Category Archives: Art

FENG LI – GOLDEN TIMES

Art // janvier 2nd, 2024

Le nouvel ouvrage du photographe chinois Feng Li Golden Times, publié par les éditions Jiazazhi Press, est un témoignage sauvage et dynamique d’un phénomène éphémère mais fascinant qui s’est produit près de Chengdu, la ville natale du photographe. De retour d’un projet à Tokyo, Li a remarqué sur les réseaux sociaux des vidéos de grands groupes de personnes dansant sur de la musique électrique dans un champ peu attrayant (surnommé Golden Beach) et a décidé d’y jeter un coup d’œil par lui-même. Les photographies de Golden Times capturent l’atmosphère spontanée et éclectique de ces rassemblements nocturnes. Des villageois, la plupart âgés de 40 ou 50 ans, se mêlent à des enfants ou à des jeunes costumés qui se filment alors qu’ils continuent à danser jusqu’au bout de la nuit. La composition fantomatique du photographe est toujours présente, mais lors d’une conversation à bâtons rompus avec l’éditeur, Feng Li a déclaré que c’était la première fois qu’il mettait de côté la perspective de l’absurdité et de la critique, et qu’il célébrait purement une certaine forme de beauté passionnée de la vie: « La plupart des danseurs étaient relativement âgés, mais dans la chaleur de l’été, ils pouvaient danser pendant deux ou trois heures sans s’arrêter, et j’ai été profondément ému par une certaine passion pour la vie. J’y suis allé cinq fois en une semaine pour les photographier en train de danser à la tombée de la nuit. Plus tard, ils ont changé de lieu pour danser, mais heureusement, j’ai pu capturer le moment de leur vie de danseurs endiablés. » Le livre de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions chinoises Jiazazhi Press. En plus de l’édition normale, une édition spéciale a également été produite, avec une couverture rigide et toilée avec les illustrations de Li, sélectionnées à la main, peintes à l’aérographe en format UV sur une plaque d’aluminium brossée en or, signée et numérotée, dans une édition limitée à 50 exemplaires. Celle-ci est disponible sur ce lien.

ALAN SCHALLER – METROPOLIS

Art // décembre 29th, 2023

Alan Schaller est un photographe londonien spécialisé dans la photographie en noir et blanc. Son travail est souvent abstrait et incorpore des éléments du surréalisme, de la géométrie, du contraste élevé et des réalités et diversités de la vie humaine. Entant qu’icône de la photographie noir et blanc contemporaine, Schaller a un style visuel particulier qui fonctionne comme un langage universel compris partout dans le monde. Les publications qui ont présenté son travail incluent The Guardian, The New York Times, T Magazine, The Washington Post, The Financial Times, South China Morning Post, Time Out, The Independent et The Evening Standard. Dans son tout premier ouvrage Metropolis, publié par les éditions allemandes Teneues, Alan Schaller présente la vie urbaine à sa façon et pose les jalons de la photographie de rue moderne. Dans un style unique, Alan Schaller dépeint les contrastes urbains que les grandes villes comme New York, Londres, Paris, Tokyo ou Istanbul recèlent dans leur architecture et dans leur vie quotidienne. Le photographe élève les vues de la ville au rang d’art, joue avec la lumière et la perspective et crée un monde en noir et blanc qui captive le spectateur, où les gens et l’architecture se confondent dans un moment d’intimité. Schaller explique: « Je me considère assez affamé en photographie et je dois me nourrir régulièrement! On ne peut pas manger la même chose tous les jours et j’aime aussi essayer de nouvelles choses et voir de nouveaux endroits avec l’appareil photo. C’est cela qui le garde frais et j’ai l’impression qu’il y a du mouvement dans mon travail. » Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur Amazon.com.

KATHERINE BERNHARDT – WHY IS A MUSHROOM GROWING IN MY SHOWER?

Art // décembre 24th, 2023

L’appétit visuel débordant de Katherine Bernhardt a fait d’elle l’un des peintres les plus passionnants de notre époque. Réfléchissant à la relation entre l’art, les objets et le commerce, Bernhardt met en lumière des motifs emblématiques de dessins animés et de symboles culturels. Les couleurs et les lignes se mélangent et s’entremêlent, révélant le processus rapide et improvisé de l’artiste américaine. Monumentales par leur taille, leur sujet et leur éclat, ses œuvres requièrent une attention particulière. Dans le prolongement de l’exposition à la galerie David Zwirner de Londres en 2022, un magnifique catalogue a été publié par les édidions David Zwirner Books. Why is a mushroom growing in my shower ? (Pourquoi un champignon pousse-t-il dans ma douche ?) présente une série de nouvelles toiles qui crépitent de couleurs électrisantes et du coup de pinceau vif de l’artiste, et mettent en scène les obsessions familières de Bernhardt telles que la Panthère rose, Garfield et E.T., ainsi que des sujets nouveaux comme Ditto de Pokémon, les chaussures Crocs, les champignons hallucinogènes et les douches de la salle de bains – qu’elle conçoit comme un cadre pour ces formes farfelues ainsi que comme un espace pour trouver des idées. Dans son imagerie, Bernhardt associe de manière ludique l’absurde et le pertinent, en évoquant des tendances telles que le retour des obsessions mycologiques dans la culture populaire ou l’appétit croissant pour des chaussures confortables et à la mode pendant la pandémie. Les œuvres rappellent également des précédents de l’histoire de l’art qui évoquent un mode particulier de la vie domestique d’après-guerre, suggérant les peintures de douches de David Hockney, les salles de bains carrelées représentées dans les photographies aux couleurs saturées de William Eggleston, et les meubles de Superstudio superposés avec des grilles orthogonales dans les années 1970. Avec de nombreux détails sur les peintures, cette publication importante offre à l’œuvre de l’artiste un vaste espace de liberté. L’essai de Suzanne Hudson considère l’œuvre de Bernhardt dans une perspective d’histoire de l’art et explore l’œuvre et la vie de l’artiste. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner Books.

TAIYO ONORATO / NICO KREBS – WATER COLUMN

Art // décembre 19th, 2023

Tous deux nés en 1979, Taiyo Onorato et Nico Krebs se sont rencontrés dans le cadre de leur formation en photographie à l’Université de Zurich. FUTURE est un projet composé de deux parties réalisées par Taiyo Onorato et Nico Krebs, publiée sur une période de trois ans par les éditions suisses Patrick Frey. La première publication sortie en 2021 (voir ici) s’intitule Future Memories et aborde la question de l’évolution de notre idée de l’avenir au cours des dernières décennies, de la manière dont cela affecte notre perception du présent et de la façon dont nous faisons face aux changements à venir. Le second volume, intitulé Water Column, est consacré à un lieu, un univers qui nous entoure directement mais qui, pour la plupart des gens, est aussi distant et étranger que seule l’immensité de l’espace peut l’être : le monde qui se trouve sous la surface de l’eau. Ce n’est qu’à l’aide d’une technologie élaborée que nous pouvons plonger plus profondément et explorer ces eaux inconnues. Mais l’exploration conduit inévitablement à l’exploitation, et nous risquons de détruire ce monde sous-marin avant même de l’avoir vu de près, et encore moins d’avoir commencé à le comprendre. Les profondeurs de la mer ont toujours enflammé l’imagination humaine, car c’est un domaine où tout semble possible, un vaste écran sur lequel nous projetons toutes sortes de notions étranges et de visions fantasmagoriques. Les profondeurs marines obéissent à d’autres lois, d’autres règles, et de plus en plus d’indices suggèrent que nous pourrions même y trouver nos origines et, dans ses couches de sédiments chargés d’histoire, notre fin ultime. À l’aide d’un large éventail de dispositifs et d’inventions photographiques de pointe, Taiyo Onorato et Nico Krebs explorent ce monde inexploré et créent des scénarios visuels qui fusionnent inextricablement la recherche scientifique et la science-fiction. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Patrick Frey.

LEE FRIEDLANDER – REAL ESTATE

Art // décembre 18th, 2023

Reconnu comme l’un des meilleurs photographes de sa génération, Lee Friedlander reflète la vie quotidienne moderne, souvent aliénée, dans ses images en noir et blanc et est considéré comme un observateur critique de l’American Way of Life. Beaucoup de ses images font partie des icônes de la photographie américaine et sont devenues des documents historiques de notre époque. Couvrant près de 60 ans de l’œuvre du photographe, les images de Real Estate, publié par les éditions Eakins Press Foundation, mettent en évidence un fil conducteur dans la réponse complexe de Friedlander à ce à quoi ressemble l’Amérique lorsqu’elle est photographiée. L’idée conventionnelle de l’immobilier – terrains, bâtiments, construction, démolition – est éclatée en une itération beaucoup plus stratifiée, variée et humoristique qui inclut des idées d’orgueil démesuré, d’échec et de mortalité. Prises collectivement, ces 155 images constituent l’une des explorations visuelles les plus vastes et les plus nuancées de l’Amérique et, individuellement, elles sont remplies du type d’humour intellectuel et d’observation qui a fait la renommée de Friedlander. Au fil du temps, le photographe américain a bien sûr élargi notre perception de ce qui constitue un bien immobilier, tout comme il continue à nous obliger à reconsidérer la manière dont la photographie révèle des aspects essentiels de notre vie à travers le temps. Le miroir que Lee Friedlander nous tend est son miroir et tout ce qui s’y reflète a les traits communs de sa façon de voir – chaque photo est incontestablement une photo signée Friedlander. Real Estate est une série essentielle sur l’un de ses sujets de prédilection, et occupe une place centrale aux côtés d’autres ouvrages classiques sur sa quête pour photographier le paysage social en perpétuelle évolution. Le livre de 168 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation.

HARRY GRUYAERT – MOROCCO

Art // décembre 13th, 2023

Membre de l’agence Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d’excitation. Héritier de la tradition américaine incarnée par Saul Leiter, Joel Meyerowitz, Stephen Shore ou William Eggleston, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Le photographe belge explique: « La couleur est plus physique que le noir et blanc, plus intellectuel et abstrait. Devant une photo en noir et blanc, on a davantage envie de comprendre ce qui se passe entre les personnages. Avec la couleur on doit être immédiatement affecté par les différents tons qui expriment une situation. » C’est en plongeant dans ses archives qu’Harry Gruyaert a redécouvert un grand nombre d’images qu’il avait faites au Maroc et qu’il avait oubliées. Depuis son premier voyage effectué en 1972, Harry Gruyaert n’a eu de cesse de revenir dans ce pays, à la recherche du choc initial ressenti : un accord splendide entre les formes, les couleurs, les gestes quotidiens des gens et la nature. Ce nouveau livre présente une suite de variations sur le même thème : l’envoûtement que ce pays exerce sur le photographe depuis son premier voyage. Du Haut Atlas au désert, des campagnes à Marrakech, Fès, Essaouira ou Erfoud, les images de Gruyaert constituent des théâtres imaginaires où s’exprime la fascination que ce pays exerce sur lui depuis plus de 50 ans. Mais ses photographies sont aussi paradoxalement très physiques. « Faire une photo, c’est à la fois chercher un contact et le refuser, être en même temps le plus là et le moins là. Sur le terrain, il s’agit d’une vraie “bagarre” avec la réalité, d’une sorte de transe pour enregistrer une image ou peut-être tout manquer. C’est dans cette bagarre que je me situe le mieux. » Près de dix ans après l’épuisement du mythique ouvrage Maroc, le design élégant de Morocco, publié par les Éditions Textuel, avec sa couverture toilée invite à une traversée sensorielle du Maroc à l’opposé des codes du photoreportage. Morocco est l’expression de cette tension particulière qu’éprouve le photographe, à mi-chemin entre l’exaltation et le ravissement. Le livre de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Textuel.

ALBARRAN CABRERA – ESCUCHANDO A LOS ÁRBOLES

Art // décembre 11th, 2023

Depuis plusieurs années, le duo d’artistes de Barcelone Angel Albarrán et Anna Cabrera sont les imprimeurs privilégiés des musées et de certains photographes de renommée mondiale. Récemment, ils ont développé leur propre activité artistique, en expérimentant entre techniques d’impression modernes et traditionnelles, et en exposant dans le monde entier. En plus de maîtriser les techniques artisanales telles que les tirages platine et les cyanotypes, ils ont développé une technologie d’impression unique : imprimer des photographies avec des pigments sur du papier japonais fin, qui est ensuite placé sur une feuille d’or, imprégnant les images d’une qualité hors du commun. L’univers poétique de leur nouvel ouvrage publié par Editorial RM (et par Atelier EXB pour la version française), Escuchando a los Árboles, nous invite à nous immerger dans la nature, dans le pays des arbres et dans ce que les arbres peuvent nous apprendre sur la vie. L’idée du livre est née d’un texte écrit par Hermann Hesse qui peut être décrit comme l’une des plus belles lettres d’amour aux arbres. Hesse nous dit que « lorsque nous écoutons les arbres, nous découvrons le sens de la vie ». Ainsi, dans ce livre, Albarrán Cabrera explique qu’en photographiant les arbres, ils ont appris non seulement à les écouter, mais aussi à mieux se comprendre eux-mêmes. Les images alternent entre une palette de couleurs vives, à la limite de l’abstraction, et des tons plus monochromes, évoquant une certaine mélancolie, qui nous plongent dans des paysages intemporels. Il en résulte un univers onirique, presque surréaliste, propre au duo espagnol. Loin d’idéaliser la nature, les photographes cherchent à magnifier ce qui existe déjà. Ils expliquent: « Nous pensons qu’être humain, c’est comprendre la nature non seulement telle qu’elle est, mais aussi telle que nous la percevons. Si nous sommes attentifs et observateurs, nous pourrons la comprendre de ces deux points de vue. Comme si nous étions à la fois en train de voir et d’être vus. » Deux textes de l’écrivain, poète et peintre allemand Hermann Hesse ponctuent ce corpus visuel. Un essai d’Yves Darricau, ingénieur agronome et auteur, raconte l’histoire de la relation entre l’homme et l’arbre, de la préhistoire à nos jours. Il raconte comment chacun a contribué au développement de l’autre dans une relation d’interdépendance aujourd’hui menacée, nous faisant prendre conscience de l’importance de l’arbre face aux défis de notre siècle. Le livre de 184 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Editorial RM.

SAUL LEITER – 100 AÑOS

Art // décembre 8th, 2023

Né en 1923 à Pittsburgh, Saul Leiter est considéré comme l’un des pionniers de la photographie couleur, qu’il pratique dès les années 50, dans les rues de New York. Il ne connait cependant le succès qu’au début des années 2000, avec le regain d’intérêt pour les clichés en couleur des années 70. Plus tôt, à partir de 1958, il travaille comme photographe de mode pour le magazine Harper’s Bazaar, où il restera plus de 20 ans. Maître incontesté de la photographie couleur, ses photographies de rue sont l’objet de sa renommée. Souvent prises en se promenant dans son quartier, elles ne semblent jamais datées. À mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet, Saul Leiter a saisi un monde flottant, embué, tendant volontiers vers l’expressionnisme abstrait de ses peintures. Très en avance sur son temps, Saul Leiter investit la diapositive dès 1948 comme un médium artistique à part entière, via des projections qu’il organise. Après la grande exposition qui lui est consacré à Arles l’été 2023, cette rétrospective célèbre le centenaire de la naissance de Saul Leiter. Publiée par les éditions Editorial RM pour l’Espagne et par les Éditions Textuel pour la France, elle rassemble toutes les facettes de son œuvre d’une étendue considérable. Durant une vie entière consacrée à la création artistique, le photographe et peintre Saul Leiter a produit un corpus de plus de 20 000 tirages photographiques, 4 000 tableaux et quelque 40 000 diapositives. De la street photography à ses images pour la mode en passant par ses nus féminins et ses peintures, ce livre nourri de ses archives personnelles révèle une œuvre immense et inclassable. Enrichi de cinq essais signés Adam Harrison Levy, Michael Greenberg et Lou Goppard, éclairant tant la biographie que l’œuvre de l’artiste et puisant dans ses archives personnelles, ce livre révèle la sensibilité unique de Saul Leiter. Le livre de 352 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Editorial RM.

EDDIE MARTINEZ – EXTRA DRAWINGS

Art // décembre 4th, 2023

Eddie Martinez est reconnu internationalement pour ses toiles grand format très dynamiques où s’accumulent les couches de peinture à l’huile et de peinture émaillée, ponctuées d’éléments de collages. Les coups de peintures puissants et vigoureux contrastent avec les faibles lignes de bombe aérosol et la riche texture de la peinture pressée directement du tube sur la toile. Synthétisant les compositions au format classique comme la nature morte, le portrait et le paysage avec l’approche rapide du “flux de conscience” de la main d’un enfant, l’artiste de Brooklyn arrive à un style qui n’appartient qu’à lui. Publié par les édidions belges Triangle Books, Extra Drawings est un voyage épique à travers 18 ans de pratique acharnée du dessin par Eddie Martinez. Dormeurs, oiseaux, fleurs, crânes, Fran le chien, Nature morte, dessus de table, mouches, mandalas et canettes aérosol Raid sont quelques-uns des motifs récurrents de l’artiste, que l’on retrouve dans ce nouveau livre, au cours d’un périple morphologique. Une conversation entre Martinez et Claire Gilman, conservatrice en chef du Drawing Center de New York, permet d’approfondir les subtilités de l’approche effrénée de la page blanche par l’artiste. Si l’œuvre de l’artiste américain peut paraître au premier abord difficile d’accès, ce dernier explique: « Je veux juste que les gens interprètent mon travail comme ils le veulent ». Ce très bel ouvrage de 448 pages, avec un tirage de 1000 exemplaires, est le troisième et dernier chapitre de la trilogie Drawings. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Triangle Books.

TAKASHI HOMMA – THIRTY-SIX VIEWS OF MOUNT FUJI

Art // novembre 29th, 2023

Takashi Homma (né en 1962, vit et travaille à Tokyo) est un photographe japonais parmi les plus actifs, reconnus et influents à l’international, dans le monde de la photographie aussi bien que dans celui de l’art contemporain. La photographie de Homma, qui porte sur ses sujets un regard singulier, neutre et distant, rejetant tout sentimentalisme, explore les relations entre les individualités et l’environnement urbain dans une perspective socio-politique. Takashi Homma, qui a débuté dans la publicité et les magazines de mode à la fin des années 1980, s’est installé à Londres au début des années 1990 pour travailler avec des magazines culturels légendaires comme i-D. De retour au Japon, il a développé une œuvre très personnelle, publiée notamment dans l’ouvrage Tokyo Suburbia, qui a reçu le Kimura Ihei Commemorative Photography Award en 1999. Les éditions britanniques MACK publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe: Thirty-Six Views of Mount Fuji. Cette série de nouveaux clichés aborde l’une des images les plus emblématiques et les plus représentées au Japon et dans le monde : le mont Fuji. Avec son titre qui fait référence à la célèbre série de gravures sur bois ukiyo-e de Hokusai, Homma évoque les traditions de représentation et d’illustration de son pays tout en proposant une nouvelle rencontre envoûtante avec son sujet. À l’aide de sténopés et de la technologie numérique, le photographe crée des images fantomatiques de la montagne située au sud-ouest de Tokyo, dans des collages qui la placent de manière ambiguë dans le paysage, évoquant et subvertissant à la fois le spectacle auquel elle est associée. Avec cette nouvelle monographie, Homma écrit un nouveau chapitre subtil et essentiel de l’histoire de la culture visuelle japonaise. Le livre de 80 pages, avec un essai de l’écrivain britannique Pico Iyer, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

MIKE BRODIE – POLAROID KID

Art // novembre 27th, 2023

Né en Arizona, Mike Brodie arpente le territoire américain, nous livrant des images brutes – choquantes parfois, surprenantes toujours – de ces quatre années de voyages, de trains en trains, de rencontres en découvertes. Travaillant masqué, sous couvert de pseudonyme, l’amateur est tout d’abord le « Polaroid Kidd », le minuscule polaroïd, l’enfant du petit format. Enfant car c’est à dix-sept ans seulement qu’il se lance sur les routes et les rails, en 2002, avec quelques effets personnels pour un simple petit voyage… Qui s’avéra durer quelques jours à la suite desquels il partit cette fois discrètement pour un plus long voyage… La pudeur de ce surnom ne dit pourtant pas l’effet saisissant que ces photographies dessinant l’Amérique ont encore sur un monde photographique en mal de représentations novatrices de ce territoire déjà tant visité et si bien décrit. Après l’énorme succès de ses deux uniques ouvrages (A Period of Juvenile Prosperity et Tones of Dirt and Bone), les éditions britanniques Stanley / Barker publient un superbe coffret contenant 50 polaroïds magistralement reproduits et réalisés par Brodie, qui délivrent le véritable témoignage d’un mode de vie alternatif au début des années 2000: paysages évocateurs et portraits bouleversants, à la fois mélancoliques, intimes et troublants. Loin du rêve américain, Mike Brodie présente une toute autre réalité où la pauvreté et l’isolement sévissent de plein fouet. L’utilisation de la fameuse pellicule Time Zero offre un aspect encore plus mystérieux et poétique à l’ensemble de son travail. Les 50 polaroïds sont présentés dans un coffret en carton gris sérigraphié, fixé par un élastique épais – un design inspiré par l’éthique punk qui anime les personnes photographiées et par les wagons de train de marchandises dans lesquels ils voyagent. Ce superbe objet est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

WALTER PFEIFFER – CHEZ WALTI

Art // novembre 21st, 2023

Walter Pfeiffer (né en 1946, vit et travaille à Zurich) explore le territoire érotique, festif et intime du quotidien depuis plus de trente ans, avec la volonté de traduire visuellement et de façon inédite les notions de beauté et de liberté. D’abord reconnu par l’underground, ce travail désormais culte préfigure toute une iconographie qui aborde les notions de sexualité et d’identité. Il a notamment travaillé pour des magazines internationaux tels que Vogue et réalisé des campagnes pour des marques de luxe comme Bottega Veneta. Pfeiffer a ouvert de nouvelles voies à la photographie par la manière qu’il a de fixer le monde sur la pellicule. Ce maître de la mise en scène est toujours actif aujourd’hui. Bien que ses expositions et son succès remontent aux années 1970 et 1980, son importante œuvre connait aujourd’hui un nouvel essor. Il a réussi à travers les années à rester au contact de son époque et est aujourd’hui considéré comme un passeur entre la photographie classique et la photographie libre qui n’a aucune difficulté à faire le lien entre ces deux pôles. Ses photographies ont influencé toute une génération d’artistes dont Jürgen Teller, Wolfgang Tillmans ou Terry Richardson. Les éditions suisses Edition Patrick Frey publient aujourd’hui Chez Walti, un magnifique ouvrage qui retrace l’évolution de ce travail au cours des 23 dernières années et montre comment Pfeiffer a affiné et renouvelé son regard photographique, absorbant les in?uences de l’air du temps tout en restant indubitablement lui-même, que ce soit dans son travail personnel ou dans ses travaux de commande. La légèreté et l’esprit de Pfeiffer, ainsi que son sens infaillible de la beauté, caractérisent ses hommes splendides et ses filles insolentes, ses natures mortes luxuriantes et ses paysages bucoliques, sa mode chic et sa peau nue. Chez Walti nous plonge dans l’univers parallèle en apesanteur de Walter Pfeiffer, dont la magie s’est intensifiée au cours des deux dernières décennies. L’ouvrage de 418 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne d’Edition Patrick Frey.