Category Archives: Art

DEANA LAWSON – MONOGRAPH

Deana Lawson (née en 1979 à Rochester, NY) est une voix singulière de la photographie contemporaine. S’appuyant sur un large éventail de moyens photographiques, dont l’album de famille, le portrait en studio, les tableaux mis en scène et les images détournées, les photographies posées de Lawson véhiculent des idées plus larges sur les histoires personnelles et sociales, la sexualité et les croyances spirituelles. À l’occasion de la grande rétrospective qui lui est consacrée à l’Institut of Contemporary Art de Boston (du 4 novembre 2021 au 27 février 2022), les éditions britanniques Mack publient une très belle monographie de la photographe. Figure singulière de la photographie contemporaine, Lawson explore et remet en question depuis plus de quinze ans les représentations conventionnelles des identités noires dans la diaspora afro-américaine et africaine. Les photographies de Lawson sont réalisées en collaboration avec ses sujets, qui sont parfois nus, s’embrassent et se confrontent directement à l’appareil photo, déstabilisant ainsi la notion de photographie comme moyen de voyeurisme passif. La photographe explique: “Je photographie ma famille, mes amis et des inconnus, et je fonctionne sur la conviction que mon propre être se trouve en union avec ceux dont je prends des photos.” Qu’il s’agisse de photographies posées ou de collages, les œuvres de Lawson véhiculent des idées plus larges sur l’histoire personnelle et sociale de la vie des Noirs, l’amour, la sexualité, la famille et la spiritualité. Cette publication comprend une sélection de clichés de famille personnels de Lawson et des archives d’images vintage qui ont profondément influencé son travail. Il contient également des essais d’Eva Respini et de Peter Eleey (conservateurs de l’exposition), de Kimberly Juanita Brown (professeure au Dartmouth College), de Tina M. Campt (professeure à l’Université Brown), d’Alexander Nemerov (professeur à l’Université Stanford), de Greg Tate (écrivain, musicien et producteur), et une conversation entre l’artiste et Deborah Willis (professeure à l’Université de New York). Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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MARK POWER – TERRE À L’AMENDE

Publié par les éditions britanniques GOST Books, Terre à l’Amende est le nouvel ouvrage du photographe anglais Mark Power. Les clichés présentés dans le livre sont le fruit d’une invitation du Guernsey Photography Festival à participer à leur programme d’artiste en résidence. Power a ainsi effectué quatre visites sur une période de dix-huit mois avant que le travail ne soit finalement exposé sur l’île à l’automne 2018. Le photographe y explore différentes façons de regarder et de documenter un même endroit en effectuant une série de longues promenades pendant plusieurs semaines sur l’île. La première chose qu’il a remarquée est la profusion de panneaux proclamant “Terre à l’Amende”, menaçant d’une amende en cas d’intrusion. Ces panneaux, ainsi que les kilomètres de murs et de clôtures délimitant des terrains privés, n’ont fait qu’aliéner Power et renforcer sa condition d’étranger. Il était parfaitement conscient que Guernesey se présente au monde extérieur comme une destination de vacances idyllique. Mais lorsque Power commence à observer attentivement l’île, il n’est pas difficile pour lui de voir ce qui se cache sous la surface. Se délectant de cette ironie, il s’est écarté des représentations pittoresques traditionnelles et est parti à la recherche d’une vision contraire, celle d’un lieu inquiétant et troublant où tout n’est peut-être pas ce qu’il semble être. “Ces photos offrent une représentation plus fidèle de Guernesey que n’importe quelle carte postale”, explique le photographe. Le livre de 128 pages, publié dans une édition limitée à 800 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books. Une version signée par le photographe est également disponible ici.

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MARTIN KOLLAR – AFTER

Publié par les éditions Mack, le nouvel ouvrage du photographe slovaque Martin Kollar, After, a été réalisé à la suite du décès de sa compagne, Maria. “Le 31 août 2019… à partir de ce moment-là, ma façon de voir le monde a changé. Tout a changé. La mort prématurée de Maria, sa décision de mettre fin à sa propre vie, a opéré une coupure distincte, une délimitation nette de l’avant et de l’après” explique le photographe. Alors que le temps passait lentement après l’événement cataclysmique, Kollar a commencé prudemment à parcourir ses archives photographiques. Il a été ramené aux années, aux mois et aux jours qu’ils ont passés ensemble par les dizaines de documents issus des voyages qu’ils ont effectués pour repérer les lieux et filmer ensemble. Au cours de leurs deux dernières années ensemble, ils ont visité divers centres de recherche et instituts publics alors qu’ils commençaient à préparer et à tourner “Chronicle”, le film qu’ils allaient réaliser ensemble. Ces excursions dans le passé se sont déroulées en plusieurs étapes, depuis l’incapacité initiale de Kollar à se résoudre à ouvrir les archives jusqu’aux périodes d’obsession pendant lesquelles il ne pouvait s’empêcher de parcourir la multitude de photographies de sa vie passée et de celle de Maria. Peu à peu, des contextes et des fils cachés qu’il n’avait jamais vus auparavant ont commencé à émerger des images. Kollar a commencé à les assembler, mais pas dans le but de reconstituer leur vie. Il a plutôt cherché à exprimer comment l’avant transcende l’après, comment les événements les plus attendus vous prennent toujours au dépourvu. L’ouvrage de 64 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Mack.

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TOM WOOD – IRISH WORK

Martin Parr n’hésite pas à qualifier Tom Wood de « génie méconnu de la photographie britannique ». Irlandais de naissance, Wood a longtemps vécu à Liverpool où il a « photographié la vie ». C’est un photographe des gens: étrangers, amis, famille; ces gens de tous âges dont il capture l’image individuellement, par paire ou en petits groupes, en les faisant poser ou non. Avec Parr et Chris Killip, il a contribué au développement de la photographie sociale en Angleterre dans le sillage de la révolte punk et des années Thatcher. Publié par les éditions britanniques RRB Photobooks, Irish Work est un ouvrage très personnel composé de photographies inédites prises sur une période de près de 50 ans. Le livre contient plus de 200 images inédites centrées sur la relation que Tom Wood a entretenue toute sa vie avec l’Irlande – une histoire et un conflit personnels, liés à l’histoire plus globale du pays. Prises entre 1972 et 2019, les photographies ne sont pas chronologiques et ne suivent pas une narration définie – elles sont plutôt présentées comme un flux de conscience. Le livre passe d’un point de vue stylistique du portrait au panorama, de la vidéo à la couleur et au noir et blanc, et d’un point de vue thématique du paysage à l’intérieur, des personnages solitaires aux rassemblements sociaux, avec un humour subtil, sobrement observateur, anecdotique et ludique. Les images suggèrent une plénitude, une concomitance et une superposition d’événements multiples, ainsi que la richesse de la vie. Irish Work présente les changements de style artistique de Wood sur cinq décennies, tout en préservant son individualité et sa maîtrise de la forme photographique. Ce sublime recueil de 280 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks. Une version limitée à 150 exemplaires comprend une jaquette exclusive conçue par Padraig Timoney, deux tirages analogiques 10×8″ signés et limités ainsi qu’un coffret de présentation.

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BRUTALISM REINVENTED

Qu’il s’agisse de complexes résidentiels de luxe, de bureaux, de lieux de culte ou de musées, l’architecture brutaliste est en pleine effervescence au XXIe siècle et le nouveau livre Brutalism Reinvented, publié par les éditions britanniques Prestel, explore les nouvelles approches de ce style. Conçu dans la même lignée esthétique audacieuse qui a inspiré l’ouvrage Le Corbusier (voir ici), ce livre présente cinquante exemples récents de la manière dont les architectes du monde entier adoptent les principes du Brutalisme – simplicité, fonctionnalité et crudité – et les réimaginent en fonction des critères et des tendances actuels. S’inspirant de l’approche radicale de ce mouvement architectural controversé, les bâtiments bruts d’aujourd’hui sont à la fois sophistiqués et élégants. Comme le révèlent les centaines de photos extérieures et intérieures présentes dans ce recueil, les architectes ont su tirer parti des nouvelles technologies pour créer des structures en béton raffinées et séduisantes, à la fois stylisées et modernes. Chaque chapitre est consacré à un concept de bâtiments et est illustré par une sélection de structures emblématiques qui constituent une référence visuelle essentielle pour le Brutalisme. Dans certains cas, la puissance globale de l’esthétique est associée à des matériaux aussi impactants que le verre, le métal ou la brique; d’autres exemples montrent comment les lignes classiques du Brutalisme sont intégrées dans des espaces généreusement proportionnés et lumineux. Brutalism Reinvented est une synthèse informative de l’héritage de l’architecture brutaliste. Le livre de 240 pages constitue une exploration passionnante de la manière dont les architectes les plus innovants de notre époque redécouvrent la beauté inhérente des volumes massifs en béton, un aspect qui était au au cœur de la vision originale de Le Corbusier. Disponible dès maintenant sur Amazon.com.

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EIKOH HOSOE (YASUFUMI NAKAMORI ED.)

Eikoh Hosoe (né en 1933 à Yamagata) est l’un des photographes japonais les plus influents de l’histoire de la photographie. Publié par les éditions britanniques Mack, ce volume complet sera la principale ressource sur l’œuvre de Hosoe, édité, conçu et produit sous la direction de l’artiste et avec la collaboration du conservateur et universitaire de renommée internationale Yasufumi Nakamori. Depuis le milieu des années 1950, Eikoh Hosoe est à l’avant-garde de la pratique photographique au Japon : en tant que créateur d’images englobant un large éventail de sujets ; en tant que conservateur présentant des œuvres de grands photographes européens et américains au Japon en 1968 ; en tant que professeur influençant la carrière de nombreux photographes éminents, tels que Daido Moriyama. Il a ainsi ouvert la voie à l’établissement de la photographie japonaise d’après-guerre, sauvant le médium des modes préexistants du documentaire et du réalisme et le positionnant à un nouveau point de jonction entre art, littérature, performance et cinéma. Cette publication, qui marque l’aboutissement de sa carrière, présente non seulement les principales séries photographiques de Hosoe, mais révèle également ses collaborations moins connues avec des écrivains, des critiques, des danseurs et des artistes, dont Yayoi Kusama, dans le domaine du portrait et au-delà. En outre, le volume comprend deux essais nouvellement commandés offrant de nouvelles perspectives sur l’œuvre de Hosoe, ainsi que des réimpressions d’une sélection d’essais fondamentaux sur Hosoe publiés précédemment par divers écrivains japonais, dont le romancier Yukio Mishima et le critique d’art Shuzo Takiguchi. En plus de servir de guide de l’œuvre de Hosoe, ce livre met en lumière les protagonistes essentiels de l’art, de la photographie, de la danse et de la littérature japonaises de l’après-1945. Ce magnifique ouvrage de 400 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.

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NOGUCHI EXHIBITION CATALOG

À l’occasion de la grande rétrospective consacrée à l’artiste nippo-américain Isamu Noguchi (1904-1988) au centre culturel londonien Barbican, les éditions Prestel publient un magnifique catalogue sobrement intitulé Noguchi. Couvrant l’ensemble de son œuvre en matière de sculpture, de céramique, de photographie, d’architecture et de design, ainsi que ses aires de jeu, ses jardins et ses décors pour la danse moderne et le théâtre, cette publication explore le processus créatif de Noguchi et les aspects moins connus de sa carrière, son intérêt pour un large éventail de médiums et de cultures, ainsi que ses réalisations avant-gardistes sur six décennies. Regorgeant d’images et de contributions d’un large panel d’auteurs (Fabienne Eggelhöfer, Florence Ostende, Rita Kersting avec Nana Tazuke, Dakin Hart, Karen Ishizuka, Katy Siegel et Danh Vo), ce livre permet aux lecteurs de saisir la diversité et les caractéristiques de l’œuvre de Noguchi, aussi bien in situ que dans les galeries. Des images d’archives des ateliers de l’artiste offrent un aperçu de son approche expérimentale vis-à-vis de la sculpture. Les thèmes de l’harmonie et de la dissonance, qui étaient au cœur de sa pratique, sont explorés dans une série d’essais qui abordent le double héritage de l’artiste, l’expérience américano-japonaise, ses voyages dans le monde entier et ses nombreuses influences. L’ouvrage rend également hommage aux collaborations fructueuses de Noguchi avec des créateurs issus de divers secteurs, tels que R. Buckminster Fuller, Martha Graham et Louis Kahn. Tout au long de la monographie, les propos de Noguchi fournissent une toile de fond essentielle à la compréhension d’un artiste qui a embrassé de nombreuses écoles de pensée et dont la vie et la carrière entières ont été un exemple de partenariat et de coopération au-delà des frontières artistiques, politiques et culturelles. Le livre de 320 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.

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MIKE SMITH – STREETS OF BOSTON

Après un incident malheureux dans les rues de Boston en 1976, qui lui a occasionné une blessure à la tête de la part d’un homme en colère d’avoir été pris en photo, le photographe américain Mike Smith a alors troqué son petit appareil photo passe-partout, un Leica 35 mm, pour un Linhof Press 23 nettement plus volumineux et a alors commencé un travail photographique plus intime, délaissant la photographie de rue, pour figer des portraits des habitants de Boston. Il a ainsi dressé un inventaire détaillé des personnes croisées au hasard des rues de Boston, cultivant toujours une approche inclusive, sans jugement aucun, et directe. Son nouvel appareil, plus volumineux que son petit Leica, a finalement été un atout dans sa démarche, les gens se prêtant plus facilement au jeu. “Le moteur de ce travail, avant tout, explique Mike Smith, était mon adhésion sans réserve aucune à la photographie comme mode de vie. En tant que vétéran de la guerre du Vietnam (où j’ai découvert le médium pour la première fois) à l’âge de vingt ans, pour la première fois, j’ai compris que j’avais un avenir à poursuivre dans ce domaine.” Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, Streets of Boston présente les déambulations dans les rues de Boston, entre 1975 et 1978, documentées par une centaine de clichés en noir et blanc sublimes, dont principalement des portraits, qui à eux seuls laissent cours à l’imagination véhiculant des histoires vécues ou imaginées. Le livre de 123 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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LE PETIT VOYEUR 7

LE PETIT VOYEUR est une publication indépendante de Copenhague, dédiée à la mise en valeur et à la promotion d’une sélection éclectique d’artistes visuels talentueux et de créatifs internationaux. L’accent est mis sur la présentation de travaux de photographes et d’artistes en offrant un large panorama de la scène artistique contemporaine, allant de la photographie de nu au meilleur street art actuel. Après le succès des six premiers volumes déjà publiés et de son livre thématique (voir ici), LE PETIT VOYEUR publie aujourd’hui son septième numéro, un magnifique ouvrage de 356 pages. Publié dans une édition limitée à 2000 exemplaires, le livre présente les travaux récents d’artistes et photographes aux horizons variés: Antwan Horfee, Ces, Christian Lemmerz, Daniel Rich, Davide Padovan, Dennis Swiatkowski, Futura, Geoff McFetridge, Helice Wen, Henriette Sabroe Ebbesen, Honey Long & Prue Stent, Jason Revok, Jean-Pierre Roy, Jean-Vincent Simonet, Julien Colombier, Kenichi Hoshine, Lin Zhipeng (aka 223), Marguerite Bornhauser, Martin Parr, Pelle Cass, Sainer, SWET, Tali Lennox, Tania Franco Klein, Viviane Sassen. La conception de ce nouveau numéro est une fois de plus une grande réussite, avec une mise en page originale et un rendu final très convaincant. LE PETIT VOYEUR 7 est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la revue danoise. Une version limitée à 500 exemplaires numérotés, vendue avec un tirage du photographe chinois Lin Zhipeng, est également disponible ici.

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JILL FREEDMAN – STREET COPS

Publié pour la première fois en 1981, l’ouvrage culte Street Cops de la photographe Jill Freedman est aujourd’hui réédité par les éditions britanniques Setanta Books. Le New York des années 70 et 80 était une ville instable, où tout se passait très vite et en même temps. Pendant plus de deux ans, Freedman a accompagné deux commissariats de la police de New York qui répondaient à la violence et à l’imprévisibilité de la ville, se plaçant directement en première ligne, tel un témoin invisible. La photographe était dans un premier temps méfiante à l’égard de la police après avoir documenté la Campagne des pauvres du printemps 1968 (Poor People’s Campaign) qui suivit l’assassinat de Martin Luther King et après avoir été témoin de la répression policière face aux manifestations du Vietnam. Mais après avoir passé des journées entières à parcourir les rues et des nuits entières à boire avec les hommes et les femmes de la police de New York, elle a commencé à voir l’héroïsme et la compassion des bons policiers. Ceux dont personne ne parlait, qui étaient là pour aider leur ville, voyant le meilleur et le pire de l’humanité. Ceux que les gens aimaient et respectaient. Les clichés de Street Cops sont à la fois intimes et fascinants. Ils dévoilent non seulement la violence endémique de la ville de New York à l’époque, mais aussi les moments de tendresse entre les agents et les membres de la communauté, les plaisanteries entre les flics et les personnes arrêtées, la camaraderie entre partenaires, la passion d’exercer un métier que la plupart des gens considéreraient comme de la pure folie. Ses images sont brutes et directes, à aucun moment elle ne craint de montrer l’horreur. Mais elle a également su capter l’humour et la tendresse d’une situation. La vulnérabilité. Jill Freedman abordait la photographie avec un intérêt anthropologique et sans jugement. Elle voulait raconter une histoire telle qu’elle la voyait et l’entendait. Street Cops est une collection d’histoires sur une ville et ses habitants des deux côtés de la loi. Le livre de 256 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.

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RICHARD ROTHMAN – TOWN OF C

Le photographe new-yorkais Richard Rothman a passé une décennie à capturer la vie et le paysage dans une ville du Colorado à 5 000 pieds au-dessus du niveau de la mer. Pour souligner son caractère archétypal, il n’identifie le lieu que par son initiale: C. Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, Town of C est une méditation photographique sur ce qui se cache sous la surface troublante de la culture américaine, abordée par le prisme d’une petite ville des montagnes Rocheuses dans le sud du Colorado. Ancré dans la tradition des livres de photographie socialement critiques qui ont pris l’Amérique pour sujet – American Photographs de Walker Evans, The Americans de Robert Frank et What We Bought de Robert Adams, entre autres – Town of C englobe et développe le thème américain, suscitant de nombreuses réflexions sur l’environnement au sens large. L’expérience américaine, de plus en plus dystopique, est placée dans le contexte plus large de notre présence perturbée dans le monde. Le livre, qui ressemble à un roman et qui est un récit visuel soutenu, tente de pénétrer et de révéler le cœur d’une petite ville et, par extension, la culture dont elle est issue et la vie des personnes qui ont façonné cette culture et qui sont à leur tour façonnées par elle. Les portraits multiples et variés couvrent plusieurs générations et classes sociales, des enfants aux personnes âgées, des sans-abri aux plus fortunés. Ils témoignent de la lutte pour la survie et l’ascension, et attestent d’une quête éternelle de désirs non satisfaits qui alimentent l’interaction humaine de manière imprévisible. La nature tragique de la condition humaine, explorée dans les portraits, les nus et les paysages altérés de C, est mise en parallèle avec la beauté ravissante d’un monde naturel en voie de disparition, toujours capable de susciter la crainte, l’émerveillement et le respect de la vie. Le livre de 164 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

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LEE FRIEDLANDER – THE PEOPLE’S PICTURES

Reconnu comme l’un des meilleurs photographes de sa génération, Lee Friedlander reflète la vie quotidienne moderne, souvent aliénée, dans ses images en noir et blanc et est considéré comme un observateur critique de l’American Way of Life. Beaucoup de ses images font partie des icônes de la photographie américaine et sont devenues des documents historiques de notre époque. Publié par les éditions new-yorkaises Eakins Press Foundation, The People’s Pictures présente une sélection de clichés du photographe, couvrant six décennies et qui ont été réalisés à travers une grande partie des États-Unis et certains pays d’Europe occidentale et d’Asie. Ces images sont des photographies exclusives de Friedlander : elles portent autant sur ce qui se trouve devant l’appareil que sur la redéfinition du médium par le photographe tout au long de sa vie. Tout comme son exploration des mots, des lettres et des chiffres dans le paysage social, ces photographies de la présence de la photographie dans la rue semblent inévitables dans la vaste orchestration visuelle de Friedlander sur ce à quoi ressemble notre société. Mais les photographies de Friedlander ne sont pas des documents neutres ; ce sont des créations intentionnelles, créées par ses soins, ludiques et intelligentes, conçues grâce à une complicité sans précédent avec le temps et l’espace. La saturation de notre paysage social par les photographies et les photographes est évidente de n’importe quel point de vue public. La photographie est sans doute le moyen d’expression le plus démocratique, plus accessible aujourd’hui que la langue, au-delà des cultures et des classes sociales. À certains égards, c’est le sujet le plus durable de Lee Friedlander : la manière dont les citoyens ordinaires interagissent avec le monde en le photographiant, ainsi que la manière dont ces images et celles construites à des fins publicitaires ou politiques définissent l’espace public. Le livre de 168 pages est disponible sur la boutique en ligne des éditions Eakins Press Foundation.

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