Category Archives: Art

MARTIN PARR – NO SMOKING

Art // février 18th, 2025

Les éditions Rocket Press de la galerie londonienne Rocket Gallery publient aujourd’hui la seconde édition du dernier livre de Martin Parr: No Smoking. Tout au long de sa carrière, le célèbre photographe britannique a capturé la vie quotidienne telle qu’elle est réellement et, en fouillant dans les archives, il est difficile de ne pas tomber sur une cigarette, un cigare, une pipe ou, ces dernières années, sur la redoutable vape. Alors que l’on murmure que le Royaume-Uni interdira l’achat de tabac à toute personne née après 2009, le moment semble idéal pour proposer un commentaire typique de Parr sur la relation en constante évolution que la société entretient avec le tabagisme. “Les fumeurs peuvent être plus intéressants. J’ai toujours apprécié les gens que je rencontrais à l’arrière de l’avion, même si je ne fumais pas moi-même”, explique le photographe. La fascination, inconsciente peut-être, du photographe pour la cigarette a commencé il y a longtemps. Et si cet ouvrage, titré No Smoking, non sans une pointe de l’ironie qui a fait son succès, a pour sujet le tabac, ce n’était pas forcément son intention au moment d’appuyer sur le déclencheur: “Parfois, c’est une partie importante d’une photo, et parfois, il n’est qu’en arrière-plan. Ce n’est pas comme si toutes les photos que j’ai prises étaient des gens qui fument. Ce n’est même pas quelque chose dont j’avais conscience. » Couvrant l’ensemble de la carrière de Martin Parr – avec des photographies datant de 1970 à 2019 – ce livre met en lumière l’évolution de la culture du tabagisme au cours des cinq dernières décennies. Le livre de 96 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Rocket Press.

PIA-PAULINA GUILMOTH – FLOWERS DRINK THE RIVER

Art // février 7th, 2025

Des insectes, des corps couverts de boue, des chouettes, serpents et biches apprivoisées, voilà les êtres vivants chéris de Pia-Paulina Guilmoth. Photographe américaine installée dans le Maine rural, elle tisse des relations sensibles avec la nature qui l’entoure, comme autant d’actes d’amour et de guérison. À la pellicule 4×5 et par diverses techniques analogiques, elle enregistre ses expériences de cocréation menées patiemment. « Je crée des sculptures délicates à partir de soie d’araignée, de fleurs et d’autres matériaux naturels, puis j’attends que la terre, l’eau, le vent, la lumière ou un papillon de nuit égaré commencent à interagir avec elles de manière imprévisible » explique-t-elle. Les éditions britanniques Stanley/Barker publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Flowers Drink The River. révèle un paysage de rêve où la boue, la terre et la pierre enveloppent, et où les sols des forêts sont mouillés d’une rosée incandescente. En utilisant un appareil photo grand format et des techniques analogiques minutieuses, Pia trouve une présence envoûtante et mystique dans ses expériences quotidiennes au milieu des forêts, des champs et des rivières de sa maison. Les images floues de Pia, remplies d’aberrations lumineuses et de spectres incandescents, nous laissent suspendus au milieu d’un rituel. Le livre couvre les deux premières années de la transition de Pia, alors qu’elle photographie sa petite communauté dans le Maine rural, ainsi que la beauté et la terreur de vivre en tant que femme transgenre dans une petite ville. Des scènes de papillons de nuit et de soie d’araignée flottante, des corps trempés dans la boue qui s’entrelacent, une maison en feu, des copines qui se pissent dessus depuis des branches d’arbre, des animaux nocturnes et des rituels euphoriques ornent les paysages baignés d’éclairs. Sous la lune, les frontières entre les hommes, les animaux et la terre s’adoucissent et s’estompent. Flowers Drink the River est une quête animiste de beauté, de résistance, de sécurité et de magie dans un monde qui en est souvent dépourvu. C’est une note d’amour à la classe ouvrière rurale, aux femmes transgenres, aux lesbiennes, aux personnes queer et à l’arrière-pays du Maine central. Pia trouve la beauté et l’appartenance en créant une utopie cachée à peine hors de portée. L’ouvrage de 80 pages, dont l’intérieur de la couverture comporte un fac-similé d’impression 4×5 réalisé dans sa salle de bains, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley/Barker.

LARRY SULTAN & MIKE MANDEL – EVIDENCE

Art // janvier 24th, 2025

En 1977, les photographes américains Larry Sultan (1946-2009) et Mike Mandel (né en 1950) publient un livre de photographies intitulé Evidence. Le livre est l’aboutissement d’une recherche de deux ans dans les archives de 77 organismes gouvernementaux, établissements d’enseignement et entreprises, dont la General Atomic Company, les Jet Propulsion Laboratories, le département de police de San Jose et le ministère de l’Intérieur des États-Unis. Les images originales ont été réalisées comme des enregistrements objectifs d’activités inconnues du public profane : scènes de crimes, essais aéronautiques, expériences industrielles et autres sujets. Après avoir passé au crible quelque deux millions d’images, Mandel et Sultan ont assemblé une séquence soignée de 59 images. Le livre a été soigneusement conçu pour représenter les photographies en termes de leurs origines “documentaires”, sans être accompagné de légendes. Face à un monde d’événements mystérieux et d’activités insondables, le lecteur n’est confronté qu’aux images narratives séquentielles du livre et doit donc participer activement à la création de son sens. Après une édition révisée du livre en 2003 et une réimpression en 2017 – qui se sont toutes deux rapidement vendues et sont devenues des objets de collection – Evidence est de nouveau imprimé par les éditions américaines D.A.P. (Distributed Art Publishers), près de 50 ans après sa publication initiale. Cette nouvelle édition définitive présente de nouveaux clichés révélateurs – dont beaucoup ont été réalisés à partir des négatifs originaux – qui renforcent considérablement l’inquiétante objectivité véhiculée par le titre de l’ouvrage. Dans de nombreux cas, les négatifs originaux ont révélé que les agences avaient modifié l’image ; les images complètes sont restaurées ici. La reliure sans jaquette de l’édition originale de 1977 est également restaurée, ce qui souligne encore son caractère de document impersonnel et son statut canonique. Le livre de 92 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions D.A.P. (Distributed Art Publishers).

PETER HUJAR – PORTRAITS IN LIFE AND DEATH

Art // janvier 19th, 2025

Les éditions Liveright Publishing publient une nouvelle édition du classique de la photographie du légendaire Peter Hujar, avec une préface de Benjamin Moser, lauréat du prix Pulitzer. Portraits in Life and Death est le seul livre de photographies publié par Peter Hujar de son vivant. Les vingt-neuf portraits de créateurs – de William Burroughs, Susan Sontag et John Waters à Larry Ree, fondateur de la Trocadero Gloxinia Ballet Company, et T.C. (dont l’identité n’est pas claire) – possèdent une beauté obsédante et un degré d’examen psychologique à la fois décalé et fascinant. Les portraits sont suivis de onze images que l’on ne peut que qualifier de dévastatrices : des photos de corps vêtus et semi-conservés de Siciliens du XIXe siècle découverts dans les catacombes arides situées sous une église de Palerme. Il n’y a pas de lien nécessaire entre les photographies elles-mêmes ou entre les deux sections du livre, mais la progression picturale de la vie à la mort est un emblème du voyage que nous faisons tous. Les sujets vivants semblent méditer sur la mortalité qui est décrite avec un effet si profond dans les images des catacombes. De manière différente, les deux groupes d’images parlent des peurs et des émotions fondamentales que nous portons en nous, quelque part au-delà de notre conscience. Après avoir regardé ce livre extraordinaire, il est presque impossible de ne pas faire ces liens et ces interprétations ou de ne pas être ému par la capacité constante de Hujar à transmettre ce qui semble être l’esprit intérieur de ses sujets. Malgré cela, un air de nonchalance, voire de gaieté, plane sur les photographies. Le livre est étrange, oblique, parfois opaque, et certainement profondément ressenti ; mais il colle à l’esprit comme une évidence. Il ne manquera pas d’être remarqué. Une fois vu, il ne peut être oublié. Le livre de 100 pages est disponible sur la boutique en ligne des éditions Liveright Publishing.

THE SQUARZI ARCHIVE

Art // janvier 4th, 2025

Publié par les éditions américaines Schiffer Publishing, The Squarzi Archive – The Vintage Collection of an Italian Style Icon est un livre qui vous emmène dans un voyage à travers la garde-robe historique d’Alessandro Squarzi, une icône italienne du style. Au cours des trente dernières années, entre coups de génie, opérations marketing parfaitement synchronisées et collaborations avec de célèbres maisons de couture, ses archives se sont constituées pièce par pièce. Mirko di Giovanni et Andrea Ventura plongent dans les plus de 6000 pieces de la remarquable collection du fondateur de la marque Fortela et présentent une sélection de plus de 350 pièces vintage, principalement d’origine américaine et allant des années 1920 aux années 1980. Chaque pièce de la collection, qu’elle provienne des chaînes de production d’une usine, des ranchs du Sud-Ouest ou des champs de bataille de la Seconde Guerre mondiale et du Viêt Nam, raconte une histoire passionnante. Sur 176 pages, le livre célèbre un large éventail de styles à travers 5 chapitres distincts (Denim, Workwear&Outdoor, Athletic, Military et Leather Jackets), chaque pièce étant méticuleusement photographiée par David Petrini, qui a également participé à l’ouvrage en tant que co-auteur. L’histoire de ces archives est enrichie de quelques photos d’Alessandro lui-même, partageant des moments de son travail et de son temps libre. Ces moments sont liés par une sorte de fil rouge de son amour pour les choses du passé. Reflétant les styles des années 20 aux années 80, cette impresionnante collection offre une vue d’ensemble de l’évolution de la mode. À travers ces vêtements, l’évolution de l’histoire du vêtement américain se dessine depuis l’époque de la Grande Dépression jusqu’à la prospérité des années 80, dans un récit visuel qui en dit long. Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Schiffer Publishing.

BIEKE DEPOORTER – BLINKED MYSELF AWAKE

Art // décembre 26th, 2024

Ces dernières années, Bieke Depoorter est allée à la rencontre d’astronomes amateurs, a visité des observatoires ultramodernes et a fait des recherches sur l’histoire de l’astronomie. N’ayant jamais été particulièrement intéressée par ce domaine, elle s’est progressivement rendue compte que sa nouvelle obsession était liée à des souvenirs d’enfance perdus à la suite d’un traumatisme. Le ciel nocturne est, après tout, une sorte de mémoire partagée : la lumière des corps célestes peut prendre des centaines ou des milliers d’années-lumière pour atteindre nos yeux sur terre. Certaines étoiles observables peuvent avoir disparu depuis longtemps. La photographe belge, membre de l’agence Magnum depuis 2014, était réticente à l’idée d’observer elle-même les étoiles, mais elle était attirée par l’idée d’observer d’autres personnes qui observaient l’univers. Dans Blinked Myself Awake, son nouvel ouvrage publié par les éditions Hannibal Books, elle tisse la fragilité de la mémoire avec l’immensité du cosmos, le manque de fiabilité de la photographie, le désir humain d’objectivité et la nature insaisissable de la « vérité ». Elle relie les points d’un récit très personnel, entremêlant des images d’observateurs d’étoiles avec des textes de journaux intimes et des fragments de l’histoire de l’astronomie – une science qui a été changée à jamais par l’invention de la photographie. Les photos fragmentées, les textes décolorés et les matériaux délicats reflètent la façon dont nous nous souvenons et oublions. Comme la lumière des étoiles disparues, son travail capture la beauté de ce qui persiste et la perte de ce qui disparaît, sentiments à la fois personnels et universels. Le livre de 136 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions belges Hannibal Books.

LUIS GARCIA – BEAUTY BEAUTY

Art // décembre 18th, 2024

Le photographe new-yorkais Luis Garcia, connu pour ses photographies de rue, éditoriales et de mode, vient de sortir sa toute première monographie aux éditions Konnotation Press. Beauty Beauty est une compilation éclectique de photos prises alors que Garcia vivait à Harlem, une véritable ode au quartier et à ses changements constants. Observateur attentif de son environnement, Garcia a réussi à trouver la beauté dans des endroits où elle est généralement ignorée, mêlant humour et authenticité pour produire un instantané pertinent de la vie urbaine. Les images dans ce livre représentent des scènes de vie et de survie face à un mouvement rapide et radical de l’histoire à Harlem, où les bâtiments et les communautés sont périodiquement détruits et reconstruits. Les œuvres donnent forme à un sentiment d’appartenance et d’identité qui va à l’encontre des stéréotypes et de la mystification de ce quartier. Avec un séquençage et un rythme uniques, l’ouvrage documente l’humanité et l’esprit des résidents, tout en confirmant la nature fondamentale de Harlem : un quartier vibrant, important et essentiel, célèbre dans le monde entier, qui fait face à un avenir radicalement changeant. Le photographe explique : « Il y a beaucoup de beauté à Harlem. J’y ai vécu pendant longtemps. C’est un quartier en constante évolution. Pendant que j’y vivais, je photographiais partout où j’allais, même en entrant et en sortant de Harlem. L’ouvrage contient des photos du métro qui soulignent la beauté changeante de la vie quotidienne. » Pratiquement épuisé de toute part, le livre de 164 pages, qui comprend un essai signé Emilie Nilsson, est maintenant disponible dans une édition limitée à 250 exemplaires seulement sur la boutique en ligne des éditions Konnotation Press.

LISA BARLOW – HOLY LAND U.S.A.

Art // décembre 12th, 2024

Lisa Barlow, photographe basée à Brooklyn, au Colorado et à Mexico, a été influencée par ses études auprès de Larry Fink à Yale et explore les capacités narratives de la photographie. Avec une carrière de documentariste pour la télévision publique, d’enseignement dans des écoles privées de New York et la commémoration de nombreux événements, le travail de Barlow reflète son sens aigu de la capture de la poésie et du drame dans les rencontres quotidiennes. Les éditions britanniques Stanley / Barker publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Holy Land U.S.A.. Au cours de l’été 1980, Barlow suit la courbe de la route 69 du Connecticut dans une voiture de location déglinguée, lorsqu’elle aperçoit une croix géante surplombant l’autoroute. La photographe avait entendu parler de Holy Land U.S.A., mais n’avait jamais vu cette réplique minutieuse en miniature de Jérusalem, avec des scènes de la Bible illustrées de préceptes et de citations bibliques gravés dans le ciment. Elle y découvre la maison de Pilate, l’auberge avec un panneau « No Vacancy », une masse momifiée peinte en blanc à la bombe représentant la femme de Lot transformée en sel, et un Lucifer à l’air repentant enfermé dans une petite cage pour chien. Construit 20 ans plus tôt avec du béton, du plâtre, du fil de fer et du bois, le diorama a été réparé avec parcimonie à l’aide de matériaux modernes tels que le plastique et le revêtement en aluminium. L’Escalier du Paradis, des marches en asphalte craquelé qui montent la colline, était bordé d’une clôture cyclonique, et le Jardin d’Eden était complètement masqué par d’épaisses vignes sous un parasol en tôle. C’est de là que Balow vit pour la première fois la ville de Waterbury s’étendre sous ses pieds, les clochers des églises et les cheminées des usines formant une étrange juxtaposition avec les bâtiments de la Terre Sainte, hauts de quelques mètres. « Très vite, ce n’est pas seulement la fascination pour Holy Land qui m’a poussée à revenir à Waterbury. Ce sont les gens qui ont capté mon attention, mon imagination et, finalement, mon amour. Voici l’histoire de cette année en images », explique la photographe. Les images de Barlow sur Waterbury et ses particularités typiquement américaines sont empreintes d’une rare empathie et d’une complexité visuelle intense. Le livre de 104 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

JASON LEE – TX | CA 19

Art // novembre 28th, 2024

L’acteur/photographe (ancien skateur professionnel) Jason Lee vient de publier son nouvel ouvrage: TX | CA 19 aux éditions britanniques Stanley / Barker. Il s’agit du dernier volet d’une exploration photographique de l’Amérique rurale, qui a démarré il y a maintenant deux décennies sur les routes secondaires de Californie, avec des films Polaroid grand format. Les images paisibles d’un paysage américain en déclin présentées dans ce livre ont été prises en juin et juillet 2019 lors d’un voyage en voiture vers la Californie depuis son État d’adoption, le Texas. Il s’agit de la dernière de ces sorties photographiques avant qu’il ne se réinstalle dans sa Californie du Sud natale en septembre. Lee explique: « Beaucoup de ces photographies en couleur ont été prises le long et autour des autoroutes 287 et 40/66, de Decatur, TX à la Californie – un tronçon que j’ai parcouru dans un sens ou dans l’autre à maintes reprises et que j’aime beaucoup, me faisant un devoir de revisiter certains endroits et de produire des photographies actuelles. C’est ainsi que vous trouverez un certain nombre de scènes répétées dans ce compagnon de TX | CA 17. Ici, cependant, lorsque j’étais en Californie cette fois, bien que j’aie photographié dans le désert à l’est de Los Angeles entre les autoroutes 40 et 10 où j’avais déjà fait une poignée des images présentées dans la section californienne de 17, je n’ai pas exposé de film couleur. Au lieu de cela, les images californiennes ont été prises en direction du nord, le long des autoroutes 14/395 et 6, après avoir quitté L.A. pour rentrer chez moi. Une route que je ne prends pas assez souvent et que je n’avais pas prise deux ans auparavant. C’est une belle région. Et par coïncidence, c’est dans cette région que j’ai réalisé certaines de mes premières photos depuis la route lorsque j’ai commencé à photographier le paysage américain en 2006 ». Le photographe fait une fois de plus preuve d’une grande maîtrise de la narration et d’une capacité unique à capturer la beauté naturelle et brute, principalement en jouant avec la lumière naturelle. Le livre de 120 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

DAIDO MORIYAMA – RECORD 2

Art // novembre 23rd, 2024

Né au Japon en 1938, Daido Moriyama est l’un des plus importants photographes contemporains. Membre de l’avant-garde artistique japonaise d’après-guerre, il a commencé son œuvre au milieu des années 1960. Auteur de plus de 180 livres mêlant photographies, textes théoriques et techniques d’impression diverses mais aussi performances et dispositifs d’installations, il a exploité toutes les formes du medium photographique et a contribué à redéfinir la pratique de la photographie de rue. Membre du mouvement Provoke qu’il rejoint en 1968 pour la deuxième édition de la revue éponyme, Daido Moriyama produit une œuvre riche, dense et protéiforme. Ses photographies –souvent décrites comme brutes, floues et troubles (l’esthétique du “are, bure, boke”), ont donné naissance à une nouvelle pratique de la photographie de rue où l’artiste, qui rôde sur la route, est en prise avec l’espace public. Le travail de Daido Moriyama embrasse aussi la technique de la sérigraphie, qu’il utilise dès les années 70, tant pour produire des livres que des œuvres à exposer. Créée par Daido Moriyama en 1972, la revue Record est pour lui un espace d’expression à mi-chemin entre le journal intime et le journal de terrain : trois ou quatre fois par an, il y publie une sélection des photographies qu’il prend au quotidien. Publié par les Éditions Textuel et faisant suite à l’ouvrage Record publié en 2017 et qui contient les numéros 1 à 30, Record 2 réunis les fac-similés des numéros 31 à 60, dévoilant des clichés pris entre 2016 et 2021 : un corpus riche de 300 images pour se perdre dans un dédale de géographies urbaines et intimes. Moriyama explique que la mythique revue est « le grand oeuvre et le fil rouge de sa vie de photographe ». Si le plus radical des photographes japonais exprime dans ce nouveau volume un point de vue plutôt contemplatif, l’œil conserve son acuité sauvage et poétique. Silhouettes énigmatiques, bouches pulpeuses, urbanité chaotique, silences suspendus, signes et présages : les photographies farouchement contrastées de Moriyama témoignent de son audace graphique et se révèlent admirablement indociles. Le livre relié de 352 pages, présenté dans un superbe coffret, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des Éditions Textuel ainsi que sur Amazon.fr.

CAROLYN DRAKE / ANDRES GONZALEZ – I’LL LET YOU BE IN MY DREAMS IF I CAN BE IN YOURS

Art // novembre 13th, 2024

I’ll let you be in my dreams if I can be in yours est le nom du nouvel ouvrage des photographes Carolyn Drake et Andres Gonzalez, publié par les éditions britanniques MACK. Le couple s’est lancé depuis 2018 dans un voyage en collaboration le long de la frontière entre les États-Unis et le Mexique, créant un portrait fascinant de la vie dans ces zones frontalières, mêlant rencontres fortuites et récits imaginaires. Appareils photo en main, ils traversent ensemble les villes et les cours d’eau, photographiant les mêmes sujets sous des angles différents et capturant des scènes quotidiennes qui semblent à la fois mises en scène et ad hoc. La série d’images étranges qui en résulte met en lumière la pertinence des liens humains tout en confrontant les défis de la relation à l’autre, de la recherche d’un équilibre et du défi des identités conventionnelles. À travers cette séquence saisissante, Drake et Gonzalez réfléchissent à leurs différentes histoires familiales de migration et d’identité et à la manière dont leurs origines se croisent et divergent. Évitant délibérément la tentation de suivre un récit singulier ou de figer un moment fugace dans le temps, leurs images suggèrent au contraire la nature multiforme de l’existence le long de la frontière. Drake et Gonzales expliquent: » Les associations visuelles que nous réalisons de part et d’autre de la frontière entre les États-Unis et le Mexique reflètent notre défi commun : trouver l’équilibre, établir des relations et défier les attentes de notre propre scénario. Nous faisons des images ensemble mais séparément, en regardant presque les mêmes choses presque en même temps. Nous sommes attirés par la façon dont l’identité est négociée dans les zones frontalières – les gens, les villes et les voies navigables qui sont à la fois l’un et l’autre, perpétuellement divisés et traversés. Nous essayons constamment de trouver des moyens de nous écarter de l’approche de la photographie qui présente les images comme des visions singulières et complètes. Nous avons commencé par la photographie de rue, en photographiant des personnes et des lieux que nous trouvions par hasard, mais au fur et à mesure que nous en apprenions plus sur chaque lieu et que nous interagissions avec les gens, nous avons commencé à imaginer des scènes que nous voulions mettre en scène et créer à partir de l’environnement. Tout en travaillant sur le projet, nous nous suggérons constamment des idées de prises de vue. Les idées sont fréquemment rejetées par l’autre personne, mais si nous continuons à les défendre, elles sont parfois approuvées. C’est une négociation constante. « Le livre de 144 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des editions MACK.

LARRY CLARK – RETURN

Art // novembre 6th, 2024

Larry Clark fait irruption sur la scène artistique new-yorkaise en 1972, avec la parution de Tulsa, un modeste ouvrage au tirage limité qui présente des photographies de ses amis, de jeunes marginaux au parcours erratique : photographies informelles de leur quotidien, fait de drogue et de violence, « des photos interdites, des photos qu’on n’était pas censés faire, d’une vie qui n’était pas censée avoir lieu ». Brisant les tabous de l’époque, ce récit coup de poing est devenu un livre culte mais il a également suscité une controverse immédiate à travers le pays. Ses représentations graphiques du sexe, de la violence et de la toxicomanie dans la culture des jeunes de l’Oklahoma ont été acclamées par les critiques pour avoir mis à nu le mythe selon lequel l’Amérique centrale avait été immunisée contre les convulsions sociales qui ont secoué l’Amérique dans les années 1960. Les images brutes et obsédantes prises en 1963, 1968 et 1971 documentent une culture jeune progressivement submergée par l’autodestruction et sont aussi émouvantes et dérangeantes aujourd’hui qu’à leur apparition. 50 ans plus tard, Larry Clark revient sur ses archives de tirages anciens, élaborant une vision puissante de son travail de 1962 à 1973, pour produire son nouveau livre publié par les éditions Stanley / Barker Return, une monographie grand format méticuleusement imprimée, qui est aussi choquante aujourd’hui qu’elle l’a toujours été, même à une époque où la dépendance aux opioïdes est plus répandue que jamais. L’artiste explique: « J’ai toujours été intéressé par les petits groupes de personnes marginalisées dont personne ne connaîtrait l’existence autrement. J’ai photographié mes amis sur une période de dix ans, dans ce monde secret que personne d’autre n’aurait pu pénétrer, sauf quelqu’un de l’intérieur comme moi. Vous nous voyez depuis l’adolescence jusqu’à la vingtaine, et vous voyez comment tout a changé et comment nous avons changé. Les drogues n’étaient pas censées exister à l’époque. C’était censé être la tarte aux pommes de maman et les clôtures blanches. Quand j’ai commencé à travailler, je me suis dit : Pourquoi ne pas tout montrer ? » Ce magnifique ouvrage de 72 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Stanley / Barker.