc, le design élégant de Morocco, publié par les Éditions Textuel, avec sa couverture toilée invite à une traversée sensorielle du Maroc à l’opposé des codes du photoreportage. Morocco est l’expression de cette tension particulière qu’éprouve le photographe, à mi-chemin entre l’exaltation et le ravissement. Le livre de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Textuel.

ALBARRAN CABRERA – ESCUCHANDO A LOS ÁRBOLES

Art // décembre 11th, 2023

Depuis plusieurs années, le duo d’artistes de Barcelone Angel Albarrán et Anna Cabrera sont les imprimeurs privilégiés des musées et de certains photographes de renommée mondiale. Récemment, ils ont développé leur propre activité artistique, en expérimentant entre techniques d’impression modernes et traditionnelles, et en exposant dans le monde entier. En plus de maîtriser les techniques artisanales telles que les tirages platine et les cyanotypes, ils ont développé une technologie d’impression unique : imprimer des photographies avec des pigments sur du papier japonais fin, qui est ensuite placé sur une feuille d’or, imprégnant les images d’une qualité hors du commun. L’univers poétique de leur nouvel ouvrage publié par Editorial RM (et par Atelier EXB pour la version française), Escuchando a los Árboles, nous invite à nous immerger dans la nature, dans le pays des arbres et dans ce que les arbres peuvent nous apprendre sur la vie. L’idée du livre est née d’un texte écrit par Hermann Hesse qui peut être décrit comme l’une des plus belles lettres d’amour aux arbres. Hesse nous dit que « lorsque nous écoutons les arbres, nous découvrons le sens de la vie ». Ainsi, dans ce livre, Albarrán Cabrera explique qu’en photographiant les arbres, ils ont appris non seulement à les écouter, mais aussi à mieux se comprendre eux-mêmes. Les images alternent entre une palette de couleurs vives, à la limite de l’abstraction, et des tons plus monochromes, évoquant une certaine mélancolie, qui nous plongent dans des paysages intemporels. Il en résulte un univers onirique, presque surréaliste, propre au duo espagnol. Loin d’idéaliser la nature, les photographes cherchent à magnifier ce qui existe déjà. Ils expliquent: « Nous pensons qu’être humain, c’est comprendre la nature non seulement telle qu’elle est, mais aussi telle que nous la percevons. Si nous sommes attentifs et observateurs, nous pourrons la comprendre de ces deux points de vue. Comme si nous étions à la fois en train de voir et d’être vus. » Deux textes de l’écrivain, poète et peintre allemand Hermann Hesse ponctuent ce corpus visuel. Un essai d’Yves Darricau, ingénieur agronome et auteur, raconte l’histoire de la relation entre l’homme et l’arbre, de la préhistoire à nos jours. Il raconte comment chacun a contribué au développement de l’autre dans une relation d’interdépendance aujourd’hui menacée, nous faisant prendre conscience de l’importance de l’arbre face aux défis de notre siècle. Le livre de 184 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Editorial RM.

SAUL LEITER – 100 AÑOS

Art // décembre 8th, 2023

Né en 1923 à Pittsburgh, Saul Leiter est considéré comme l’un des pionniers de la photographie couleur, qu’il pratique dès les années 50, dans les rues de New York. Il ne connait cependant le succès qu’au début des années 2000, avec le regain d’intérêt pour les clichés en couleur des années 70. Plus tôt, à partir de 1958, il travaille comme photographe de mode pour le magazine Harper’s Bazaar, où il restera plus de 20 ans. Maître incontesté de la photographie couleur, ses photographies de rue sont l’objet de sa renommée. Souvent prises en se promenant dans son quartier, elles ne semblent jamais datées. À mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet, Saul Leiter a saisi un monde flottant, embué, tendant volontiers vers l’expressionnisme abstrait de ses peintures. Très en avance sur son temps, Saul Leiter investit la diapositive dès 1948 comme un médium artistique à part entière, via des projections qu’il organise. Après la grande exposition qui lui est consacré à Arles l’été 2023, cette rétrospective célèbre le centenaire de la naissance de Saul Leiter. Publiée par les éditions Editorial RM pour l’Espagne et par les Éditions Textuel pour la France, elle rassemble toutes les facettes de son œuvre d’une étendue considérable. Durant une vie entière consacrée à la création artistique, le photographe et peintre Saul Leiter a produit un corpus de plus de 20 000 tirages photographiques, 4 000 tableaux et quelque 40 000 diapositives. De la street photography à ses images pour la mode en passant par ses nus féminins et ses peintures, ce livre nourri de ses archives personnelles révèle une œuvre immense et inclassable. Enrichi de cinq essais signés Adam Harrison Levy, Michael Greenberg et Lou Goppard, éclairant tant la biographie que l’œuvre de l’artiste et puisant dans ses archives personnelles, ce livre révèle la sensibilité unique de Saul Leiter. Le livre de 352 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Editorial RM.

EDDIE MARTINEZ – EXTRA DRAWINGS

Art // décembre 4th, 2023

Eddie Martinez est reconnu internationalement pour ses toiles grand format très dynamiques où s’accumulent les couches de peinture à l’huile et de peinture émaillée, ponctuées d’éléments de collages. Les coups de peintures puissants et vigoureux contrastent avec les faibles lignes de bombe aérosol et la riche texture de la peinture pressée directement du tube sur la toile. Synthétisant les compositions au format classique comme la nature morte, le portrait et le paysage avec l’approche rapide du “flux de conscience” de la main d’un enfant, l’artiste de Brooklyn arrive à un style qui n’appartient qu’à lui. Publié par les édidions belges Triangle Books, Extra Drawings est un voyage épique à travers 18 ans de pratique acharnée du dessin par Eddie Martinez. Dormeurs, oiseaux, fleurs, crânes, Fran le chien, Nature morte, dessus de table, mouches, mandalas et canettes aérosol Raid sont quelques-uns des motifs récurrents de l’artiste, que l’on retrouve dans ce nouveau livre, au cours d’un périple morphologique. Une conversation entre Martinez et Claire Gilman, conservatrice en chef du Drawing Center de New York, permet d’approfondir les subtilités de l’approche effrénée de la page blanche par l’artiste. Si l’œuvre de l’artiste américain peut paraître au premier abord difficile d’accès, ce dernier explique: « Je veux juste que les gens interprètent mon travail comme ils le veulent ». Ce très bel ouvrage de 448 pages, avec un tirage de 1000 exemplaires, est le troisième et dernier chapitre de la trilogie Drawings. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Triangle Books.