Category Archives: Art

OLE CHRISTIANSEN – MY VIEW

Art // avril 27th, 2024

Né en 1955, le photographe danois Ole Christiansen est considéré comme l’un des photographes les plus estimés du Danemark. Il est connu pour ses photos à la une du magazine Euroman, ses portraits de Leonard Cohen, Iggy Pop, Yoko Ono et autres, ainsi que pour les nombreuses pochettes de disques qu’il a réalisées pour des musiciens. Depuis son petit balcon de Scharlingsvej à Valby (Danemark), Christiansen a choisi comme sujet pour son nouvel ouvrage My View publié par les éditions BOOK LAB, le coin de rue le plus proche, en diagonale. Une position classique si l’on veut avoir une vue d’ensemble depuis le troisième étage. Mais avec son zoom, le photographe se rapproche des gens qui apparaissent soudain en contrebas de l’appartement. On y distingue du macadam et des plaques de fer, des voitures garées et des promeneurs de chiens. Une variation incroyable dans les activités des gens et dans l’empreinte qu’ils laissent sur le monde lorsqu’on observe un coin de rue avec autant de persévérance que Christiansen l’a fait pendant six mois à cette adresse. Le ciel apparaît de façon spectaculaire sur certaines photos, et dans l’image suivante, une femme inquiète qui attend est serrée dans ses bras. Un portrait se transforme en scène de rue, et une scène de rue se transforme en paysage. Il n’y a pas beaucoup de plantes à voir en hauteur. Mais on peut alors tourner son regard vers la vie qui grouille, comme l’a fait Ole Christiansen. Ici, c’est un terrain de jeu pour les enfants. Un espace intérieur à l’abri de la circulation qui caractérise la sauvagerie des rues. Et les riverains et les voisins. Ils existent, même si on ne les voit pas toujours. Un chat à la fenêtre. Un oiseau sur le toit. Des sujets banals qui sont presque impossibles à considérer, mais qui deviennent des monuments graphiques à travers l’objectif d’Ole Christiansen. En quelques mouvements de caméra, le photographe parvient à raconter une histoire cohérente qui s’étend au-delà de l’espace limité de la scène. Le livre de 120 pages, qui comprend un essai du journaliste Erik Steffensen, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions BOOK LAB.

TODD HIDO – THE END SENDS ADVANCE WARNING

Art // avril 18th, 2024

Depuis plus de 25 ans, Todd Hido élabore des récits à travers des scènes de banlieue informes et mystérieuses, des paysages désolés et des portraits cinématographiques. Indépendamment de son titre, ce livre traite de l’espoir et de la beauté, et des raisons pour lesquelles nous les recherchons si désespérément à l’heure actuelle. Pour ses dernières images, il est allé jusqu’aux îles Hawaï et à leurs opposés météorologiques, aux rives de la mer de Béring et aux fjords nordiques au-dessus du cercle polaire. Malgré cette diversité géographique, le photographe américain capture des lieux à la fois familiers et inconnus, accueillants et inquiétants. Avec cette nouvelle monographie publiée par les éditions Nazraeli Press (Royaume-Uni, États-Unis), Hido reprend le flambeau de son précédent ouvrage, Bright Black World, en présentant quelque 80 nouveaux clichés de paysages inédits. The End Sends Advance Warning est magnifiquement imprimé sur du papier d’art à fort grammage et relié en lin imprimé en offset. L’ouvrage comprend également 9 photographies encartées imprimées sur du papier d’art Kasadaka, ainsi que des livrets encartés. Todd Hido souligne que ce projet n’est pas un hommage au désespoir, mais un plaidoyer pour reconnaître les petits moments de beauté et faire face aux changements en cours avec espoir et grâce, en particulier dans les moments les plus sombres. La série remet en question les conventions de la photographie de bord de route, un genre exploré depuis les années 1950 par des sommités telles que Robert Frank, William Eggleston et Lee Friedlander, qui se sont collectivement attachés à capturer l’essence de l' »Amérique ». Contrairement à ses prédécesseurs, Hido maintient un point de vue à l’intérieur de son véhicule, insufflant de l’énigme, du détachement et du désir dans son travail. L’ouvrage de 104 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Nazraeli Press ainsi que chez Setanta Books.

TEJU COLE – PHARMAKON

Art // avril 10th, 2024

Écrivain, historien de l’art et photographe, Teju Cole est né en 1975 aux États-Unis et a grandi au Nigeria, d’où ses parents sont originaires. Il vit aujourd’hui à Brooklyn et est critique photo pour le New York Times Magazine. Il a également écrit pour le New York Times, the New Yorker, Granta et Brick. Salman Rushdie le tient pour « un des écrivains les plus talentueux de sa génération ». Les éditions britanniques MACK publient aujourd’hui Pharmakon, son nouvel ouvrage mêlant photographies et textes. Le titre Pharmakon est un mot grec qui signifie médicament, poison ou bouc émissaire, et dont le mot « pharmacie » tire son origine. Cole semble donc capitaliser sur l’idée que l’art peut être considéré, tour à tour, comme curatif, que ce soit par l’évasion ou le commentaire social. Rassemblant une séquence de photographies subtiles et inquiétantes avec une douzaine de nouvelles compactes, Pharmakon est une nouvelle œuvre surprenante de l’esprit singulier de Teju Cole. Les images sont entrecoupées de textes qui émergent comme des signaux intimes de notre époque de crise, exploitant davantage l’exquise maîtrise linguistique qui caractérise les romans de Cole, Open City (2011) et Tremor (2023). Le résultat est une œuvre d’une étrange beauté qui surprend et console à parts égales. Les photographies ont été prises à travers le monde et prolongent le point de vue oblique qu’il a développé dans Fernweh (2020). L’artiste explique: « J’ai commencé à écrire les histoires au début de l’année 2022. Je ne sais pas vraiment pourquoi. J’approchais de la fin de l’écriture de mon roman Tremor. Il y avait des choses que je devais explorer et qui ne faisaient pas vraiment partie de l’univers de ce roman. J’ai donc commencé à écrire ces courtes histoires. Elles sont arrivées lentement, environ une par mois. Même si elles sont très courtes, elles ont une sorte de compression et d’intensité que je n’avais jamais eues dans mon travail auparavant, ce qui était passionnant. Il est toujours excitant de découvrir que l’on peut encore se faire peur. J’étais conscient, avec les histoires, que je convoquais les mêmes énergies gnomiques et divinatoires qui avaient été à l’origine des photographies. Mais, ce n’est que bien plus tard, après avoir eu une douzaine d’histoires en main, que je me suis rendu compte qu’elles appartenaient aux photographies. Je me demande d’ailleurs si d’autres verront cette parenté entre eux, entre les histoires et les photographies. Elle est là, mais elle n’est peut-être pas immédiatement apparente. » Le livre de 200 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

MARK POWER – GOOD MORNING, AMERICA (VOLUME FOUR)

Art // avril 3rd, 2024

Au cours de ces douze dernières années, le photographe Mark Power – membre de la célèbre agence Magnum depuis 2007 – a parcouru les États-Unis pour créer le récit visuel complexe d’un pays en pleine mutation. Publié par les excellentes éditions britanniques GOST Books, ce nouveau livre, Good Morning, America (Volume IV), poursuit l’exploration personnelle et pertinente du paysage naturel et culturel américain, et de la divergence entre la réalité et le mythe. Power a lentement parcouru le Kansas, le Missouri, l’Iowa, le Nebraska et le Wyoming avant de retourner dans le Colorado. Lors d’un voyage ultérieur, il s’est rendu en Alaska, puis a effectué un autre long voyage dans le Connecticut, le Massachusetts, le New Jersey et le nord de l’État de New York. Ce nouveau livre comprend certaines de ces nouvelles images, ainsi que celles prises lors des voyages précédents. Power a décrit le processus comme « l’assemblage d’un puzzle vaste et compliqué, sans avoir la moindre idée de ce que sera l’image finale ». Chaque livre de la série a représenté un changement d’humeur ou de ton. Dans ce nouveau livre – l’avant-dernier de la série -, la présence humaine est subtilement passée de la périphérie ou de l’accessoire dans le paysage à une partie plus intégrante de certaines images. Le ton du livre est plus optimiste que précédemment, et la présence humaine atténue le sentiment d’isolement si souvent présent dans les vastes paysages. Publié dans une édition limitée à 1500 exemplaires, le livre de 166 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books. Une édition spéciale limitée à 100 exemplaires signés par l’artiste et contenant un cliché numéroté et signé est également disponible ici.

RICHARD BILLINGHAM – RAY’S A LAUGH

Art // mars 31st, 2024

Entre un père alcoolique et une mère violente, Richard Billingham a connu une enfance difficile. Marqué au fer rouge par la pauvreté et la brutalité de son quotidien, il prend toutefois son destin à bras-le-corps à l’âge de 19 ans, alors qu’il commence tout juste ses études en art plastique. Ce jour-là, il décide de commencer à photographier ses parents dans leur appartement décrépi de la banlieue de Birmingham. Résultat : une série de clichés d’une authenticité bouleversante, qui ne va pas tarder à attirer l’attention de l’un de ses professeurs d’université. De là, tout s’enchaîne. En 1996, les photos sont compilées dans un livre intitulé Ray’s a Laugh, et tout de suite leur réalisme fait mouche auprès du public. Il faut dire qu’on est loin des portraits photoshopés qu’on a l’habitude de voir dans les magazines. Ici, Ray et Liz apparaissent sans artifices, lui avec une bouteille à la main, elle avec une cigarette entre les doigts. L’ouvrage est l’un des livres de photos les plus importants du début du XXe siècle, ainsi qu’une pierre angulaire de la génération des Young British Artists. Constitué d’images intimes de la maison parentale de Billingham, souvent chaotique et marquée par l’alcoolisme et la pauvreté, le livre a été réalisé dans les années 1990 avec les éditeurs Michael Collins et Julian Germain. Cette nouvelle édition publiée par MACK restitue pour la première fois la vision originale de Billingham pour son travail profondément personnel. Elle comprend de nombreuses images inédites et une approche distincte du séquençage, influencée par la formation de peintre de Billingham : il s’agit d’un « director’s cut » qui réintroduit une œuvre vitale et constamment stimulante dans une nouvelle ère. Le livre de 320 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques MACK.

GARRY WINOGRAND – WINOGRAND COLOR

Art // mars 26th, 2024

Garry Winogrand est un photographe américain de l’après-guerre, célèbre pour ses photographies de New York et de la vie aux États-Unis depuis les années 1950 jusqu’aux années 1980, témoignages d’un pays balloté entre optimisme et bouleversements. Il aura marqué de son empreinte l’esthétisme des années 1960 et 1970, ainsi que l’histoire de la street photography. Si Winogrand est considéré comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle, l’examen de son corpus pictural et de son influence sur la discipline demeurent incomplets, tant il a laissé de travail à accomplir dans l’archivage, le développement et le tirage de ses photographies. À sa mort, survenue brutalement à l’âge de 56 ans, il a laissé derrière lui environ 6 500 bobines qu’il n’a jamais vues. Les éditions américaines Twin Palms publient aujourd’hui un nouvel ouvrage inédit du photographe: Winogrand Color. Garry Winogrand est essentiellement connu pour ses photographies de rue spontanées et énergiques en noir et blanc. Ce que l’on sait moins, c’est qu’il a également réalisé plus de 45 000 diapositives couleur entre le début des années 1950 et la fin des années 1960. Ces photographies ont souvent été prises entre deux projets, lorsque le photographe, travaillant seul, développait et affinait une approche de son médium de plus en plus ouverte, indépendante et radicale. Il photographiait régulièrement avec deux appareils attachés autour du cou, l’un chargé de pellicules couleur, l’autre de pellicules noir et blanc. Winogrand Color présente 150 clichés sélectionnés dans les archives du Center for Creative Photography par le réalisateur américain Michael Almereyda et l’ancienne conservatrice du Museum of Modern Art, Susan Kismaric. Il s’agit de la première monographie consacrée au travail en couleur de l’artiste, rarement observé. Le livre de 176 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Twin Palms, avec deux éditions limitées proposées dans un coffret.

CHRISTER STROMHOLM – STROMHOLM

Art // mars 20th, 2024

Christer Strömholm est reconnu comme l’une des figures majeures de la photographie européenne du Xxe siècle. Strömholm a capturé son environnement dans des images en noir et blanc qui montrent son intégrité, son humour discret et une esthétique très personnelle. Avec une sensibilité sans équivoque à la souffrance humaine, basée sur son expérience personnelle, il a pris la photographie dans une nouvelle direction. Sean O’Hagan, écrit dans The Guardian, l’a décrit “comme le père de la photographie suédoise à la fois pour son influence constante et pour son rôle d’enseignant.” La Fondation Mapfre en collaboration avec les éditions Dewi Lewis publient aujourd’hui une nouvelle monographie du photographe. Né à Stockholm, Strömholm découvre la photographie par l’art graphique à la fin des années 1940. Dans les années 1950 et 1960, il vit la plupart du temps à Paris, où il développe son style particulier de photographie de rue. C’est ici qu’il a produit son œuvre la plus célèbre, Les amies de Place Blanche, un hommage à un groupe de jeunes transsexuels avec qui il est devenu ami et dont il a partagé la vie pendant de nombreux mois. Ils étaient des étrangers, luttant pour survivre, leur principale source de revenus étant la prostitution. Dans ces photographies légendaires, prises la nuit dans la lumière disponible, Strömholm fusionne photographie de rue et portrait, les dépeignant comme les amis proches qu’ils étaient, dans des portraits intimes et honnêtes loin du spectaculaire ou spéculatif. Christer Strömholm a également participé à de nombreuses expéditions photographiques dans le monde entier au début des années 1960, notamment en Espagne, au Japon, en Inde et aux États-Unis. Au début de sa carrière, il a commencé à enseigner à Stockholm, puis a créé le légendaire Fotoskolan, dont environ 1200 étudiants ont obtenu leur diplôme entre 1962 et 1974. Le travail de Strömholm a inspiré de nombreuses générations de photographes, bien qu’il ne soit devenu connu du grand public qu’en 1986, avec une exposition majeure au Moderna Museet de Stockholm. Le livre de 296 pages, accompagné d’un entretien entre Estelle af Malmborg et Anders Petersen est maintenant disponible en librairie ainsi que sur Amazon.com.

NIKITA TERYOSHIN – NOTHING PERSONAL – THE BACK OFFICE OF WAR

Art // mars 14th, 2024

Nikita Teryoshin a grandi à Saint-Pétersbourg, avant de s’installer en Allemagne, à Dortmund, où il a obtenu un Bachelor en photographie. Sur son site internet, il décrit son travail comme un mix de «street, documentary and everyday horror». Dans son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques GOST Books, Nothing Personal – The Back Office of War, le photographe russe s’intéresse à la banalité souvent festive des principaux salons mondiaux de l’armement. Teryoshin a couvert, entre 2016 et 2021, comme photojournaliste, les foires commerciales du secteur de la défense de 14 pays. «Mon travail au plus grand salon de la défense de Russie, en 2019, est quasiment devenu un document historique. Les visiteurs pouvaient observer des démonstrations de chars et des explosions depuis les tribunes. Des bombes y étaient exposées, scindées en deux, pour en montrer la composition. Cette foire était organisée en parallèle d’autres expositions sur l’armée russe, avec une église édifiée en son sein, le tout dans le “Parc patriotique” de Kubinka, près de Moscou. Cela laissait finalement entrevoir la folie qui allait suivre.» Bien qu’elles se passent en France, aux États-Unis, en Chine, en Inde ou à Dubaï, ces foires présentent des traits communs. Les armes sont montrées d’une manière banale, comme s’il s’agissait d’un aspirateur. Il y a aussi souvent un aspect festif, avec des grands buffets de boissons et de nourriture. Un parti pris intéressant de Nikita Teryoshin est l’absence de visages dans son travail. «Ne pas dévoiler les visages des marchands d’armes était, d’une part, une sorte de métaphore de la face cachée de cette industrie. D’autre part, je ne voulais pas accuser des personnes en particulier, dont je ne connaissais pas les histoires individuelles, mais pointer un système. Un système dans lequel des humains vendent des armes pouvant détruire d’autres humains, ainsi qu’eux-mêmes ou leurs familles.» Le livre de 182 pages contiene un essai de Linda Åkerström et est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions GOST Books.

CHRIS HOARE – SEVEN HILLS

Art // mars 4th, 2024

Chris Hoare (né en 1989) est un photographe installé à Bristol, sa ville natale, où il travaille à l’University West of England. Dans son travail personnel, il s’intéresse à des domaines de la société qu’il estime négligés, tout en explorant les thèmes de l’identité et du lieu. Dans Seven Hills, publié par les éditions britanniques RRB Photobooks, Hoare nous montre son point de vue unique sur Bristol. Présentant à la fois le bon et le mauvais côté des choses, l’imagerie poétique de Hoare aborde certains des problèmes les plus graves auxquels la ville est confrontée aujourd’hui, tout en tenant compte de son histoire. Le livre explore le fossé toujours plus grand entre les classes sociales, les problèmes raciaux, l’inégalité et le sans-abrisme. Ayant grandi à la périphérie de la ville, Hoare a pu observer de l’extérieur les changements qui s’opéraient devant lui. Bristol ne fait pas exception à la règle : le fossé économique se creuse de plus en plus au Royaume-Uni. Le riche centre-ville s’embourgeoise de plus en plus, faisant grimper les prix de l’immobilier et les loyers au-delà des moyens de beaucoup, ce qui pousse ces derniers à se réfugier à la périphérie de la ville. Historiquement, une grande partie de la richesse de Bristol s’est construite grâce à son rôle majeur dans le commerce des esclaves. Lorsque la statue du marchand d’esclaves Edward Colston a été détruite au cours de la manifestation « Black Lives Matter » en 2020, un vaste débat sur le racisme et l’inégalité s’est ouvert, non seulement à Bristol mais dans le monde entier. Travaillant en réponse au déboulonnage de Colston, Hoare braque son objectif sur sa ville natale, disséquant les inégalités réelles et actuelles de la ville et nous permet de voir sa perception de Bristol, de la périphérie jusqu’au centre prospère. Ce très bel ouvrage de 120 pages, véritable enquête sur les marges économiques de la ville et les clivages géographiques générés par l’histoire, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RRB Photobooks, dans une édition limitée à 600 exemplaires.

MIROSLAV TICHY – SCREENSHOTS

Art // février 16th, 2024

Miroslav Tichý (1926-2011, République tchèque) fut reconnu très tardivement comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle. Son œuvre, créée sous la Tchécoslovaquie communiste entre les années 1960 et 1980, tourne autour de la figure féminine, en marge complète de la création artistique occidentale. Tichý utilise des appareils de fortune, bricolés par lui-même avec des objets divers, polissant les lentilles avec du dentifrice, qui captent de manière instinctive la réalité qui l’entoure et invente, comme chaque grand artiste peintre, photographe ou sculpteur, une autre réalité, personnelle et donc neuve, jamais entrevue. La vision de l’artiste est extraordinaire et érotisée, hors des normes, mal faite, c’est-à-dire radicalement à l’encontre de notre monde « parfait », préprogrammé. Il est le contraire de l’Homme de Marbre communiste, mais aussi du People libéral. Miroslav Tichý prenait des photos tous les jours, poursuivant ainsi sa pratique depuis l’académie des beaux-arts : il s’agissait d’un exercice de recherche, de poursuite et, en fin de compte, de reproduction du corps féminin.Les éditions suisses Galleria Periferia publient aujourd’hui un nouvel ouvrage sur le travail du photographe: Screenshots. Dans les années 1970 et 1980, Miroslav Tichý a pris des photos de son écran de télévision. Comme il vivait dans la petite ville de Kyiov, près de la frontière autrichienne, il pouvait échapper aux limites et à la pudibonderie de la censure du bloc de l’Est et regarder la chaîne de télévision autrichienne ORF, avec ses films occidentaux et ses émissions tardives plus permissives. Les images des starlettes de la télévision, prises dans la lumière, sont à la fois terribles et magnifiques. Les photos en mouvement semblent encore plus réelles que les photos fixes qui ont précédé l’ère de la télévision. Des lignes dans les images montrent l’écran, reflétant parfois une ampoule dans la pièce. Cette série marque un moment dans le temps de plusieurs manières. On imagine Tichý rivé à l’écran, captant des images changeantes, comme s’il se promenait à l’extérieur, mais cette fois dans un monde insaisissable qui souligne une nouvelle forme d’altérité. La pratique de Tichý nous amène à revisiter notre relation aux médias et aux images qui pénètrent dans nos vies personnelles et transpercent les couches de représentation et d’observation. Son travail est une excursion dans l’avenir des images qui se répandent de la réalité dans le monde virtuel des écrans d’ordinateur et des téléphones portables. Ce magnifique ouvrage de 256 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Galleria Periferia.

CRISTINA DE MIDDEL, NEWSHA TAVAKOLIAN, ALEX MAJOLI, ALEX WEBB – SESSION

Art // février 7th, 2024

Au début de l’été dernier, quatre photographes de l’agence Magnum se sont rendus dans la capitale suisse pour travailler ensemble sur un projet consignant leurs impressions sur le système unique de démocratie fédérale du pays. Il s’agit du dernier d’une série de « LiveLabs » qui ont eu lieu dans des villes aussi diverses que Londres, Shenzhen et Moscou au cours des dernières années. Le programme de résidence, lancé par Magnum, associe généralement trois ou quatre photographes à un conservateur et à une institution culturelle pour réaliser un travail sur une communauté ou un lieu particulier. Chaque fois, le mélange est différent, mais chaque édition est réalisée comme une sorte de laboratoire expérimental où les idées sont explorées ensemble sur le terrain, puis présentées immédiatement après sous la forme d’une exposition éphémère, révélant au public les processus créatifs de réflexion et de prise de décision des photographes. Les quatre photographes de Magnum Photos, Cristina de Middel (Brésil), Newsha Tavakolian (Iran), Alex Majoli (Italie) et Alex Webb (États-Unis), ont passé deux semaines au Palais fédéral à Berne pendant la « session » politique régulière. Ils ont documenté le quotidien politique dans leur propre langage visuel et ont ainsi créé une fresque originale sur la démocratie suisse du point de vue d’un observateur extérieur. Session, le livre tiré du projet et édité par les éditions suisses Sturm & Drang, présente la sélection d’images de chaque photographe et est accompagné de deux essais des auteurs Roberta Fischli et Tom Kummer. L’ouvrage de 192 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Sturm & Drang.

ALEX WEBB – DISLOCATIONS

Art // janvier 17th, 2024

Alex Webb est un photographe américain, membre de l’agence photographique Magnum Photos depuis 1979. Il a étudié l’histoire et la littérature à l’université d’Harvard et aussi la photographie au Carpenter Center for the Visual Arts. Il a commencé à travailler comme photographe professionnel en 1974 et a collboaré avec des magazines comme Geo, Life, New York Times et National Geographic. Dans les années 1970 il a photographié en noir et blanc l’Amérique du sud, les Caraïbes et le Mexique. En 1978 il commence à photographier en couleurs. Les éditions britanniques Thames & Hudson publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: Dislocations. Reconnu comme un pionnier de la photographie couleur, Webb est capable de juxtaposer des gestes, des couleurs et des tensions culturelles contrastées dans un seul cadre séduisant, ce qui donne des images évocatrices qui élèvent des significations fracturées et multicouches. Dislocations, publié pour la première fois en 1998 sous la forme d’un livre accordéon à tirage limité avec des tirages laser Canon (alors considérés comme le nec plus ultra), rassemble des images provenant des nombreux lieux disparates de l’œuvre de Webb, méditant sur l’acte photographique en tant que forme de dislocation en soi. Poussé par la pandémie et son monde de frontières fermées et de voyages perturbés, Webb a reconsidéré l’impossibilité de créer cette série d’images : le résultat est cette édition réimaginée de Dislocations, qui inclut de nouvelles photographies prises au cours des vingt-cinq années qui ont suivi l’édition originale. Ce livre exquis et caractéristique apporte une nouvelle perspective au vaste catalogue de Webb et témoigne du sentiment palpable de rupture qui règne à notre époque. L’ouvrage de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Thames & Hudson ainsi que dans les meilleures librairies indépendantes.