Category Archives: Art

KJETIL KARLSEN – WATCHING THE SILENCE

Art // août 7th, 2024

Kjetil Karlsen est un photographe du nord de la Norvège qui capture l’essence de l’influence de la nature sur les émotions humaines et l’expérience humaine collective. Il utilise une gamme variée de techniques photographiques analogiques et numériques et met l’accent sur l’authenticité en utilisant l’éclairage naturel pour capturer ses sujets. Karlsen s’inspire de la profondeur des émotions humaines et explore les thèmes de la vulnérabilité et du lien inhérent entre les individus et leur environnement naturel. Publiée par les éditions norvégiennes Skeleton Key Press, la première monographie de Kjetil Karlsen, Watching the Silence, invite le lecteur à s’aventurer dans les paysages isolés et reculés du nord de la Norvège, vus à travers l’objectif singulier de l’artiste. Ici, les expériences de vie de Karlsen sont distillées dans un monde qui est à la fois familier et intrigant. Le livre présente près de 90 clichés en noir et blanc, répartis en six chapitres et imprimés dans des tons sombres, riches et froids qui capturent la beauté et les extrêmes des éléments distincts du Grand Nord. Les photographies de Karlsen servent de passerelles vers des thèmes mythologiques et psychologiques, dévoilant le lien profond entre le corps, l’âme et la nature. Comme le décrit avec éloquence Arno Rafael Minkkinen, le célèbre photographe dont l’avant-propos ouvre le livre, Watching the Silence est « une sorte de visite non guidée par des fantômes, des vagabonds unijambistes et des étrangers sans âme qui exécutent leurs cascades défiant la gravité, réalisent de tendres accouplements et déploient leurs énergies psychiques dans un paysage énigmatiquement désolé, mais guère hostile ». Le photographe explique quant à lui : « Lorsque je crée, je suis entièrement tributaire de la lumière. Cependant, je cherche à exprimer des émotions universelles issues du silence profond qui règne en nous, tout au fond de l’échelle des gris. Nous portons tous cette noirceur, mais la plupart d’entre nous essaient de l’éviter à tout prix. J’aime la lumière et la joie, mais la lumière ne serait pas aussi précieuse sans la mélancolie de l’obscurité. C’est comme l’euphorie d’un nouvel été après un hiver long, sombre et froid ici dans le nord. » Le livre de 152 pages, avec un tirage limité de 500 exemplaires, est maitenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Skeleton Key Press.

INUUTEQ STORCH – NECROMANCER

Art // août 3rd, 2024

Inuuteq Storch est un jeune photographe originaire du Groenland, où le paysage et le climat sont des éléments déterminants et où la nature règne sur les rythmes de la vie. Les images personnelles, poignantes et parfois surréalistes de Storch documentent le monde qui l’entoure et les personnes qui y vivent, que ce soit à New York, comme dans son livre de photos Flesh, ou dans sa ville natale de Sisimiut, qui est le point central du livre Keepers of the Ocean (voir ici). Le fil conducteur de l’œuvre de Storch est son héritage. Il cherche à créer des récits à partir d’une perspective groenlandaise et à offrir ainsi aux autres un aperçu du Groenland d’hier et d’aujourd’hui. Son nouveau livre publié par les éditions Marrow Press, Necromancer, explore plus particulièrement la société groenlandaise pendant le Covid. Storch s’intéresse ici aux effets et aux conséquences d’une pandémie sur une société comme celle du Groenland. Les images ne sont pas des archives classiques (et ne proviennent pas uniquement du Groenland), mais plutôt des aperçus arbitraires d’émotions et d’atmosphères, imprégnés d’une intimité et d’une mélancolie qui semblent fortement liées à la spiritualité. Pendant la création du livre, la fascination de Storch pour l’occultisme et le lien entre les mondes physique et spirituel s’est accrue – d’où son titre, Necromancer. Parallèlement, les images sont nées du contexte post-apocalyptique d’une pandémie mondiale, de ses conséquences personnelles accablantes et du sentiment d’être seul au monde. Comme toutes les œuvres de Storch, le livre possède une veine poétique distincte qui invite les lecteurs à s’immerger dans l’agitation de Storch ou à s’appuyer sur les images pour créer leurs propres récits. Ce livre consolide la position de Storch comme l’une des voix les plus importantes de sa génération dans le domaine de la photographie artistique et révèle un monde de mysticisme, de relations, d’isolement, de désir, d’amour et de complexité. Le livre est une manifestation convaincante du regard unique que Storch porte sur lui-même et sur son environnement, nous invitant à regarder de plus près la culture groenlandaise – vue à travers les yeux des Groenlandais. Le livre de 224 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions danoises Marrow Press.

KAREN KNORR – COUNTRY LIFE

Art // juillet 30th, 2024

Figure emblématique de la photographie contemporaine, Karen Knorr appartient à une génération d’artistes ayant remis en question la nature de la photographie. Américaine née à Francfort-sur-le-Main, en Allemagne, elle a grandi à San Juan, à Porto Rico, dans les années 1960 et a fait ses études à Paris et à Londres. L’œuvre de Knorr a développé un dialogue critique et ludique avec la photographie, utilisant différentes stratégies visuelles et textuelles pour explorer son sujet, en se concentrant sur des thèmes qui vont de la famille et du style de vie à l’animal et sa représentation dans un contexte muséal. Knorr utilise la photographie pour explorer les traditions culturelles occidentales, des clubs de gentlemen de Saint James aux élégantes maisons de campagne palladiennes, présentant et commentant la société britannique. Son travail entretient constamment un dialogue critique avec l’art conceptuel, la culture visuelle, le féminisme et les études sur les animaux. Série commandée à l’origine par la Photographers’ Gallery pour une exposition collective intitulée Britain in 1984, Country Life de Karen Knorr – aujourd’hui publié par les éditions Stanley / Barker – explore les attitudes de l’aristocratie britannique dans les années 1990 à travers l’image et le texte. Les images raffinées de Knorr ont été prises à Londres, en Écosse et dans l’Oxfordshire, dans des intérieurs privés et des jardins aménagés selon les canons pittoresques du dix-huitième siècle. Sa série rassemble un certain nombre d’indices à la manière d’un détective présentant des propositions qui, ensemble, mènent à l’exposition d’une petite partie de la société, qui, bien que peu nombreuse, reste indubitablement puissante et influente dans l’Angleterre de 1984. La photographe explique: « Bien que l’on m’ait demandé de documenter les changements créés par les nouvelles technologies, j’ai plutôt choisi de me référer aux attitudes et aux activités de la noblesse terrienne britannique, des aspects de la Grande-Bretagne de 1984 qui avaient peu changé. Country Life, comme mes œuvres précédentes Belgravia (1979-81) et Gentlemen (1981-83), parodie les attitudes de classe, les idées reçues des années 1980 sous le Thatchérisme. (Cette série diffère en ce sens que je m’approprie les genres de la nature morte et du paysage pour tracer les traces de la classe de loisir. La nature, comme les objets photographiés, est une propriété. Les objets à l’intérieur et à l’extérieur servent à commémorer les histoires familiales passées. En observant Country Life aujourd’hui, on constate que le développement de la société sans classe du travail est encore un projet auquel il faut aspirer. Les réseaux sociaux fondés sur la faveur, les privilèges et les accidents de naissance perdurent en dépit des nouvelles technologies et du progrès ». Le livre est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Stanley / Barker.

JERRY HSU – THE BEAUTIFUL FLOWER IS THE WORLD

Art // juillet 22nd, 2024

Après une carrière prolifique en tant que skateur professionnel, Jerry Hsu a entamé une nouvelle période de sa vie en tant que propriétaire, directeur artistique, team manager de la marque florissante Sci-Fi Fantasy, et photographe de renom. Après le succès de la première édition du livre The Beautiful Flower is the World du photographe californien sortie en 2019, les éditions américaines Anthology Editions publient une seconde édition de l’ouvrage. Le légendaire skateur et artiste a lancé son blog NAZI GOLD en 2009 pour y déposer les photos de téléphones portables qu’il collectionnait parallèlement à ses activités photographiques et cinématographiques plus traditionnelles : clichés d’amis et d’inconnus, curiosités routières et tout ce qui semblait mériter d’être partagé instantanément avec ses pairs et le grand public. Au cours des années qui suivirent, le site passa d’un exercice de prise de notes visuelles à une incarnation hystérique unique du sens artistique aigu de Hsu et de son esprit acéré. Documentant ses voyages à travers les hauts et les bas de notre culture, le travail de Hsu capture tout, des t-shirts bootlegs aux graffitis dans les toilettes, en passant par les vérités inattendues et les moments d’humanité surprenants qui surviennent occasionnellement. Le photographe explique: « J’ai aimé le fait que ce soit évident : les photos de téléphone portable étaient suffisamment mauvaises », explique Jerry Hsu. « Ce que je préfère, c’est qu’elles ne ressemblent ni à une pellicule, ni à une bonne photo numérique. Je pense qu’elles ont informé l’époque. Les photos sont destinées à être envoyées à un autre téléphone et la qualité se dégrade à chaque fois que vous les envoyez, que vous les publiez et que vous les affichez sur votre bureau. Il y a là quelque chose qui me plaît – elles ne sont pas vraiment destinées à survivre ». Chronique d’une créativité infaillible et d’une intelligence sans fin des ironies profondes de notre monde moderne, The Beautiful Flower Is the World rassemble le meilleur des photographies du blog de Hsu en un ensemble captivant et immersif. Le livre de 286 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Antholoy Editions.

JACK LUEDERS-BOOTH – WOMEN PRISONER POLAROIDS

Art // juillet 7th, 2024

En 1970, Jack Lueders-Booth a quitté sa carrière commerciale à 35 ans pour se consacrer à la photographie. Il a enseigné la photographie à l’Université de Harvard de 1970 à 1999, où il a été nominé trois fois pour le Harvard Joseph P. Levinson Memorial Award for Outstanding Teaching. À l’automne 1977, il commence à enseigner la photographie aux détenues du MCI Framingham, une prison pour femmes. Au cours des dix années passées dans l’établissement, il a réalisé une série d’images Polaroid en collaboration avec les femmes qui vivaient dans la prison. 32 de ces images sont présentées dans ce nouveau livre publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, accompagnées de récits oraux et de poèmes recueillis à l’époque par le photographe. Fondé en 1878, le MCI Framingham a été ouvert pour accueillir les femmes incarcérées pour avoir donné naissance à un enfant hors mariage (le crime de Hester Prynne dans le roman de Nathaniel Hawthorne de 1850, La lettre écarlate). Quelques années plus tard, le centre de détention de Framingham a commencé à incarcérer des femmes pour vol à l’étalage, prostitution organisée, consommation et trafic de stupéfiants, vol à main armée, maltraitance d’enfants et meurtre. De nombreuses femmes incarcérées à Framingham ont été condamnées pour avoir aidé leur mari ou leur petit ami à commettre des crimes. Au milieu des années 70, l’établissement pénitentiaire faisait partie d’une expérience de normalisation en cours qui visait à atténuer les conséquences psychologiques de l’incarcération. Dans les images de Booth, ni les détenus ni les gardiens ne portent d’uniforme, les cellules ressemblent à des dortoirs et les détenus peuvent les meubler et les décorer dans le respect des directives. Les détenus de sexe masculin ont été introduits, constituant 20 % de la population carcérale. Booth explique: « Mon séjour devait se terminer en 1979, mais j’avais alors commencé à photographier ces femmes, et ce qui avait débuté à leur demande a fini par m’occuper personnellement et pleinement. J’ai souhaité continuer et je l’ai fait, en restant au MCI de Framingham pendant encore 7 ans, à photographier, tout en donnant des cours aux détenues qui s’intéressaient toujours à la photographie ». Le livre, décliné en quatre couvertures différentes, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

LOLA & PANI – BUMPS

Art // juin 30th, 2024

À l’occasion de l’exposition de Lola Paprocka and Pani Paul à la galerie londonienne 10 14 Gallery, les éditions Palm* Studios publient Bumps, le nouvel ouvrage du duo de photographes établis à Londres. Réalisé au cours d’une décennie, ce nouveau corpus explore les joies et les difficultés de l’adolescence, y compris la quête apparemment sans fin d’identité, de sens et d’appartenance. Rassemblant des portraits et des paysages, l’ouvrage, co-édité par l’ancien rédacteur en chef d’i-D Alastair Mckimm et dirigé par Jonny Lu, présente une exploration de l’adolescence à la fois ludique et poignante. Dans les images prises entre la Pologne et l’Australie (les pays respectifs des deux photographes), mais également le Royaume-Uni, les États-Unis et la Serbie, on peut voir les sujets tenir des téléphones cassés, se raser la tête les uns les autres et montrer des coupures sur leur peau. Les récits implicites sont d’une grande sincérité et trouveront un écho chez de nombreux lecteurs, leur rappelant une époque à la fois insouciante et marquée par l’insécurité. Cette dichotomie de la jeunesse se retrouve tout au long de Bumps, et le duo affirme que le fait d’avoir documenté cette période au cours des dix dernières années leur a donné beaucoup d’espace pour réfléchir à leurs propres expériences formatrices. Lola explique: « L’adolescence recèle tant d’expériences, tant d’énergies à photographier. Nous voulions que le livre soit perçu comme une explosion de souvenirs. » Le livre de 134 pages, conçu avec un reliure à plis français, est limité à 750 exemplaires et est disponible sur la boutique en ligne des éditions britanniques Palm* Studios.

CHRIS KILLIP – SKINNINGROVE

Art // juin 25th, 2024

Les efforts continus de Chris Killip pour mettre en valeur et documenter la vie des personnes touchées par les changements économiques dans le nord de l’Angleterre, tout au long des années 1970 et 1980, ont fait de lui l’une des figures les plus influentes de la photographie britannique. Les éditions Stanley / Barker publient aujourd’hui un nouvel ouvrage du photographe, Skinningrove, la dernière publication à laquelle Killip a travaillé avant son décès en 2020. Le village de Skinningrove se trouve sur la côte nord-est de l’Angleterre. Caché dans une vallée escarpée, il s’éloigne de la route principale et fait face à la mer du Nord. Les photographies de Chris Killip réalisées entre 1982 et 1984 sur cette communauté ouvrière farouchement indépendante, sont probablement son œuvre la plus intime. Le photogrape explique: «Comme beaucoup de communautés de pêcheurs très soudées, elle peut être hostile aux étrangers, en particulier à ceux qui possèdent un appareil photo. “Now Then” est la salutation standard à Skinningrove ; un substitut difficile au plus habituel « Hello ». L’endroit avait un avantage certain, et il a fallu du temps pour que cet étranger soit toléré. Mon plus grand allié pour me faire accepter était Leso (Leslie Holliday), le plus extraverti des jeunes pêcheurs. Leso et moi n’avons jamais parlé de ce que je faisais là-bas, mais lorsque quelqu’un remettait en question ma présence, il intercédait et se portait garant de moi en disant : « Il est OK ». Cette simple approbation suffisait. J’ai photographié pour la dernière fois à Skinningrove en 1984, et je n’y suis pas retourné pendant trente ans. Lorsque j’y suis retourné, j’ai été choqué par l’ampleur du changement, car seul un bateau pêchait encore. Pour moi, la raison d’être de Skinningrove était liée à son obsession collective pour la mer. Les pêcheurs de Skinningrove pensaient que la mer qui s’étendait devant eux était leur territoire privé, à eux seuls. Sans l’énergie compétitive issue de la pêche, l’endroit semblait n’être qu’un pâle reflet de ce qu’il était auparavant ». Connu pour sa passion pour les livres de photographie, Killip a supervisé tous les éléments de ce livre, qui présente de nombreuses images inédites. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.

STEPHEN SHORE – VÉHICULAIRE & VERNACULAIRE

Art // juin 17th, 2024

À la façon d’Eugène Atget ou de Walker Evans, les vues de Stephen Shore (né en 1947) présentent l’ordinaire, les coins de rue, les parkings, des maisons sans charme, une vitrine presque vide, des stations service, des chambres d’hôtel. Le photographe a collecté ainsi des images de tous les coins du pays : Floride, Californie, Texas, Montana, Ohio, Arizona… et même Canada. Le travail vise l’émotion, principalement au travers de la couleur et de la composition. À l’occasion de l’exposition Véhiculaire & Vernaculaire à la Fondation Henri Cartier-Bresson de Paris, les éditions Atelier EXB publient un très beau catalogue. Sur une idée de Clément Chéroux, cet ouvrage et l’exposition qu’il accompagne examinent l’oeuvre de Stephen Shore à travers le prisme inexploré de la photographie véhiculaire. Depuis les années 1960, Shore a réalisé la plupart de ses images depuis un moyen de locomotion, que ce soit la voiture, le train, l’avion ou même plus récemment le drone. Le voyage, aussi important que la destination, devient un prétexte pour expérimenter et construire une oeuvre photographique singulière. Stephen Shore explore ainsi le paysage contemporain en ce qu’il a de vernaculaire et ce qu’il révèle de la société américaine elle-même. L’ouvrage présente une dizaine de séries sous forme chronologique, de son travail en N&B réalisé à Los Angeles, alors qu’il n’a que 21 ans, à ses deux séries majeures American Surfaces et Uncommon Places ainsi que Topographies, conçue en 2020-2021, avec un appareil disposé sur un drone. Ces séries sont ponctuées d’extraits d’un long entretien entre Stephen Shore et Clément Chéroux. Ces derniers ont chacun signé un texte qui revient sur le sujet du road trip photographique considéré comme un genre à part entière dans l’histoire de la photographie, de Jacques Henri Lartigue en passant par Man Ray, Robert Frank, jusqu’à Joel Meyerowitz. Le livre de 190 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Atelier EXB.

DAVID HURN – ON INSTAGRAM

Art // juin 12th, 2024

David Hurn, membre de la célèbre agence Magnum, est l’un des photographes documentaires britanniques les plus influents de sa génération. Son travail se caractérise par une observation discrète et une perspicacité singulière, son penchant naturel pour les gens ordinaires dans leur vie de tous les jours. Les éditions britanniques Reel Art Press publient aujourd’hui un nouvel ouvrage du photographe: On Instagram. En 2016, Hurn ouvre discrètement un compte Instagram pour lui permettre de partager des conseils constructifs en matière de photographie : astuces, livres et recommandations. Son fil s’est développé pour inclure des réflexions sur les photographies de ses 60 ans de carrière, son ennui pendant les jours interminables d’enfermement, le travail de ses collègues photographes et une lutte avec les questions de l’IA et de l’artifice dans la photographie. On y trouve des photographies de la révolution hongroise en 1956, du tournage de A Hard Day’s Night des Beatles en 1964, des voyages en Arizona entre 1979 et 2001, des célébrations d’Halloween dans son village gallois pendant la période du covid, et bien d’autres encore. L’amour de la terre est également omniprésent dans la majorité de ses œuvres. Imprimé dans une qualité exquise, le grand format du livre fait honneur aux photographies de Hurn, tout en rehaussant ses propos. Expert dans son domaine, Hurn n’a aucune prétention et partage généreusement son parcours de photographe. Le thème de l’authenticité est présent tout au long des pages ; Hurn invite les photographes à laisser le monde être ce qu’il est, ou du moins à être honnêtes lorsqu’ils créent une image fictive. Hurn écrit : « Il me semble que, quelle que soit la forme de communication, qu’il s’agisse de peinture, de sculpture, de musique, de danse, de photographie ou même de discours, notre travail consiste à essayer de communiquer aux autres de la manière la plus honnête, la plus précise, la plus authentique possible, ce que nous avons vu, ressenti, pensé, à un moment donné ». Rassembler ces publications Instagram des sept dernières années dans un recueil a sa propre beauté. L’immédiateté d’une publication sur les médias sociaux est ici transformée en un journal plus expansif et contemplatif d’un véritable maître de son art. Le livre de 272 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Reel Art Press.

MICHAEL WOLF / ARPAÏS DU BOIS – HONG KONG WHISPERS

Art // mai 31st, 2024

Les éditions belges Hannibal Books publient aujourd’hui Hong Kong Whispers, un nouvel ouvrage du photographe Michael Wolf (1954 – 2019), en étroite collaboration avec la dessinatrice/peintre Arpaîs Du Bois. Les deux artistes ont réalisé des œuvres côte à côte à Hong Kong en 2014, nourries de leurs expériences et de leurs discussions. Le livre crée un dialogue fascinant entre deux approches artistiques contrastées mais mais complémentaires: les étonnantes séries de photographies de Wolf et les dessins acerbes et ambigus de Du Bois. À son arrivée à Hong Kong, Du Bois est submergée par une vague d’émotions, d’abandon, d’émerveillement, d’absorption, de surstimulation et d’aliénation, mais au milieu de tout cela, elle éprouve un étrange sentiment de reconnaissance. Ensemble, et parfois seuls, ils se sont plongés dans le biotope énigmatique des ruelles de la ville. Au cours de leurs explorations, Wolf lui a révélé des facettes cachées de la ville, telles que des salles lumineuses remplies de la ferveur des jeux d’argent. Ils marchent en silence et échangent des histoires, tentant d’articuler l’ineffable – les lumières, les couleurs, les émotions. Et au milieu de tout cela, ils savouraient les plaisirs simples, comme celui de trouver le tofu parfait dans diverses échoppes. Dans le chaos des rues de Hong Kong, Du Bois a cherché à s’immerger dans l’essence de la ville, à en absorber les images, les sons et les sensations, permettant ainsi au brouillard de se dissiper de son esprit. Alors que le temps passé ensemble touchait à sa fin, ils se sont assis sur le sol du studio du photographe, imaginant le livre qu’ils allaient créer, un témoignage de leurs expériences et de leurs souvenirs communs. Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hannibal Books.

MASAHISA FUKASE – RAVENS – MADRID – OPENING

Art // mai 28th, 2024

À l’occasion du festival PHotoESPAÑA 2024, le Circulos de Bellas Artes de Madrid accueille depuis ce soir une magnifique exposition du photographe japonais Masahisa Fukase (1934-2012). La série Karasu (Ravens) de Masahisa Fukase a été réalisée entre 1976 et 1982, à la suite du divorce entre l’artiste et sa femme Yoko Wanibe. Le récit visuel de la série tourne autour de la forme anthropomorphique du corbeau. Les paysages côtiers de Hokkaido servent de toile de fond à ses photographies profondément sombres et impressionnistes de nuées de sinistres corbeaux. Symbole de la solitude du photographe, cet oiseau de mauvais augure est également interprété comme une allégorie sinistre du Japon d’après-guerre. Ravens, par le biais de son imagerie envoûtante, continue d’inspirer les artistes et les écrivains d’aujourd’hui. Jusqu’au 8 septembre 2024.

YASUHIRO OGAWA – INTO THE SILENCE

Art // mai 24th, 2024

Né en 1968 à Chigasaki, Yasuhiro Ogawa vit et travaille à Tokyo. À l’âge de 23 ans, inspiré par le travail de Sebastiâo Salgado, il choisit la photographie comme mode d’expression artistique. Le voyage et le mouvement deviennent alors les moteurs de l’œuvre du photographe. Ogawa photographie souvent à travers les vitres embuées d’un train ou d’un bateau. Le monde qu’il capture semble pourtant calme, comme figé par le temps. Ces images au ralenti nous invitent à la contemplation de la beauté et à l’introspection. Après le succès de la première édition de son ouvrage Into the Silence paru en 2023, les éditions de Hong-Kong Blue Lotus Editions sortent une nouvelle édition reliée du livre. Cette série est une histoire visuelle inspirée par le livre Le Chemin étroit vers les contrées du Nord du poète japonais du XVIIème siècle Matsuo Bashõ, l’une des œuvres les plus influentes et les plus inspirantes de la littérature japonaise. Dans cette série de photographies, Yasuhiro Ogawa cherche à capturer l’essence du Tohoku, province reculée du Nord-Est du Japon de plus en plus désertée. Le dépeuplement de la région, l’isolement et la solitude de sa population sont perceptibles dans les trains vides, dans les intérieurs de bâtiments abandonnés, dans les paysages où le passage de l’homme a laissé ses traces, dans les rues désertes. La beauté de la nature de ces terres lointaines est sublimée par les intempéries que le photographe documente. Forêts dans la brume ou sous la neige, océans déchaînés, montagnes enneigées illustrent ce récit de voyage. Le livre de 100 pages, dévoilant un monde intemporel photographié de manière intimiste par Ogawa, comprend une préface de l’artiste et une postface de Sarah Green, directrice de la Blue Lotus Gallery. Il est maintenant disponible sur la boutique en ligne des édtions Blue Lotus Editions.