Category Archives: Art

WES LANG – THE BLACK DRAWINGS/THE BLACK PAINTINGS

Art // octobre 31st, 2024

À l’occasion de la toute première grande rétrospective de Wes Lang au Royaume-Uni, à la Newport Street Gallery de Damien Hirst (voir ici) ainsi qu’à la galerie HENI, deux magnifiques catalogues d’exposition ont été réalisés par les éditions HENI Publishing. The Black Drawings: Works on Paper est entièrement consacré à la prolifique production de l’artiste américain en matière de dessin, avec 96 œuvres réalisées à l’acrylique, au crayon et au stylo. Comme le note George Vasey, les dessins marquent « un changement dans l’approche de l’artiste ». Les personnages sombres et surnaturels de ses peintures – squelettes et crânes désincarnés – sont toujours présents, mais ils habitent maintenant des espaces blancs vierges, avec des expressions et des phrases ludiques qui font écho à la philosophie taoïste, reflétant les fondements spirituels de la pratique de Lang. Plus que de simples compagnons de ses immenses peintures, les dessins constituent un ensemble significatif d’œuvres, continuant à démontrer l’étendue des influences de Lang – allant des icônes des beaux-arts telles que Francis Bacon, James Ensor, Francisco Goya et Alfred Munnings, à l’imagerie kitsch de son enfance. Lang métabolise sans effort ces inspirations disparates, créant un style distinctif qui transcende les supports et exprime une voix artistique profondément personnelle qui semble cohérente plutôt que fragmentée ou frénétique. Publié en association avec la Newport Street Gallery, le catalogue présente plus de 100 reproductions époustouflantes, offrant un nouvel aperçu intime de la richesse de l’esprit artistique de Lang et du monde qu’il s’est créé. Le deuxième ouvrage, The Black Paintings, se concentre quant à lui sur les 89 toiles créés à l’occasion de cette rétrospective. Les œuvres ont été réalisées entre 2022 et 2024, et sont peuplées de personnages propres à Lang, notamment son squelette favori, mais aussi d’êtres animaliers et d’un autre monde. Les compositions de Lang s’apparentent à des histoires, tantôt sur des fonds sombres et complètement obscurcis, tantôt sur des paysages luxuriants. Le désir de motiver le public à mener une vie épanouie et à croire en lui-même est au cœur de toutes les œuvres de Lang. En particulier, les œuvres présentées ont été produites en réaction à ce que Lang appelle « le récit dominant de la négativité » dans le monde : « Je voulais vraiment m’asseoir et créer un ensemble d’œuvres qui montrent aux gens que tout ce bruit et tous ces visages du mal qui nous divisent et dont on nous dit qu’ils sont importants n’ont pas à consumer votre esprit et la façon dont vous vous sentez dans le monde. » Les deux livres sont dès maintenant disponibles sur la boutique en ligne des éditions HENI Publishing.

GREGORY HALPERN – KING, QUEEN, KNAVE

Art // octobre 22nd, 2024

Au cours des deux dernières décennies, Gregory Halpern a reçu une reconnaissance internationale pour son œuvre influente qui a forgé de nouvelles orientations pour la photographie ancrées dans la tradition documentaire. Depuis plus de vingt ans, Halpern photographie sa ville natale de Buffalo, dans l’État de New York, et ses environs, élaborant méticuleusement la série de photographies qui constituent sa dernière monographie. Publiée par les éditions britanniques MACK, King, Queen, Knave est une vision énigmatique, presque surréaliste, d’une ville pleine de contradictions, à rebours des récits familiers du déclin post-industriel. La séquence envoûtante du photographe se déploie comme une scène sur laquelle des personnages distincts et imprévisibles apparaissent dans et parmi des bâtiments solitaires, des congères et des scènes de transcendance quotidienne décolorées par le soleil. Les images situent souvent leurs sujets dans les spécificités de la saison et équilibrent un projet historique avec l’immédiateté de la capture d’un moment dans son éclat individuel. En embrassant les thèmes du renversement et de l’ascension, Halpern se confronte aux complexités de son lieu de naissance et de l’Amérique contemporaine en général, voyant la beauté et la laideur, la rédemption et le désespoir entremêlés. « J’ai l’impression que c’est le projet le plus difficile que j’aie jamais réalisé », déclare-t-il en toute sincérité. « On pourrait penser que c’est le plus facile, mais sur le plan émotionnel, le simple fait de retourner chez soi, c’est toujours compliqué. » Cette nouvelle œuvre lyrique témoigne de la complexité infinie d’un lieu à la fois familier et inconnu. Le livre de 112 pages est actuellement en rupture de stock sur la boutique en ligne des éditions MACK, mais une seconde édition verra probablement le jour prochainement.

MAGNUM SQUARE PRINT SALE 2024 – EDEN

Art // octobre 21st, 2024

La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘Eden’ se déroule du lundi 21 au dimanche 28 octobre 2024. Chaque membre de l’agence participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à 120 € sur le site magnumphotos.com/shop/.

SOHRAB HURA – THINGS FELT BUT NOT QUITE EXPRESSED

Art // octobre 17th, 2024

Sohrab Hura est un photographe indien, membre de l’agence Magnum Photos depuis 2014. Il travaille à la fois sur des projets documentaires, avec une volonté de faire connaître les situations humaines difficiles, et sur des projets personnels. Pour son nouvel ouvrage publié par les éditions britanniques MACK,Things Felt But Not Quite Expressed, l’artiste rassemble des illustrations cinétiques réalisées entre 2022 et 2024 et représentant des scènes quotidiennes d’amour, de joie, de famille et de relations. Reconnu pour ses livres photographiques auto-publiés, Hura s’éloigne ici de la rigidité de la forme photographique, utilisant le pastel doux pour imprégner ses portraits, ses natures mortes et ses scènes quotidiennes de fluidité et pour les charger de sentiments. On y trouve des portraits tendres de membres de sa famille souffrants, des couchers de soleil éclatants et des plans d’eau aux eaux vives, des animaux de compagnie et des frères et sœurs espiègles, des figures spectrales se rencontrant dans des paysages peu raffinés et des rites de crémation surréalistes. Des portraits de personnes isolées et malades sont intercalés avec des mèmes recréés et des tableaux conviviaux. Les titres ironiques des œuvres permettent au spectateur de se moquer des sujets des dessins, mais aussi de l’artiste lui-même, créant ainsi une expérience visuelle intime. Ces œuvres sont nées d’une période où l’artiste se sentait incapable de se connecter à la pérennité des photographies. Le passage au dessin lui a permis de capturer la fantaisie et l’éphémère de la vie quotidienne dans un monde de plus en plus polarisé. Ce ton enjoué est renforcé par le mélange de style impressionniste et surréaliste du livre, ce qui en fait un volume imprévisible qui expérimente la manière d’évoquer et d’immortaliser les sentiments à travers l’art. Le livre de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

PAUL GRAHAM – VERDIGRIS / AMBERGRIS

Art // octobre 14th, 2024

Paul Graham est reconnu internationalement pour sa photographie qui a renouvelé le genre documentaire dès les années 1980, notamment avec sa cèlèbre trilogie sur les années du gouvernement de Margaret Thatcher et sur le déclin de la société industrielle du Royaume-Uni. Son nouveau projet publié par les éditions britanniques MACK, Verdigris / Ambergris, complète une série de douze années d’œuvres axées sur le caractère éphémère de la vie et notre mortalité. Ces deux ouvrages, regroupés dans un étui, sont centrés sur des personnes qui scrutent l’horizon infini en regardant la terre (Verdigris) et la mer (Ambergris). Ces portraits contemplatifs sont accompagnés, dans le premier volume, d’images de cerisiers en fleurs et, dans le second, d’images du soleil couchant. Ces photographies ont été réalisées respectivement dans un parc surplombant le New Jersey post-industriel, dans lequel Graham travaille depuis sept ans, et le long de la côte nord de Long Island, où il existe une longue tradition d’observation du soleil couchant. Graham prend ces objets archétypaux de la beauté naturelle – et leurs observateurs – pour former un examen stratifié de la façon dont nous voyons et expérimentons la beauté du monde. Alors que les portraits des observateurs de l’horizon sont capturés avec la clarté de l’heure dorée, les images intercalées dans chaque volume ont été corrompues par le processus de leur création. Les images de fleurs de Verdigris ont été prises avec un appareil photo numérique réglé sur un mode ultra-résolution qui utilise de multiples expositions micro-décalées. Mais perturbé par le léger mouvement d’une brise, l’appareil photo peine à assembler une représentation cohérente. Quant aux couchers de soleil saturés d’Ambergris, ils sont le résultat d’un appareil photo qui est le seul à pouvoir collecter des informations sur les couleurs à chaque pixel, plutôt que d’obtenir des couleurs approximatives à partir des pixels avoisinants. Poussées au-delà de leurs limites, les images sont tachées d’artefacts dus à l’intensité écrasante de l’information. Avec cette nouvelle série éblouissante, Graham embrasse les défauts de ses outils pour évoquer le caractère éphémère de la vie, ses abondantes manifestations, ainsi que la dégradation et la disparition inexorablement liées à la beauté. L’ouvrage, signé par le photographe, cumule un total de 136 pages et est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

ALEC SOTH – ADVICE FOR YOUNG ARTISTS

Art // octobre 1st, 2024

Alec Soth (1969) est un photographe américain, né à Minneapolis dans l’état du Minnesota. Il suit des études de peinture au Lawrence College dont il en sort diplômé d’art. À la suite d’une conférence donnée par le photographe Joel Sternfeld, il abandonne la peinture et opte pour la photographie. Son oeuvre puise sa racine dans la tradition de Walker Evans, Robert Frank et Stephen Shore. Sa représentation du quotidien fait apparaître la complexité d’une société américaine construite sur des idéaux d’indépendance, de liberté, de spiritualité, et d’individualisme. Les éditions britanniques MACK publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé Advice for Young Artists. Entre 2022 et 2024, Alec Soth a visité vingt-cinq programmes d’études artistiques de premier cycle à travers les États-Unis. Ce livre comprend les travaux qu’il a réalisés à cette occasion. Son titre – peut-être comme les visites elles-mêmes – est trompeur : plutôt qu’une sagesse ou des conseils, Soth propose une réflexion anguleuse et irrésolue sur la création artistique à différents stades de la vie et sur les relations entre la photographie, le temps et le vieillissement. Les photographies présentées ici vont d’études formelles évoquant la salle de classe à des œuvres d’expression personnelle plus indisciplinées. Des mises en scène ambiguës, des formes trouvées et des portraits lyriques sont entrecoupés de citations gnomiques et de crédos inachevés griffonnés sur des Post-it. Parmi les étudiants, Soth lui-même apparaît par intervalles, sage incertain au milieu d’eux. Inspiré par les derniers polaroïds de Walker Evans, ce récent corpus d’œuvres révèle une nouvelle expansion de la pratique de Soth et un nouveau point de vue, vingt ans après la publication de son premier livre. Rappelant le concept de Broken Manual, il utilise un format d’instruction comme une fausse couverture pour l’introspection et la provocation. Plus qu’une étude de l’expérience du jeune artiste, il s’agit d’une réflexion sur la perspective de devenir un vieil artiste. Soth explique: « Mon nouveau livre a un titre trompeur. Je n’ai pas de conseils à donner. Au lieu de jouer le rôle d’un sage aîné, ce livre est une tentative de me rappeler ce que j’ai ressenti lorsque j’ai découvert la création artistique. » L’ouvrage de 72 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions MACK.

WES LANG – THE BLACK PAINTINGS – LONDON

Art // septembre 28th, 2024

Du 27 septembre 2024 au 9 mars 2025, la Newport Street Gallery de Damien Hirst présente une exposition de 89 toiles inédites de l’artiste américain Wes Lang. Il s’agit de sa toute première exposition au Royaume-Uni. Intitulée The Black Paintings, l’exposition présente des œuvres réalisées entre 2022 et 2024, peuplées de personnages caractéristiques de Lang, notamment ses fameux squelettes, mais aussi d’animaux et d’êtres d’un autre monde. Ses compositions s’apparentent à des histoires, tantôt sur des arrière-plans sombres et complètement obscurs, tantôt sur des paysages luxuriants.

BERTIEN VAN MANEN – I AM THE ONLY WOMAN THERE

Art // septembre 24th, 2024

Depuis les années 1970, la photographe néerlandaise Bertien van Manen réalise des photographies intimes et poignantes de scènes banales, réalisées lors de longs voyages en Europe, en Amérique, en Chine et dans l’ex-Union soviétique. Van Manen s’est imposée comme une voix unique dans la photographie documentaire, son langage visuel empreint d’empathie et de respect pour la vie quotidienne de ses sujets. Les éditions néerlandaises Fw:Books publient aujourd’hui son nouvel ouvrage intitulé I am the only woman there. Bertien van Manen photographie dans les années 1970 des femmes immigrées et des épouses d’immigrés qui s’installent aux Pays-Bas dans le cadre du regroupement familial. Elle réalise le portrait de femmes turques, marocaines, tunisiennes, espagnoles, yougoslaves, portugaises, grecques et italiennes. À la maison, au travail, lors de fêtes et d’activités de loisirs, elles luttent souvent pour survivre dans une culture étrangère. Ces photographies ont donné lieu à son premier livre Vrouwen te Gast, publié en 1979. En 2024, la photographe revisité ses propres clichés et textes pour réaliser une nouvelle édition, plus contemporaine, de son premier ouvrage. Pour cette nouvelle version, elle a actualisé le livre original en y ajoutant de nouvelles photographies découvertes dans ses archives et de nouveaux textes, de sa main et de celle de Kim Knoppers. Le volume de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Fw:Books.

STILLNESS (NORM ARCHITECTS)

Art // septembre 10th, 2024

Norm Architects est un studio fondé en 2008 et basé à Copenhague, qui travaille dans les domaines de l’architecture, des intérieurs, du design et de la photographie. Leurs réalisations, à la fois sensorielles et simples, visent à trouver un équilibre entre richesse et retenue, et entre ordre et complexité. S’appuyant sur des siècles d’échanges culturels entre le Japon et la Scandinavie, les années de collaboration étroite de Norm Architects avec des designers japonais ont façonné leur philosophie en matière de design. Publié par les éditions berlinoises Gestalten, Stillness présente des archives richement illustrées de visites de paysages, d’architectures et de sites culturels japonais, mettant en lumière l’influence des traditions japonaises sur les projets contemporains du studio, tels que le restaurant Äng en Suède ou la Heatherhill Beach House au Danemark. En juxtaposant des images du Japon avec les travaux de Norm Architects, le livre met en évidence les liens séculaires entre les deux cultures distinctes de conception, en soulignant le respect mutuel et les philosophies partagées. Les observations des collaborateurs experts des deux régions permettent de comprendre en profondeur les principes clés de la conception. À la fois ode au Japon, carnet de voyage personnel et manifeste esthétique, Stillness emmène les lecteurs sur les traces du cabinet Norm Architects qui, pendant dix ans, ont cherché à comprendre l’une des cultures créatives les plus vénérées au monde. Ce très bel ouvrage de 304 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Gestalten.

DAVID KATZENSTEIN – DISTANT JOURNEYS

Art // août 30th, 2024

Le photographe new-yorkais David Katzenstein a parcouru le monde tout au long de son aventure artistique, se faisant chroniqueur visuel de l’humanité. En utilisant le sujet, la lumière et la composition pour créer un dynamisme visuel, il prépare le terrain pour que le spectateur soit dans l’instant avec lui. Son objectif est de permettre aux spectateurs de vivre une scène à travers ses yeux, comme s’ils se trouvaient à ses côtés. Imprégné de la tradition de la photographie documentaire, Katzenstein imprègne son travail d’immédiateté, d’engagement émotionnel et d’un profond respect pour ses sujets. Les photographies rassemblées dans l’ouvrage Distant Journeys, publié par les éditions allemandes Hirmer Publishers, représentent le voyage artistique de Katzenstein, qui a duré toute sa vie. En allant dans de nombreuses régions du monde, il a fait l’expérience directe d’autres cultures et d’autres peuples. Les images présentées ici ont été tirées d’un corpus beaucoup plus vaste, dans l’espoir de créer un voyage à travers les voyages pour le spectateur. Le photographe a visité trente-sept pays en quarante-neuf ans. Ce qui a commencé comme un moyen de combiner ses deux passions – la photographie et le voyage – s’est transformé en une chronique visuelle de l’humanité. Imprégné de la tradition de la photographie documentaire, Katzenstein imprègne son travail d’immédiateté, d’engagement émotionnel et d’un profond respect pour ses sujets. Il emmène le spectateur avec lui dans ses voyages, partageant des moments publics et privés de façon directe. Le photographe explique: « Il m’est difficile de me rappeler quand la passion de la découverte est entrée dans ma conscience pour la première fois. Il s’agit peut-être du lointain souvenir d’avoir serré le dos de mon père à l’âge de trois ans, alors que nous partagions la selle d’une sémillante jument grise sur une plage de Cuba. Ou encore l’excitation et la peur ressenties à l’âge de sept ans en regardant, du haut d’un précipice en Norvège, une chute d’eau rugissante s’écraser dans la mer 500 mètres plus bas. S’il y a eu un événement unique qui a déclenché une vie d’exploration, il est probablement aujourd’hui mélangé à d’innombrables expériences de voyages lointains. La collection de photographies présentée dans cette série a été éditée à partir d’un ensemble de travaux beaucoup plus vaste, et l’intention n’est pas d’être exhaustif, mais plutôt de créer un voyage à travers les voyages pour le spectateur. » Le livre de 184 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hirmer Publishers.

KYLER ZELENY – BURY ME IN THE BACK FORTY

Art // août 19th, 2024

Bury Me in the Back Forty est le successeur très attendu des livres à succès Out West et Crown Ditch du photographe canadien Kyler Zeleny et le dernier chapitre de sa trilogie sur les Prairies, publié par les éditions allemandes The Velvet Cell. Depuis une dizaine d’années, il documente sa ville natale, une communauté rurale des Prairies canadiennes aux profondes racines ukrainiennes, qui compte 915 habitants. Partant de l’idée que l’histoire d’un lieu évolue avec le temps, Zeleny a utilisé ses propres photographies, des objets récupérés, des archives de la communauté et des histoires oubliées pour réviser le livre d’histoire de la communauté datant de 1980. Ces documents et ces souvenirs s’enchevêtrent pour raconter une histoire intime de la ruralité. Le projet est à la fois un document, une enquête, une performance et une transgression. C’est une illusion cartographique, un album communautaire qui contient non seulement les roses mais aussi les nombreuses épines attachées à chaque tige. Il résume les vertus et les vices collectifs que l’on trouve au cœur de tout lieu complexe sur le point de disparaître. Plus important encore, il s’agit simplement d’une histoire enregistrée, remémorée et reconfigurée – un portrait stratifié de la vie dans une petite ville qui est à la fois unique et universel. Il en ressort le stoïcisme d’un lieu, une existence vécue, qui rugit parfois et souffre si discrètement à d’autres moments. Il ne s’agit pas d’un document simple, il est destiné à exciter, à émerveiller, à déconcerter, à ennuyer et, surtout, à être revisité. Il s’agit d’un récit fugace. Un lieu où le folklore et l’alchimie se mêlent à la communauté pour créer un récit collectif, quoique paradoxalement disjoint, de la vie dans les prairies. Une sorte de collisionneur de particules communautaire, qui force les récits à se rencontrer, à fusionner, à se frotter les uns aux autres jusqu’à ce que quelque chose de nouveau et d’indiscernable émerge, qu’il s’agisse de récits réels ou imaginaires. Ces collisions créent un entre-deux, une communauté imaginée. Bury Me est à la fois une machine à remonter le temps et une capsule temporelle qui nous guide vers l’un des nombreux destins qui attendent le monde rural, marquant ses constellations, nous indiquant quand il est temps de grandir et, plus important encore, quand il est temps de s’endormir et de mourir. Le livre de 168 pages, édité à seulement 600 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions The Velvet Cell.

SHERRIE NICKOL – SHERRIE NICKOL

Art // août 12th, 2024

Sherrie Nickol est une photographe basée à New York. Elle a grandi à Osceola en Arkansas, et a fréquenté l’Université de Cincinnati et le Centre international de photographie, où ses études étaient centrées sur la photographie de portrait et de reportage. Les projets récents se sont concentrés sur la jeunesse, les personnages dans les espaces publics, des scènes d’été et des portraits de danseurs. La photographe capture des relations, des environnements et la vie quotidienne, à la fois intime et publique. Son premier livre, intitulé Sherrie Nickol et publié par les éditions allemandes Hirmer Publishers, nous emmène dans un voyage à travers le temps et l’espace. Cette nouvelle publication étonnante organise des scènes de familiarité, de domesticité, d’espaces publics et de vie privée en cinq sections distinctes. De By the Water, qui montre les jeunes dans leur environnement naturel, à Crowdscapes, qui capture la dynamique et la vie dans la foule, chaque chapitre offre une perspective différente sur la jeunesse. Par le biais du portrait et de la photographie de rue, Nickol a développé un corpus d’œuvres qui démontre son talent pour capturer la beauté dans la vie quotidienne domestique et urbaine en tant que membre d’une foule, l’essence de la narration dans chaque cliché. Les scènes n’ont pas d’époque définie mais évoquent l’ambiance d’une décennie révolue. À travers plus de 150 images en couleur et en noir et blanc, Nickol présente ses portraits de jeunes femmes, démontrant une sincérité dans son approche qui fait tomber les barrières et lui permet de se connecter profondément avec ses sujets. Le live de 208 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Hirmer Publishers.