Category Archives: Art

JAPANESE DESIGN SINCE 1945: A COMPLETE SOURCEBOOK

Publié par les éditions britanniques Thames & Hudson, Japanese Design Since 1945: A Complete Sourcebook est une vaste étude menée par Naomi Pollock, architecte américaine vivant à Tokyo et spécialiste du design japonais, sur les designers, artisans, fabricants et technologies du Japon qui ont façonné le monde du design moderne. Au Japon, le design est profondément ancré dans la culture artisanale historique du pays, dans sa compréhension profonde des matériaux et dans son engagement en faveur de la fonctionnalité. Ces qualités donnent naissance à des chaises, des tasses et d’autres articles d’usage quotidien qui sont agréables à l’œil, confortables à la main et qui font toujours bien leur travail. Même si la fabrication de masse s’est répandue dans l’après-guerre et que des échanges interculturels ont commencé à avoir lieu avec l’Occident, le Japon s’est tenu à ces valeurs et pratiques fondamentales. Ce dévouement a donné naissance à des objets intemporels d’une grande beauté et utilité ainsi qu’à des innovations en terme de matériaux, de forme et de technologie. Bien au-delà des icônes du design telles que la bouteille de sauce soja Kikkoman, le tabouret papillon de Sori Yanagi et le Walkman® de Sony, les produits et objets créés au Japon au cours des sept dernières décennies réjouissent et suscitent l’admiration. Ces dernières années, une nouvelle génération de designers, dont Naoto Fukasawa, nendo et Tokujin Yoshioka, ont fait entrer la créativité japonaise dans un nouveau territoire passionnant : certains éliminent complètement les objets, d’autres réimaginent ce qu’un objet pourrait être. Bien que le Japon ait développé certains des centres de fabrication robotique les plus sophistiqués du monde, nombre de ses produits les plus attrayants sont fabriqués par de petites usines et ateliers dont les artisans utilisent autant leurs mains que des machines. Cet impressionnant volume constitue le panorama le plus complet du design japonais à ce jour, et sa présentation exquise est elle-même un bel exemple de design nippon. Incluant les profils de plus de 70 créateurs, le livre est basé sur les entretiens de l’auteure avec les designers, leurs collaborateurs et les membres de leur famille, ainsi qu’avec les principaux conservateurs et critiques. Les profils sont accompagnés de courtes présentations de produits emblématiques et d’essais sur des sujets connexes par des experts japonais et occidentaux du design. Avec des centaines d’objets et plus de 700 illustrations, ce volume est amené à devenir l’ouvrage de référence sur le sujet. Ce superbe livre de 448 pages, présenté dans un coffret, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson, ainsi que sur Amazon.com.

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PHILIP GUSTON – A LIFE SPENT PAINTING

Philip Guston est un peintre américain emblématique. Tout au long d’une carrière prolifique et variée, il passe de l’expressionnisme abstrait à un lexique pictural plus personnel qui se caractérise par une imagerie caricaturale et une palette rose qui aura une grande influence sur une génération d’artistes. Né Philip Goldstein le 27 juin 1913 à Montréal au Canada de parents juifs ukrainiens, il grandit en Californie où il étudie au lycée des arts manuels de Los Angeles avec Jackson Pollock. Guston fait ensuite partie intégrante de la scène de l’École de New York dans les années 1950 aux côtés d’artistes comme Willem de Kooning et son ancien camarade Pollock. Il est connu pour avoir abandonné le succès rencontré avec l’abstraction à la fin des années 1960, entraînant sa perte de représentation par sa galerie et de vives critiques. Cependant, le travail figuratif qu’il réalise plus tard tend à être sa plus grande contribution à l’histoire de l’art : en présentant une imagerie récurrente comme des personnages en capuche, des ampoules, des cigarettes et de grands yeux, ces peintures aident à lancer le néo-expressionnisme et placent Guston comme l’un des maîtres du XXe siècle. Publié par les éditions britanniques Laurence King, A Life Spent Painting est un ouvrage de référence qui propose une étude complète sur la vie et l’œuvre du peintre visionnaire, de ses premières peintures murales socialistes à sa rencontre avec l’expressionnisme abstrait jusqu’au nouveau puissant langage figuratif développé dans les années 1970. S’appuyant sur plus de trente ans de recherche, le commissaire et critique d’art Robert Storr retrace toute la carrière de Guston en un volume complet qui, à travers plus de 900 images dont de très nombreuses peintures et dessins inédits, fournit une analyse substantielle, accessible et révélatrice de son travail. Une chronologie complète, remarquablement documentée et illustrée, agrémente la fin du volume. L’imposant livre de 348 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Laurence King, ainsi que sur Amazon.com.

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MIHAI BARABANCEA – FALLING ON BLADES

Mihai Barabancea est un jeune photographe de Bucarest, où il vit et travaille. Membre de l’un des premiers groupes de graffeurs en Roumanie à la fin des années 1990, il fait notamment sensation lors d’un passage télévisé sur le sujet. En 2018, il remporte le prix Gomma pour sa série Overriding Sequence. Dans Falling On Blades, son nouvel ouvrage publié par les éditions suisses Edition Patrick Frey, Mihai Barabancea photographie le monde interlope des rues de Roumanie et de Moldavie post-soviétiques : des portraits et des scènes du quotidien qui oscillent entre violence, cruauté et poésie vive. Barabancea utilise l’appareil photo comme un outil pour interagir avec ses sujets. Mais au lieu de mettre en scène des portraits pittoresques, il se concentre sur des moments d’impitoyable brutalité et de poignante intensité. Il explique: “Je cherche à m’adapter aux circonstances, chez mes sujets : gitans, mendiants, escrocs, vagabonds, outsiders, escrocs, bricoleurs et divers personnages louches en Roumanie et en Moldavie. Mon but n’est pas d’exploiter la Roumanie postcommuniste à problèmes à des fins de voyeurisme. Je ne suis pas un observateur indifférent, mais un observateur qui s’efforce de donner à ces personnes la liberté dont elles ont besoin pour se représenter à la caméra – et d’apporter les changements nécessaires pour elles-mêmes dans les stéréotypes sociaux qui leur sont encore attribués”. Le livre de 288 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Edition Patrick Frey.

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KAWS – HE EATS ALONE

À l’occasion de l’exposition He Eats Alone de Kaws au Fire Station Museum de Doha (Quatar), du 25 octobre 2019 au 25 janvier 2020, un magnifique catalogue de 322 pages a récemment été publié par les éditions italiennes Silvana Editoriale. Cette grande rétrospective de la prolifique carrière de l’artiste new-yorkais passe en revue plus de vingt ans de création: de ses premiers détournements d’affiches publicitaires à ses toiles abstraites aux couleurs vives, et ses sculptures monumentales en bois et en fibre de verre. On y retrouve ses célèbres personnages tels que le Companion, le Chum, l’Accomplice, les Kimpsons, les SkurfsSponge BobSnoopy, etc. Contenant un plus d’une centaine d’œuvres de l’artiste, le livre offre une rétrospective depuis ses premiers projets de street art et de publicités détournées, jusqu’à ses sculptures monumentales, ses projets de mode et ses peintures, anciennes et plus récentes. Conçue par le studio new-yorkais 2×4, avec un essai approfondi signé Germano Celant, la publication présente un portrait multidimensionnel de l’exposition, et en offre une visite virtuelle grâce aux spectaculaires photographies de Jonty Wilde, complétées par un ensemble d’images de référence, le tout dans une étonnante structure pliante. En plus de ses célèbres toiles et immenses sculptures, le livre présente une archive complète des toys produits par KAWS depuis le début de sa carrière. He Eats Alone est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Silvana Editoriale, ains que sur Amazon.com.

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TOM WOOD – 101 PICTURES

Martin Parr n’hésite pas à qualifier Tom Wood de « génie méconnu de la photographie britannique ». Irlandais de naissance, Wood a longtemps vécu à Liverpool où il a « photographié la vie ». C’est un photographe des gens: étrangers, amis, famille; ces gens de tous âges dont il capture l’image individuellement, par paire ou en petits groupes, en les faisant poser ou non. Avec Parr et Chris Killip, il a contribué au développement de la photographie sociale en Angleterre dans le sillage de la révolte punk et des années Thatcher. Publiée par les éditions britanniques RRB Photobooks, 101 Pictures est une rétrospective de l’œuvre de Tom Wood, qui met en lumière les 25 ans de son oeuvre consacrée aux habitants du comté de Merseyside, au Royaume-Uni. L’ouvrage comprend des photographies inédites, ainsi que des œuvres majeures telles que sa célèbre série sur les boîtes de nuit, Looking for Love, (1989), sa série sur les bus de Liverpool All Zones Off Peak (1998) ou encore sa publication phare Photie Man (2005). 101 Pictures est une rétrospective concise et réfléchie de l’œuvre de Wood, sélectionnée par Martin Parr. Ce dernier explique: “Beaucoup des images que j’ai sélectionnées pour ce projet sont des portraits ; ceux-ci sont intenses, bien que subtils et discrets. Tom a photographié des familles entières, des groupes de travailleurs, des couples et des individus, dont il dégage toujours un fort sentiment de dignité et de respect”. Le livre est monté et mis en séquence par Padraig Timoney, un artiste basé à New York et collaborateur de longue date de Tom Wood pour nombre de ses livres. Padraig a également contribué au projet en réalisant deux peintures qui ont été imprimées sur du tissu pour former la couvertures du livre. Qu’ils soient en noir et blanc ou en couleur, les clichés de Tom Wood, authentiques et plein de spontanéité, transforment de simples moments de vie en moments de poésie où transparaît la beauté de la nature humaine. Publié à 1500 exemplaires, 101 Pictures est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks.

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ANDREAS ZUST – PURSUIT OF WONDERS

À l’occasion de l’exposition Eis au Kunstmuseum Luzern (Suisse) du 25 septembre au 29 novembre 2020, les éditions Edition Patrick Frey publient Pursuit of Wonders, le nouvel ouvrage du scientifique, artiste et collectionneur Andreas Züst. Toute sa vie, Züst a été fasciné par les phénomènes naturels. Dès son enfance, il prenait stoïquement note des conditions météorologiques trois fois par jour. Plus tard, alors qu’il était étudiant en glaciologie, il a passé des mois entiers à Thulé, au Groenland, à forer des carottes de glace et à y réaliser d’innombrables diapositives de ses travaux de recherche. Le corpus du matériau photographique qui en résulte donne à voir la glace sous une multitude d’aspects différents et échappe à toute détermination, du blanc des paysages de glace infinis et des cristaux de glace sur une fenêtre au bleu éclatant, d’un ours polaire regardant dans l’appareil photo sur une plage couverte de glace à un camp de base de recherche sous la lumière de la pleine lune. La lueur bleue opaque de la glace (que l’on peut voir dans un diaporama) incarne l’aura de ces images évocatrices de l’autre monde. L’histoire de la glace et celle de la vie et du travail d’un glaciologue sont racontées séparément dans Pursuit of Wonders, mais elles sont liées par l’atmosphère qui émane de ce voyage surréaliste à travers un monde de glace. L’ouvrage est complété par les contributions des artistes Peter Mettler, ami de Züst, Jimena Croceri et Sarina Scheidegger, ainsi que de Kris Decker, chercheur en histoire et théorie des sciences. Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions suisses Edition Patrick Frey.

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MASAO YAMAMOTO – SASANAMI

L’œuvre de Masao Yamamoto est inspirée par la philosophie du Zen Japonais, où la méditation et la recherche de la beauté tiennent une place essentielle dans l’épanouissement de l’être humain. “Une vie idéale doit être faite d’harmonie et de contentement”, dit-il. Sasanami est le résultat d’un dialogue entre le photographe japonais et le musicien Akira Uchida (un code digital pour télécharger l’album est inclut dans le livre), initié par les éditions françaises I I K K I, entre octobre 2019 et août 2020. Depuis sa plus tendre enfance dans la campagne japonaise, Yamamoto a toujours aimé scruter le ciel et les nuages portés par le vent. Les clichés publiés dans ce nouvel ouvrage capturent des vues et des événements du monde naturel – des fleurs rétro-éclairées, un seul nuage dans le ciel, la mer la nuit, un arbre la nuit contre les étoiles, trois canards endormis, la forme à peine visible d’une montagne derrière le brouillard – avec une émerveillement, une poésie et un œil pour la beauté sans pareil. Alors que la simplicité de ses compositions invite le lecteur à se perdre dans des images isolées, lorsqu’elles sont vues en séquence, les photographies s’orientent vers une vision plus globale, vers une conscience accrue de la richesse du monde. Tous les clichés présentés dans ce nouveau livre de 80 pages ont été tirés à la main par le photographe, dans de petits formats, et couvrent l’ensemble de sa carrière. L’artiste les travaille avec du thé et d’autres techniques pour les user et donner l’impression qu’ils ont subi la patine du temps. « Pour moi, les photographies sont avant tout des objets que l’on doit pouvoir toucher et manipuler. J’aime l’idée que mes images donnent la sensation de photos anonymes trouvées aux puces, qu’elles aient ce charme et ce mystère… et que chacun se les approprie, les découvre et invente sa propre histoire », explique Yamamoto. Publié dans une édition limitée à 1200 exemplaires numérotés et tamponnés à la main, imprimé sur papier Munken Lynx, le livre est désormais épuisé sur la boutique en ligne des éditions I I K K I.

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CLEMENS ASCHER – THERE IS NO RELEASE FROM THE BRAIN POLICE

Publiée par les éditions Hatje Cantz, There Is No Release from the Brain Police est la première monographie de Clemens Ascher (né en 1983). L’ouvrage rassemble les travaux du photographe autrichien installé à Londres, connu pour ses photographies conceptuelles mises en scène et ses collages photoréalistes combinant différents styles et éléments de l’histoire de l’art. Dans ses scénographies particulièrement élaborées, rappelant les scènes de théâtre ou une version exagérée de l’esthétique publicitaire, ce qui semble à première vue agréablement surréaliste s’avère aborder des thèmes aussi inquiétants que le contrôle de la société par la production de désirs, l’aliénation de la nature et d’autres vérités contemporaines embarrassantes. Pendant plus de sept ans, Ascher a continué à développer ces thèmes, générant un monde aussi construit que les systèmes de croyances dont il se moque. Maniant avec talent l’humour et le cynisme, le photographe explique: “Le monde que nous observons semble être entièrement artificiel – une utopie en plastique. Celui-ci a été soigneusement conçu pour offrir à ses habitants un bonheur et une détente parfaitement maîtrisés. Pourtant, le paysage, totalement éloigné de la nature, ne parvient pas à imiter la réalité. En effet, il ne laisse au spectateur qu’une mascarade superficielle. Les habitants s’efforcent de se tromper eux-mêmes pour atteindre le bonheur dont les couleurs vives et le luxe superficiel ne reflètent qu’une vision dystopique dans un enrobage utopique.” Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Hatje Cantz, ainsi que sur Amazon.com.

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DAVID GODLIS – GODLIS STREETS

Reconnu internationalement pour avoir photographié la naissance du punk rock à New York dans les années 70, David Godlis présente aujourd’hui son nouveau livre, Godlis Streets, publié par les éditions britanniques Reel Art Press. Lorsqu’il est dans la rue, muni de son appareil photo, le photographe américain (né en 1951) se décrit à la fois comme “un flingueur et un guitariste”. Depuis qu’il a acheté son premier appareil photo 35 mm en 1970, Godlis s’est donné pour mission de saisir le monde sur pellicule tel qu’il lui apparaît dans la réalité. En plus d’avoir photographié les premiers concerts de Blondie, Television, des Ramones, Richard Hell, Suicide, des Talking Heads, Dead Boys, Patti Smith et plein d’autres dans et devant le club légendaire de New York, CBGB, David Godlis aimait également photographié la rue. Depuis plus de 40 ans, sa pratique consiste ainsi à se promener dans les rues de New York et à photographier tout ce qui attire son attention : les clients des restaurants de minuit, les flâneurs, les banlieusards en route vers la station de métro la plus proche… Avec un sens aigu de l’humour et du pathétique, Godlis présente les événements de la vie quotidienne d’une manière véritablement saisissante. Cette publication présente les meilleures clichés de rue de Godlis réalisés dans les années 1970 et 1980, dans un hommage succinct au New York d’antan. Ses photographies de cette époque capturent des moments de mondanité, d’humour et de pathos. Son don pour l’observation aiguë et le cadrage impeccable rendent ces images uniques. Le livre de 128 pages contient un essai introductif écrit par le critique culturel Luc Sante et se termine par une postface signée par le cofondateur et guitariste de Blondie, Chris Stein. Godlis Streets est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press, ainsi que sur Amazon.com.

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NOAH DAVIS – MONOGRAPH

L’œuvre de l’artiste américain Noah Davis (1983 – 2015) comprend, d’une part, ses peintures riches, voluptueuses et figuratives et, d’autre part, un ambitieux projet institutionnel appelé The Underground Museum, un espace d’art géré par la communauté noire, dédié à présenter des exposition de qualité dans un quartier afro-américain et latino culturellement mal desservi de Los Angeles. Malgré sa mort prématurée à l’âge de trente-deux ans, les peintures de Davis sont un élément crucial de l’essor de la peinture figurative au cours des deux premières décennies du XXIe siècle. Publiée par les éditions David Zwirner Books à l’occasion de sa grande rétrospective organisée par Helen Molesworth en début d’année, à la galerie David Zwirner de New York, cette monographie, qui constitue un témoignage essentiel de l’œuvre extraordinaire du peintre, raconte l’histoire d’un artiste brillant et d’une force culturelle à travers le regard de ses amis et collaborateurs. L’œuvre chargée en émotions de Noah Davis le place résolument dans le canon de la grande peinture américaine. Émouvantes, insaisissables et en phase avec l’histoire de la peinture, ses compositions insufflent aux scènes de la vie quotidienne une atmosphère réaliste et magique et contiennent des éléments de son intérêt constant pour des artistes tels que Marlene Dumas, Kerry James Marshall, Fairfield Porter et Luc Tuymans. Dans son introduction, son essai et ses nombreux entretiens avec des personnalités importantes de la vie de Davis, Molesworth révèle comment la générosité et le sens des responsabilités de l’artiste ont galvanisé une communauté artistique, une culture et une vision. Avec des illustrations en couleur et des photographies d’archives, le livre de 176 pages présente des témoignages sincères et intimes des personnes proches de l’artiste. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions David Zwirner Books, ainsi que sur Amazon.com.

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JAMIE JOHNSON – GROWING UP TRAVELLING

La photographe américaine Jamie Johnson parcourt le monde depuis vingt ans et est surtout connue pour ses portraits d’enfants touchants. Lorsqu’elle est arrivée en Irlande pour la première fois en 2014, elle s’est immédiatement sentie connectée à l’univers des voyageurs irlandais et les a visités et photographiés à maintes reprises pendant cinq ans. La rencontre avec les enfants de ce groupe de population extrêmement pauvre et socialement discriminée l’a passionnée et a même changé son point de vue en tant que mère. Fascinée par la résilience et l’optimisme des enfants, fiers de la culture et des traditions des voyageurs irlandais, les portraits de Johnson visent à promouvoir la perception et le respect des enfants en tant que tels, loin des préjugés communément répandus dans la société. Publié par les éditions allemandes Kehrer, Growing Up Travelling présente une sélection de 86 images noir et blanc issues de ce projet. Les clichés sont accompagnés d’un essai académique sur l’histoire culturelle des gens du voyage rédigé par le professeur Mary M. Burke de l’université du Connecticut et de brefs témoignages des photographes Aline Smithson et Alain Laboile. Le livre comprend également des citations d’enfants du voyage, à la fois amusantes et émouvantes, qui donnent un aperçu de leur vie. L’ouvrage de 112 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer, ainsi que sur Amazon.com.

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ADAM STECH – MODERN ARCHITECTURE AND INTERIORS

Adam Stech est l’un des principaux théoriciens tchèques du design. Il contribue régulièrement à Vogue, Domus, Wallpaper, Form, Mark, Frame, Modernism, Cool Hunting, et bien d’autres publications. Il enseigne l’histoire du design à Scholastika à Prague. En 2006, il s’est lancé dans un projet photographique pour documenter la meilleure architecture moderniste du monde. Vingt-cinq pays et plus d’une décennie plus tard, les fruits de ce projet monumental sont réunis dans cette impressionnante collection couvrant près d’un siècle d’histoire architecturale, Modern Architecture and Interiors, publiée par les éditions britanniques Prestel. Poussé par la passion de redécouvrir les trésors architecturaux oubliés ou moins connus du modernisme, Stech a pris des milliers de photographies diverses d’extérieurs et d’intérieurs. Cette enquête présente souvent des détails négligés que la technologie aide à mettre en lumière. Des exemples de sièges, de rangement, de tables, de mains courantes, d’éclairage, de portes, de fenêtres, de cheminées et d’autres éléments décoratifs ou fonctionnels illustrent comment les architectes imprégnaient entièrement le bâtiment avec les idéaux modernistes. “Mon livre reprend les travaux de plus de 800 architectes. Je voulais montrer qu’il n’y a pas que les grands noms du modernisme”, explique-t-il. “C’est pourquoi je me suis rendu dans des lieux moins évidents, comme l’Argentine, l’Uruguay ou l’Australie.” Les brefs commentaires personnels de Stech révèlent des aspects de sa photographie tels que l’utilisation audacieuse des couleurs primaires par Le Corbusier, l’ambiance californienne d’une maison d’Albert Frey ou l’élégance débridée du Grand Prince Hotel de Togo Murano. Vaste et passionnant, ce livre est destiné à devenir le guide définitif du modernisme du XXe siècle. L’ouvrage de 880 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

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