Category Archives: Art

LEE FRIEDLANDER @ FUNDACION MAPFRE MADRID – OPENING

Art // octobre 4th, 2020

La Fundación MAPFRE de Madrid accueille depuis jeudi dernier la nouvelle rétrospective de l’un des plus grands photographes contemporains, l’américain Lee Friedlander. Reconstituer l’œuvre hétérogène de Friedlander signifie se plonger dans un monde chargé d’éléments quotidiens et reconnaissables mais qui, en y regardant de plus près, acquièrent un sens différent et plus abouti. Considéré comme l’un des artistes fondamentaux du XXe siècle et après plus de 60 ans de photographie au quotidien, il continue aujourd’hui à renouveler son langage. Dans cette recherche de métaphores visuelles difficiles à interpréter, malgré leur apparente banalité, son regard critique reflète, même à des fins strictement formelles, la démesure et le chaos de la société américaine. L’exposition propose un aperçu chronologique complet de son œuvre. Ces travaux sont presque toujours regroupés en séries, ensembles de photographies développées sur plusieurs années. L’exposition souligne l’importance de ces projets, qui prennent souvent la forme de livres, une autre de ses passions : The Little Screens, The American Monument ou encore America by Car. L’exposition dévoile des associations thématiques ou stylistiques qui rassemblent près de trois cent cinquante photographies : portraits, autoportraits, photos de famille, nature, paysage urbain, etc. Parmi celles-ci, dix-sept appartiennent aux Collections de la Fundación MAPFRE, ainsi que d’autres matériels – tels que des vinyles de jazz et une cinquantaine de publications. Tout cela nous rapproche de l’œuvre complexe de l’un des photographes américains les plus influents du XXe siècle. Jusqu’au 10 janvier 2021.

JEFF MERMELSTEIN – #NYC

Art // octobre 1st, 2020

Publié par les éditions britanniques Mack, #nyc est la nouvelle étude du photographe Jeff Mermelstein sur la vie contemporaine, à la fois diverse, drôle et poignante, par le biais de messages textes photographiés à la volée, pendant plus de trois ans. Écrit dans le nouveau langage de l’acronyme et de l’initialisme, de la troncature et du jeu de mots chiffrés, interrompu par une longueur occasionnelle, les gens semblent avoir peu d’inhibitions lorsqu’ils ne sont confrontés qu’à leur propre réflexion sur un écran de téléphone, de sorte qu’ils déversent leur désir et leur luxure sincères, leur haine et leur vitriol dans des flux de conscience textuelle sans entrave. Chaucérien par son ampleur et son humour, ce projet révèle la vie intérieure complexe des habitants de la ville, et l’intrigante richesse d’émotions qui existent dans les moments les plus inoffensifs de la vie quotidienne : dans le train, sur un banc dans un parc, ou dans la rue. Son livre, explique le photographe américain, « reflète une multitude de couches et d’ingrédients d’un endroit assez sauvage, et aussi d’une époque assez folle. Il est rempli d’inquiétude, de joie, de pathos, d’amour et de folie ». #nyc est une histoire courte de New York, racontée directement par un résident à un autre. Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack, en version normale ou signée par le photographe.

ERNST HAAS – NEW YORK IN COLOR, 1952-1962

Art // septembre 28th, 2020

Longtemps considéré par ses pairs comme trop commercial, le travail du photographe autrichien Ernst Haas est souvent réduit à ses photographies en noir et blanc et à ses nombreux travaux publicitaires (il est notamment célèbre pour avoir photographié les premières campagnes Marlboro Man). Il présida pourtant l’agence Magnum en 1959 et en 1962, juste avant de prendre sa retraite, et Steichen lui consacra la première exposition de photographie couleur au MoMA, quatorze ans avant la célèbre exposition Eggleston. En 1952, le magazine américain Life demande à Haas de travailler en couleur sur New York, alors que le photographe expérimente depuis quelques temps déjà avec cette nouveauté encore très difficile à manier techniquement. Il photographie alors la ville dont il a rêvé quand il était jeune garçon, subissant le trauma de la Seconde Guerre Mondiale dans une famille juive autrichienne. Ces images, rassemblées dans ce livre, marqueront tout une génération de photographes amateurs et contribueront à faire changer la perception de la couleur en photographie. Publié par les éditions britanniques Prestel, New York in Color, 1952-1962 est le premier ouvrage sur l’œuvre du photographe consacré à ses photographies couleur classiques et à celles récemment découvertes de la ville de New York des années 50 et 60. Les œuvres en couleur d’Ernst Haas révèlent le remarquable génie du photographe et nous rappellent à chaque page pourquoi nous aimons New York. Pour Haas, la couleur était le seul moyen de capturer une ville aussi débordante d’énergie et d’humanité. Ces images démontrent l’immense virtuosité et la confiance du photographe dans la pellicule Kodachrome et les défis techniques de l’impression couleur. D’une profondeur et d’une richesse de couleurs inégalées, débordant de lyrisme et de tension dramatique, ces images révèlent un photographe au sommet de sa carrière. Le livre de 208 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.

ALESSANDRA SANGUINETTI – THE ADVENTURES OF GUILLE AND BELINDA AND THE ILLUSION OF AN EVERLASTING SUMMER

Art // septembre 17th, 2020

La photographe argentine Alessandra Sanguinetti rencontre en 1999 Guille et Belinda, deux cousines de dix et neuf ans qui vivent non loin de la ferme de ses parents. Fascinée par leur relation fusionnelle, leurs jeux et leur univers, elle les suivra pendant cinq ans jusqu’à leur adolescence. Ce livre présente le retour de la photographe dans la campagne argentine pour poursuivre sa collaboration intime avec Belinda et Guillermina, ces deux cousines qui, lorsqu’elles étaient plus jeunes, avaient fait l’objet du premier titre de sa série en cours, The adventures of Guille and Belinda paru en avril 2010. Dans ce deuxième volume, publié par les éditions britanniques Mack, The Illusion of An Everlasting Summer, le lecteur suit les deux filles, de 14 à 24 ans, dans leur parcours entre l’adolescence et le début de l’âge adulte. Toujours entourées des animaux et des paysages ruraux de leur enfance, le livre dépeint la vie quotidienne des deux cousines, qui vivent un amour, une grossesse et une maternité précoce, ce qui, peut-être inévitablement, les rend de plus en plus indépendantes l’une de l’autre et de leur famille. De même, nous pouvons sentir un changement dans la relation de Sanguinetti avec les cousines, ainsi que l’œuvre elle-même : de compagnons d’enfance insulaires à trois femmes dont les vies se ramifient dans des directions différentes. Bien que le passage du temps soit l’une des tensions les plus palpables à l’œuvre dans ces photographies, The Illusion of An Everlasting Summer approfondit l’exploration par Sanguinetti du langage intemporel et universel de l’intimité et de l’amitié féminine. Ce très bel ouvrage est maintenant disponible en version normale et version signée (qui contient une photographie signée par l’artiste et collée à l’intérieur de la quatrième de couverture) sur la boutique en ligne des éditions Mack.

ALEC SOTH – THE SPACE BETWEEN US

Art // septembre 14th, 2020

À l’occasion de la première exposition personnelle du photographe américain Alec Soth en Chine, au Shanghai Center of Photography (SCoP), les éditions Jiazazhi Press publient un très beau catalogue de la rétrospective, The Space Between Us. Soth est décrit par Mick Brown du journal britannique Telegraph comme « l’un des plus grands photographes contemporains du paysage social et géographique de l’Amérique ». Depuis sa première série Sleeping by the Mississippi 2004 (voir ici), qui a fait sensation l’année de sa sortie à la Whitney Biennial, les œuvres du photographe ont été présentées dans des musées et des galeries du monde entier. Soth a été invité à rejoindre Magnum Photos en 2006, et grâce à sa propre maison d’édition Little Brown Mushroom, ainsi qu’à la collaboration avec d’autres, a publié plus de 25 livres de photos à ce jour. Un aspect unique du travail de Soth réside dans son exploration de la manière de photographier les gens. En utilisant la photographie comme support d’enregistrement d’une rencontre, il accorde une attention particulière à l’observation des gens ordinaires dans le contexte de l’époque, en particulier la nature banale de leur vie sociale, créant une réaction chimique délicate entre lui et le sujet. Soth aime entrer dans la vie d’une personne, que ce soit pour pénétrer dans son espace vital ou pour photographier certains détails de son environnement. En utilisant la profondeur de champ et les points focaux pour constamment diriger l’attention des spectateurs, le photographe examine attentivement l’espace entre lui et le sujet. Observateur patient, il passe beaucoup de temps avec chacun de ses sujets. Les œuvres présentent souvent un aspect poétique au-delà de l’image fixe. Une aura d’intimité et de solitude est omniprésente dans ses œuvres, et constitue un élément unificateur de son langage visuel. Les émotions nostalgiques et mélancoliques qu’il capture offrent un réconfort profond et chaleureux dans ce qui est devenu une période d’incertitude. Le point de vue de Soth sur la société et les gens ordinaires, la façon dont il l’injecte dans ses photographies, a eu un profond impact sur toute une génération de jeunes photographes contemporains. Le livre de 160 pages présente des clichés des plus célèbres séries du photographe tels que Perfect Strangers, Looking for Love, Sleeping by the Mississippi, Niagara, Broken Manual, Songbook, ou encore son dernier projet I Know How Furiously Your Heart Is Beating (voir ici). Il contient également cinq essais signés Liu Heung Shing, Karen Smith, Shi Hantao et Zhang Wenxin. L’ouvrage est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Jiazazhi Press.

TODD JAMES – THE INTREPID @ GALERIA JAVIER LOPEZ & FER FRANCES – MADRID – OPENING

Art // septembre 12th, 2020

La Galería Javier López & Fer Francés présente The Intrepid, la sixième exposition individuelle de Todd James (New York, 1969), à l’occasion du festival Apertura 2020. L’exposition comprend une sélection d’œuvres récentes (les toiles et le travail sur papier ayant été réalisés cette année), dans lesquelles il présente un échantillon significatif des thèmes et motifs centraux de son imaginaire actuel. Parmi elles, des natures mortes dans lesquelles les objets ont été simplifiés au point de se transformer, créant une composition de formes significatives qui occupent complètement l’espace, et des intérieurs qui servent de scène à des personnages féminins dans des attitudes indolentes, oisives, absentes et parfois suggestives. Todd James aborde ces genres picturaux classiques en marge de la tradition académique européenne. Ses scènes font référence à la vie quotidienne dans le monde occidental, et par extension dans les pays qui sont sous l’influence politico-culturelle des États-Unis, puisqu’ils partagent les mêmes dilemmes de la société de consommation. The Intrepid maintient cet esprit critique et son humour caractéristique avec lequel il filtre et réinterprète l’excès d’images qui nous submergent à travers les différents médias. Ces nouvelles compositions, où les arrière-plans et les avant-plans se confondent, nous séduisent par leurs couleurs audacieuses et leur apparente innocence. Mais les intérieurs intimes de Matisse et les paysages paradisiaques sont teintés d’un érotisme et d’une violence latents. Des femmes lascives entourées d’armes, accompagnées de squelettes et de crânes, ou avec leurs chats habituels, sont décrites du point de vue d’un voyeur auquel on peut s’identifier. Avec eux, il propose une interprétation pop des pulsions vitales et antagonistes d’Eros et de Thanatos. Jusqu’au 11 novembre 2020.

PAUL GRAHAM – A1 – THE GREAT NORTH ROAD

Art // septembre 11th, 2020

En 1981, Paul Graham achève son premier travail reconnu en photographiant la vie de l’une des artères principales d’Angleterre. Composée de photographies couleur, sa série s’intitule A1- The Great North Road, publiée en 1983, et qui ressort aujourd’hui grâce aux éditions britanniques Mack. Bien que le Royaume-Uni ait alors une scène photographique dynamique, il n’existait cependant qu’une poignée de livres monographiques – Chris Killip et Martin Parr en avaient réalisé un chacun – et aucun éditeur ou distributeur spécialisé. Graham a dû auto-publier A1, mais son premier livre couleur a eu un impact surprenant sur la photographie britannique. Alliant la tradition du documentaire social à l’approche nouvelle de la couleur, l’ouvrage a transformé la photographie au Royaume-Uni et a ouvert la voie à l’émergence d’une nouvelle génération de photographes couleur britanniques, de Nick Waplington à Anna Fox, Richard Billingham à Tom Wood. S’étendant sur toute la longueur de la Grande-Bretagne et jusqu’à Édimbourg, Graham a voyagé à plusieurs reprises le long de la «Great North Road» avec un appareil photo grand format, pour immortaliser les gens, les bâtiments et les paysages de la Grande-Bretagne du début des années 1980. Le livre, qui fête aujourd’hui ses 40 ans, est autant une œuvre artistique qu’un document historique sur les années du gouvernement de Margaret Thatcher et sur le déclin de la société industrielle du Royaume-Uni. L’ouvrage de 96 pages est maintenant disponible en version normale et version signée par le photographe sur la boutique en ligne des éditions Mack.

LOUISE BONNET – MONOGRAPH

Art // septembre 9th, 2020

Reconnue pour ses portraits aux proportions exagérées et aux traits grotesques, Louise Bonnet (née à Genève en 1970) explore sans relâche des émotions de mélancolie, de solitude, de nostalgie et de chagrin dans ses œuvres sur toile ou sur papier. Son sens aigu de la réalité corporelle et son observation précise de la tension et des mouvements des parties du corps se traduisent par des extrémités pliées, des nez gonflés, des mains et des pieds enflés. Les protagonistes de Bonnet, souvent situés dans des environnements quotidiens et des intérieurs domestiques, apparaissent involontairement étirés. Leur corps semble refléter un malaise inquiétant, un état d’esprit malsain qui fait que leurs membres se tordent. Les éditions berlinoises Holzwarth Publications publient aujourd’hui un nouveau catalogue de l’artiste à l’occasion de sa grande rétrospective à la Galerie Max Hetzler (Londres) du 16 janvier au 29 février 2020. L’ouvrage présente ses dernières œuvres sur toiles grand format, quelques dessins à l’encre sur papier, ainsi que des clichés de l’exposition. Flavia Frigeri, historienne de l’art et commissaire, propose quant à elle un très bel essai de sept pages sur le travail de Bonnet. Ses peintures, inspirées par les bandes dessinées, Popeye, Peter Saul, Robert Crumb, Basil Wolverton et le surréalisme, révèlent l’étrangeté de la psychologie et de la sexualité humaines. Masculines et féminines, ses créatures sont à la fois bienveillantes et grotesques, exagérées mais jamais honteuses dans la mesure où elles semblent refléter une activité cérébrale insoupçonnée. Le livre de 80 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Holzwarth Publications et sur Amazon.com.

RAYMOND MEEKS – CIPRIAN HONEY CATHEDRAL

Art // septembre 7th, 2020

Raymond Meeks, photographe américain né en 1963, puise son inspiration dans son environnement proche. La famille, la maison, l’habitat de l’homme, comment ce dernier apprivoise la nature et inversement sont ses sujets de prédilection. Meeks est réputé pour son usage de la photographie et du livre de photos pour distiller poétiquement les jonctions liminales de la vision, de la conscience et de la compréhension. Ciprian Honey Cathedral, son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques Mack, se concentre davantage sur le foyer, sondant délicatement la lisibilité de notre environnement matériel et des personnes les plus proches de nous. Le photographe est depuis longtemps fasciné par la façon dont nous construisons le monde qui nous entoure; comment nous transportons nos biens, ces conforts accumulés, ces héritages, marqueurs de succès matériel; comment nous ornons les maisons d’arbres et d’arbustes, une pendule pour compter les heures. Trébucher sur une maison abandonnée ou une pelouse négligée devient une recherche d’indices communs à de minuscules transgressions cachées. Cette question de connaissance et de compréhension est peut-être la plus drastique dans notre réalité solipsiste. Meeks a également photographié sa compagne, Adrianna Ault, tôt le matin avant son réveil, au moment où la vie domestique quotidienne converge avec l’état de sommeil le plus profond. Cet état critique de transe inerte est un lieu de répit sous la surface de la conscience, libéré du chaos et de l’incertitude du monde sensible, et fait allusion à la menace voilée que, en fin de compte, nous sommes totalement inconnus les uns des autres. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une édition spéciale limitée à 150 exemplaires et comprenant le livre numéroté et signé, un exemplaire du livre errata, un tirage et un autoportrait d’Adrianna Ault [10×8″], numéroté et signé par Ault & Meeks, est également disponible ici.

MARGARET DUROW – 002

Art // septembre 4th, 2020

L’ouvrage 002 de la jeune photographe américaine Margaret Durow est la deuxième édition d’une collaboration en cours entre les éditions britanniques Setanta Books et la galerie Open Doors, qui publie les travaux de photographes émergents du monde entier. Durow, qui nous livre ici sa vision contemplative du monde, revient sur ce nouveau projet: « La plupart de mes travaux ont été photographiés dans le Wisconsin, où j’ai vécu toute ma vie. Lorsque j’avais cinq ans, une tumeur bénigne a été découverte dans ma colonne lombaire, ce qui a progressivement fait courber ma colonne au fil du temps. En 2007, j’ai connu de graves complications à la suite de l’opération qui a permis de redresser et de souder ma colonne vertébrale en place. Onze ans plus tard, j’ai subi d’autres opérations de reconstruction de la colonne vertébrale qui ont échoué et ont entraîné des déficiences supplémentaires. La photographie me permet d’exprimer ce que je ressens, et de transformer la douleur et l’isolement de mon corps déformé et handicapé en beauté et en force. J’essaie de refléter ce que je ressens à l’intérieur lorsque je capture les changements subtils de lumière, d’humeur et de paysages qui m’entourent. Je prends des photos pour me souvenir de ce que je ressens. » En explorant la nature transitoire de la mémoire, Durow utilise la photographie comme un outil pour préserver un sentiment. Elle donne ainsi à son travail une qualité intime et pertinente alors qu’elle documente le monde qui l’entoure. Le livre de 48 pages, enveloppé dans une pochette cartonnée et produit dans une édition limitée à 250 exemplaires (dont 30 exemplaires accompagnés d’un tirage 150mm x 200mm signé et numéroté), est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books, ainsi que sur le site de la galerie Open Doors.

MARIA SVARBOVA – FUTURO RETRO

Art // septembre 2nd, 2020

Bien qu’elle n’ait jamais consciemment fait l’expérience du socialisme soviétique, le nouveau livre de l’artiste slovaque Maria Svarbova (née en 1988), Futuro Retro (publié par les éditions suédoises The New Heroes and Pioneers), s’appuie sur les codes esthétiques – couleurs, formes, vêtements, architecture, conception spatiale – de l’époque socialiste. Dans la lignée de son livre à succès Swimming Pool sorti en 2017, cette nouvelle monographie, composée de douze séries, crée une vision d’un futur inspiré du passé. Travaillant avec des lieux réels ainsi qu’avec des décors créés artificiellement, les images de Svarbova jouent sur un sentiment de « fausse nostalgie » en imaginant des scènes chez le médecin ou le boucher, de la vie conjugale et d’autres situations sociales ou privées telles qu’elles auraient pu se produire dans une réalité alternative. Elle considère les restes d’architecture et d’ambiance communistes comme des trésors d’enfance et elle aime explorer la nostalgie de ces designs, notamment à travers un travail sur les piscines de son pays, fascinée qu’elle est par leur beauté géométrique. Malgré un certain recours à l’esthétique du passé, les photographies de Svarbova parviennent à présenter des créations visuelles très créatives qui évitent la romantisation. Cadre rétro, futurisme, atmosphères de rêve, nostalgie, immobilité et isolement de la vie contemporaine sont les maitre-mots des photographies de Maria Svarbova. Avec ce superbe ouvrage, le lecteur ressent toute la solitude de la scène à travers des images presque cinématographiques et un style visuel minimaliste unique en son genre. Futuro Retro est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The New Heroes and Pioneers ainsi que sur Amazon.com.

MATT STUART – INTO THE FIRE

Art // août 31st, 2020

Membre de la célèbre agence Magnum Photos depuis 2016, Matt Stuart capture des bribes de la vie londonienne qui montrent à quel point la vie urbaine peut être étonnante. Les images du photographe britannique sont pleines d’astucieuses juxtapositions de comédie, d’esprit et de moments magistralement minutés, coupant à travers le bruit urbain, les flux et les reflux du trafic humain pour révéler des moments pleins d’esprit, de tendresse et de magie qui disparaissent aussi vite qu’ils sont apparus. Après le succès de sa première monographie (All That Life Can Afford – 2016), les éditions britanniques Setanta Books publient aujourd’hui le nouvel ouvrage du photographe, intitulé Into the Fire. Le livre documente la vie quotidienne des personnes vivant à Slab City, une communauté indépendante et isolée, installée sur une ancienne base militaire dans le désert de Sonoran, juste au nord de la frontière mexicaine. Elle abrite des voyageurs, des passionnés de chiens, des voleurs, des vétérans de l’armée, des artistes et des inventeurs. Sa population compte des milliers de personnes en hiver, et en été, lorsque les températures peuvent dépasser 49°C, elle se réduit à quelques centaines. Les véritables « slabbers » sont les personnes qui ont réussi à survivre à deux étés. Ce sont les personnes que Stuart a rencontrées et photographiées. C’est un monde où les gens construisent des bunkers couverts de terre pour vivre, et se baignent dans les sources boueuses du désert, où les pneus sont utilisés comme guirlandes décoratives… Si Slab City peut apparaître pour beaucoup comme un véritable bidonville américain, il est également un petit paradis pour les adeptes de la débrouillardise. Derrière l’image de violence qui est véhiculée par un grand nombre de voyageurs, se cache en fait une tout autre réalité, celle d’une communauté qui s’organise et apprivoise cet espace désertique. Into the Fire laisse apparaître Slab City comme un lieu où tout est possible, le pire comme le meilleur. Et c’est là tout le paradoxe et tout l’intérêt de l’endroit. Aux yeux des personnes de l’extérieur, c’est un taudis où règnent la criminalité et l’insalubrité. Pour ceux qui y résident, c’est une oasis de liberté, un lieu de rencontres improbables, un lieu de totale indépendance. Le livre de 100 pages, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires avec deux couvertures différentes, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Setanta Books.