Category Archives: Art

SOFIA COPPOLA/CORINNE DAY – THE VIRGIN SUICIDES

Art // mai 27th, 2025

Pour marquer les 25 ans du film de Sopha Coppola, The Virgin Suicides, la cinéaste publie un recueil des photographies de Corinne Day, publié par Important Flowers, son nouvel espace éditorial, adossé à la maison MACK. Sans encore imaginer l’importance que le film allait prendre auprès du public, en particulier féminin, Sofia Coppola demande à la regrettée photographe britannique Corinne Day de documenter le tournage. Ses images sont elles-mêmes devenues iconiques : on peut y voir les jeunes actrices du film – Kirsten Dunst, A.J. Cook, Hanna Hall, Leslie Hayman, Chelse Swain – entassées sur un lit ou assoupies entre deux prises, ou encore des portraits d’un Josh Hartnett au charme encore balbutiant. Réputée pour ses photographies dépouillées et déroutantes de mannequins emblématiques des années 90, la représentation de la beauté féminine de Day a trouvé son équivalent chez Coppola, dont les débuts ont marqué la première de ses représentations de la féminité, sans affect et avec empathie. Édité à partir des négatifs originaux de la photographe, ce volume, dont le lancement coïncide avec le vingt-cinquième anniversaire de The Virgin Suicides, offre un aperçu fascinant et inédit de la mise en scène énigmatique par Coppola des sœurs Lisbon et de leur vie en banlieue. Dans les clichés de Corinne Day, la mystique luxuriante du décor de Coppola se retrouve dans les images des jeunes acteurs en action et entre les prises, leurs postures candides et leurs expressions songeuses reflétant l’environnement intime et collaboratif de la prise de vue. Des fragments du décor et des costumes apparaissent de manière suggestive – crucifix, soutiens-gorge en dentelle rose, robes de bal, produits de beauté et pommes au caramel – jouant tous un rôle dans la description par Coppola du désir et de la répression de l’adolescence. Complété par de nouveaux textes de Sofia Coppola et Jeffrey Eugenides, ce volume ouvre un dialogue fascinant entre le texte original d’Eugenides et l’adaptation culte de Coppola. Le livre de 88 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques MACK.

LEONARD FREED – POLICE WORK

Art // mai 13th, 2025

Leonard Freed (1929-2006) était un photojournaliste documentaire américain et membre de la célèbre agence Magnum Photos. Né à Brooklyn, dans l’État de New York, il est devenu célèbre pour son portrait des injustices sociales et raciales, en particulier par rapport à la communauté noire pendant le mouvement américain des droits civiques dans les années 1960. Les éditions britanniques Reel Art Press présentent une nouvelle édition du livre classique de Leonard Freed, publié pour la première fois en 1980: Police Work. Il s’agit de la collection définitive des photographies prises par le photographe du département de police de New York pendant les turbulentes années 1970. Les images ont été reproduites avec soin à partir des négatifs originaux et en utilisant comme référence des tirages vintage créés par le maître imprimeur et la veuve de Freed, Brigitte Freed. Les photographies n’ont jamais été imprimées dans une telle qualité auparavant et la clarté de l’impression permet d’apprécier à sa juste valeur le talent de Freed en tant que documentariste socialement conscient. Freed a travaillé avec la police de New York pendant plusieurs années, les accompagnant dans des enquêtes sur des meurtres, des descentes de drogue, des manifestations publiques et des initiatives de sensibilisation communautaire, ainsi que capturant le quotidien ordinaire du travail. Cet ensemble complexe d’œuvres documente la dure réalité de la vie « sur le rythme » à une époque notoire de grands troubles sociaux et de criminalité galopante, avec la ville au bord de la faillite. Au cours de ses dix années passées au service de police, Freed a expliqué: « ce que j’ai vu, c’était des gens ordinaires qui faisaient un travail parfois ennuyeux, parfois corrompu, parfois dangereux, laid et malsain ». Cette série culte, indisponible depuis plusieurs années, empreinte à la fois d’une grande intensité et d’une certaine grâce, saisit la camaraderie des officiers aux côtés des personnes qu’ils sont tenus de protéger. Le livre de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

HUSKMITNAVN – MED TRYK PÅ

Art // mai 3rd, 2025

Artiste danois multidisciplinaire et d’une incroyable productivité, HuskMitNavn (« Souviens-toi de mon nom » en danois) cultive son anonymat tout en accumulant les expositions solos et collectives à Bruxelles, New York, Rotterdam, Berlin ou Oslo. Sa pratique artistique va du graffiti dans l’espace public au dessin de presse et de la peinture au dessin. Ses figures, empreintes d’un style très personnel où l’aplat côtoie le crayonné, sont influencées par les comics et la bande dessinée. Tantôt satiriques, tantôt sarcastiques, souvent humoristiques, elles nous mettent en position de spectateur face au comique de notre routine journalière et aux absurdités de notre société. À l’occasion de l’exposition personelle de l’artiste au musée Kastrupgaardsamlingen près de Copenhague, un magnifique catalogue a été publié: MED TRYK PÅ. L’ouvrage présente une rétrospective de la production graphique de l’artiste avec plus de 150 œuvres. Le livre met en lumière son approche polyvalente du graphisme – de la lithographie à la sérigraphie – et le ton personnel et souvent humoristique qui caractérise son univers. Le livre contient également une interview dans laquelle HuskMitNavn évoque son art et le travail sous pseudonyme, ainsi qu’un texte de l’historien de l’art Peter Ole Pedersen, qui explore la relation de son œuvre graphique avec les masses. L’artiste explore l’homme ordinaire et de la vie humaine ordinaire, où l’absurdité et les contradictions de ce que nous faisons dans la vie de tous les jours sont souvent au centre. Nous croisons tous les archétypes du quotidien : le retraité, le parent débordé, le promeneur de chiens, le travailleur, le couple amoureux, la femme au sac, l’homme simple à mobylette, le joggeur, etc. La vie quotidienne est l’heure de gloire de l’anti-héros. C’est sur ce ton satirique et bien veillant que les histoires des œuvres de HuskMitNavn embrassent avec amour et humour le quotidien de l’homme moderne, aussi paradoxal qu’il puisse être perçu. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne de l’artiste.

DIETER RAMS – LESS BUT BETTER

Art // avril 24th, 2025

Dieter Rams est l’un des designers les plus influents du XXe siècle. Ses créations pour des marques comme Braun et Vitsœ ont influencé la vie de millions de personnes. Pendant plus de soixante ans, il a défini les caractéristiques esthétiques, techniques et fonctionnelles de certains des produits de consommation les plus appréciés au monde. Mais Dieter Rams s’est aussi distingué par sa manière de regarder les objets qui nous entourent et par sa capacité à reconnaître leur valeur et leur utilité. Less but Better, publié par les éditions berlinoises Gestalten, présente la vie et la carrière du légendaire designer allemand. L’édition actualisée du livre se penche sur la philosophie du design fonctionnel de Dieter Rams et sur son influence sur le monde du design industriel. Les idées sur ce que peut et doit être un bon design sont en constante évolution en raison des développements culturels et technologiques. Dieter Rams a toutefois énoncé dix principes qui prônent un design puriste, presque imperceptible. Aujourd’hui encore, ces principes sont considérés comme des fondements intemporels de la théorie et de la pratique du design. Less but Better ne prétend pas être une documentation complète de l’œuvre de Dieter Rams, ni raconter toute l’histoire de l’entreprise Braun. Le livre explore plutôt les idées, les critères et les méthodes qui sous-tendent les créations de Rams et révèle comment une culture changeante de la fabrication de produits a donné naissance à des références universelles en matière de design. De ses réflexions sur l’éthique et les valeurs du design, nous pouvons tirer un paradigme clair pour le design futur, car un principe est resté ferme au fil des ans : moins, c’est tout simplement mieux. Cette nouvelle édition révisée de cet ouvrage culte montre une fois de plus pourquoi l’approche de Dieter Rams en matière de design restera pertinente dans un avenir proche. Rédigé en anglais et en allemand, l’ouvrage a été écrit par Dieter Rams et édité par Jo Klatt, expert en design et collectionneur de Braun, en collaboration avec la Fondation Dieter and Ingeborg Rams. Le livre de 154 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gestalten.

GRAHAM MARSH – DENIM: THE FABRIC THAT BUILT AMERICA 1935–1944

Art // avril 18th, 2025

Aucun autre tissu n’est peut-être aussi inextricablement associé à un pays que le denim l’est aux Etats-Unis d’Amérique. D’abord popularisé par les modèles de jeans emblématiques de Levi’s au milieu des années 1800, le denim est rapidement devenu le matériau de prédilection des Américains de la classe ouvrière, entraînant un afflux d’autres marques fabriquant des vêtements de travail avec ce tissu durable et omniprésent – de Wrangler et Lee à OshKosh et Carhartt. Dans les années 1950, le denim est passé du statut de tissu de travail à celui de vêtement de loisir. Cette transition s’explique en grande partie par le fait qu’une nouvelle génération tente de renouer avec l’esprit robuste et patriotique que le travailleur ordinaire avait fini par symboliser après le début de la Seconde Guerre mondiale. Publié par les éditions britanniques Reel Art Press, l’ouvrage Denim: The Fabric That Built America 1935–1944 de Graham Marsh retrace les origines de ce changement à travers un recueil de photos, provenant principalement des archives de la Farm Security Administration (FSA), montrant des travailleurs américains vêtus de denim. En noir et blanc et en couleur, nous voyons des travailleurs américains ordinaires dans les champs, des ouvriers de la construction de barrages, des femmes travaillant sur le chemin de fer de Chicago, des mineurs au chômage et des métallurgistes préparant le pays à la guerre, tous vêtus de salopettes, de jeans, de vestes et de chemises en denim. La sélection de 250 images représente un incroyable exploit de conservation, puisant dans des archives de plus de 170 000 images contenant des récits connus et des histoires inédites, mais qui n’ont jamais été examinées à travers le prisme de l’histoire de la mode auparavant. Les images ont toutes été rescannées à partir des négatifs originaux et sont reproduites ici dans une qualité remarquable, de sorte que les détails du denim – l’épaisseur du tissage, les coutures blanches se détachant sur l’indigo, les ourlets à revers – apparaissent d’une modernité saisissante. Le livre de 240 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

MASAHISA FUKASE – HOMO LUDENS / YOKO

Art // avril 16th, 2025

Les éditions japonaises AKAAKA Art Publishing Inc. viennent de sortir une nouvelle édition de Homo Ludens et Yoko, deux ouvrages cultes du photographe Masahisa Fukase. Homo Ludens, le tout premier ouvrage du photographe japonais est ainsi enfin ressuscité après un demi-siècle depuis sa premiere parution. Cette anthologie de photographies, prises sur plus de dix ans et éditées par Shoji Yamagishi, rédacteur en chef de Camera Mainichi, est une série qui marque l’origine du travail de Fukase et qui est remplie d’images et d’essence qui façonneront les créations ultérieures de l’artiste. Elle est structurée en six sections, chacune capturant de manière vivante l’interaction entre la photographie et la vie. To (Abattoir) présente des images de Yoko Wanibe, que Fukase a accompagnée à un abattoir, juxtaposant le démembrement du bétail avec Yoko posant dans une cape noire. Kotobuki (Félicitations) dépeint sans détour sa vie avec Yoko peu après leur mariage, à la manière d’un roman intimiste. Gi (Frolic) dépeint la scène underground de Shinjuku où Fukase s’est rendu après avoir quitté la maison qu’il partageait avec Yoko, ainsi que le mode de vie des jeunes gens qui vivent en groupe. Mei (Memento), l’une de ses premières œuvres, revient sur la grossesse de son ancienne compagne, Yukiyo Kawakami, avec laquelle il a vécu pendant huit ans. Quant à Haha (Mère) et Fu (Musique), elles capturent des scènes de Yoko et de sa mère. À travers ces sections, Homo Ludens illustre l’interaction mutuelle de tous les êtres vivants et les phénomènes contradictoires mais interconnectés de la vie et de la mort, de la rencontre et de la séparation. L’objectif de Fukase est tourné vers lui-même et ses proches. Les images explorent l’essence de la vie comme une forme de jeu, avec une honnêteté brute et inébranlable. Ce premier livre de photos est un témoignage puissant de la vision de Fukase. (…)

ED TEMPLETON – THE SPRAWL

Art // avril 13th, 2025

À l’occasion de l’exposition personnelle The Sprawl d’Ed templeton (du 28/11/2024 au 25/01/2025), la galerie belge Tim Van Laere a réalisé un très beau catalogue qui reprend toutes les nouvelles séries de peintures, les photographies, dessins et sculptures présentés par l’artiste américain à cette occasion. Le mot sprawl est souvent associé au mot urbain ou suburbain, désignant l’étalement de maisons, d’appartements, d’immeubles de bureaux et de centres commerciaux sur des terrains non aménagés entourant une ville densément peuplée. Il s’agit essentiellement d’une croissance illimitée sur de vastes étendues de terre, sans se soucier de la planification urbaine. Ed Templeton vit dans l’une de ces banlieues, Huntington Beach, qui fait partie de l’étalement urbain entourant les villes de Long Beach et de Los Angeles. Comme l’explique Templeton, « il faut une heure de route pour aller de Long Beach à Los Angeles : Il faut une heure de route pour aller de Los Angeles à ma maison et c’est du ciment et de l’asphalte en permanence – un développement continu. » Cette expansion dans les années 1950 et 1960 s’explique en partie par la « fuite des blancs », un terme utilisé pour décrire la migration massive des blancs des villes vers des banlieues plus éloignées, en réponse à la diversité raciale et ethnique croissante dans les zones urbaines après la déségrégation. Il s’agit d’un sous-récit qui établit un cadre contextuel pour le mélange spécifique de culture balnéaire moderne et d’expansion suburbaine que Templeton dépeint dans son œuvre. La plage et la jetée sont des lieux populaires qui rassemblent les fanatiques religieux, les surfeurs et les touristes. Les blocs interminables d’habitations entourés de murs sont omniprésents dans cette région. Ces murs agissent comme une toile de fond théâtrale dans ces nouvelles peintures. Ce très beau catalogue de 174 pages, avec un essai introductif signés Stijn Huijts, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Tim Van Laere Books.

FUTURA 2000 – THE MECHANICAL AGE @ EIGHTEEN GALLERY – COPENHAGEN

Art // avril 10th, 2025

La galerie Eighteen de Copenhague acueille la nouvelle exposition personne de l’artiste new-yorkais Futura 2000: The Mechanical Age. Une serie de nouvelles toiles y sont présentées ainsi que des collages sur papier mettant en scène Pointman et billets de banques. Une sculpture robotique Mr.Machine fait également partie de l’ensemble. Jusqu’au 24 mai 2025.

EDWARD S. CURTIS – THE NORTH AMERICAN INDIAN

Art // mars 30th, 2025

Pendant plus de trois décennies, Edward S. Curtis a documenté photographiquement les cultures en voie d’extinction des peuples autochtones d’Amérique du Nord. Les éditions allemandes Taschen publient un magnifique volume réunissant la somme de ses explorations photographiques avec plus de 700 photographies de son grand œuvre, The North American Indian. Edward Sheriff Curtis (1868–1952) a consacré sa vie à la tâche auto-assignée de sauvegarder l’héritage culturel des peuples indigènes d’Amérique du Nord par le médium de la photographie. Pendant trois décennies, il sillonne inlassablement toutes les régions du continent dans les conditions géographiques et climatiques les plus diverses : par 50° C dans le désert des Mojaves ou par -20° C dans l’Arctique, à pied, à cheval, en attelage, à dos d’âne, par bateau, en train, et plus tard aussi en auto. Plus de 40.000 photographies vont ainsi voir le jour dans cette période. Les meilleurs clichés seront publiés de son vivant dans vingt grands volumes d’images et de textes intitulés The North American Indian. Le présent livre donne à nouveau accès à l’intégralité des photos des 20 portfolios avec lesquels Curtis a dressé un monument à la culture agonisante des peuples indigènes d’Amérique du Nord. Le lecteur y trouvera en outre une sélection de photographies tirées des volumes de textes. Sans Edward S. Curtis, nous ignorerions aujourd’hui presque tout des rites des Hopis au sud-ouest, nous n’aurions aucune image des danseurs de la cérémonie d’hiver des Qagyuhl et ne pourrions avoir la moindre idée des cérémonies des Nunivaks. Le message fondamentalement humaniste qui émane de chacune de ses images n’a rien de muséal, mais est au contraire d’une brûlante actualité : une cohabitation pacifique, victorieuse de la haine et des préjugés, est possible dès lors que la rencontre avec l’étranger reste à tout moment placée sous le signe de ce qui nous relie. L’impresionnant ouvrage de 696 pages, relié sous coffret, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Taschen.

COMME DES GARÇONS PARFUMS 1994-2025 BY DINO SIMONETT

Art // mars 17th, 2025

Fondée en 1969 par Rei Kawakubo, la maison COMME DES GARÇONS est aujourd’hui reconnue de tous. Rei est une femme anticonformiste qui aime casser des codes et on le ressent à travers ses collections. La ligne de parfum COMME DES GARÇONS voit le jour en 1994 avec le parfumeur Mark Buxton. On retrouve dans la collection des senteurs et des concepts novateurs aux univers singuliers que l’on qualifie même d’anti parfums (exemple : parfum à l’odeur de l’imprimante encore chaude). On distingue rapidement ses premiers jus avec des notes inhabituelles, souvent boisées, épicées et discrètes. La première fragrance CDG eau de parfum se distingue par ses notes chyprées florales et épicées. La maison compte plus de 70 créations mixtes qui s’inspirent pour la plupart des odeurs du quotidien. Le leitmotiv de la ligne COMME DES GARÇONS PARFUM est de « stimuler les cinq sens, questionner les perceptions, ne jamais cesser de s’émerveiller » ce qui donne lieu à des fragrances uniques et des compositions réussies à la fois travaillées et anticonformistes. À l’occasion de la célébration de ses trente années d’excellence et de progrès en matière de parfums et de design, la marque a fait appel à l’éditeur de renom Dino Simonett et sa maison d’édition Simonett & Baer pour sortir un magnifique catalogue qui présente pour la première fois l’ensemble de la collection de flacons, de séries, d’éditions spéciales et de collaborations, ainsi que les packagings et les imprimés hilarants. L’ouvrage reflète cet esprit de transgression, de libération des doctrines établies et de désir de se détacher des conventions, qui sont l’ADN de la marque japonaise. Une célébration de trente ans de liberté olfactive et créative, à travers la perspective unique de COMME DES GARÇONS, sous l’oeil expert de Dino Simonett. Le très beau livre de 256 pages, publié dans une édition limitée à 2500 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Simonett & Baer, ainsi que sur artbooksonline.eu.

JAKE INEZ – ZEPHYR

Art // mars 3rd, 2025

Jake Inez est un photographe d’origine mexicaine et philippine qui a ses racines dans la Californie du Sud. Son travail a un aspect cinématographique avec des éléments qui suggèrent une histoire sous-jacente plus profonde. La composition familière de son travail, accompagnée de l’importance accordée à la couleur, à la lumière et au mouvement, crée une image onirique qui laisse le spectateur empli de chaleur et désireux d’en voir plus. Le photographe publie aujourd’hui son deuxième ouvrage, Zephyr, en auto-édition. Inez y étudie des inconnus, observe leurs mouvements, leurs postures et leurs regards, devine leurs histoires tout en appréciant le fait qu’il ne les connaîtra jamais vraiment. Tout comme la première génération de photographes couleur dont il s’inspire : Stephen Shore, William Eggleston, Joel Meyerowitz et Harry Gruyaert, l’artiste trouve du réconfort dans ce qui est banal et de la beauté dans ce qui est négligé. Jake Inez explique: « Ce livre est un hommage à mon histoire dans le sud de la Californie. En capturant la vie de parfaits inconnus et des moments fugaces, je me retrouve à revivre les émotions et les souvenirs qui ont façonné ma propre jeunesse, en voyant des morceaux de mon passé se refléter dans leurs histoires. » Les natures mortes se mêlent ainsi à des moments plein de vie: virées en voitures classiques, pool parties, plage et l’omniprésence du skate, l’autre passion du photographe pour laquelle il a un indéniable talent. Cette combinaison de calme et de chaos reflète la vie qu’il mène. Il explique enfin: « Pour moi, il s’agit de faire confiance à ce que l’on ne voit pas. Cela permet de suivre son instinct et de ne pas s’inquiéter outre mesure du résultat. » Le livre de 150 pages, limité à 500 exemplaires tous signés, est maintenant disponible sur le site du photographe: https://www.jakeinez.net/books/p/zephyr.

FRIDA LISA CARSTENSEN JERSØ – FRIDA FOREVER

Art // février 25th, 2025

Les éditions danoises Disko Bay publient Frida Forever de Frida Lisa Carstensen Jersø, un livre de photos explorant la vie avec une maladie chronique contrastant avec la liberté de la jeunesse. L’ouvrage entremêle des autoportraits et des compositions mises en scène avec des instantanés dynamiques dans une œuvre originale qui utilise un style photographique à la fois brut et ludique pour raconter une histoire puissante, personnelle et fragile. En 2012, Frida s’est appuyée sur la rambarde d’un pont, qui s’est brisée, la faisant tomber de 4,5 mètres sur l’asphalte, ce qui lui a brisé le dos. Depuis lors, elle est paraplégique et dépend d’un fauteuil roulant. En 2018, les médecins ont découvert qu’elle était également atteinte d’une anomalie cellulaire qui entraîne la formation de dépôts de calcium morts et de grande taille. En conséquence, elle a passé une grande partie de sa vie d’adulte à faire des allers-retours à l’hôpital, subissant plus de 100 interventions chirurgicales, ainsi que de nombreux traitements médicaux et de la radiothérapie. Au cours de ses nombreux séjours à l’hôpital, elle s’est photographiée elle-même, ainsi que l’espace hospitalier et son environnement. Les images brutes et tendres sont juxtaposées à des représentations de son passage de la jeunesse à l’âge adulte, illustrant de manière poignante la dure dualité entre la liberté et les contraintes de la maladie – une sorte de liberté à double tranchant par rapport à l’état fini et impermanent d’« être en bonne santé ». Avec un point de vue vif et intelligent, Frida utilise son récit visuel pour embrasser l’expérience de la vie et la vulnérabilité du corps humain. Le livre offre un aperçu du corps malade mais capable, se tenant au carrefour de la maladie, de la jeunesse et des deux simultanément. La jeune photographe explique: « Ce livre est un témoignage de la vie à l’hôpital, le lieu physique où l’on est envoyé lorsqu’on est malade. C’est là que je passe le plus clair de mon temps. Mais avant tout, il s’agit de moi, Frida. Je tourne la caméra vers moi, non seulement parce que je suis souvent seule, mais aussi parce que mon corps malade, avec ses cicatrices, ses implants métalliques et toute sa fragilité, est le paysage que je connais le mieux. C’est ma spécialité. » Le livre de 208 pages, publié à 750 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Disko Bay.