Category Archives: Art

GRAHAM MARSH – DENIM: THE FABRIC THAT BUILT AMERICA 1935–1944

Art // avril 18th, 2025

Aucun autre tissu n’est peut-être aussi inextricablement associé à un pays que le denim l’est aux Etats-Unis d’Amérique. D’abord popularisé par les modèles de jeans emblématiques de Levi’s au milieu des années 1800, le denim est rapidement devenu le matériau de prédilection des Américains de la classe ouvrière, entraînant un afflux d’autres marques fabriquant des vêtements de travail avec ce tissu durable et omniprésent – de Wrangler et Lee à OshKosh et Carhartt. Dans les années 1950, le denim est passé du statut de tissu de travail à celui de vêtement de loisir. Cette transition s’explique en grande partie par le fait qu’une nouvelle génération tente de renouer avec l’esprit robuste et patriotique que le travailleur ordinaire avait fini par symboliser après le début de la Seconde Guerre mondiale. Publié par les éditions britanniques Reel Art Press, l’ouvrage Denim: The Fabric That Built America 1935–1944 de Graham Marsh retrace les origines de ce changement à travers un recueil de photos, provenant principalement des archives de la Farm Security Administration (FSA), montrant des travailleurs américains vêtus de denim. En noir et blanc et en couleur, nous voyons des travailleurs américains ordinaires dans les champs, des ouvriers de la construction de barrages, des femmes travaillant sur le chemin de fer de Chicago, des mineurs au chômage et des métallurgistes préparant le pays à la guerre, tous vêtus de salopettes, de jeans, de vestes et de chemises en denim. La sélection de 250 images représente un incroyable exploit de conservation, puisant dans des archives de plus de 170 000 images contenant des récits connus et des histoires inédites, mais qui n’ont jamais été examinées à travers le prisme de l’histoire de la mode auparavant. Les images ont toutes été rescannées à partir des négatifs originaux et sont reproduites ici dans une qualité remarquable, de sorte que les détails du denim – l’épaisseur du tissage, les coutures blanches se détachant sur l’indigo, les ourlets à revers – apparaissent d’une modernité saisissante. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

MASAHISA FUKASE – HOMO LUDENS / YOKO

Art // avril 16th, 2025

Les éditions japonaises AKAAKA Art Publishing Inc. viennent de sortir une nouvelle édition de Homo Ludens et Yoko, deux ouvrages cultes du photographe Masahisa Fukase. Homo Ludens, le tout premier ouvrage du photographe japonais est ainsi enfin ressuscité après un demi-siècle depuis sa premiere parution. Cette anthologie de photographies, prises sur plus de dix ans et éditées par Shoji Yamagishi, rédacteur en chef de Camera Mainichi, est une série qui marque l’origine du travail de Fukase et qui est remplie d’images et d’essence qui façonneront les créations ultérieures de l’artiste. Elle est structurée en six sections, chacune capturant de manière vivante l’interaction entre la photographie et la vie. To (Abattoir) présente des images de Yoko Wanibe, que Fukase a accompagnée à un abattoir, juxtaposant le démembrement du bétail avec Yoko posant dans une cape noire. Kotobuki (Félicitations) dépeint sans détour sa vie avec Yoko peu après leur mariage, à la manière d’un roman intimiste. Gi (Frolic) dépeint la scène underground de Shinjuku où Fukase s’est rendu après avoir quitté la maison qu’il partageait avec Yoko, ainsi que le mode de vie des jeunes gens qui vivent en groupe. Mei (Memento), l’une de ses premières œuvres, revient sur la grossesse de son ancienne compagne, Yukiyo Kawakami, avec laquelle il a vécu pendant huit ans. Quant à Haha (Mère) et Fu (Musique), elles capturent des scènes de Yoko et de sa mère. À travers ces sections, Homo Ludens illustre l’interaction mutuelle de tous les êtres vivants et les phénomènes contradictoires mais interconnectés de la vie et de la mort, de la rencontre et de la séparation. L’objectif de Fukase est tourné vers lui-même et ses proches. Les images explorent l’essence de la vie comme une forme de jeu, avec une honnêteté brute et inébranlable. Ce premier livre de photos est un témoignage puissant de la vision de Fukase. (…)

ED TEMPLETON – THE SPRAWL

Art // avril 13th, 2025

À l’occasion de l’exposition personnelle The Sprawl d’Ed templeton (du 28/11/2024 au 25/01/2025), la galerie belge Tim Van Laere a réalisé un très beau catalogue qui reprend toutes les nouvelles séries de peintures, les photographies, dessins et sculptures présentés par l’artiste américain à cette occasion. Le mot sprawl est souvent associé au mot urbain ou suburbain, désignant l’étalement de maisons, d’appartements, d’immeubles de bureaux et de centres commerciaux sur des terrains non aménagés entourant une ville densément peuplée. Il s’agit essentiellement d’une croissance illimitée sur de vastes étendues de terre, sans se soucier de la planification urbaine. Ed Templeton vit dans l’une de ces banlieues, Huntington Beach, qui fait partie de l’étalement urbain entourant les villes de Long Beach et de Los Angeles. Comme l’explique Templeton, « il faut une heure de route pour aller de Long Beach à Los Angeles : Il faut une heure de route pour aller de Los Angeles à ma maison et c’est du ciment et de l’asphalte en permanence – un développement continu. » Cette expansion dans les années 1950 et 1960 s’explique en partie par la « fuite des blancs », un terme utilisé pour décrire la migration massive des blancs des villes vers des banlieues plus éloignées, en réponse à la diversité raciale et ethnique croissante dans les zones urbaines après la déségrégation. Il s’agit d’un sous-récit qui établit un cadre contextuel pour le mélange spécifique de culture balnéaire moderne et d’expansion suburbaine que Templeton dépeint dans son œuvre. La plage et la jetée sont des lieux populaires qui rassemblent les fanatiques religieux, les surfeurs et les touristes. Les blocs interminables d’habitations entourés de murs sont omniprésents dans cette région. Ces murs agissent comme une toile de fond théâtrale dans ces nouvelles peintures. Ce très beau catalogue de 174 pages, avec un essai introductif signés Stijn Huijts, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Tim Van Laere Books.

FUTURA 2000 – THE MECHANICAL AGE @ EIGHTEEN GALLERY – COPENHAGEN

Art // avril 10th, 2025

La galerie Eighteen de Copenhague acueille la nouvelle exposition personne de l’artiste new-yorkais Futura 2000: The Mechanical Age. Une serie de nouvelles toiles y sont présentées ainsi que des collages sur papier mettant en scène Pointman et billets de banques. Une sculpture robotique Mr.Machine fait également partie de l’ensemble. Jusqu’au 24 mai 2025.

EDWARD S. CURTIS – THE NORTH AMERICAN INDIAN

Art // mars 30th, 2025

Pendant plus de trois décennies, Edward S. Curtis a documenté photographiquement les cultures en voie d’extinction des peuples autochtones d’Amérique du Nord. Les éditions allemandes Taschen publient un magnifique volume réunissant la somme de ses explorations photographiques avec plus de 700 photographies de son grand œuvre, The North American Indian. Edward Sheriff Curtis (1868–1952) a consacré sa vie à la tâche auto-assignée de sauvegarder l’héritage culturel des peuples indigènes d’Amérique du Nord par le médium de la photographie. Pendant trois décennies, il sillonne inlassablement toutes les régions du continent dans les conditions géographiques et climatiques les plus diverses : par 50° C dans le désert des Mojaves ou par -20° C dans l’Arctique, à pied, à cheval, en attelage, à dos d’âne, par bateau, en train, et plus tard aussi en auto. Plus de 40.000 photographies vont ainsi voir le jour dans cette période. Les meilleurs clichés seront publiés de son vivant dans vingt grands volumes d’images et de textes intitulés The North American Indian. Le présent livre donne à nouveau accès à l’intégralité des photos des 20 portfolios avec lesquels Curtis a dressé un monument à la culture agonisante des peuples indigènes d’Amérique du Nord. Le lecteur y trouvera en outre une sélection de photographies tirées des volumes de textes. Sans Edward S. Curtis, nous ignorerions aujourd’hui presque tout des rites des Hopis au sud-ouest, nous n’aurions aucune image des danseurs de la cérémonie d’hiver des Qagyuhl et ne pourrions avoir la moindre idée des cérémonies des Nunivaks. Le message fondamentalement humaniste qui émane de chacune de ses images n’a rien de muséal, mais est au contraire d’une brûlante actualité : une cohabitation pacifique, victorieuse de la haine et des préjugés, est possible dès lors que la rencontre avec l’étranger reste à tout moment placée sous le signe de ce qui nous relie. L’impresionnant ouvrage de 696 pages, relié sous coffret, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Taschen.

COMME DES GARÇONS PARFUMS 1994-2025 BY DINO SIMONETT

Art // mars 17th, 2025

Fondée en 1969 par Rei Kawakubo, la maison COMME DES GARÇONS est aujourd’hui reconnue de tous. Rei est une femme anticonformiste qui aime casser des codes et on le ressent à travers ses collections. La ligne de parfum COMME DES GARÇONS voit le jour en 1994 avec le parfumeur Mark Buxton. On retrouve dans la collection des senteurs et des concepts novateurs aux univers singuliers que l’on qualifie même d’anti parfums (exemple : parfum à l’odeur de l’imprimante encore chaude). On distingue rapidement ses premiers jus avec des notes inhabituelles, souvent boisées, épicées et discrètes. La première fragrance CDG eau de parfum se distingue par ses notes chyprées florales et épicées. La maison compte plus de 70 créations mixtes qui s’inspirent pour la plupart des odeurs du quotidien. Le leitmotiv de la ligne COMME DES GARÇONS PARFUM est de « stimuler les cinq sens, questionner les perceptions, ne jamais cesser de s’émerveiller » ce qui donne lieu à des fragrances uniques et des compositions réussies à la fois travaillées et anticonformistes. À l’occasion de la célébration de ses trente années d’excellence et de progrès en matière de parfums et de design, la marque a fait appel à l’éditeur de renom Dino Simonett et sa maison d’édition Simonett & Baer pour sortir un magnifique catalogue qui présente pour la première fois l’ensemble de la collection de flacons, de séries, d’éditions spéciales et de collaborations, ainsi que les packagings et les imprimés hilarants. L’ouvrage reflète cet esprit de transgression, de libération des doctrines établies et de désir de se détacher des conventions, qui sont l’ADN de la marque japonaise. Une célébration de trente ans de liberté olfactive et créative, à travers la perspective unique de COMME DES GARÇONS, sous l’oeil expert de Dino Simonett. Le très beau livre de 256 pages, publié dans une édition limitée à 2500 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Simonett & Baer, ainsi que sur artbooksonline.eu.

JAKE INEZ – ZEPHYR

Art // mars 3rd, 2025

Jake Inez est un photographe d’origine mexicaine et philippine qui a ses racines dans la Californie du Sud. Son travail a un aspect cinématographique avec des éléments qui suggèrent une histoire sous-jacente plus profonde. La composition familière de son travail, accompagnée de l’importance accordée à la couleur, à la lumière et au mouvement, crée une image onirique qui laisse le spectateur empli de chaleur et désireux d’en voir plus. Le photographe publie aujourd’hui son deuxième ouvrage, Zephyr, en auto-édition. Inez y étudie des inconnus, observe leurs mouvements, leurs postures et leurs regards, devine leurs histoires tout en appréciant le fait qu’il ne les connaîtra jamais vraiment. Tout comme la première génération de photographes couleur dont il s’inspire : Stephen Shore, William Eggleston, Joel Meyerowitz et Harry Gruyaert, l’artiste trouve du réconfort dans ce qui est banal et de la beauté dans ce qui est négligé. Jake Inez explique: « Ce livre est un hommage à mon histoire dans le sud de la Californie. En capturant la vie de parfaits inconnus et des moments fugaces, je me retrouve à revivre les émotions et les souvenirs qui ont façonné ma propre jeunesse, en voyant des morceaux de mon passé se refléter dans leurs histoires. » Les natures mortes se mêlent ainsi à des moments plein de vie: virées en voitures classiques, pool parties, plage et l’omniprésence du skate, l’autre passion du photographe pour laquelle il a un indéniable talent. Cette combinaison de calme et de chaos reflète la vie qu’il mène. Il explique enfin: « Pour moi, il s’agit de faire confiance à ce que l’on ne voit pas. Cela permet de suivre son instinct et de ne pas s’inquiéter outre mesure du résultat. » Le livre de 150 pages, limité à 500 exemplaires tous signés, est maintenant disponible sur le site du photographe: https://www.jakeinez.net/books/p/zephyr.

FRIDA LISA CARSTENSEN JERSØ – FRIDA FOREVER

Art // février 25th, 2025

Les éditions danoises Disko Bay publient Frida Forever de Frida Lisa Carstensen Jersø, un livre de photos explorant la vie avec une maladie chronique contrastant avec la liberté de la jeunesse. L’ouvrage entremêle des autoportraits et des compositions mises en scène avec des instantanés dynamiques dans une œuvre originale qui utilise un style photographique à la fois brut et ludique pour raconter une histoire puissante, personnelle et fragile. En 2012, Frida s’est appuyée sur la rambarde d’un pont, qui s’est brisée, la faisant tomber de 4,5 mètres sur l’asphalte, ce qui lui a brisé le dos. Depuis lors, elle est paraplégique et dépend d’un fauteuil roulant. En 2018, les médecins ont découvert qu’elle était également atteinte d’une anomalie cellulaire qui entraîne la formation de dépôts de calcium morts et de grande taille. En conséquence, elle a passé une grande partie de sa vie d’adulte à faire des allers-retours à l’hôpital, subissant plus de 100 interventions chirurgicales, ainsi que de nombreux traitements médicaux et de la radiothérapie. Au cours de ses nombreux séjours à l’hôpital, elle s’est photographiée elle-même, ainsi que l’espace hospitalier et son environnement. Les images brutes et tendres sont juxtaposées à des représentations de son passage de la jeunesse à l’âge adulte, illustrant de manière poignante la dure dualité entre la liberté et les contraintes de la maladie – une sorte de liberté à double tranchant par rapport à l’état fini et impermanent d’« être en bonne santé ». Avec un point de vue vif et intelligent, Frida utilise son récit visuel pour embrasser l’expérience de la vie et la vulnérabilité du corps humain. Le livre offre un aperçu du corps malade mais capable, se tenant au carrefour de la maladie, de la jeunesse et des deux simultanément. La jeune photographe explique: « Ce livre est un témoignage de la vie à l’hôpital, le lieu physique où l’on est envoyé lorsqu’on est malade. C’est là que je passe le plus clair de mon temps. Mais avant tout, il s’agit de moi, Frida. Je tourne la caméra vers moi, non seulement parce que je suis souvent seule, mais aussi parce que mon corps malade, avec ses cicatrices, ses implants métalliques et toute sa fragilité, est le paysage que je connais le mieux. C’est ma spécialité. » Le livre de 208 pages, publié à 750 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Disko Bay.

MARTIN PARR – NO SMOKING

Art // février 18th, 2025

Les éditions Rocket Press de la galerie londonienne Rocket Gallery publient aujourd’hui la seconde édition du dernier livre de Martin Parr: No Smoking. Tout au long de sa carrière, le célèbre photographe britannique a capturé la vie quotidienne telle qu’elle est réellement et, en fouillant dans les archives, il est difficile de ne pas tomber sur une cigarette, un cigare, une pipe ou, ces dernières années, sur la redoutable vape. Alors que l’on murmure que le Royaume-Uni interdira l’achat de tabac à toute personne née après 2009, le moment semble idéal pour proposer un commentaire typique de Parr sur la relation en constante évolution que la société entretient avec le tabagisme. “Les fumeurs peuvent être plus intéressants. J’ai toujours apprécié les gens que je rencontrais à l’arrière de l’avion, même si je ne fumais pas moi-même”, explique le photographe. La fascination, inconsciente peut-être, du photographe pour la cigarette a commencé il y a longtemps. Et si cet ouvrage, titré No Smoking, non sans une pointe de l’ironie qui a fait son succès, a pour sujet le tabac, ce n’était pas forcément son intention au moment d’appuyer sur le déclencheur: “Parfois, c’est une partie importante d’une photo, et parfois, il n’est qu’en arrière-plan. Ce n’est pas comme si toutes les photos que j’ai prises étaient des gens qui fument. Ce n’est même pas quelque chose dont j’avais conscience. » Couvrant l’ensemble de la carrière de Martin Parr – avec des photographies datant de 1970 à 2019 – ce livre met en lumière l’évolution de la culture du tabagisme au cours des cinq dernières décennies. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Rocket Press.

PIA-PAULINA GUILMOTH – FLOWERS DRINK THE RIVER

Art // février 7th, 2025

Des insectes, des corps couverts de boue, des chouettes, serpents et biches apprivoisées, voilà les êtres vivants chéris de Pia-Paulina Guilmoth. Photographe américaine installée dans le Maine rural, elle tisse des relations sensibles avec la nature qui l’entoure, comme autant d’actes d’amour et de guérison. À la pellicule 4×5 et par diverses techniques analogiques, elle enregistre ses expériences de cocréation menées patiemment. « Je crée des sculptures délicates à partir de soie d’araignée, de fleurs et d’autres matériaux naturels, puis j’attends que la terre, l’eau, le vent, la lumière ou un papillon de nuit égaré commencent à interagir avec elles de manière imprévisible » explique-t-elle. Les éditions britanniques Stanley/Barker publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Flowers Drink The River. révèle un paysage de rêve où la boue, la terre et la pierre enveloppent, et où les sols des forêts sont mouillés d’une rosée incandescente. En utilisant un appareil photo grand format et des techniques analogiques minutieuses, Pia trouve une présence envoûtante et mystique dans ses expériences quotidiennes au milieu des forêts, des champs et des rivières de sa maison. Les images floues de Pia, remplies d’aberrations lumineuses et de spectres incandescents, nous laissent suspendus au milieu d’un rituel. Le livre couvre les deux premières années de la transition de Pia, alors qu’elle photographie sa petite communauté dans le Maine rural, ainsi que la beauté et la terreur de vivre en tant que femme transgenre dans une petite ville. Des scènes de papillons de nuit et de soie d’araignée flottante, des corps trempés dans la boue qui s’entrelacent, une maison en feu, des copines qui se pissent dessus depuis des branches d’arbre, des animaux nocturnes et des rituels euphoriques ornent les paysages baignés d’éclairs. Sous la lune, les frontières entre les hommes, les animaux et la terre s’adoucissent et s’estompent. Flowers Drink the River est une quête animiste de beauté, de résistance, de sécurité et de magie dans un monde qui en est souvent dépourvu. C’est une note d’amour à la classe ouvrière rurale, aux femmes transgenres, aux lesbiennes, aux personnes queer et à l’arrière-pays du Maine central. Pia trouve la beauté et l’appartenance en créant une utopie cachée à peine hors de portée. L’ouvrage de 80 pages, dont l’intérieur de la couverture comporte un fac-similé d’impression 4×5 réalisé dans sa salle de bains, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley/Barker.

LARRY SULTAN & MIKE MANDEL – EVIDENCE

Art // janvier 24th, 2025

En 1977, les photographes américains Larry Sultan (1946-2009) et Mike Mandel (né en 1950) publient un livre de photographies intitulé Evidence. Le livre est l’aboutissement d’une recherche de deux ans dans les archives de 77 organismes gouvernementaux, établissements d’enseignement et entreprises, dont la General Atomic Company, les Jet Propulsion Laboratories, le département de police de San Jose et le ministère de l’Intérieur des États-Unis. Les images originales ont été réalisées comme des enregistrements objectifs d’activités inconnues du public profane : scènes de crimes, essais aéronautiques, expériences industrielles et autres sujets. Après avoir passé au crible quelque deux millions d’images, Mandel et Sultan ont assemblé une séquence soignée de 59 images. Le livre a été soigneusement conçu pour représenter les photographies en termes de leurs origines “documentaires”, sans être accompagné de légendes. Face à un monde d’événements mystérieux et d’activités insondables, le lecteur n’est confronté qu’aux images narratives séquentielles du livre et doit donc participer activement à la création de son sens. Après une édition révisée du livre en 2003 et une réimpression en 2017 – qui se sont toutes deux rapidement vendues et sont devenues des objets de collection – Evidence est de nouveau imprimé par les éditions américaines D.A.P. (Distributed Art Publishers), près de 50 ans après sa publication initiale. Cette nouvelle édition définitive présente de nouveaux clichés révélateurs – dont beaucoup ont été réalisés à partir des négatifs originaux – qui renforcent considérablement l’inquiétante objectivité véhiculée par le titre de l’ouvrage. Dans de nombreux cas, les négatifs originaux ont révélé que les agences avaient modifié l’image ; les images complètes sont restaurées ici. La reliure sans jaquette de l’édition originale de 1977 est également restaurée, ce qui souligne encore son caractère de document impersonnel et son statut canonique. Le livre de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions D.A.P. (Distributed Art Publishers).

PETER HUJAR – PORTRAITS IN LIFE AND DEATH

Art // janvier 19th, 2025

Les éditions Liveright Publishing publient une nouvelle édition du classique de la photographie du légendaire Peter Hujar, avec une préface de Benjamin Moser, lauréat du prix Pulitzer. Portraits in Life and Death est le seul livre de photographies publié par Peter Hujar de son vivant. Les vingt-neuf portraits de créateurs – de William Burroughs, Susan Sontag et John Waters à Larry Ree, fondateur de la Trocadero Gloxinia Ballet Company, et T.C. (dont l’identité n’est pas claire) – possèdent une beauté obsédante et un degré d’examen psychologique à la fois décalé et fascinant. Les portraits sont suivis de onze images que l’on ne peut que qualifier de dévastatrices : des photos de corps vêtus et semi-conservés de Siciliens du XIXe siècle découverts dans les catacombes arides situées sous une église de Palerme. Il n’y a pas de lien nécessaire entre les photographies elles-mêmes ou entre les deux sections du livre, mais la progression picturale de la vie à la mort est un emblème du voyage que nous faisons tous. Les sujets vivants semblent méditer sur la mortalité qui est décrite avec un effet si profond dans les images des catacombes. De manière différente, les deux groupes d’images parlent des peurs et des émotions fondamentales que nous portons en nous, quelque part au-delà de notre conscience. Après avoir regardé ce livre extraordinaire, il est presque impossible de ne pas faire ces liens et ces interprétations ou de ne pas être ému par la capacité constante de Hujar à transmettre ce qui semble être l’esprit intérieur de ses sujets. Malgré cela, un air de nonchalance, voire de gaieté, plane sur les photographies. Le livre est étrange, oblique, parfois opaque, et certainement profondément ressenti ; mais il colle à l’esprit comme une évidence. Il ne manquera pas d’être remarqué. Une fois vu, il ne peut être oublié. Le livre de 100 pages est disponible sur la boutique en ligne des éditions Liveright Publishing.