La galerie V1 de Copenhague accueille depuis hier soir la nouvelle exposition commune de Barry McGee et Todd James (REAS). Cette dernière s’intitule FUD et se compose de nouvelles œuvres réalisées pour l’occasion par les deux artistes américains: peintures sur toile et sur bois, sculptures, dessins, etc. Jusqu’au 27 juin 2015.
Publié pour la première fois en 1986, le livre Subway réalisé par le photographe américain Bruce Davidson ressort cette année grâce aux éditions Steidl. Photographe de l’agence Magnum depuis plus de 50 ans, Bruce Davidson, 81 ans, se définit comme un photographe du noir et blanc mais c’est la couleur qu’il a utilisée, pour la première fois, pour capturer au printemps 1980 les images du métro de New-York. On y découvre le quotidien des usagers anonymes du métro dans un univers sombre et confiné, souvent dangereux, à travers des portraits touchants et intimistes. Les wagons couverts de tags et de graffitis, tels une présence obsédante, offrent un décors intense et original au photographe de Chicago. Il y photographie des couples amoureux, des voyageurs, des touristes, des familles et des sans-abris. Les situations, souvent attendrissantes, sont parfois périlleuses, comme lorsqu’un policier en civil menace de son arme un passager. Ces images chargées d’émotion expriment souvent la solitude et l’isolement des sujets photographiés. L’ouvrage de 140 pages permet également de découvrir des paysages de New York et de ses différents quartiers, dans le début des années 80. « Lorsque vous êtes dans le métro, ce qui est beau vous semble brutal, et ce qui est brutal vous semble beau. » Bruce Davidson. La nouvelle édition 2015 de ce livre culte est désormais disponible directement chez Steidl ainsi que sur Amazon.fr et Amazon.com.
À l’occasion de la grande rétrospective de l’artiste plasticienne franco-américaine Louise Bourgeois (1911-2010) à la Haus der Kunst de Munich, les éditions Prestel publient un très beau catalogue de 280 pages: Structures of Existence: The Cells. L’exposition (du 27 février au 2 août 2015), sous la direction de Julienne Lorz, est consacrée à une série de petites pièces-sculptures construites par Louise Bourgeois durant les deux dernières décennies de sa vie. Elles consistent en structures closes face auxquelles le spectateur est mis en situation de voyeur. Cette série d’espaces et de situations ont captivé son attention pendant près de 20 ans et font partie de ses œuvres les plus innovantes et exigeantes dans leur architecture. Les Cellules agissent comme des microcosmes empreints d’un grand impact émotionnel, chacune est un arrangement dense et extrêmement varié enveloppé dans une structure, une barrière provoquant une tension entre le monde intérieur de l’artiste et le monde extérieur de l’espace de l’exposition. « Les « Cells » représentent différents types de douleur : physique, émotionnelle et psychologique, mentale et intellectuelle. Chaque « Cell » traite du plaisir du voyeur, du frisson de celui qui regarde comme de celui qui est regardé » (Louise Bourgeois, 1991). L’ouvrage présente le plus grand nombre de « Cellules » jamais réunies dans un espace. Il se consacre ainsi à un aspect essentiel de la création de Louise Bourgeois et en explore les accents conceptuels, architectoniques et psychologiques. On y retrouve également divers essais sur l’évolution des Cells ainsi qu’une interview avec l’assistant de l’artiste, Jerry Gorovoy. Le livre est maintenant disponible chez Prestel ainsi que sur Amazon.fr et Amazon.com.
Né en 1923 à Pittsburgh, Saul Leiter est considéré comme l’un des pionniers de la photographie couleur, qu’il pratique dès les années 50, dans les rues de New York. Il ne connait cependant le succès qu’au début des années 2000, avec le regain d’intérêt pour les clichés en couleur des années 70. Plus tôt, à partir de 1958, il travaille comme photographe de mode pour le magazine Harper’s Bazaar, où il restera plus de 20 ans. Tout comme Henri Cartier-Bresson, Saul Leiter s’adonne depuis son enfance à la pratique de la peinture, sa première passion. Mais ce n’est qu’à partir des années 70 que l’artiste va commencer à peindre à l’aquarelle par dessus ses photographies. Initialement prévus pour un livre qui ne vit jamais le jour, ces clichés de nus, d’un charme incroyable, sont embellis et texturisés par les couleurs vives qu’utilise Leiter. C’est son assistante, Margit Erb qui découvrit ces pièces intimes, produites à l’abri des regards sur une vingtaine d’années et laissées à l’abandon après sa mort, dans son appartement studio de New York. Ce nouvel ouvrage, publié par Sylph Editions à l’occasion de l’exposition Painted Nudes à la galerie Ampersand de Portland, regroupe une sélection de 70 photos de nus peintes par le photographe et qui marient les deux expressions artistiques de Leiter. On y retrouve notamment des clichés de son amie et compagne Soames Bantry, véritable muse de l’artiste. Le livre, testament du sens de la composition et de la couleur de l’artiste, ouvre les portes d’un monde intime bien différent du travail de photographie de rue, pour lequel est aujourd’hui acclamé Saul Leiter. Painted Nudes est maintenant disponible sur le site de Sylph Editions.
Samedi dernier avait lieu le vernissage de la nouvelle exposition personnelle d’Ed Templeton, Synthetic Suburbia, à la Roberts & Tilton Gallery de Culver City (Los Angeles). L’artiste y présente ses dernières toiles inspirées de sa vie quotidienne dans la station balnéaire d’Huntington Beach en Californie. On y découvre également une série de dessins récents composés de portraits de femmes. Jusqu’au 30 mai 2015.
S_U_N_ vient de publier son nouveau livre de photographies intitulé The Family Acid, par Roger Steffens. C’est en servant dans l’une des unités Psychological Operations de l’armée américaine durant la guerre du Vietnam que Steffens a commencé à prendre des clichés de sa vie quotidienne. Son style est d’abord journalistique puis glisse petit à petit vers le psychédélisme, l’époque aidant. Ce recueil de 156 pages présente une sélection de 72 magnifiques clichés issus des archives du photographe, contenant près de 40000 photographies et qui s’étalent sur près de 40 ans. The Family Acid nous fait découvrir la vision souvent transcendantale de l’artiste ainsi que sa vie de bohème, inspirée par les récits de l’écrivain américain Timothy Leary ou encore Hunter S. Thompson. Les quelques clichés du Vietnam et de ses réfugiés laissent rapidement la place aux voyages familiaux en Californie, entre les hippies et les beatniks de San Francisco et les plages de Big Sur. Beaucoup de clichés qui composent l’ouvrage sont des surimpressions qui reflètent l’impression hallucinatoire laissée par cette période dans l’histoire américaine. Tous ces portraits et ces scènes de vie, réalisés avec une grande liberté de composition et une expérimentation technique sans limite, sont un témoignage poignant de la génération de Steffens et de sa contreculture. Chaque photographie est accompagnée d’une date de prise de vue et d’une légende à la fin de l’ouvrage, rédigée par le photographe. Cette première édition du livre, publiée à 1000 exemplaires seulement, est disponible en exclusivité sur le site de S_U_N_: thesun.solar/the-family-acid.
Man Ray–Human Equations: A Journey from Mathematics to Shakespeare explore la relation entre l’art et la science, une composante importante de l’art moderne au début du 20ème siècle. Au milieu des années 1930, Max Ersnt présente à son ami, le photographe américain expatrié, peintre et surréaliste Man Ray, une curieuse collection d’objets couverts de poussière dans une école d’élite pour les mathématiques supérieures à Paris, l’Institut Henri Poincaré. Fabriqués en plâtre, bois, fil, papier et autres matériaux, ils sont des modèles tridimensionnels d’équations trigonométriques complexes. Ces objets possèdent pour Man Ray une étrangeté attirante et lui suggèrent des formes curieuses, biomorphiques et humaines. Publié par Hatje Cantz à l’occasion de la grande rétrospective de l’artiste à la galerie The Phillips Collection de Washington jusqu’au 10 mai 2015, l’ouvrage de 238 pages présente dans un premier temps les clichés des objets pris par Man Ray, puis sa série de peintures Shakespearean Equations (1947–1954), inspirées par ces mêmes photos et réalisées une décennie plus tard à Hollywood. L’artiste considère cette série comme l’apogée de sa vision créatrice, après plus de quinze années de travail sur ce thème. Expérimentateur invétéré, Man Ray fut un véritable pionnier dans des activités artistiques telles que la peinture, la création d’objets, le cinéma et la photographie, défiant les frontières conventionnelles et brouillant les catégories esthétiques établies. Le livre est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.
Les éditions Reel Art Press viennent de sortir la toute première monographie du photographe new-yorkais Art Kane (1925-1995). Durant les années 60 et 70, Kane s’est rapidement fait un nom en photographiant des portraits d’icônes du rock et du jazz, de la mode, du cinéma et de l’art contemporain tels que Bob Dylan, The Who, Jim Morrison, Keith Richards, Louis Armstrong, Andy Warhol… Mais le travail de l’artiste ne s’arrête pas là: il réalise également d’incroyables clichés de paysages, de scènes de vie et de nus. Sa vision est particulièrement novatrice pour l’époque. En effet, Kane est l’un des tous premiers adeptes de l’utra-grand-angulaire (fisheye) qu’il utilise fréquemment de près et sous des angles étranges, lui permettant de nombreuses expérimentations dans le domaine de la composition. Il utilise également des couleurs riches et très contrastées quand la majorités des photographes travaillent en noir et blanc. De son style unique et visionnaire se dégage une grande poésie et beaucoup d’humanité. Si le photographe a passé l’ensemble de sa carrière à travailler pour les meilleurs magazines de son époque (notamment Esquire et Seventeen Magazine dont il était le directeur créatif dès l’age de 26 ans), il n’a cependant jamais pris le temps ni l’effort de publier le moindre recueil sur son œuvre. C’est son fils, Jonathan Kane, qui décide de rendre hommage à son père en publiant ce somptueux volume de 320 pages, qui présente l’œuvre de l’extraordinaire photographe à travers 200 photographies. Le livre est maintenant disponible chez Reel Art Press ainsi que sur Amazon.fr et Amazon.com.
Après l’énorme succès de sa première monographie publiée en 2013, A Period of Juvenile Prosperity, le photographe américain Mike Brodie revient avec un nouvel ouvrage intitulé Tones of Dirt and Bone. Ce dernier se compose de clichés réalisés à travers les États-Unis entre 2004 et 2006. Le photographe autodidacte réalise l’ensemble de ses prises de vue avec un Polaroid SX-70 qu’il trouva à l’arrière d’une voiture abandonnée, ce qui lui a rapidement valu le surnom de Polaroid Kidd. Le livre de 84 pages présente une sélection de paysages évocateurs et de portraits bouleversants, à la fois mélancoliques et troublants. Loin du rêve américain, Mike Brodie présente une toute autre réalité où la pauvreté et l’isolement sévissent de plein fouet. L’utilisation de la fameuse pellicule Time Zero offre un aspect encore plus mystérieux et poétique à l’ensemble de son travail. Dans les toutes dernières pages du livre, Brodie revient avec nostalgie sur son enfance et offre un constat lucide sur sa vie. Malgré la reconnaissance internationale et le succès incontesté de son œuvre en galerie, il décide en 2008 d’arrêter définitivement la photographie. Il se consacre désormais à sa grande passion: la mécanique ferroviaire à Oakland, en Californie. Tones of Dirt and Bones est donc probablement son tout dernier livre. Publié par Twin Palms Publishers dans une première édition limitée à 3000 exemplaires, le livre est dès maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.
L’artiste urbain WK Interact présente dans ce nouvel ouvrage intitulé Act 4 – 25 Years, 1989 – 2014, les travaux qu’il a effectués durant les 25 dernières années. Ses peintures en noir et blanc de très grand format représentent généralement des personnages en mouvement aux allures fugitives, qui nous entraînent dans leur dynamique. L’artiste originaire de Caen déclare vouloir tenter de « capturer un instant pendant l’action ». Récemment exposé à la galerie Jonathan Levine à New York, on l’a aussi vu chez Dazed & Confused à Londres ou encore chez Colette à Paris. La première partie de l’ouvrage présente le travail de rue de l’artiste, avec une importante partie sur le street art et les installations créées dans la rue. On découvre ensuite la façon de travailler de WK Interact à travers des clichés de ses différents projets, notamment avec Kobe Bryant, Oscar Pastorius ou encore son projet Brave 9/11 ou D-Day Project Normandy. La deuxième partie du livre s’intéresse quant à elle à l’œuvre de l’artiste avec ses travaux d’illustration, de collage et de sculpture (ses fameux skateboards customisés), etc. On retrouve également dans le livre des textes d’Isabelle Kirsch, Carlo McCormick, Marc & Sara Schiller (Wooster Collective) et Patrick McNeil (Faile). Publié par Drago, cette très belle monographie de 320 pages est maintenant disponible sur Amazon.fr et Amazon.com.
Pour son cinquième livre publié par la maison allemande Steidl, la photographe brésilienne, d’origine allemande et installée aujourd’hui à Los Angeles, Mona Kuhn nous propose une plongée au cœur du désert américain: Private. Après le Brésil (Native) et la région bordelaise (Bordeaux Series), l’artiste s’est donc rendue dans le désert des Mojaves ainsi que dans les grandes étendues de l’Arizona. À travers cette immersion totale pendant près de deux ans, la photographe nous livre sa vision poétique et très personnelle du désert et de ses habitants. Cette nouvelle série propose un monde où la réalité concrète et l’imaginaire ne font qu’un. Les plantes et les animaux à la limite de la survie, les paysages inondés de soleil et la terre sculptée par le vent sont entrecoupés d’une série de nus qui poussent l’intérêt bien connu de Mona Kuhn pour les formes humaines dans des directions inattendues. Les teintes dorées du sable se confondent ici avec celles de la peau des personnes qui acceptent de poser nus, chez eux et à la lumière du soleil, pour la photographe. L’approche de Kuhn oscille une fois de plus entre intimité et sobriété, naturel et sensualité, douceur et délicatesse. Private est un projet à la fois énigmatique et troublant qui ne laissera personne indifférent. L’ouvrage de 112 pages est maintenant disponible chez Steidl, ainsi que sur Amazon.fr et Amazon.com.
Cy Twombly (1928-2011) a laissé une œuvre d’une polyvalence, d’une sensibilité et d’une originalité prodigieuses. Longtemps resté peu connu du public, il a suivi son propre parcours artistique avec une ténacité sans précédent, loin des grandes tendances de son époque. Au moment de sa mort, toutefois, à l’âge de 83 ans, il avait acquis une notoriété internationale et était reconnu comme l’un des plus grands artistes et l’un des plus originaux de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Né à Lexington, en Virginie, son itinéraire l’a conduit – après un détour par l’illustre Black Mountain College et par New York – en Europe, où il élit résidence en Italie en 1957. Très tôt, il va élaborer un mode d’écriture très personnel, fait de lettres et de mots et qui évoque une poésie peinte. Les dieux de la Grèce antique, la lumière méditerranéenne, l’histoire, la culture et la mythologie de l’Occident trouvent leur place dans la poésie sensuelle qui constitue son art. Ce livre donne une première vue d’ensemble de l’œuvre complexe de Twombly ; il réunit les tableaux et cycles peints les plus importants ainsi qu’une bonne sélection de ses dessins, de ses sculptures et de ses photographies. L’ouvrage inclus des essais de Laszlo Glozer, Thierry Greub, Kirk Varnedoe et Simon Schama. Publié par les éditions Thames & Hudson, The Essential Cy Twombly est disponible dès maintenant sur Amazon.fr et Amazon.com.
