Category Archives: Art

TAKASHI HOMMA – THIRTY-SIX VIEWS OF MOUNT FUJI

Art // novembre 29th, 2023

Takashi Homma (né en 1962, vit et travaille à Tokyo) est un photographe japonais parmi les plus actifs, reconnus et influents à l’international, dans le monde de la photographie aussi bien que dans celui de l’art contemporain. La photographie de Homma, qui porte sur ses sujets un regard singulier, neutre et distant, rejetant tout sentimentalisme, explore les relations entre les individualités et l’environnement urbain dans une perspective socio-politique. Takashi Homma, qui a débuté dans la publicité et les magazines de mode à la fin des années 1980, s’est installé à Londres au début des années 1990 pour travailler avec des magazines culturels légendaires comme i-D. De retour au Japon, il a développé une œuvre très personnelle, publiée notamment dans l’ouvrage Tokyo Suburbia, qui a reçu le Kimura Ihei Commemorative Photography Award en 1999. Les éditions britanniques MACK publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe: Thirty-Six Views of Mount Fuji. Cette série de nouveaux clichés aborde l’une des images les plus emblématiques et les plus représentées au Japon et dans le monde : le mont Fuji. Avec son titre qui fait référence à la célèbre série de gravures sur bois ukiyo-e de Hokusai, Homma évoque les traditions de représentation et d’illustration de son pays tout en proposant une nouvelle rencontre envoûtante avec son sujet. À l’aide de sténopés et de la technologie numérique, le photographe crée des images fantomatiques de la montagne située au sud-ouest de Tokyo, dans des collages qui la placent de manière ambiguë dans le paysage, évoquant et subvertissant à la fois le spectacle auquel elle est associée. Avec cette nouvelle monographie, Homma écrit un nouveau chapitre subtil et essentiel de l’histoire de la culture visuelle japonaise. Le livre de 80 pages, avec un essai de l’écrivain britannique Pico Iyer, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

MIKE BRODIE – POLAROID KID

Art // novembre 27th, 2023

Né en Arizona, Mike Brodie arpente le territoire américain, nous livrant des images brutes – choquantes parfois, surprenantes toujours – de ces quatre années de voyages, de trains en trains, de rencontres en découvertes. Travaillant masqué, sous couvert de pseudonyme, l’amateur est tout d’abord le « Polaroid Kidd », le minuscule polaroïd, l’enfant du petit format. Enfant car c’est à dix-sept ans seulement qu’il se lance sur les routes et les rails, en 2002, avec quelques effets personnels pour un simple petit voyage… Qui s’avéra durer quelques jours à la suite desquels il partit cette fois discrètement pour un plus long voyage… La pudeur de ce surnom ne dit pourtant pas l’effet saisissant que ces photographies dessinant l’Amérique ont encore sur un monde photographique en mal de représentations novatrices de ce territoire déjà tant visité et si bien décrit. Après l’énorme succès de ses deux uniques ouvrages (A Period of Juvenile Prosperity et Tones of Dirt and Bone), les éditions britanniques Stanley / Barker publient un superbe coffret contenant 50 polaroïds magistralement reproduits et réalisés par Brodie, qui délivrent le véritable témoignage d’un mode de vie alternatif au début des années 2000: paysages évocateurs et portraits bouleversants, à la fois mélancoliques, intimes et troublants. Loin du rêve américain, Mike Brodie présente une toute autre réalité où la pauvreté et l’isolement sévissent de plein fouet. L’utilisation de la fameuse pellicule Time Zero offre un aspect encore plus mystérieux et poétique à l’ensemble de son travail. Les 50 polaroïds sont présentés dans un coffret en carton gris sérigraphié, fixé par un élastique épais – un design inspiré par l’éthique punk qui anime les personnes photographiées et par les wagons de train de marchandises dans lesquels ils voyagent. Ce superbe objet est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

WALTER PFEIFFER – CHEZ WALTI

Art // novembre 21st, 2023

Walter Pfeiffer (né en 1946, vit et travaille à Zurich) explore le territoire érotique, festif et intime du quotidien depuis plus de trente ans, avec la volonté de traduire visuellement et de façon inédite les notions de beauté et de liberté. D’abord reconnu par l’underground, ce travail désormais culte préfigure toute une iconographie qui aborde les notions de sexualité et d’identité. Il a notamment travaillé pour des magazines internationaux tels que Vogue et réalisé des campagnes pour des marques de luxe comme Bottega Veneta. Pfeiffer a ouvert de nouvelles voies à la photographie par la manière qu’il a de fixer le monde sur la pellicule. Ce maître de la mise en scène est toujours actif aujourd’hui. Bien que ses expositions et son succès remontent aux années 1970 et 1980, son importante œuvre connait aujourd’hui un nouvel essor. Il a réussi à travers les années à rester au contact de son époque et est aujourd’hui considéré comme un passeur entre la photographie classique et la photographie libre qui n’a aucune difficulté à faire le lien entre ces deux pôles. Ses photographies ont influencé toute une génération d’artistes dont Jürgen Teller, Wolfgang Tillmans ou Terry Richardson. Les éditions suisses Edition Patrick Frey publient aujourd’hui Chez Walti, un magnifique ouvrage qui retrace l’évolution de ce travail au cours des 23 dernières années et montre comment Pfeiffer a affiné et renouvelé son regard photographique, absorbant les in?uences de l’air du temps tout en restant indubitablement lui-même, que ce soit dans son travail personnel ou dans ses travaux de commande. La légèreté et l’esprit de Pfeiffer, ainsi que son sens infaillible de la beauté, caractérisent ses hommes splendides et ses filles insolentes, ses natures mortes luxuriantes et ses paysages bucoliques, sa mode chic et sa peau nue. Chez Walti nous plonge dans l’univers parallèle en apesanteur de Walter Pfeiffer, dont la magie s’est intensifiée au cours des deux dernières décennies. L’ouvrage de 418 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne d’Edition Patrick Frey.

GUIDO GUAZZILLI – HOME IS HOME (ALL ALONE)

Art // novembre 10th, 2023

Depuis 2010, le photographe italien Guidi Guazzilli construit un corpus d’œuvres sur l’identité et les conditions de l’être humain, à travers des récits personnels et subjectifs. Il passe le plus clair de son temps dans les rues, dépeignant les gens et les lieux comme des journaux intimes, en se concentrant souvent sur les sous-cultures et les scènes musicales des jeunes. Les éditions allemandes Kehrer publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: Home is Home (All Alone). Il s’agit d’un journal d’images collectées au cours d’une longue recherche d’un « chez-soi », d’un lieu que l’on puisse définir comme tel. Profondément inspiré par la créature légendaire de la mythologie romaine du faune, Guidi Guazzilli s’est penché sur les poèmes de Gabriele Tinti, où cet être – créature dionysiaque par excellence – symbolise parfaitement la force créatrice qui atteint son intensité maximale et se transforme en destruction et en mort. Le photographe explique: « Home is Home (All Alone) est un journal photographique et une recherche à long terme. Des histoires de lieux et de personnes dans différents mondes, dans une société où j’explore les relations, les moments privés, la solitude, les abus, l’amour, la vie nocturne, la musique et la vie des artistes. J’étudie sans cesse la relation entre certaines personnes et l’espace dans lequel elles vivent. (…) Dans mes rencontres et ma recherche désespérée d’une maison, j’ai capté des tempêtes, des orages, des rêves et des vents légers, et parfois très froids. Cette collection d’images parle de la recherche d’une définition de l’identité et de l’inévitable prise de conscience qu’en tant qu’êtres humains, nous sommes profondément interconnectés mais fondamentalement seuls. » Le livre de 184 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer.

MARK POWER – THE SHIPPING FORECAST

Art // novembre 3rd, 2023

Mark Power (né en 1959 en Angleterre) est considéré comme l’un des plus importants et des plus éclectiques photographes d’aujourd’hui. En 1992, il rejoint l’agence Magnum dont il devient membre en 2007. Après des études de peinture à l’Université de Brighton, il effectue de nombreux voyages à travers le monde et se découvre une passion imprévue pour la photographie. Pendant quelques années, il travaille comme photographe indépendant pour de nombreux magazines et avec des organisations humanitaires britanniques, tout en développant parallèlement ses propres projets artistiques. Il y a trente ans, Power entreprend de photographier les trente et une zones maritimes autour des côtes des îles britanniques afin de créer une représentation visuelle des prévisions maritimes. Depuis près de 100 ans, les prévisions sont diffusées quatre fois par jour par la radio de la BBC et sont entrées dans la conscience du public britannique – c’est une constante dans un monde en constante évolution. Publié par les éditions britanniques GOST Books, le livre de Power, The Shipping Forecast, a été initialement publié en 1996. Cette nouvelle édition, révisée et considérablement augmentée, comprend plus de 100 photographies inédites. Les prévisions maritimes couvrent les eaux de l’Europe occidentale et les divisent en trente et une zones maritimes, de Trafalgar au sud-est de l’Islande, et de Sole à German Bight. Pendant quatre ans, Power les a toutes photographiées, à la recherche de métaphores visuelles du langage ésotérique des mots prononcés par les météorologues et de leur discours poétique, semblable à un mantra. Chaque cliché en noir et blanc est légendé par les prévisions de 6 heures du jour où il a été pris, créant ainsi une corrélation entre l’image et le texte. Jamais conçues comme un document, les photographies représentent une impression lyrique de chaque lieu observé par Mark Power. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books. Une édition spéciale de l’ouvrage est proposée avec cinq tirages du photographe signés, datés et numérotés. Celle-ci est également disponible sur le site de l’éditeur.

RAYMOND PETTIBON – FLYERS 2

Art // octobre 31st, 2023

L’artiste américain Raymond Pettibon (né Raymond Ginn en 1957), autodidacte, se consacre très vite au dessin des pochettes d albums produits par SST Records, label fondé par son frère, Greg Ginn, également à l’origine du groupe punk Black Flag. Fortement inspiré par la culture punk-rock californienne de la fin des années 1970-80 et dans l’esthétique des couvertures d’albums, BD, flyers et fanzines qui ont marqué ce mouvement, l’artiste est parvenu à imposer un genre bien à lui. Les éditions américaines Kill Your Idols publient aujourd’ui Flyers 2, la suite du premier ouvrage sorti en 2017 dans une édition confidentielle limitée à 100 exemplaires. Ce très beau catalogue de 92 pages compile soigneusement une centaine de flyers de concerts et de documents éphémères datant de la fin des années 70 au milieu des années 1980, magnifiquement conçus par Raymond Pettibon. La grande majorité d’entre eux ont été créés pour les concerts de Black Flag, mais également pour les Minutemen, Sacharine Trust, Wasted Youth, Red Cross, Circle Jerks, Descendents, D.O.A., Dead Kennedys, Throbbing Gristle, Firehose, Husker Du, Flipper, Meat Puppets, Jack Brewer Band et bien d’autres piliers du punk et du hardcore de l’époque. Les images étaient élaborées à partir de tout ce qui pouvait être trouvé, souvent photocopiées et, encore chaudes, agrafées au poteau téléphonique le plus proche pour avertir le monde du concert de la semaine suivante. Un seul coup d’œil suffit pour ressentir la frénésie de ces concerts. Tirées des archives personelles de Bryan Ray Turcotte, historien de la sous-culture, archiviste et collectionneur, ces œuvres d’art involontaires nous parlent à bien des égards. Elles permettent non seulement de contempler les premières œuvres de cet artiste désormais légendaire et acclamé, mais elles offrent également un aperçu de la scène musicale underground du hardcore DIY de l’époque. Ces affiches bricolées, déchirées et effilochées, récupérées sur d’innombrables poteaux téléphoniques et murs, agrafées, scotchées et collées, sont des représentations physiques de la scène musicale la plus influente du XXe siècle et de son artiste le plus renommé. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Kill Your Idols.

TETSUYA ISHIDA – MY ANXIOUS SELF

Art // octobre 24th, 2023

Tetsuya Ishida est un peintre contemporain né en 1973. Après l’obtention de son diplôme de la Yaizu Central High School, il se lance dans un cursus de conception de communication visuelle à l’université des arts de Musashino dont il sort diplômé en 1996. Il se lance alors dans une carrière d’artiste peintre, qui connaîtra un succès important à la suite d’une vente de ses œuvres chez Christie’s sur l’art d’avant-garde d’Asie de l’est, organisée en 1998. Sa brève carrière sera interrompue après seulement dix ans, lorsque l’artiste meurt en 2005, écrasé par un train. À l’occasion de la première grande rétrospective de l’artiste à New York à la galerie Gagosian (12 septembre – 21 octobre 2023), un magnifique catalogue a été publié: My Anxious Self. En l’espace de dix ans seulement, Ishida a produit un ensemble d’œuvres saisissantes centrées sur le thème de l’aliénation humaine. Il a émergé en tant qu’artiste pendant la » Lost Decade » (décennie perdue) du Japon, une récession qui a duré tout au long des années 1990, et ses peintures capturent les sentiments de désespoir, de claustrophobie et de déconnexion qui caractérisaient la société japonaise à cette époque. L’artiste explore les sensations d’incertitude, de désolation, d’isolement, d’aliénation, dans un système mû par des impératifs de productivité et de compétitivité. Avant sa mort prématurée, Ishida a imaginé des allégories des défis de la vie contemporaine dans des peintures et des œuvres sur papier chargées d’une absurdité kafkaïenne. Dans des scènes cauchemardesques, des personnages en costume fabriqués à l’image d’Ishida mais possédant des parties de machines ou d’animaux sont représentés en train d’être mis en boîte et réparés, comme des objets impuissants. L’avant-plan et l’arrière-plan sont rendus avec la même minutie et cette compression complexe des couches intensifie le sentiment d’enfermement. Les sujets masculins stoïques semblent habitués à leurs membres cyborg et à leur environnement lugubre et poursuivent leur routine commune. Certains hommes se confondent avec des objets ménagers, réduits à l’état d’outils et de meubles fonctionnels mais inanimés. Tetsuya Ishida semble malmener les humains dont il peint les traits sur ses toiles. Pourtant, il n’en est rien. L’oeuvre de l’artiste n’est selon lui qu’une allégorie de la société nippone qui tourmente ses membres, transformés en corps serviles et dociles. Le livre de 216 pages, avec des essais signés Kobo Abe, Cecilia Alemani, Larry Gagosian, Michiaki Ishida et Diethard Leopold, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la Galerie Gagosian.

ALESSANDRA SANGUINETTI – ON THE SIXTH DAY

Art // octobre 20th, 2023

Alessandra Sanguinetti est connue pour son travail qui explore les effets du passage du temps et les transitions de la jeunesse. Après l’énorme succès de son projet suivant les deux cousines Guille et Belinda dans leur intimité (voir ici), la photographe argentine ressort l’un de ses tout premiers ouvrage sorti à l’origine en 2005 (Nazraeli) et publié aujourd’hui par les éditions MACK: On The Sixth Day. En Argentine, dans les fermes éloignées près de Buenos Aires, Alessandra Sanguinetti s’est intéressée à la relation symbiotique entre les fermiers, leurs animaux et la terre. Les photographies saisissantes de Sanguinetti décrivant la coexistence des hommes et des animaux peuvent à première vue sembler brutales. Mais c’est une représentation honnête et touchante de la relation entre l’homme et la bête, l’un élevant l’autre pour le sacrifice ultime. Souvent photographiées près du sol, les images rendent compte du courage, des luttes et des aventures des poulets, des cochons, des chevaux et des vaches. Nous les voyons naître, jouer, rivaliser entre eux pour la nourriture, leur destin étant toujours incertain alors que les présences humaines se profilent inévitablement au-dessus d’eux. Avec leurs couleurs riches, presque surréalistes, ces photographies évoquent les fables traditionnelles ou les livres classiques pour enfants dans lesquels les animaux adoptent des comportements humains pour enseigner des leçons de morale. Pourtant, Sanguinetti dépeint ces animaux comme des individus à part entière, chacun doté d’un esprit mystérieux, racontant leur vie de la naissance à la mort avec un regard direct et non sentimental. Au bord des routes, dans les champs et dans les bois, elle a observé les rituels et les traditions des agriculteurs locaux dont les vies s’entremêlent avec une foule d’animaux pris dans le cycle de la vie et de la mort. Le travail réalisé dans On the Sixth Day dépasse la simple pratique documentaire et évoque une intimité que nous avons le privilège de partager, au mépris de nos sensibilités. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques MACK.

BURT GLINN – HALF A CENTURY AS A MAGNUM PHOTOGRAPHER

Art // octobre 17th, 2023

Après avoir étudié la littérature à Harvard, Burt Glinn (1925-2008) devient assistant des photographes du magazine Life puis photographe indépendant. Glinn menait une double activité de photographe-reporter pour des titres comme Life, Look, Paris Match ou Geo et de photographe de publicité. Il a occupé à deux reprises, de 1972 à 1975 puis en 1987, le poste de président de l’Agence Magnum. Mettant en lumière l’extraordinaire polyvalence de Burt Glinn et son talent pour représenter les scènes les plus emblématiques et les plus quotidiennes de la seconde moitié du XXe siècle, cet ouvrage publié par les éditions allemandes Kehrer est la première monographie couvrant l’ensemble de la carrière historique de Glinn. Avec des images rarement vues et acclamées, Burt Glinn. Half a Century as a Magnum Photographer célèbre les manières fascinantes, élégantes et toujours expressives dont Glinn a vécu le monde à travers la photographie. Avec Eve Arnold et Dennis Stock, il a été l’un des premiers Américains à rejoindre Magnum Photos, dont il est devenu membre associé en 1951. Il a reçu de nombreux prix pour ses photographies éditoriales et d’entreprise. Glinn a photographié des stars, des personnalités et des sujets de style de vie dans les années 1950 et 1960. Il est internationalement reconnu pour ses reportages lors de la guerre du Sinaï, l’invasion marine américaine du Liban et la prise de contrôle de Cuba par Fidel Castro. L’ouvrage de 144 pages, avec des essais d’Elena Prohaska Glinn, Sam Glinn, Mark Lubell, Susan Meiselas, Martin Parr, Gilles Peress, Sarah Stacke, Larry Towell, Alex Webb et Eelco Wolf, célèbre la vie et l’oeuvre du photographe qui écrivait « Je pense qu’il faut saisir la vérité essentielle de la situation et en donner un point de vue. » Le livre est diposnible sur la boutique en ligne des éditions Kehrer.

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2023 – WRITTEN BY LIGHT

Art // octobre 16th, 2023

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Written by Light’, en partenariat avec la World Press Photo Foundation, se déroule du lundi 16 octobre au dimanche 22 octobre 2023. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à 120 € sur le site magnumphotos.com/shop/.

SHELBY LEE ADAMS – FROM THE HEADS OF THE HOLLERS

Art // octobre 5th, 2023

Shelby Lee Adams (né en 1950) est un photographe américain connu pour ses photographies de la vie de famille dans les Appalaches. Le style distinctif de ses portraits a permis de créer un témoignage unique et bienveillant sur les habitants des zones rurales et des villages de cette région. Travaillant entièrement sur la base du bouche à oreille, Shelby Lee Adams a photographié plusieurs générations de familles qui sont devenues ses amis et ses sujets au fil des ans. À l’occasion de sa grande rétrospective à la Paul Paletti Gallery de Louisville, Kentucky, les éditions britanniques GOST Books publient le nouvel ouvrage d’Adams intitulé From The Heads of the Hollers. Chaque été pendant plus de 40 ans, il s’est rendu dans les montagnes de l’est du Kentucky pour prendre des photos. Aujourd’hui septuagénaire, Adams est retourné à ses archives d’images inédites prises entre 1974 et 2010. Son objectif était d’imprimer celles qui avaient pu être négligées, craignant que si elles n’étaient pas imprimées de son vivant, elles ne le soient jamais. Près de 90 de ces images inédites figurent dans son nouveau livre, qui dépeint la culture et les habitants de son pays natal. Le photographe explique: « Je demande aux gens de regarder l’objectif de l’appareil photo et de rechercher leur propre reflet tout en pensant aux événements significatifs de leur vie qui sont pour eux essentiels. Les expériences de la vie varient considérablement d’un individu à l’autre et s’impriment dans notre être profond, ce qui se répercute sur nos apparences. Lorsqu’un photographe est en contact avec ses sujets, les faux-semblants et les masques tombent, ce qui donne lieu à des portraits plus libres et plus engageants. » Certains clichés montrent des familles entières, des frères et sœurs, des amis ou des personnages isolés, mais les portraits sont unis par le regard sans faille du sujet vers Adams et son appareil photo. Le magnifique livre de 176 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books. Un don de 10 % du produit de la vente du livre sera versé au fonds d’aide aux victimes des inondations du Kentucky. Enfin, une édition spéciale de l’ouvrage est proposée avec deux tirages du photographe signés et numérotés. Celle-ci est également disponible sur le site de l’éditeur.

YAO JUI-CHUNG

Art // octobre 3rd, 2023

L’artiste contemporain taïwanais Yao Jui-chung a acquis une renommée internationale pour ses critiques imaginatives, audacieuses et incisives, et souvent humoristiques, de l’identité et de l’histoire complexes et contestées de son pays. Né en 1969, Yao a grandi pendant une période tumultueuse, lorsque Taïwan est passé de l’autoritarisme à la démocratie. Son art, qui comprend la photographie, la vidéo, l’installation et la peinture, s’inspire de l’histoire, de la politique et de la société, ainsi que des anciennes traditions artistiques et religieuses et des mondes mythiques de la Chine et de Taïwan. Dans ses paysages naturels, Yao Jui-Chung combine des éléments de la peinture de paysage chinoise traditionnelle avec une énergie moderne et vibrante, en insérant souvent des détails quotidiens pleins d’esprit ou des symboles occidentaux. Tout en générant une expérience visuelle esthétiquement belle et intellectuellement stimulante pour le spectateur, son travail aborde également les principales questions sociales – il présente de l’eau, de l’air et des arbres dorés comme un moyen de souligner la préciosité de la nature dans notre société contemporaine. Mais son oeuvre reflète et critique surtout la transition dramatique de Taïwan entre l’autoritarisme chinois et la démocratisation taïwanaise, ainsi que la manière dont elle a façonné et défini l’identité taïwanaise, tout comme sa propre expérience et son sens de l’identité. Publiée par les éditions suisses Scheidegger & Spiess, cette monographie est la première étude approfondie de l’œuvre de Jui-chung en anglais, examinant sa pratique au cours des trois dernières décennies. Elle comprend plus de 200 images, un essai de Sophie McIntyre, universitaire, conservatrice et spécialiste de l’art taïwanais, qui s’appuie sur des recherches primaires, notamment des entretiens qu’elle a menés avec l’artiste entre le milieu des années 1990 et aujourd’hui, ainsi que sur des données empiriques qu’elle a collectées lors de voyages à Taïwan. L’essai s’appuie également sur certains écrits inédits de l’artiste, ainsi que sur des documents secondaires et d’archives traduits du chinois. Le livre comprend aussi un entretien réalisé avec l’artiste par Hou Hanru, commissaire d’exposition de renommée internationale. Il s’agit du premier dialogue approfondi avec l’artiste sur des questions spécifiques explorées dans les œuvres d’art présentées dans ce livre. L’ouvrage de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Scheidegger & Spiess.