La nouvelle Magnum Square Print Sale ‘On the Horizon’, en partenariat avec Aperture, se déroule du lundi 18 octobre au dimanche 24 octobre 2021. Chaque photographe participant offre sa propre interprétation du thème. La vente comprend plus d’une centaine de tirages réalisés par certains des plus grands photographes de notre époque. Les tirages, 15,2×15,2cm, de qualité muséale, signés ou tamponnés par l’estate, sont en vente pour 7 jours seulement, à $100 sur le site magnumphotos.com/shop/.
Philippe Séclier a documenté pendant neuf ans les constructions architecturales à la fois publiques et privées de Tadao Ando au Japon et à travers le monde. Publié par les éditions britanniques Prestel, Atlas nous invite à suivre la quête du photographe et réunit sous la forme d’un atlas 2 300 photographies en N&B d’une sélection de plus de 120 édifices comprenant les plus iconiques mais aussi les plus confidentiels et difficiles d’accès: stations de transport en commun de Tokyo et de Kobe, musées d’art de Fort Worth, au Texas, et de Provence, espace pour artistes sur la côte mexicaine. jardins de Piccadilly, aujourd’hui démolis, à Manchester, théâtre à Milan, restaurant haut de gamme à New York, etc. Dans une démarche sans précédent et suivant un protocole sériel rigoureux, la lecture des planches permet de percevoir, par-delà les enveloppes de béton et de verre, le caractère éminemment contemplatif et la force artistique de l’œuvre du célèbre architecte. Cet atlas de formes, révélant les jeux d’échos et résonances spatiales entre chaque édifice, offre ainsi un moyen original d’aborder son architecture « comme les pièces d’un vaste puzzle à reconstituer et recontextualiser », souligne Yann Nussaume, professeur d’architecture et spécialiste de Tadao Ando, dans son texte d’introduction. Philippe Séclier nous fait également revivre par le texte ses pérégrinations, tandis qu’un essai de Yann Nussaume vient éclairer les différentes facettes de cette approche à la fois esthétique et méthodique. À la fin de l’ouvrage, une bibliographie complète illustrée témoigne de l’ampleur de l’œuvre de Tadao Ando. Le livre de 256 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.
Cristóbal Hara (Madrid, 1946) est un des plus importants photographes contemporains espagnols. Il prend pour sujet les célébrations et rites populaires d’Espagne et en fait un langage singulier qui parle à la fois de son identité propre et de celle de son pays. Publié par les éditions espagnoles RM Editoriales, España Color 1885-2020 retrace la carrière du photographe en Espagne qui dresse le portrait d’un pays encore marquée par le traditionalisme catholique, les rituels païens, la sexualité et la violence des hommes envers les animaux. Jusqu’à l’approche de la trentaine, il travaille exclusivement en noir et blanc – où ses images, à la Bresson, importent plus par leur forme que par leur contenu – avant de se convertir totalement à la couleur, en 1985. Hara explique : « Je travaillais depuis 17 ans en noir et blanc lorsque j’ai commencé à travailler exclusivement en couleur. J’avais alors 39 ans. Tout à coup, je me suis senti très à l’aise, libéré et euphorique. Les couleurs m’éblouissaient et me submergeaient, elles réagissaient entre elles, tout vibrait et je me sentais enveloppé par la couleur et ses possibilités. L’intensité de cette première expérience a progressivement diminué, mais j’ai retrouvé l’enthousiasme et le désir que j’avais presque perdus après tant d’années de frustration. » Cristóbal Hara est un photographe singulier par son approche, solitaire et vagabonde, du seul objet qui l’accapare et le fascine : l’Espagne profonde. Il s’immerge, pendant des mois, dans les villages, notamment lors des fêtes traditionnelles, religieuses ou païennes. Processions, christs en croix, faux enterrements et vrais cercueils. Apprentis toréadors, aficionados et taureaux sanguinolents. Enfants, vieillards, rues désertes… Le photographe a créé un style personnel avec des couleurs contrastées montrant l’homme dans les étapes de la vie, de l’enfance à la vieillesse, avec ses joies et ses peines. C’est un décor à la Bunuel avec corbillards et chiens andalous qui traînent sans savoir d’où ils viennent. Il s’agit d’un univers plein de poésie enraciné dans une Espagne authentique, avec des gens qui rient ou qui s’engueulent, des gens qui se travestissent, qui ne se prennent pas au sérieux. Tous vivent dans un monde coloré, ensoleillé, burlesque et étonnant. Le livre de 186 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions RM Editoriales.
Judith Black est une photographe et professeure américaine. Elle est essentiellement connue pour avoir documenté sa vie familiale au Polaroïd Noir & Blanc (Type 55) depuis les années 60, saisissant – souvent avec humour – les moments anodins et importants, et parfois étranges, du quotidien. Les éditions britanniques Stanley / Barker publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: Vacation. En 1986, l’artiste reçoit une bourse Guggenheim pour documenter un voyage en voiture à travers le pays avec ses quatre enfants. Contrairement au road trip emblématique de Robert Frank, financé par le Guggenheim 30 ans plus tôt, la mission de Judith Black est beaucoup plus intime. Plutôt que de documenter l’Amérique, son intention est de photographier ses enfants, ses amis et sa famille alors qu’elle traverse le pays. Son itinéraire comprend des arrêts à New York, Chicago, San Francisco et divers sites touristiques le long du parcours. Au cours de son voyage, elle rend visite à sa tante dans la cabane du Michigan, où, enfant, elle se rendait avec sa famille chaque année au mois d’août pour éviter la chaleur étouffante de Springfield, dans l’Illinois, sa ville natale. Ironiquement, c’est là, à l’âge de sept ans, que Black a acheté son premier appareil photo Brownie, alors qu’elle séjournait chez sa grand-mère. Après son retour dans le Massachusetts, Black a continué à photographier sa famille et ses amis pendant les vacances, immortalisant diverses célébrations, anniversaires, réunions et naissances. « De doux souvenirs et histoires sont incrustées dans chacune de ces photographies », explique la photographe. Le livre de 128 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker.
Christopher Anderson, membre de la prestigieuse agence Magnum Photos, fait partie des photographes contemporains les plus influents. Son œuvre visuelle défie toute catégorisation puisqu’elle se situe entre les mondes du documentaire, de l’art, de la photographie commerciale et de la photographie de mode. Après la naissance de son fils Atlas, Anderson s’est éloigné de la photographie de guerre, tournant son appareil vers une réflexion intime de la vie de famille, ce qui a donné lieu à son livre de 2013, Son. Publié par les éditions britanniques Stanley / Barker, Son est la réédition du célèbre ouvrage du photographe canadien. Cette nouvelle version réactualisée ajoute un deuxième chapitre de 80 nouvelles pages à l’histoire, suivant la relation d’Anderson et son fils jusqu’à aujourd’hui. Le livre comprend ainsi à la fois les images originales tirées de la version originale de Son et 40 images inédites. Le photographe explique : « Ces images sont une réponse organique à une expérience qui est à la fois la plus unique et la plus universelle des expériences : la naissance d’un enfant. Au moment même où j’éprouvais la joie intense d’une nouvelle vie, on a diagnostiqué un cancer du poumon chez mon père. Il est juste de dire que je me suis retrouvée à réfléchir sur les thèmes évidents de la vie et de la mort. Par le biais de mon fils, mon propre rôle de fils a pris un nouveau sens et mes sens ont été hypersensibilisés à l’évidence de la mort. Et puis ces photos sont arrivées comme ça. Elles sont un témoignage d’amour et une réflexion sur la nature cyclique de la vie. » Ce magnifique ouvrage de 160 pages, actuellement en rupture de stock sur la boutique en ligne des éditions Stanley / Barker, est encore disponible en librairies spécialisées.
Depuis plus de cinquante ans, Ursula Schulz-Dornburg explore, à travers son travail, la relation entre l’environnement bâti et le paysage. Souvent attirée par les théâtres de conflits sociaux, politiques et culturels, ou des régions qui revêtent une importance historique, elle met en lumière la façon dont le pouvoir, les conflits, le temps et le déclin perturbent le paysage et le transforment, le marquant pour les décennies à venir. Les éditions britanniques Mack publient aujourd’hui son nouvel ouvrage: Bugis Houses, Celebes. En 1983, la photographe accompagne deux ethnologues et un architecte dans un voyage de recherche à Tana Toraja, sur l’île centrale indonésienne de Sulawesi. Initié par le Royal Tropical Institute d’Amsterdam, le voyage avait pour but « d’explorer les modèles changeants de l’architecture et du symbolisme chez les Sa’dan Toraja ». Sur le chemin du retour de Rantepao à l’aéroport d’Ujung Pandang, Schulz-Dornburg aperçoit les maisons caractéristiques du peuple Bugis ou To-Ugiq, perchées sur les rizières dorées. Fascinée par leurs architectures complexes et expressives, elle commence à photographier les maisons dans le peu de temps qui lui reste avant de partir, réalisant que ces structures n’existeraient probablement plus longtemps sous leur forme traditionnelle. Le résultat est un ensemble d’œuvres qui ne se contente pas d’étudier les formes physiques des maisons, mais qui aborde également des idées très variées sur la construction physique et émotionnelle de la maison et sur la place fragile de la tradition à l’heure actuelle. Coincées entre le ciel et la terre et se dressant au-dessus de l’eau lorsque les rizières sont inondées, les maisons Bugis reflètent le mythe de la création de leur peuple, dans lequel les dieux du monde supérieur et du monde inférieur se sont réunis pour créer l’homme afin de peupler le monde intermédiaire inhabité. Les agriculteurs dépeints par la photographe sont également suspendus entre la tradition historique et les pressions imminentes du monde contemporain. Alors qu’ils vaquent à leurs occupations ou qu’ils saluent son appareil photo, ils sont, eux et leurs maisons, tenus en équilibre entre le passé et l’avenir, la mythologie et la réalité quotidienne. Avec ces images subtiles et délicates, Schulz-Dornburg capture la vie telle qu’elle est façonnée et vécue au sein d’une culture et d’un paysage particuliers, offrant une réflexion approfondie sur les lieux que nous appelons notre chez nous. Le livre de 64 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack.
Les éditions britanniques Setanta Books publient Momentos, le nouvel ouvrage de Paola Franqui, également connue sous le nom de Monaris, jeune photographe née à Porto Rico et passionnée par les récits visuels. Elle capture les moments qui nous entourent, les transformant en scènes de films qui n’existent pas encore. Ce qui n’était au départ qu’un passe-temps est rapidement devenu la grande passion de Paola et a changé sa vie d’une manière qu’elle n’aurait jamais pu imaginer. La narration est un élément clé sur lequel elle met l’accent dans son travail personnel et professionnel. Monaris explique : « J’essaie toujours de repousser mes propres limites internes en maîtrisant le timing et en affinant ma capacité à observer et à enregistrer ces moments décisifs dans le temps. Je suis un lecteur de personnes et je suis fascinée par le comportement humain. Je suis toujours curieuse et je me demande ce que vivent les gens que je prends en photo, quelles émotions ils traversent, et j’essaie de partager leurs histoires. Un instantané d’un moment qui ne se reproduira jamais. J’espère que les gens iront au-delà de leurs sens avec mes images, car je souhaite évoquer l’émotion derrière la vie que mènent ces personnes. » Combinant sa passion pour la narration visuelle et la photographie, Monaris a développé un style créatif distinct, axé sur la composition et la théorie des couleurs, qui permet de transformer ces brefs instants de la réalité en scènes dignes d’un film. Son authenticité derrière l’appareil photo fait ressortir l’humanité de ses sujets. Ce superbe ouvrage de 96 pages, imprimé sur papier noir, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de éditions Setanta Books.
Joseph Beuys, l’un des artistes allemands les plus influents de l’après-guerre, est célèbre pour ses dessins, ses performances, son activisme et son enseignement. Il a influencé toute une génération de jeunes artistes et a élargi le concept de l’art. Il a toujours eu un objectif ambitieux pour son oeuvre : transformer la culture occidentale en un lieu plus pacifique, démocratique et créatif. Il considérait également que tout le monde pouvait être un artiste et que l’art et la vie ne devaient pas être envisagés séparément. Publié par les éditions britanniques Prestel, Joseph Bueys – Posters rassemble toutes les affiches de l’artiste avant-gardiste dans l’ensemble de son œuvre. Ses premières affiches annonçaient souvent des expositions de ses propres performances artistiques, tandis que ses affiches ultérieures exprimaient ses opinions philosophiques et politiques, comme celles du parti vert allemand, dont il était un membre fondateur. Ce livre comprend des illustrations pleine page des plus importantes affiches de Beuys, des essais sur son influence, une biographie détaillée de l’artiste et un catalogue complet de toutes les affiches créées sous sa direction. Aucun autre média n’exprime mieux les convictions profondes de Beuys que ses affiches, qui utilisent un style de conception graphique qui lui est propre. Le livre de 256 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.
Les éditions britanniques Mack viennent de publier Archive, une impressionnante monographie de la photographe Bertien van Manen. Née aux Pays-Bas en 1942, van Manen vit actuellement à Amsterdam. Après avoir commencé sa carrière en tant que mannequin, la photographe est passée derrière l’objectif et a réalisé des photos de mode. En 1976, elle découvre le livre The American, de Robert Frank, qui l’amène vers la photographie documentaire. Travaillant ses sujets en profondeur, avec sensibilité, elle documente les pays de l’Est (A Hundred Summers, A Hundred Winters, 1991), la Chine (East Wind, West Wind, 2001) ou encore les Appalaches (Moonshine, 2014). À chaque série, la photographe explore des modes de présentation différents. Van Manen s’est imposée comme une personnalité exceptionnelle dans le domaine de la photographie documentaire, son langage visuel étant empreint d’empathie et de respect pour la vie quotidienne de ses sujets. Ce nouvel ouvrage présente une vue d’ensemble du travail de la photographe, ainsi que des extraits de son journal intime et des sélections inédites de ses archives. Le livre a été édité et conçu par le célèbre designer néerlandais Hans Gremmen pour offrir un panorama unique de l’histoire de Van Manen, faisant de cette publication l’ouvrage de référence ultime sur son œuvre. Ce sublime ouvrage de 384 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions Mack. Une version de l’ouvrage signé par la photographe est également proposée à la vente.
Publié par la galerie de Los Angeles Blum & Poe à l’occasion de l’exposition personnelle de Tomoo Gokita (du 15 mai au 26 juin 2021), Works Copyright rassemble des dizaines d’oeuvres de de l’artiste japonais parmi un vaste éventail d’autres images, allant de polaroïds et de photoshoots pris au hasard à ses créations pour des zines, des T-shirts, des couvertures de livres et d’albums remontant à son ancienne carrière de graphiste. Qu’elles soient peintes en nuances de gris ou en couleurs, les toiles de Gokita se caractérisent depuis longtemps par leurs sujets à forte charge psychologique : portraits inquiétants, natures mortes troublantes et abstractions oniriques. Les archétypes culturels que l’on retrouve dans ses œuvres de ces dix dernières années – des lutteurs et des starlettes aux danseurs et aux bureaucrates – ont été initialement inspirés de photographies que l’artiste a trouvées dans des magazines et des journaux anciens. Une fois plongé dans le processus d’application de la peinture sur la toile, il déformait spontanément ces images. Dans ses peintures récentes, cependant, Gokita ne se réfère plus à des documents imprimés : les figures et les formes émergent directement de son imagination. Plus éthérées et amorphes qu’auparavant, les figures surnaturelles de Gokita sont à la fois angéliques et démoniaques, rappelant les androïdes, les extraterrestres et autres chimères indéfinissables. Elles rappellent les créatures inquiétantes des films de science-fiction de série B tout en évoquant le langage populaire de Pablo Picasso, Salvador Dali, Giorgio De Chirico, Francis Bacon et Philip Guston. Cette publication comprend un essai de Jamieson Webster, le premier à examiner les images de Gokita à travers le prisme de la psychanalyse freudienne. Webster écrit : « son travail, qui met l’accent (parfois) sur une figuration réaliste, est rendu inquiétant en lui conférant une aura de relations humaines agressives et le simple fait d’une culture de surveillance constante. En effet, ce qui est inquiétant, c’est de mettre dans son œuvre le climat affectif du sur-moi, de montrer que nous vivons à une époque qui nous a poussés à la limite de la vie et de la mort. Notre véritable esthétique est l’inquiétude. » Le livre de 272 pages, publié dans une édition limitée à 1000 exemplaires, est maintenant disponible sur la boutique en ligne de la galerie Blum & Poe.
Les éditions britanniques Prestel publient une nouvelle édition de l’oeuvre phare du photographe William Klein: Painted Contacts. Travaillant à la croisée de la peinture et de la photographie, Klein a conçu cette série originale alors qu’il était en train d’examiner les planches contact d’autres photographes pour un film qu’il était en train de réaliser. Faisant référence à l’époque de la photographie argentique, où les photographes sélectionnaient leurs images en entourant les négatifs individuels sur une planche contact avec des crayons gras de couleur vive, les œuvres de Klein constituent un nouveau type d’objet d’art qui marie organiquement la peinture et la photographie. Les créations qui en résultent sont d’énormes œuvres murales dans lesquelles des couleurs vives et cinétiques encadrent et recadrent des images en noir et blanc agrandies provenant de toute sa carrière. La photographie de mode et de rue emblématique de Klein, toujours vive et audacieuse, acquiert une nouvelle dimension et une nouvelle pertinence dans cette seconde vie. Dans son avant-propos à cette édition, l’artiste américain aujourd’hui âgé de 93 ans décrit ces œuvres comme « tout en coups de pinceau et en allégresse. La frénésie de la peinture rappelle la joie de la prise de la photo. » Le livre de 140 pages est maintenant disponible dans les meilleures librairies, ainsi que sur Amazon.com.
Les éditions Schilt Publishing viennent de publier le nouvel ouvrage de Petra Barth, ANDERSWO / Elsewhere. La photographe allemande axe son art sur la mémoire, en relation avec les questions humaines, sociales et environnementales. En choisissant des communautés rurales dans des pays ayant une histoire d’après-guerre ou de conflit, Barth s’est remémorée de manière innée l’endroit où elle a grandi. Le projet a débuté en 2004 par un voyage au Nicaragua, suivi de visites prolongées en Amérique du Sud, et s’est poursuivi dans le reste du monde. Ce qui a commencé comme un processus intuitif d’exploration de pays étrangers et d’écoute des histoires des gens qui y vivent, s’est transformé en une expérience personnelle et profondément émotionnelle – le voyage d’une photographe pour en apprendre davantage sur elle-même. Les histoires qu’elle a recueillies ressemblaient à celles que lui racontaient ses grands-parents. Ces similitudes n’étaient pas liées à des lieux spécifiques; au contraire, comme la photographe a fini par le conclure, les lieux n’avaient aucune importance. Ainsi, lorsque le moment est venu de concevoir ce projet, il a été décidé de diviser le récit en trois sections « métaphoriques » – Mémoire, Histoires et Rêves – représentant chacune une étape de sa vie. Barth explique : « Ce sont toujours les petites choses qui ont compté dans ma vie, les moments qui sont souvent négligés ou oubliés parce que quelque chose de plus grand et peut-être de plus important s’est produit et a retenu mon attention. Les photographies réunies dans ANDERSWO / Elsewhere révèlent ces petites observations précieuses qui ont enrichi ma vie et célèbrent les personnes qui ont partagé leurs expériences avec moi au cours de mes voyages, comme je le fais maintenant avec vous. » Ce livre est un trait d’union entre le travail documentaire de la photographe et ses émotions, et permet au lecteur de jeter un regard plus profond sur l’expérience de Petra Barth et d’apprendre comment cette expérience l’a façonnée pour devenir la photographe qu’elle est aujourd’hui. L’ouvrage de 160 pages est maintenant disponible sur la boutique en ligne des éditions allemandes Schilt Publishing.
